Educación musical

"Profesor de música" vuelve a dirigir aquí. Para la película india de 2019, vea Music Teacher (película) .

Una maestra de jardín de infancia alemana instruye a sus alumnos en el canto.

La educación musical es un campo de práctica en el que los educadores se capacitan para carreras como maestros de música de primaria o secundaria , directores de conjuntos de escuelas o conservatorios de música . Asimismo, la educación musical es un área de investigación en la que los académicos realizan investigaciones originales sobre las formas de enseñar y aprender música . Los académicos de educación musical publican sus hallazgos en revistas revisadas por pares y enseñan a estudiantes de pregrado y posgrado en educación universitaria o escuelas de música, que se están capacitando para convertirse en profesores de música.

La educación musical abarca todos los dominios del aprendizaje, incluido el dominio psicomotor (el desarrollo de habilidades), el dominio cognitivo (la adquisición de conocimientos) y, en particular, el dominio afectivo (la voluntad del alumno de recibir, internalizar y compartir lo que es). aprendido), incluida la apreciación de la músicay sensibilidad. Muchos planes de estudio de educación musical incorporan el uso de habilidades matemáticas, así como el uso fluido y la comprensión de una lengua o cultura secundaria. Se ha demostrado que la consistencia de la práctica de estas habilidades beneficia a los estudiantes en una multitud de otras áreas académicas, así como también mejora el desempeño en pruebas estandarizadas como ACT y SAT. La formación musical desde el preescolar hasta la educación postsecundaria es común porque la participación en la música se considera un componente fundamental de la cultura y el comportamiento humanos.. Las culturas de todo el mundo tienen diferentes enfoques de la educación musical, en gran parte debido a las diferentes historias y políticas. Los estudios muestran que enseñar música de otras culturas puede ayudar a los estudiantes a percibir sonidos desconocidos con mayor comodidad, y también muestran que la preferencia musical está relacionada con el idioma hablado por el oyente y los otros sonidos a los que están expuestos dentro de su propia cultura.

Durante el siglo XX, se desarrollaron o perfeccionaron muchos enfoques distintivos para la enseñanza de la música, algunos de los cuales han tenido un impacto generalizado. El método Dalcroze ( euritmia ) fue desarrollado a principios del siglo XX por el músico y educador suizo Émile Jaques-Dalcroze . El Método Kodály enfatiza los beneficios de la instrucción física y la respuesta a la música. El enfoque de Orff Schulwerk para la educación musical lleva a los estudiantes a desarrollar sus habilidades musicales de una manera que se asemeja al desarrollo de la música occidental.

El método Suzuki crea el mismo entorno para aprender música que tiene una persona para aprender su lengua materna. Gordon Music Learning Theory proporciona al maestro de música un método para enseñar la musicalidad a través de la audición , el término de Gordon para escuchar música en la mente con comprensión . Solfeo conversacional sumerge a los estudiantes en la literatura musical de su propia cultura, en este caso estadounidense. El método Carabo-Cone implica el uso de accesorios, disfraces y juguetes para que los niños aprendan los conceptos musicales básicos del pentagrama, la duración de las notas y el teclado del piano. El entorno concreto del aula especialmente planificada permite que el niño aprenda los fundamentos de la música explorando a través del tacto. ^[1] El MMCP(Proyecto de currículo musical de Manhattanville) tiene como objetivo moldear las actitudes, ayudando a los estudiantes a ver la música como algo personal, actual y en evolución. La pedagogía de la música popular consiste en la enseñanza y el aprendizaje sistemáticos de la música rock y otras formas de música popular, tanto dentro como fuera del aula formal. Algunos han sugerido que ciertas actividades musicales pueden ayudar a mejorar el control de la respiración, el cuerpo y la voz de un niño. ^[2]

Resumen

Un profesor de música de primaria que instruía a un niño en 1957 en los Países Bajos.

En las escuelas primarias de los países europeos , los niños a menudo aprenden a tocar instrumentos como teclados o flautas dulces , cantar en pequeños coros y aprender sobre los elementos de la música y la historia de la música . En países como India , el armonio se usa en las escuelas, pero también son comunes los instrumentos como los teclados y el violín. A los estudiantes normalmente se les enseñan los conceptos básicos de la música india Raga . En las escuelas primarias y secundarias , los estudiantes a menudo pueden tener la oportunidad de actuar en algún tipo de conjunto musical , como un coro , una orquesta., o banda de la escuela : banda de concierto , banda de música o banda de jazz . En algunas escuelas secundarias, también pueden estar disponibles clases de música adicionales. En la escuela secundaria o su equivalente, la música sigue siendo una parte obligatoria del plan de estudios . ^[3]

A nivel universitario , los estudiantes en la mayoría de los programas de artes y humanidades reciben crédito académico por cursos de música como historia de la música, típicamente de música artística occidental, o apreciación musical , que se enfoca en escuchar y aprender sobre diferentes estilos musicales. Además, la mayoría de las universidades norteamericanas y europeas ofrecen conjuntos de música, como coro, banda de concierto, banda de música u orquesta, que están abiertos a estudiantes de diversos campos de estudio. La mayoría de las universidades también ofrecen programas de grado en educación musical, certificando a los estudiantes como educadores musicales de primaria y secundaria. Grados avanzados como el DMA o el Ph.Dpuede conducir a un empleo universitario. Estos títulos se otorgan al completar teoría musical, historia de la música, clases de técnica, instrucción privada con un instrumento específico, participación en conjunto y observaciones en profundidad de educadores experimentados. Los departamentos de educación musical de las universidades norteamericanas y europeas también apoyan la investigación interdisciplinaria en áreas como la psicología musical, la historiografía de la educación musical , la etnomusicología educativa , la sociomusicología y la filosofía de la educación .

El estudio de la música artística occidental es cada vez más común en la educación musical fuera de América del Norte y Europa, incluidas las naciones asiáticas como Corea del Sur, Japón y China. Al mismo tiempo, las universidades y colegios occidentales están ampliando su plan de estudios para incluir música de fuera del canon de música artística occidental, incluida la música de África occidental , de Indonesia (p. Ej., Música de Gamelan ), México (p. Ej., Música de mariachi ), Zimbabwe ( música de marimba). ), así como música popular .

La educación musical también se lleva a cabo en el aprendizaje individualizado a lo largo de toda la vida y en contextos comunitarios. Tanto los músicos aficionados como los profesionales suelen tomar lecciones de música , sesiones privadas breves con un profesor individual.

Metodologías de instrucción

Si bien las estrategias de instrucción están determinadas por el maestro de música y el plan de estudios de música en su área, muchos maestros dependen en gran medida de una de las muchas metodologías de instrucción que surgieron en las generaciones recientes y se desarrollaron rápidamente durante la segunda mitad del siglo XX.

