" No One Is Alone " es una canción de Stephen Sondheim del musical Into the Woods , interpretada hacia el final del Acto II como penúltimo número de la pieza.
Producción
Durante las pruebas del programa en el teatro Old Globe, esta canción estuvo ausente. El LA Times relata: “En ese momento, había simplemente un lugar en el guión de 'Woods' que decía 'cuarteto de Cenicienta, Caperucita Roja, Baker y Jack'. Durante el intermedio de una actuación del miércoles por la noche, Sondheim apareció con 'No One Is Alone'. Lo tocó para el elenco después del espectáculo esa noche, y fue parte de la banda sonora el viernes. Al día siguiente, Sondheim y Lapine se fueron a Nueva York ". [1] Inicialmente hubo un problema sobre si la canción se había inspirado en un poema preexistente. [2] James Lapine le explicó a LA Weekly que mató a Baker's Wife en el Acto II porque en la vida real les suceden tragedias a los seres humanos, y citando "No One Is Alone", "A veces la gente te deja a la mitad del camino". [3] A Stephen Sondheim le gustó la dualidad del título, que superó al título alternativo de "No Man Is An Island". [4]
En 1994, la letra de la canción estaba estampada en una camiseta benéfica firmada por el Proyecto de SIDA de Minnesota. [5]
Rob Marshall contó una historia en la que escuchó al presidente Barack Obama citar la canción durante un discurso en el décimo aniversario del 11 de septiembre, que lo inspiró a dirigir la versión cinematográfica del musical teatral. [6] La mitad del número se cortó para la película. [7]
Contexto
En el musical, esta canción se canta durante el Acto II, mientras los cuatro protagonistas restantes (Baker, Cenicienta, Caperucita Roja, Jack) intentan comprender las consecuencias de sus deseos y comienzan a decidir anteponer los deseos de la comunidad a los suyos propios.
La canción tiene un doble propósito: demostrar que incluso cuando la vida lanza sus mayores desafíos, no tienes que afrontarlos solo y todavía hay gente que te quiere, y en segundo lugar que cada una de tus acciones no se hacen en una burbuja y que tú no se garantiza que sea el protagonista de su propia historia. [4] [8]
Recepción y análisis críticos
En 1987, Frank Rich de The New York Times describió la canción como "catártica" y "hermosa", y pensó que la "aterradora advertencia inicial" de la madre no puede guiarte como una devolución de llamada a la frenética perorata del número gitano "Rose's Turn ". [9] En 2014, Stephen Holden de la publicación sugirió que la canción era una "canción de cuna de doble filo" debido a "reconocer que todos están en última instancia solos" mientras afirma que "la comprensión compartida de ese aislamiento hace la vida soportable". [10] El LA Times pensó que la canción era "notable". [11] Mientras afirmaba que la canción tiene el potencial de parecer un "sentimentalismo inmerecido", Vanity pensó que el equipo de la versión escénica original logró convertir la canción en una "afirmación de la sociedad recién descubierta que representa un claro en el bosque". [12] La revista New York Magazine pensó que la canción era la más cercana a ser una melodía autónoma, a diferencia de las otras que parecen "juegos previos" musicales. [13] The Cambridge Companion to the Musical sugiere que la canción es un "himno benévolo para los forasteros". [14] [15]
El LA Times también comentó sobre el cambio de "cumplimiento de deseos individualmente buscado" a "unión" que se hace realidad en esta canción. [16] Chris Bay describió la canción como un "magnífico dúo doble" en su ensayo A Look Behind Into the Woods . [17] En el ensayo de Don Whittaker y Missy Wigley Once Upon a Time to ... Happily Ever After , citó el tema universal de la canción que impregna todo el trabajo de Sondheim, desde Bobby in Company hasta George en Sunday In The Park With George y Fosca in Passion . [18] El director de fotografía de Into The Woods, Dion Beebe, afirmó que la canción resume con precisión las luchas y los desafíos de la vida: "perderás gente en el bosque a medida que avanzas y tus expectativas cambiarán a medida que experimentes las alegrías y la tristeza de la vida". [19] El libro Usted podría volver loca a una persona: Crónica de una compañía de teatro estadounidense declaró que el segundo significado de la canción tranquilizadora y positiva, que es una advertencia y advertencia sobre cómo las acciones de uno afectan a los demás ", saca este espectáculo del ordinario". [20] El libro Sondheim y Lloyd-Webber: The New Musical y New York Magazine sugieren que la canción tiene un parecido auditivo con The Candy Man . [21] [22] La canción tiene la forma de AABA. [23] La canción se compara con frecuencia con Nunca caminarás solo de Carousel , [24] [25] que tienes que tener un sueño: el mensaje del musical rechaza . [24] Al analizar cómo el segundo acto se basa en un sentido de sabiduría comunitaria acumulada, Reading Stephen Sondheim: A Collection of Critical Essays establece vínculos entre esta canción y un número anterior llamado It Takes Two, [26] que originalmente se incluyó como un repita en el final del Acto II en las pruebas previas a Broadway.
Bustle clasificó la canción en el puesto número 2 en una lista clasificada de canciones de la versión cinematográfica. [27] El libro Walking in the Wonder: A Memoir of Gratitude for a Lifetime of Miracles 'afirma que el número es la "canción de éxito" del programa. [2]
Cubiertas
La canción fue cubierta en el episodio de Glee "Bash", en el que los amigos de Kurt se unen a él después de que él es víctima de un ataque gay. [28]
La artista de jazz Cleo Laine grabó una versión de la canción para su álbum Cleo Laine Sings Sondheim , que le valió a Jonathan Tunick el premio Grammy de 1988 al Mejor Arreglo Instrumental Acompañante Vocalista / Mejor Arreglo de Fondo . [2] [29]
La versión cinematográfica de la canción fue nominada para un Premio de Cine OFTA a la Mejor Música, Canción Adaptada, junto con otros dos temas de la producción. [30]
Judy Collins grabó una versión de la canción en su álbum "A Love Letter to Sondheim" en 2017.
El compositor de jazz estadounidense Fred Hersch compuso una pieza "No One Is Alone" para Liaisons: Re-Imagining Sondheim from the Piano inspirada en la canción de Sondheim. [31]
La canción fue interpretada por Mandy Patinkin como Satanás en el episodio "Holanda" de Touched By An Angel, cuando tienta a Monica a subir a la cima de un acantilado y saltar.
Referencias
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