Sean Landers (nacido en 1962) es un artista estadounidense . Es mejor conocido por usar su experiencia personal como tema público [1] [2] y por utilizar diversos estilos y medios de una manera performativa, [2] [3] [4] y es especialmente conocido por su arte de la palabra . [5] Su trabajo abarca muchos medios: pintura , escultura , fotografía , dibujo, escritura, video y audio, y usa el humor y la confesión, la gravedad y el patetismo en él, [4] [6] [7]desdibujando las líneas entre realidad y ficción, realidad y fantasía, sinceridad y falta de sinceridad. [7] [8]
Landers vive y trabaja en la ciudad de Nueva York [9]
Temprana edad y educación
Landers nació en Springfield y se crió en Palmer , Massachusetts en 1962. Aprendió a pintar de su madre, Diana George Landers, y de su abuela, Muriel Brown George, quien estudió con el pintor estadounidense Jonas Joseph LaValley. [10] [11]
Landers recibió un BFA en escultura del Philadelphia College of Art en 1984 y un MFA en escultura de la Escuela de Arte de la Universidad de Yale en 1986. [10]
Trabaja
Trabajo temprano (1991-1994)
El cuerpo formativo de trabajo de Landers, producido entre 1991 y 1994, es uno que definió al artista, la persona y las construcciones conceptuales que ha cultivado y enriquecido a lo largo de su carrera. [7]
A partir de 1990, Landers comenzó a usar la escritura como medio visual y exhibió un cuerpo de trabajo escrito a mano titulado Arte, vida y Dios, con un alter ego llamado Chris Hamson, una amalgama de Landers y sus amigos artistas. [12] Escrito en blocs de notas de papel amarillo, en parte en formato de guión y en parte como escritura ejemplar en la que Hamson es el "autor / artista", la obra da voz al interior de la cabeza del artista mientras lleva al espectador al mundo. de un joven artista en apuros en la ciudad de Nueva York. [11] [13] [14] Con cada escena, Landers teje un mundo muy unido donde la realidad y la ficción se difuminan, y lo intensamente personal se ve oscurecido por la personalidad de Chris Hamson. [8] Landers ha dicho: "Cuando vi el magnetismo de la escritura, se convirtió en el material con el que podía trabajar". [11] Con sus raíces firmemente plantadas en lo performativo, que ha permanecido en el centro de su práctica artística desde entonces, [12] Landers eligió hacer de su vida, y el acto real de hacer la obra, el tema de su obra. Gran parte de este trabajo está compilado en un libro de artista titulado Art, Life and God, publicado en 2009 por Glenn Horowitz Librería. [15]
Landers considera que estos primeros escritos, y los posteriores, son dibujos para los que el texto es la imagen. [12] El artista considera que esta obra temprana es la columna vertebral de toda su obra y, a lo largo de su carrera, ha extraído constantemente este tesoro en su reexamen de la práctica artística.