Principales métodos internacionales de educación musical

Método Dalcroze

Artículo principal: euritmia

Émile Jaques-Dalcroze

El método Dalcroze fue desarrollado a principios del siglo XX por el músico y educador suizo Émile Jaques-Dalcroze . El método se divide en tres conceptos fundamentales: el uso de solfeo , improvisación y euritmia.. A veces denominada "gimnasia rítmica", la eurítmica enseña conceptos de ritmo, estructura y expresión musical mediante el movimiento, y es el concepto por el que Dalcroze es más conocido. Se enfoca en permitir que el estudiante adquiera conciencia física y experiencia de la música a través de un entrenamiento que involucra todos los sentidos, particularmente kinestésico. Según el método Dalcroze, la música es el lenguaje fundamental del cerebro humano y, por lo tanto, está profundamente conectado con quienes somos. Los defensores estadounidenses del método Dalcroze incluyen a Ruth Alperson, Ann Farber, Herb Henke, Virginia Mead, Lisa Parker, Martha Sanchez y Julia Schnebly-Black. Muchos maestros activos del método Dalcroze fueron capacitados por la Dra. Hilda Schuster, quien fue una de las estudiantes de Dalcroze.

Método Kodály

Artículo principal: método Kodály

Representación de los signos con las manos Solfège de Curwen. Esta versión incluye las tendencias tonales y títulos interesantes para cada tono.

Zoltán Kodály (1882-1967) fue un destacado educador y compositor musical húngaro que destacó los beneficios de la instrucción física y la respuesta a la música. Aunque no es realmente un método educativo, sus enseñanzas se encuentran dentro de un marco educativo divertido construido sobre una sólida comprensión de la teoría musical básica y la notación musical en varias formas verbales y escritas. El objetivo principal de Kodály era inculcar a sus alumnos un amor por la música para toda la vida y sintió que era el deber de la escuela del niño proporcionar este elemento vital de la educación. Algunos de los métodos de enseñanza característicos de Kodály incluyen el uso de signos de solfeo con las manos, notación taquigráfica musical (notación de baquetas ) y solmización rítmica .(verbalización). La mayoría de los países han utilizado sus propias tradiciones de música folclórica para construir su propia secuencia de instrucción, pero Estados Unidos utiliza principalmente la secuencia húngara. El trabajo de Denise Bacon, Katinka S. Daniel, John Feierabend, Jean Sinor, Jill Trinka y otros llevaron las ideas de Kodaly a la vanguardia de la educación musical en los Estados Unidos.

Orff Schulwerk

Artículo principal: Orff Schulwerk

Una selección de instrumentos utilizados en el método de educación musical de Orff.

Carl Orff fue un destacado compositor alemán. Orff Schulwerk se considera un "acercamiento" a la educación musical. Comienza con las habilidades innatas del estudiante para participar en formas rudimentarias de música, utilizando ritmos y melodías básicos. Orff considera que todo el cuerpo es un instrumento de percusión y se lleva a los estudiantes a desarrollar sus habilidades musicales de una manera que se asemeja al desarrollo de la música occidental. El enfoque fomenta el autodescubrimiento de los estudiantes, fomenta la improvisación y desalienta las presiones de los adultos y los ejercicios mecánicos. Carl Orff desarrolló un grupo especial de instrumentos, incluidas modificaciones del glockenspiel , xilófono , metalófono , batería y otros instrumentos de percusión.para adaptarse a los requisitos de los cursos de Schulwerk. Cada barra de los instrumentos se puede quitar para permitir que se formen diferentes escalas. Los instrumentos de Orff desarrollan las habilidades motoras , tanto visual como cinestésicamente, en los niños más pequeños que podrían no haber desarrollado aún esas habilidades para otros instrumentos. ^[4] Los expertos en dar forma a un enfoque Orff al estilo estadounidense incluyen a Jane Frazee, Arvida Steen y Judith Thomas. ^[5]

Método Suzuki

Artículo principal: método Suzuki

Un grupo de estudiantes del método Suzuki tocando el violín.

El método Suzuki fue desarrollado por Shinichi Suzuki en Japón poco después de la Segunda Guerra Mundial y utiliza la educación musical para enriquecer la vida y el carácter moral.de sus alumnos. El movimiento se basa en la doble premisa de que "todos los niños pueden estar bien educados" en música, y que aprender a tocar música a un alto nivel también implica aprender ciertos rasgos de carácter o virtudes que embellecen el alma de una persona. El método principal para lograr esto se centra en crear el mismo entorno para aprender música que tiene una persona para aprender su lengua materna. Este entorno "ideal" incluye amor, ejemplos de alta calidad, elogios, entrenamiento de memoria y repetición, y un calendario establecido por la preparación del desarrollo del estudiante para aprender una técnica en particular. Si bien el Método Suzuki es bastante popular a nivel internacional, dentro de Japón su influencia es menos significativa que el Método Yamaha.fundada por Genichi Kawakami en asociación con elFundación Musical Yamaha .

Otros métodos notables

Además de los cuatro métodos internacionales principales descritos anteriormente, otros enfoques han sido influyentes. Los métodos menos conocidos se describen a continuación:

Teoría del aprendizaje musical de Gordon

Artículo principal: teoría del aprendizaje musical de Gordon

La teoría del aprendizaje musical de Edwin Gordon se basa en un extenso cuerpo de investigación y pruebas de campo realizadas por Edwin E. Gordon y otros en el campo más amplio de la teoría del aprendizaje musical . Proporciona a los profesores de música un marco integral para enseñar la musicalidad a través de la audición , el término de Gordon para escuchar música en la mente con comprensión y comprensión cuando el sonido no está físicamente presente. ^[6]La secuencia de instrucciones es el aprendizaje por discriminación y el aprendizaje por inferencia. Discriminación Aprendizaje, la capacidad de determinar si dos elementos son iguales o no iguales mediante asociación oral / auditiva, verbal, síntesis parcial, asociación simbólica y síntesis compuesta. Con el aprendizaje por inferencia, los estudiantes toman un papel activo en su propia educación y aprenden a identificar, crear e improvisar patrones desconocidos. ^[7] Las habilidades y secuencias de contenido dentro de la teoría de la audición ayudan a los profesores de música a establecer objetivos curriculares secuenciales de acuerdo con sus propios estilos de enseñanza y creencias. ^[8] También existe una teoría del aprendizaje para recién nacidos y niños pequeños en la que se describen los tipos y etapas de la audición preparatoria.

