Kira Nam Greene es una pintora residente en Nueva York conocida por su combinación de imágenes etnográficas, realismo meticuloso y patrones en capas. [1] [2] Greene ha expresado su compromiso con la pintura como una forma de explorar el feminismo, el materialismo y la belleza. [3] [4] [5]
Greene nació en Seúl, Corea y vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York. [6] Recibió su BFA del Instituto de Arte de San Francisco , su MFA de la Escuela de Artes Visuales . Antes de convertirse en artista, Greene obtuvo su doctorado en Ciencias Políticas de la Universidad de Stanford y una licenciatura en Relaciones Internacionales de la Universidad Nacional de Seúl . [7] [8] [9] [10]
Greene ha mostrado su trabajo en lugares como Sheldon Museum of Art , [11] [12] Muskegon Museum of Art, [13] Brown University , [14] Salisbury University , [15] Wave Hill , Bronx Museum of Art , [16] ] Museo Noyes, Galería AIR , [17] Galería Accola Griefen, [18] Galería Lodge, [19] Kiechel Fine Art [20] y Galería Jane Lombard. [21] También ha sido artista visitante y ha dado conferencias en instituciones como el Museo de Brooklyn, [22] Facultad de arte del Instituto de Maryland , Union College , [23] Universidad de Salisbury , SFAI , Escuela de artes visuales , Universidad de Rutgers . Es miembro de la facultad en los departamentos de MFA y BFA en Parsons (The New School). [24] En 2018 fue la cátedra de pintura MICA Geneviève McMillan/Reba Stewart Endowed. [25] En 2018 fue semifinalista del premio de pintura Outwin Boochever y finalista del Premio Bennet para mujeres que trabajan en pintura figurativa. [26] [27] [28]En octubre de 2021, fue elegida como una de las 42 finalistas del premio de pintura Outwin Boochever de la Galería Nacional de Retratos del Smithsonian, cuyos ganadores se anunciarán el 29 de abril de 2022. [29]
El trabajo de Greene se centra principalmente en la exploración feminista de la pintura frente a la combinación de patrones abstractos con formas de representación. [30] [31] Esta estrategia busca "desfamiliarizar el espacio natural e invitar a encuentros extensos y sensuales con las pinturas, donde coexisten diversos modos de representación y donde el cuerpo aparece como si se viera por primera vez". En lugar de la figura humana, su trabajo anterior utilizó bodegones, especialmente alimentos como sustitutos alegóricos de la subjetividad femenina. [32] [33] [34] La escritora y curadora de arte Emily Colucci comentó sobre el uso que hace Greene de la comida y las imágenes corporales: "La pintura de Greene no solo dio un giro al notorio comentario de Trump sobre agarrarse el coño, sino que también insinuó las cualidades vaginales de la papaya. La pintura, particularmente en el contexto de su título, hace referencia con humor al largo legado en el arte feminista de usar la comida como sustituto del cuerpo, como se ve en obras como las pinturas 100 Food Porn de Marilyn Minter". [35] En parte estimulada por los recientes desarrollos en la política en Estados Unidos, Greene pinta mujeres en campos creativos, posadas para hacerse eco de las pinturas figurativas históricas. Entrevistarlos e investigar sobre su vida laboral genera formas de representar pictóricamente, a través de alusiones, íconos, objetos, patrones,[36] [37] Jorge Daniel Veneciano, ex director del Museo de Arte Sheldon , al comentar sobre la vitalidad del género de la naturaleza muerta en la era del transnacionalismo y el globalismo, afirma que "la pintura reciente de Greene ofrece una archiinterpretación de la naturaleza muerta". El género de la vida y las promesas que hace. El juego de palabras en el título, Archway to Happiness, puede o no ser su intención, pero apoya una lectura de la obra como un comentario satírico sobre la retórica misma del género. También pone en primer plano lo transnacional. naturaleza muerta, con alusiones a las culturas celta, morisca y panasiática". [38]