Landers ve una instalación completa de su trabajo como la obra de arte más grande, compuesta de obras individuales que están destinadas a ser independientes pero concebidas como parte del todo. Este concepto agrega otra capa de significado a la idea de multimedia. Los dibujos escritos siempre se pegaron con cinta adhesiva a las paredes de la exposición y se mostraron con esculturas instaladas en el centro de la sala. [12] [13] Hechas de arcilla de terracota húmeda, con cada muestra, las esculturas progresaban a partir de "Hamson" que se mostraban "vergonzosamente" y se oscurecían con bolsas de basura negras sobre ellas [8] [12] [13] [16] [17] [18] a los hechos por Landers como "Landers". [19] Estas esculturas húmedas necesitaban ser rociadas para mantenerse vivas durante la exposición y al final de la muestra solo las que se vendían se fundían en bronce; [8] una metáfora del arte que sobrevive es el arte que se ama y se cuida. [20]
Para Landers, el video era una parte integral de estas instalaciones multimedia y proporcionó otra base performativa desde la cual ver el programa como un todo. Usó el video para reforzar un componente fundamental de la comunicación tácita entre el arte y el espectador, e igualmente, el artista y el espectador. [12] Filmado en el estudio, en el que el artista toma un papel central, las revelaciones íntimas por parte del artista hacen al espectador implícito en la acción, y un voyeur-cómplice de facto, lo que lleva al propio autorreconocimiento y evaluación posterior. [21] Como dijo Landers, “La idea era permitir que los espectadores entraran a mi estudio, como una extensión de mi cabeza, para que estuvieran conmigo mientras hacía cosas. En este proceso, incluso bailar con un paraguas se convirtió en 'hacer cosas' ". [20] El video en sí se vuelve autorreferencial y registra el tiempo dedicado a hacer realidad su existencia. [20] Los videos de Landers anticiparon la televisión de realidad, así como YouTube. [20] [22] [23]
Para su exposición de 1992 en la Andrea Rosen Gallery de Nueva York, Landers exhibió una variedad de trabajos en los que se desprendía de Chris Hamson y "desvelaba" al artista. [24] Desde calendarios diarios y cartas confesionales despotricando a su oficial de préstamos estudiantiles, hasta escritura de flujo de conciencia en papel a gran escala y caricaturas de estereotipos del mundo del arte, todo lo cual expuso sus pensamientos más íntimos, Se hizo evidente que el tema del trabajo de Landers se había trasladado a Landers, y él mismo se convirtió en objeto de estudio. [19] Al observar su vida, o lo que eligió presentar de ella, los espectadores fueron invitados una vez más a convertirse en voyeur. Como escribió Roberta Smith en su reseña de la exposición en el New York Times , “tomada en su conjunto, la muestra actual crea una sensación de intimidad voyeurista ... su trabajo dibuja una imagen vívida ... tanto del mundo del arte como del proceso psíquico de la creación artística en sí. . Si bien es altamente especializado, también es ampliamente accesible, en parte porque el Sr. Landers se ocupa de muchas emociones humanas básicas ". [19] Como dijo Landers, “Sabía que por eso la gente soportaba el dolor de pies para leer mi arte, porque mientras miraba fijamente mi alma abierta, en realidad se estaban evaluando a sí mismos. Creo que este es un componente fundamental de la comunicación tácita entre el arte y el espectador ". [12] [25]
Exhibido por primera vez como obra de arte en la sección Aperto de la Bienal de Venecia en 1993, y luego publicado ese mismo año como un libro de edición limitada por Publicsfear Press, [sic] fue la culminación de los dibujos escritos anteriores en su totalidad. [26] Más autobiográfico que nunca, y con más de 400 páginas, desdibujó la realidad y la ficción, el arte y la vida, e invitó a comparaciones con Samuel Beckett y su novela Molloy. [27] Jeffrey Deitch, en su ensayo del catálogo de 1996 para Young Americans: New Art at the Saatchi Collection, escribe: “El lector se ve atraído por la mente de Landers ... uno ha entrado en su conciencia y siente como si estuviera dentro de su mente mirando hacia afuera en lugar de afuera. su mente mirando hacia adentro ". [28] Sintiéndose completamente sobreexpuesto por su propia mano y necesitando un lugar para esconderse, Landers pasó a escribir en piezas gigantes de lino sin estirar. Tan