Pedagogía de músicas del mundo

El crecimiento de la diversidad cultural dentro de las poblaciones en edad escolar impulsó a los educadores musicales a partir de la década de 1960 a diversificar el plan de estudios de música y a trabajar con etnomusicólogos y artistas-músicos para establecer prácticas de instrucción arraigadas en las tradiciones musicales. Patricia Shehan Campbell acuñó la 'pedagogía de las músicas del mundo'describir el contenido y la práctica de música del mundo en programas de música de escuelas primarias y secundarias. Los pioneros del movimiento, especialmente Barbara Reeder Lundquist, William M. Anderson y Will Schmid, influyeron en una segunda generación de educadores musicales (incluidos J. Bryan Burton, Mary Goetze, Ellen McCullough-Brabson y Mary Shamrock) para diseñar y entregar programas curriculares. modelos para profesores de música de varios niveles y especializaciones. La pedagogía aboga por el uso de recursos humanos, es decir, "portadores de cultura", así como por la escucha profunda y continua de los recursos archivados como los de Smithsonian Folkways Recordings. ^[9]

Solfeo conversacional

Influenciado tanto por el método Kodály como por la teoría del aprendizaje musical de Gordon, el solfeo conversacional fue desarrollado por el Dr. John M. Feierabend, ex presidente de educación musical en Hartt School , Universidad de Hartford . El programa comienza sumergiendo a los estudiantes en la literatura musical de su propia cultura, en este caso estadounidense. La música se considera separada de la notación y es más fundamental que ella. En doce etapas de aprendizaje, los estudiantes pasan de escuchar y cantar música a decodificar y luego crear música usando sílabas habladas y luego notación escrita estándar. En lugar de implementar el método Kodály directamente, este método sigue las instrucciones originales de Kodály y se basa en las propias canciones populares de Estados Unidos en lugar de en las canciones populares húngaras.

Método Carabo-Cono

Este enfoque de la primera infancia, a veces denominado enfoque sensorial-motor de la música, fue desarrollado por la violinista Madeleine Carabo-Cone. Este enfoque implica el uso de accesorios, disfraces y juguetes para que los niños aprendan conceptos musicales básicos del pentagrama, la duración de las notas y el teclado del piano. El entorno concreto del aula especialmente planificada permite que el niño aprenda los fundamentos de la música explorando a través del tacto. ^[1]

Pedagogía de la música popular

Artículo principal: Pedagogía de la música popular

Estudiantes de la Escuela de Música Rock Paul Green actuando en la Feria Fremont 2009, Seattle, Washington.

La 'pedagogía de la música popular', también llamada pedagogía de la música rock, banda moderna, educación musical popular o educación musical rock, es un desarrollo de la década de 1960 en la educación musical que consiste en la enseñanza y el aprendizaje sistemáticos de la música rock y otras formas de música popular tanto dentro como fuera de los entornos formales del aula. La pedagogía de la música popular tiende a enfatizar la improvisación grupal, ^[10] y se asocia más comúnmente con actividades musicales comunitarias que con conjuntos musicales escolares completamente institucionalizados. ^[11]

Proyecto de currículo musical de Manhattanville

Artículo principal: MMCP

El Proyecto de Currículo de Música de Manhattanville se desarrolló en 1965 como respuesta a la disminución del interés de los estudiantes en la música escolar. Este enfoque creativo tiene como objetivo dar forma a las actitudes, ayudando a los estudiantes a ver la música no como un contenido estático que debe dominarse, sino como algo personal, actual y en evolución. En lugar de impartir conocimiento fáctico, este método se centra en el estudiante, que aprende a través de la investigación, la experimentación y el descubrimiento. El maestro le da a un grupo de estudiantes un problema específico para resolver juntos y permite la libertad de crear, interpretar, improvisar, dirigir, investigar e investigar diferentes facetas de la música en un plan de estudios en espiral. MMCP se considera el precursor de proyectos de composición musical creativa y actividades de improvisación en las escuelas. ^{[12] [13]}

Historia de la educación musical en los Estados Unidos

Siglo 18

Después de la predicación del reverendo Thomas Symmes, la primera escuela de canto se creó en 1717 en Boston con el propósito de mejorar el canto y la lectura musical en la iglesia. Estas escuelas de canto se extendieron gradualmente por las colonias. La educación musical continuó floreciendo con la creación de la Academia de Música en Boston. El reverendo John Tufts publicó Una introducción al canto de melodías de salmo utilizando notación no tradicional, que se considera el primer libro de texto de música en las colonias. Entre 1700 y 1820, autores como Samuel Holyoke, Francis Hopkinson, William Billings y Oliver Holden publicaron más de 375 libros de melodías. ^[14]

La música comenzó a extenderse como materia curricular a otros distritos escolares. Poco después, la música se expandió a todos los niveles de grado y se mejoró la enseñanza de la lectura musical hasta que el plan de estudios de música creció para incluir varias actividades además de la lectura musical. A fines de 1864, la música de las escuelas públicas se había extendido por todo el país.

Siglo XIX

En 1832, Lowell Mason y George Webb formaron la Academia de Música de Boston con el propósito de enseñar canto y teoría, así como métodos de enseñanza de la música. Mason publicó su Manuel de Instrucción en 1834, que se basó en las obras de educación musical del Sistema de Educación Pestalozziano fundado por el educador suizo Johann Heinrich Pestalozzi.. Este manual fue utilizado gradualmente por muchos profesores de escuelas de canto. De 1837 a 1838, el Comité Escolar de Boston permitió que Lowell Mason enseñara música en la Escuela Hawes como demostración. Se considera que esta es la primera vez que se introdujo la educación musical en las escuelas públicas de los Estados Unidos. En 1838, el Comité Escolar de Boston aprobó la inclusión de la música en el plan de estudios y Lowell Mason se convirtió en el primer supervisor reconocido de música elemental. En años posteriores, Luther Whiting Mason se convirtió en Supervisor de Música en Boston y difundió la educación musical en todos los niveles de la educación pública (gramática, primaria y secundaria).

A mediados del siglo XIX, Boston se convirtió en el modelo al que muchas otras ciudades de los Estados Unidos incluyeron y dieron forma a sus programas de educación musical en escuelas públicas. ^[15] La metodología musical para profesores como curso se introdujo por primera vez en la Escuela Normal de Potsdam. El concepto de maestros de aula en una escuela que enseñaba música bajo la dirección de un supervisor musical fue el modelo estándar para la educación musical en las escuelas públicas durante este siglo. (Véase también: Educación musical en los Estados Unidos ) Si bien en el siglo XIX se desanimó a las mujeres a componer, "más tarde, se aceptó que las mujeres tendrían un papel en la educación musical, y se involucraron en este campo ... hasta tal punto que las mujeres dominaron la educación musical durante la última mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo XX ". ^[16]

Principios del siglo XX

En los Estados Unidos, los colegios de enseñanza con programas de grado de cuatro años se desarrollaron a partir de las escuelas normales e incluían música. El Conservatorio de Oberlin ofreció por primera vez el título de Licenciado en Educación Musical. Osbourne G. McCarthy, un educador musical estadounidense, presentó detalles para estudiar música para obtener créditos en Chelsea High School. Los eventos notables en la historia de la educación musical a principios del siglo XX también incluyen:

• Fundación de la Conferencia Nacional de Supervisores de Música (cambiada a Conferencia Nacional de Educadores de Música en 1934, luego MENC: La Asociación Nacional para la Educación Musical en 1998, y actualmente la Asociación Nacional para la Educación Musical - NAfME ) en Keokuk, Iowa en 1907.
• Aumento de la banda escolar y el movimiento de orquesta que condujo a programas de música escolar orientados a la interpretación.
• Crecimiento de publicaciones sobre métodos musicales .
• Frances Elliot Clark desarrolla y promueve bibliotecas de discos fonográficos para uso escolar.
• Carl Seashore y su prueba de aptitud musical Measures of Musical Talent comienza a probar a las personas en la música.

Mediados del siglo XX al siglo XXI

La siguiente tabla ilustra algunos desarrollos notables de este período:

Fecha	Importante evento	Importancia histórica para la educación musical
1950	Declaración de derechos del niño sobre la música [17]	MENC adoptó formalmente una filosofía centrada en el estudiante.
1953	Se formó la Asociación Estadounidense de Directores de Bandas Escolares	El movimiento de la banda se organiza.
1957	Lanzamiento de Sputnik	Mayor enfoque curricular en ciencias, matemáticas, tecnología con menos énfasis en la educación musical.
1959	Proyecto de Música Contemporánea	El propósito del proyecto era hacer que la música contemporánea fuera relevante para los niños colocando compositores e intérpretes de calidad en el entorno de aprendizaje. Conduce al movimiento Comprehensive Musicianship .
1961	Americana Coral de la Asociación de Directores formado	El movimiento coral se organiza.
1963	Seminario de Yale	Desarrollo de la educación artística con apoyo federal que se centra en la literatura musical de calidad en el aula. El Proyecto Juilliard conduce a la compilación y publicación de obras musicales de las principales épocas históricas para escuelas primarias y secundarias.
1965	Fondo Nacional de las Artes	Apoyo financiero federal y reconocimiento del valor que tiene la música en la sociedad.
1967	Simposio Tanglewood	Establecimiento de una filosofía unificada y ecléctica de educación musical. Énfasis específico en música juvenil, música de educación especial, música urbana y música electrónica.
1969	Proyecto GO	35 Objetivos enumerados por MENC para programas de educación musical de calidad en escuelas públicas. Publicado y recomendado para que lo sigan los educadores musicales.
1978	El Simposio de Ann Arbor	Enfatizó el impacto de la teoría del aprendizaje en la educación musical en las áreas de: percepción auditiva, aprendizaje motor, desarrollo infantil, habilidades cognitivas, procesamiento de la memoria, afecto y motivación.
1984	Simposio Convertirse en humanos a través de la música	" El Simposio Wesleyano sobre las Perspectivas de la Antropología Social en la Enseñanza y Aprendizaje de la Música " (Middletown, Connecticut, 6 al 10 de agosto de 1984). Enfatizó la importancia del contexto cultural en la educación musical y las implicaciones culturales de la demografía rápidamente cambiante en los Estados Unidos.
1990	Simposio multicultural de educación musical	A partir de la conciencia de la creciente diversidad de la población escolar estadounidense, el Simposio de tres días para maestros de música fue copatrocinado por MENC, la Sociedad de Etnomusicología y la Institución Smithsonian, con el fin de proporcionar modelos, materiales y métodos. para enseñar música de las culturas del mundo a escolares y jóvenes.
1994	Estándares nacionales para la educación musical	Durante gran parte de la década de 1980, hubo un llamado a la reforma educativa y la rendición de cuentas en todas las materias curriculares. Esto condujo a los Estándares Nacionales para la Educación Musical [18] introducidos por MENC. Los estándares MENC fueron adoptados por algunos estados, mientras que otros estados han elaborado sus propios estándares o han evitado en gran medida el movimiento de estándares.
1999	El Simposio Housewright / Visión 2020	Examinaron filosofías y prácticas cambiantes y predijeron cómo se verá (o debería) la educación musical estadounidense en el año 2020.
2007	Tanglewood II: Trazando el futuro [19]	Reflexionó sobre los 40 años de cambio en la educación musical desde el primer Simposio Tanglewood de 1967, desarrollando una declaración sobre las prioridades para los próximos cuarenta años.
2014	Estándares nacionales revisados ​​para la educación musical	Los Estándares Nacionales creados en 1994 fueron revisados ​​con énfasis en la alfabetización musical. En lugar de los 9 estándares de contenido, hay 4 procesos artísticos (Crear, Realizar, Responder y Conectar) con 2-3 estándares de anclaje por proceso.

La oferta de cursos de música e incluso los programas de grado completos en educación musical en línea se desarrollaron en la primera década del siglo XXI en varias instituciones, y los campos de la pedagogía de la música mundial y la pedagogía de la música popular también han experimentado una expansión notable.

A finales del siglo XX y principios del XXI, los aspectos sociales de la enseñanza y el aprendizaje de la música pasaron a primer plano. Esto surgió como educación musical praxial, ^[20] teoría crítica, ^[21] y teoría feminista. ^[22] De importancia son los coloquios y revistas del MayDay Group, "un grupo de expertos internacional de educadores musicales que tiene como objetivo identificar, criticar y cambiar patrones de actividad profesional que se dan por sentados, enfoques polémicos del método y la filosofía, y políticas educativas y presiones públicas que amenazan la práctica efectiva y la comunicación crítica en la educación musical ". ^[23] Con un nuevo enfoque en los aspectos sociales de la educación musical, los académicos han analizado aspectos críticos como la música y la raza, ^[24] género,^[25] clase, ^[26] pertenencia institucional, ^[27] y sostenibilidad. ^[28]

Europa

La música ha sido un tema destacado en las escuelas y otras instituciones de aprendizaje en Europa durante muchos siglos. Instituciones tan tempranas como el Coro de la Capilla Sixtina y el Coro de Niños de Viena ofrecieron importantes modelos tempranos de aprendizaje coral, mientras que el Conservatorio de París se convirtió más tarde en influyente para la formación en instrumentos de banda de viento. En Europa se desarrollaron varios métodos de instrucción que luego afectarían a otras partes del mundo, incluidos los afiliados a Zoltan Kodaly , Carl Orff , Émile Jaques-Dalcroze y ABRSM , por nombrar solo algunos. Organizaciones profesionales notables en el continente ahora incluyen la rama regional de Europa de laSociedad Internacional de Educación Musical y Asociación Europea de Conservatorios . En las últimas décadas, Europa Central, Meridional y Oriental han tendido a enfatizar con éxito la herencia de la música clásica , mientras que los países nórdicos han promovido especialmente la música popular en las escuelas. ^[29]

India

La educación musical institucional se inició en la India colonial por Rabindranath Tagore después de que fundó la Universidad Visva-Bharati . En la actualidad, la mayoría de las universidades tienen una facultad de música con algunas universidades especialmente dedicadas a las bellas artes como la Universidad Indira Kala Sangeet , la Facultad de Música Swathi Thirunal o la Universidad Rabindra Bharati . La música clásica india se basa en el sistema de parampara Guru-Shishya . El maestro , conocido como Guru , transmite el conocimiento musical al alumno, o shyshya. Este sigue siendo el principal sistema utilizado en India.transmitir conocimientos musicales. Aunque la música artística europea se popularizó en las escuelas de gran parte del mundo durante el siglo XX (Asia oriental, América Latina, Oceanía, África), India sigue siendo una de las pocas naciones densamente pobladas en las que las tradiciones musicales autóctonas no europeas han recibido de manera constante y relativa mayor énfasis. Dicho esto, ciertamente hay mucha influencia occidental en la música popular asociada con las bandas sonoras de las películas de Bollywood .