grandes que eran imposibles de leer de forma lineal, similar a la experiencia de ver sus primeros dibujos a gran escala, [26] de los cuales Roberta Smith escribió en The New York Times , hicieron que “leer a pie fuera una parte esencial de la experiencia ... cuando uno pasa sobre [ellos], leyendo hacia arriba y hacia abajo con más frecuencia que a través, uno tiene la sensación de escuchar a escondidas el monólogo del Sr. Landers, y esto agrega una segunda capa de flujo de conciencia al trabajo ". [19] Estas primeras pinturas tempranas, al igual que la obra que las precedió, eran representaciones performativas y registros de los pensamientos exactos que tenía el artista en el momento de su creación; una narrativa inmediata producida en tiempo real. [29] [30] La elección del lino sin estirar fue consciente: su forma física hacía referencia al papel de los dibujos que los precedían. El óleo sobre lino les dio inmediatamente un vínculo con las prácticas artísticas tradicionales y garantizó la inmortalidad de las palabras y del artista. [26] “... Por eso dejé de escribir en papel y comencé a escribir en lino imprimado con plomo ... Quería que durara. Eso está detrás de mi impulso de hacer arte. Quería que durara, que me durara más ". [31] Durante este tiempo, Landers experimentó con parches de escritura en pinturas, en lugar de escritura narrativa en forma de flujo de conciencia. Estos parches fueron diseñados para entretener activamente al espectador con el fin de evitar que se mueva, y les dio la ilusión de reconstruir la personalidad del artista a través de sus fragmentos de escritos, mientras que les niega la imagen completa por completo. [30]
Con este trabajo inicial, Landers "predijo la desaparición de los momentos privados en el mercado masivo, un movimiento que también incluye tuitear, actualizaciones de estado y un índice de nombres de usuario cada vez mayor". [32]
En 1994, Landers avanzó más hacia el ámbito de una forma de creación de imágenes más tradicional y menos abiertamente conceptual utilizando referencias oblicuas a Picabia, un artista a quien Landers admiraba por mantener su libertad creativa. [33] A lo largo de su carrera, Landers ha vuelto a Picabia, concretamente a su parodia de la abstracción, el cuadro “7091”, como piedra de toque. En lugar de copiar la apariencia de Picabia, Landers lo cita indirectamente y lo usa como símbolo de su propia libertad artística, que considera esencial para su supervivencia. [33] Landers ahora estaba usando su escritura para crear formas: garabatos a gran escala con texto de diferentes colores. También comenzó a insertar imágenes en sus pinturas entre la escritura. Más importante aún, aquí es cuando el chimpancé y el payaso aparecen por primera vez en su obra de arte. Estos dos personajes pueden considerarse sustitutos de los aspectos de la personalidad del artista, ya que manifiestan los altibajos característicos de su escritura; el chimpancé que representa el autoengrandecimiento y el payaso que representa la auto-humillación. [33] Durante este tiempo, Landers comenzó a investigar el uso del color mientras se tomaba un descanso necesario de la escritura al realizar pinturas de rayas de colores que estaban completamente desprovistas de texto. [33]
Pasando a las imágenes (1996–)
En 1996, Landers se trasladó por completo al ámbito de las imágenes. La pintura Alone (1996), representa a un diminuto payaso empastado en un bote de remos insuficiente en un vasto paisaje marino, invocando el Escape de Rochefort de Manet. [34] Este payaso, al reemplazar el texto como imágenes en sus pinturas anteriores, ahora encarna los pensamientos más íntimos del artista. [35] Landers pasó a pintar una serie de pinturas puramente de imágenes: payasos en condiciones peligrosas de la naturaleza, que pretendían ser una alegoría de su nuevo viaje a los territorios inexplorados de la pintura. [35]
También fue durante este tiempo que Landers comenzó su columna mensual en la contraportada, “Genius Lessons”, en la revista Spin . La columna se desarrolló entre 1996 y 2000. [36]