Java

La isla indonesia de Java es conocida por su rica cultura musical, centrada en la música gamelán . Los dos juegos de instrumentos de gamelán más antiguos, que datan del siglo XII, se encuentran en los kratons (palacios) de las ciudades de Yogyakarta y Surakarta . La música gamelan es una parte integral de la cultura javanesa: es parte de ceremonias religiosas, bodas, funerales, actividades palaciegas, feriados nacionales y reuniones de la comunidad local. En los últimos años, ha habido un mercado creciente para el turismo asociado a gamelán: varias empresas organizan visitas para turistas que deseen participar y aprender gamelán. ^[30]

La música de Gamelan tiene un enfoque pedagógico distinto. El término maguru panggul, traducido significa "enseñar con el mazo" describe el enfoque maestro-aprendiz que se utiliza con mayor frecuencia al enseñar la música. El maestro demuestra pasajes largos de música a la vez, sin detenerse para que el alumno demuestre comprensión del pasaje, como en una pedagogía musical occidental. Un maestro y un alumno se sientan frecuentemente en lados opuestos de un instrumento de tambor o mazo, para que ambos puedan tocarlo. Esto le brinda al maestro una manera fácil de demostrar, y el estudiante puede estudiar e imitar las acciones del maestro. El maestro entrena al jugador de kendang, que es el líder del conjunto. El profesor trabaja uno a uno con ellos y repite las partes tantas veces como sea necesario hasta que la pieza sea rítmica y estilísticamente precisa. A veces se confía en el jugador de Kendang para transmitir la música a sus compañeros de gamelan.^[31]

África

El Departamento de Educación de Sudáfrica y el ILAM Music Heritage Project SA enseñan música africana utilizando un marco musical occidental. El programa Listen and Learn de ILAM para estudiantes de 11 a 14 años es "único" en la enseñanza de los requisitos del plan de estudios para la música occidental utilizando grabaciones de música tradicional africana. ^[32]

Desde el momento en que África fue colonizada hasta 1994, la enseñanza de la música y las artes indígenas en las escuelas fue algo raro. El Congreso Nacional Africano (ANC) intentó reparar el abandono del conocimiento indígena y el énfasis abrumador en la alfabetización musical escrita en las escuelas. No es bien sabido que el aprendizaje de la música indígena tiene en realidad una filosofía y un procedimiento de enseñanza diferente al de la formación “formal” occidental. Involucra a toda la comunidad porque las canciones indígenas son sobre la historia de su gente. Después de la colonización de África, la música se centró más en las creencias cristianas y las canciones populares europeas, en lugar de la música indígena más improvisada y fluida. Antes de los grandes cambios que atravesó la educación de 1994 a 2004, durante la primera década del gobierno democrático,los maestros fueron capacitados como maestros de aula y se les dijo que tendrían que incorporar la música en otras áreas temáticas. Las pocas universidades con programas de enseñanza que incluían programas instrumentales tenían un mayor énfasis en la teoría musical, la historia de la música occidental, la notación musical occidental y menos en hacer música. Hasta 1999, la mayoría de los programas de estudios universitarios no incluían formación en música indígena sudafricana.^[33]

En las culturas africanas, la música se considera una experiencia comunitaria y se utiliza para ocasiones sociales y religiosas. Tan pronto como los niños muestren algún signo de poder manejar música o algún instrumento musical se les permite participar con los adultos de la comunidad en eventos musicales. Las canciones tradicionales son más importantes para muchas personas porque son historias sobre las historias de los pueblos indígenas. ^[34]

América del Sur

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Entre los aztecas, mayas e incas, la música se usaba en ceremonias y rituales para enseñar la historia de sus civilizaciones y también se usaba para el culto. El pueblo azteca fue educado principalmente por sus sacerdotes. La música siguió siendo una forma importante de enseñar religión e historia y fue enseñada por sacerdotes durante muchos siglos. Cuando España y Portugal colonizaron partes de América del Sur, la música comenzó a estar influenciada por las ideas y cualidades europeas. Varios sacerdotes de ascendencia europea, como Antonio Sepp, enseñaron sistemas europeos de notación musical y teoría basados ​​en su conocimiento de tocar instrumentos a lo largo del 1700-1800. Dado que la música se enseñaba al público en general de memoria, muy pocos sabían leer música aparte de los que tocaban instrumentos hasta los siglos XIX y XX.El desarrollo de la música en América del Sur siguió principalmente al desarrollo europeo. Se formaron coros para cantar misas, cánticos, salmos, pero la música secular también se hizo más frecuente en los siglos XVII y XVIII y más allá.^[35]

La educación musical en América Latina hoy tiene un gran énfasis en la música folclórica, las masas y la música orquestal. Muchas aulas enseñan a sus coros a cantar en su lengua materna y también en inglés. Varias escuelas latinoamericanas, específicamente en Puerto Rico y Haití, creen que la música es un tema importante y están trabajando para expandir sus programas. Fuera de la escuela, muchas comunidades forman sus propios grupos y organizaciones musicales. Las actuaciones comunitarias son muy populares entre el público local. Hay algunos grupos corales latinoamericanos muy conocidos, como "El Coro de Madrigalistas" de México. Este famoso grupo coral realiza una gira por México, mostrando a los estudiantes de todo el país cómo suena un conjunto coral profesional. ^[36]

Existe evidencia del impacto positivo de la participación en orquestas juveniles y el rendimiento académico y la resiliencia en Chile. ^[37]

Educación musical intercultural

La música, los idiomas y los sonidos a los que estamos expuestos dentro de nuestras propias culturas determinan nuestros gustos musicales y afectan la forma en que percibimos la música de otras culturas. Muchos estudios han mostrado claras diferencias en las preferencias y habilidades de músicos de todo el mundo. Un estudio intentó ver las distinciones entre las preferencias musicales de los hablantes de inglés y japonés, proporcionando a ambos grupos de personas la misma serie de tonos y ritmos. El mismo tipo de estudio se realizó para hablantes de inglés y francés. Ambos estudios sugirieron que el idioma hablado por el oyente determinaba qué agrupaciones de tonos y ritmos eran más atractivos, basándose en las inflexiones y agrupaciones de ritmos naturales de su lengua. ^[38]

Otro estudio hizo que europeos y africanos intentaran hacer tapping con ciertos ritmos. Los ritmos europeos son regulares y se basan en proporciones simples, mientras que los ritmos africanos se basan típicamente en proporciones irregulares. Si bien ambos grupos de personas podían interpretar los ritmos con cualidades europeas, el grupo europeo luchó con los ritmos africanos. Esto tiene que ver con la ubicuidad del polirritmo complejo en la cultura africana y su familiaridad con este tipo de sonido. ^[38]

Si bien cada cultura tiene sus propias cualidades y atractivos musicales, la incorporación de planes de estudio interculturales en nuestras aulas de música puede ayudar a enseñar a los estudiantes cómo percibir mejor la música de otras culturas. Los estudios demuestran que aprender a cantar canciones populares o música popular de otras culturas es una forma eficaz de comprender una cultura en lugar de simplemente aprender sobre ella. Si las aulas de música discuten las cualidades musicales e incorporan estilos de otras culturas, como las raíces brasileñas de la Bossa Nova, la clave afrocubana y la percusión africana, expondrá a los estudiantes a nuevos sonidos y les enseñará cómo comparar sus culturas '. música al ritmo de la música diferente y empezar a hacerlos más cómodos con la exploración de sonidos. ^[39]

Estándares y evaluación

Los estándares de logro son declaraciones curriculares que se utilizan para guiar a los educadores a determinar los objetivos de su enseñanza. El uso de estándares se convirtió en una práctica común en muchas naciones durante el siglo XX. Durante gran parte de su existencia, el plan de estudios para la educación musical en los Estados Unidos fue determinado localmente o por profesores individuales. En las últimas décadas ha habido un movimiento significativo hacia la adopción de estándares regionales y / o nacionales. MENC: La Asociación Nacional para la Educación Musical , creó nueve estándares de contenido voluntarios, llamados Estándares Nacionales para la Educación Musical . ^[4] Estos estándares exigen:

1. Cantando , solo y con otros, un variado repertorio de música.
2. Interpretando con instrumentos, solo y con otros, un variado repertorio de música.
3. Improvisar melodías, variaciones y acompañamientos.
4. Componer y arreglar música dentro de pautas específicas.
5. Leer y anotar música.
6. Escuchar, analizar y describir música.
7. Evaluar música y actuaciones musicales.
8. Comprender las relaciones entre la música, otras artes y disciplinas fuera de las artes.
9. Comprender la música en relación con la historia y la cultura.

Muchos estados y distritos escolares han adoptado sus propios estándares para la educación musical.

Integración con otros temas

Los niños de la escuela primaria están montando un do-organ de Orgelkids

Algunas escuelas y organizaciones promueven la integración de clases de artes, como música, con otras materias, como matemáticas, ciencias o inglés, en la creencia de que la integración de los diferentes planes de estudio ayudará a que cada materia se desarrolle entre sí, mejorando la calidad general de la educación. .

Un ejemplo es el programa "Cambiando la educación a través de las artes" del Kennedy Center . CETA define la integración de las artes como encontrar una conexión (es) natural (es) entre una o más formas de arte (danza, drama / teatro, música, artes visuales, narración de cuentos, títeres y / o escritura creativa) y una o más áreas curriculares (ciencia, estudios sociales, artes del lenguaje inglés, matemáticas y otros) con el fin de enseñar y evaluar objetivos tanto en la forma de arte como en la otra materia. Esto permite un enfoque simultáneo en la creación, la interpretación y / o la respuesta a las artes sin dejar de abordar el contenido de otras áreas temáticas. ^[40]

El Programa de aprendizaje permanente de la Unión Europea 2007-2013 ha financiado tres proyectos que utilizan la música para apoyar el aprendizaje de idiomas. Canciones de cuna de Europa (para preescolar y niños pequeños ), ^[41] FolkDC (para primaria), ^[42] y el reciente PopuLLar (para secundaria). ^[43] Además, el proyecto ARTinED también utiliza música para todas las áreas temáticas. ^[44]

Importancia

Varios investigadores y defensores de la educación musical han argumentado que estudiar música mejora el rendimiento académico , ^[45] como William Earhart, ex presidente de la Conferencia Nacional de Educadores de Música, quien afirmó que "la música mejora el conocimiento en las áreas de matemáticas, ciencia, geografía , historia, lengua extranjera, educación física y formación profesional ". ^[46] Investigadores de la Universidad de Wisconsin sugirieron que los estudiantes con experiencia en piano o teclado obtuvieron un 34% más alto en las pruebas que miden la actividad del lóbulo espacio-temporal, que es la parte del cerebro que se utiliza al hacer matemáticas, ciencias e ingeniería. ^[47]

Un experimento de Wanda T. Wallace que establece el texto en melodía sugirió que algo de música puede ayudar a recordar el texto. ^[48] Creó una canción de tres versos con una melodía no repetitiva; cada verso con diferente música. Un segundo experimento creó una canción de tres versos con una melodía repetitiva; cada verso tenía exactamente la misma música. Un tercer experimento estudió el recuerdo de texto sin música. Encontró que la música repetitiva producía la mayor cantidad de memoria de texto, lo que sugiere que la música puede servir como un recurso mnemotécnico. ^[48]

Smith (1985) estudió música de fondo con listas de palabras. Un experimento implicó memorizar una lista de palabras con música de fondo; los participantes recordaron las palabras 48 horas después. Otro experimento implicó memorizar una lista de palabras sin música de fondo; los participantes también recordaron las palabras 48 horas después. Los participantes que memorizaron listas de palabras con música de fondo recordaron más palabras, lo que demuestra que la música proporciona pistas contextuales. ^[49]

Citando estudios que apoyan la participación de la educación musical en el desarrollo intelectual y el rendimiento académico, el Congreso de los Estados Unidos aprobó una resolución que declara que: "La educación musical mejora el desarrollo intelectual y enriquece el entorno académico de los niños de todas las edades; y los educadores musicales contribuyen en gran medida al desarrollo artístico, desarrollo intelectual y social de los niños estadounidenses y juegan un papel clave en ayudar a los niños a tener éxito en la escuela ". ^[50]

Bobbett (1990) sugiere que la mayoría de los programas de música de las escuelas públicas no han cambiado desde sus inicios a principios del siglo pasado. "... el clima educativo no es propicio para su continuidad como se concibió históricamente y las necesidades sociales y los hábitos de las personas requieren un tipo de programa de banda completamente diferente". ^[51] Un estudio de 2011 realizado por Kathleen M. Kerstetter para el Journal of Band Research encontró que el aumento de los requisitos de graduación no musicales, la programación en bloque, el aumento del número de programas no tradicionales como las escuelas magnet y el énfasis en las pruebas creado por el No La ley Child Left Behind son solo algunas de las preocupaciones que enfrentan los educadores musicales. Tanto los profesores como los estudiantes tienen mayores restricciones de tiempo " ^[52]

La Dra. Patricia Powers afirma: "No es inusual ver recortes de programas en el área de la música y las artes cuando surgen problemas económicos. De hecho, es lamentable perder el apoyo en esta área, especialmente porque la música y los programas de arte contribuyen a la sociedad en muchos aspectos positivos. formas." ^{[46] Los programas} integrales de educación musical tienen un promedio de $ 187 por alumno, según un estudio de 2011 financiado por la Fundación de la Asociación Nacional de Comerciantes de Música (NAMM) ^[53] El Informe de la Comisión de Texas sobre Drogas y Abuso de Alcohol señaló que los estudiantes que participaron en una banda u orquesta informó el menor consumo de todas las sustancias durante la vida y en la actualidad, incluido el alcohol, el tabaco y las drogas ilícitas. ^[54]

Beneficios no musicales

Los estudios han demostrado que la educación musical se puede utilizar para mejorar el rendimiento cognitivo de los estudiantes. En los Estados Unidos, se estima que el 30% de los estudiantes tienen dificultades con la lectura, mientras que se informa que el 17% tiene una discapacidad de aprendizaje específica relacionada con la lectura. ^[55] Utilizando el plan de estudios intensivo de música como una intervención junto con las actividades regulares del aula, la investigación muestra que los estudiantes involucrados con el plan de estudios de música muestran aumentos en la comprensión de lectura, el conocimiento de palabras, el recuerdo de vocabulario y la decodificación de palabras. ^[56] Según la Asociación Nacional para la Educación Musical, en un estudio realizado en 2012, quienes participaron en actividades musicales obtuvieron calificaciones más altas en el SAT. Estos estudiantes obtuvieron un promedio de 31 puntos más en lectura y escritura, y 23 puntos más en matemáticas.^[57] Cuando un estudiante canta una melodía con texto, está usando múltiples áreas de su cerebro para realizar múltiples tareas. La música afecta el desarrollo del lenguaje, aumenta el coeficiente intelectual, las habilidades espacio-temporales y mejora los puntajes de las pruebas. La educación musical también ha demostrado mejorar las habilidades de los niños disléxicos en áreas similares, como se mencionó anteriormente, al centrarse en las habilidades visuales, auditivas y motoras finas como estrategias para combatir su discapacidad. ^[58]Dado que la investigación en esta área es escasa, no podemos concluir de manera convincente que estos hallazgos sean ciertos; sin embargo, los resultados de la investigación realizada muestran un impacto positivo tanto en los estudiantes con dificultades de aprendizaje como en los que no están diagnosticados. Será necesario realizar más investigaciones, pero no se puede olvidar la forma positiva y atractiva de llevar la música al aula, y los estudiantes generalmente muestran una reacción positiva a esta forma de instrucción. ^[59]

También se ha observado que la educación musical tiene la capacidad de aumentar el coeficiente intelectual general de una persona, especialmente en los niños durante los años pico de desarrollo. ^{[60] Se considera que la} habilidad espacial, la memoria verbal, la lectura y la habilidad matemática aumentan junto con la educación musical (principalmente a través del aprendizaje de un instrumento). ^{[60] Los} investigadores también notan que es evidente una correlación entre la asistencia general y los aumentos del coeficiente intelectual, y debido a la participación de los estudiantes en la educación musical, las tasas de asistencia general aumentan junto con su coeficiente intelectual.

Las habilidades motoras finas, los comportamientos sociales y el bienestar emocional también se pueden aumentar a través de la música y la educación musical. El aprendizaje de un instrumento aumenta la motricidad fina en estudiantes con discapacidades físicas. El bienestar emocional se puede incrementar a medida que los estudiantes encuentran significado en las canciones y las conectan con su vida cotidiana. ^[61] A través de las interacciones sociales de tocar en grupos como bandas de jazz y conciertos, los estudiantes aprenden a socializar y esto puede vincularse con el bienestar emocional y mental.

Existe evidencia de impactos positivos de la participación en orquestas juveniles y el rendimiento académico y la resiliencia en Chile. ^[62] Según la Asociación Internacional para la Evaluación del Rendimiento Educativo (OIEEA), ^[63] "los principales países académicos del mundo otorgan un gran valor a la educación musical. Hungría, los Países Bajos y el Japón han exigido una formación musical en la escuela primaria y secundaria niveles escolares, tanto instrumentales como vocales, durante varias décadas ".

En contraste con estudios experimentales previos, un metaanálisis publicado en 2020 encontró una falta de evidencia para apoyar la afirmación de que la formación musical impacta positivamente en las habilidades cognitivas y los logros académicos de los niños, y los autores concluyeron que "el optimismo de los investigadores sobre los beneficios de la formación musical es empíricamente injustificado y se debe a una mala interpretación de los datos empíricos y, posiblemente, al sesgo de confirmación ". ^{[64] [65]}

Defensa de la música

En algunas comunidades, e incluso en sistemas educativos nacionales enteros, la música recibe poco apoyo como materia académica, y los profesores de música sienten que deben buscar activamente un mayor respaldo público para la educación musical como una materia legítima de estudio. Esta necesidad percibida de cambiar la opinión pública ha resultado en el desarrollo de una variedad de enfoques comúnmente llamados "defensa de la música". La defensa de la música se presenta de muchas formas, algunas de las cuales se basan en argumentos académicos legítimos y hallazgos científicos, mientras que otros ejemplos se basan de manera controvertida en emociones, anécdotas o datos poco convincentes.

Los proyectos recientes de promoción de la música de alto perfil incluyen el " Efecto Mozart ", el Proyecto del Himno Nacional y el movimiento de Pedagogía de Música del Mundo (también conocido como Diversidad Cultural en la Educación Musical ) que busca medios de pedagogía equitativa entre los estudiantes independientemente de su raza. etnia o circunstancia socioeconómica. El efecto Mozart es particularmente controvertido ya que, si bien el estudio inicial sugirió que escuchar a Mozart impacta positivamente en el razonamiento espacio-temporal , los estudios posteriores no lograron replicar los resultados, ^{[66] [67]} sugirieron ningún efecto sobre el CI o la capacidad espacial, ^[68]o sugirió que la música de Mozart podría sustituirse por cualquier música que disfruten los niños en un término llamado "excitación por placer". ^[69] Otro estudio sugirió que incluso si escuchar a Mozart puede mejorar temporalmente las habilidades espacio-temporales de un estudiante, es mucho más probable que aprender a tocar un instrumento mejore el rendimiento y los logros de los estudiantes. ^{[70] Los} educadores criticaron de manera similar el Proyecto del Himno Nacional no solo por promover el uso educativo de la música como una herramienta para fines no musicales, sino también por sus vínculos con el nacionalismo y el militarismo . ^[71]

Los estudiosos de la música contemporánea afirman que la defensa de la música eficaz utiliza argumentos empíricamente sólidos que trascienden las motivaciones políticas y las agendas personales. Filósofos de la educación musical como Bennett Reimer , Estelle Jorgensen , David J. Elliott , John Paynter y Keith Swanwick apoyan este punto de vista; sin embargo, muchos profesores de música y organizaciones y escuelas de música no aplican esta línea de razonamiento en sus argumentos de defensa de la música. Investigadores como Ellen Winner concluyen que los defensores de las artes han hecho afirmaciones falsas en detrimento de la defensa del estudio de la música ^[72].Su investigación refuta las afirmaciones de que la educación musical mejora las matemáticas, por ejemplo. ^{[73] Los} investigadores Glenn Schellenberg y Eugenia Costa-Giomi también critican a los defensores que asocian incorrectamente la correlación con la causalidad , Giomi señala que si bien existe una "fuerte relación entre la participación musical y el rendimiento académico, la naturaleza causal de la relación es cuestionable". ^{[73] [74] Los} filósofos David Elliott y Marissa Silverman sugieren que una defensa más eficaz implica evitar " simplificar"valores y objetivos a través de eslóganes y datos engañosos, la energía se concentra mejor en involucrar a los seguidores potenciales en la creación activa de música y experiencias afectivas musicales, ^[75] estas acciones reconocen que la música y la creación de música son inherentes a la cultura y el comportamiento humanos, distinguiendo humanos de otras especies. ^[76]

Papel de la mujer

Artículo principal: Mujeres en la educación musical

Un profesor de música que dirige un conjunto de música en una escuela primaria en 1943.

Mientras que los críticos de música argumentaron en la década de 1880 que "... las mujeres [compositoras] carecían de la creatividad innata para componer buena música" debido a la "predisposición biológica", ^[16] más tarde, se aceptó que las mujeres tendrían un papel en la educación musical, y se involucraron en este campo "... hasta tal punto que las mujeres dominaron la educación musical durante la última mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo XX". ^[16] "Los relatos tradicionales de la historia de la educación musical [en los Estados Unidos] a menudo han descuidado las contribuciones de las mujeres, porque estos textos han enfatizado las bandas y los principales líderes en las organizaciones musicales jerárquicas". ^[77]Al mirar más allá de estos líderes de orquesta y los principales líderes, las mujeres tenían muchos roles de educación musical en el "... hogar, comunidad, iglesias, escuelas públicas e instituciones de formación de maestros" y "... como escritoras, patrocinadoras y a través de su voluntario trabajar en organizaciones ". ^[77]

A pesar de las limitaciones impuestas al papel de la mujer en la educación musical en el siglo XIX, se aceptó a las mujeres como maestras de jardín de infancia porque se consideraba que se trataba de una "esfera privada". Las mujeres también enseñaron música en forma privada, en escuelas de niñas, escuelas dominicales y capacitaron a músicos en programas escolares de música. A principios del siglo XX, las mujeres comenzaron a trabajar como supervisoras de música en las escuelas primarias, maestras en las escuelas normales y profesoras de música en las universidades. Las mujeres también se volvieron más activas en organizaciones profesionales de educación musical y las mujeres presentaron ponencias en conferencias. Una mujer, Frances Clarke (1860-1958) fundó la Conferencia Nacional de Supervisores de Músicaen 1907. Si bien un pequeño número de mujeres se desempeñó como presidenta de la Conferencia Nacional de Supervisores de Música (y las siguientes versiones renombradas de la organización durante el próximo siglo) a principios del siglo XX, solo hubo dos presidentas entre 1952 y 1992, lo que "[p] osiblemente refleja la discriminación".

Después de 1990, sin embargo, se abrieron roles de liderazgo para las mujeres en la organización. De 1990 a 2010, hubo cinco presidentas de esta organización. ^{[78] Las} mujeres educadoras de música "superan en número a los hombres dos a uno" en la enseñanza de música general, coro, lecciones privadas e instrucción de teclado. ^[78] Se tiende a contratar a más hombres para trabajos de educación en bandas, administración y jazz, y más hombres trabajan en colegios y universidades. ^[78] Según la Dra. Sandra Wieland Howe, todavía hay un " techo de cristal " para las mujeres en las carreras de educación musical, ya que existe un "estigma" asociado con las mujeres en puestos de liderazgo y "los hombres superan en número a las mujeres como administradoras". ^[78]

Educadores de música notables

• Jamey Aebersold
• Stefan Ammer
• Ysaye Barnwell
• Leonard Bernstein
• Edward Bailey Birge
• Nadia Boulanger
• Allen Britton
• Patricia Shehan Campbell
• F. Melius Christiansen
• Frances Elliott Clark
• Satis N. Coleman
• Julia Crane
• John Curwen
• Max Deutsch
• Duilio Dobrin
• Peter W. Dykema
• Will Earhart
• Jacob Eisenberg
• David J. Elliott
• Sarah Ann Glover
• Edwin Gordon
• Lucy Green
• Philip C. Hayden
• David G. Hebert
• Paul Hindemith
• Jere T. Humphreys
• Émile Jaques-Dalcroze
• Dmitry Kabalevsky
• Zoltán Kodály
• Paul R. Lehman
• Charles Leonhard
• John T. Madden
• Joseph E. Maddy
• Michael Mark
• Ellis Marsalis, Jr.
• Wynton Marsalis
• Lowell Mason
• Luther Whiting Mason
• Lin Manuel Miranda
• James Mursell
• Carl Orff
• John Paynter
• Bennett Reimer
• R. Murray Schafer
• Christopher pequeño
• Shinichi Suzuki
• Lennie Tristano
• John Tufts
• Thomas Tyra
• Heitor Villa-Lobos

Organizaciones profesionales

• Asociación Estadounidense de Directores Corales
• Asociación Americana de Orff-Schulwerk
• Asociación Estadounidense de Maestros de Cuerda
• Asociación Internacional para la Educación del Jazz ^[79]
• Sociedad Internacional de Educación Musical
• Sociedad Internacional de Filosofía de la Educación Musical ^[80]
• Asociación Nacional para la Educación Musical (con sede en EE. UU.: También llamada NafME y anteriormente MENC)
• Asociación Nacional de Profesores de Música
• Red nórdica para la educación musical (NNME)

Ver también

• Conceptos básicos de educación musical
• Notación musical coloreada
• Futuros musicales
• Educación musical para niños pequeños
• Escuela de Musica
• Musicología
• Investigación en educación musical
• Cronología de la educación jazzística
• Educación en artes visuales
• Entrenador vocal

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Enlaces externos

• Medios relacionados con la educación musical en Wikimedia Commons