Landers comenzó a contar la historia de su vida a través de pinturas y utilizó la historia del arte para hacerlo. En 1996 basó una serie completa de trece pinturas en una pintura de William Hogarth , A Midnight Modern Conversation (1732). Esta serie autobiográfica contaba la historia de crecer y superar la camaradería basada en la bebida en la que él y sus amigos habían subsistido durante tanto tiempo. [37] Landers recuerda una "clara sensación de liberación al completar estas obras y les atribuye la apertura de una gama de posibilidades para el trabajo no basado en texto, incluida la pintura narrativa, en el sentido más amplio que continúa explorando hoy". [38] Este cuerpo de trabajo ha sido el más expuesto de cualquier cuerpo de trabajo de Landers y más recientemente fue objeto de una exposición individual en la Galería Marianne Boesky en Nueva York en 2011, acompañada de un catálogo completamente ilustrado con ensayo. [39] [40] [41] [42] [43]
En 1997, continuando representando su vida y su yo a través de imágenes, presentó pinturas que eran una amalgama de dos o tres pinturas históricas del arte realizadas en un estilo de dibujos animados al estilo de Disney. Para Landers, la influencia de Disney fue importante porque representaba el inconsciente colectivo de las imágenes para las personas criadas en la era del Baby Boom y en el futuro. Al hacer referencia a Matisse, Poussin, Homer, Gericault y Disney, se estaba comparando a sí mismo para "ilustrar mi situación o la de cualquier artista de intentar hacer arte 'nuevo' a raíz de la historia del arte, y más específicamente, a raíz de mi la educación artística de la generación, que estuvo dominada por la teoría, el arte conceptual, el minimalismo y el arte de proceso. Estos espectáculos fueron mi humilde esfuerzo por reinsertar la forma en el arte conceptual…. Fue un acto de arte conceptual que fue anti-conceptual ”. [37]
1997–2000
Volviendo a escribir para su supervivencia psicológica, Landers recurrió al período Vache de Magritte en busca de inspiración y encontró una vez más la libertad pictórica. Por primera vez, la imagen pasó a primer plano y la escritura se convirtió en la estructura de soporte. Como dijo Landers, "todas mis figuras vache son ... una extensión de mi lenguaje de payaso". [37] Landers utilizó técnicas de dibujo automático de los surrealistas para formar la imagen, que nunca fue preconcebida, “Cogía mi pincel y pintaba una caricatura en medio de un lienzo, no me gusta, lo borraba , y repita ese proceso de diez a veinte veces ... a menudo, con tantos fantasmas de dibujos antiguos, comienza a emerger un nuevo dibujo ". [44] La mayoría de las pinturas de esta serie se realizaron entre 1997 y 2000.
Landers ve el arte del siglo XX dividido por el arte de Picasso , que tipifica la vena pictórica tradicional: un artista sentado frente a un lienzo en blanco, y Duchamp, el abuelo del arte conceptual. [45] Durante el período de 2000 a 2003, Landers realizó pinturas que fusionaron varios aspectos de ambos artistas para crear un cuerpo de trabajo que tipificaba a cada uno. Tanto Picasso como Duchamp utilizaron imágenes prestadas; Picasso de otros artistas como Rembrandt, Velásquez y Delacroix para anunciar su creencia de que él pertenecía a su historia, mientras Duchamp introducía la idea del “ready-made”. Landers dijo que "por lo tanto, tomar prestadas las imágenes de otra persona puede verse como 'listo para usar'". Por ejemplo, cuando usó las imágenes de Picasso para deletrear su nombre de pila y la palabra "genio", "estaba usando Duchamp para hablar de Picasso, fusionándolos para describirme a mí mismo y a mi situación como artista". Por esta época, Landers realizó tres piezas de audio performativas, The Man Within (2000), Dear Picasso (2001) y Becoming Great (2002), diseñadas para ser reproducidas durante las tres exposiciones individuales para las que fueron realizadas. Al igual que con sus otros médiums, "simplemente tomó el micrófono, cambió de personaje y dejó que se rompiera". [45]
Durante este período, Landers continuó rindiendo homenaje a Duchamp y Picasso, así como a otros artistas con los que comparte una afinidad personal, Picabia, Magritte, Dali , De Chirico , Braque , Beckmann y Ernst, representándolos como payasos. o como fantasmas. Landers dijo: “Pintar a alguien como un payaso es ponerlo en mi panteón, ¿sabes? No es un insulto. Pintarlos como fantasmas es similar. Así que me estaba comunicando con Max Ernst y Picabia. Pero también había otro nivel. Lo que me gusta de los surrealistas es que son tipos que se sientan frente a un lienzo en blanco y permiten que su flujo de conciencia llene de alguna manera el vacío. Que es exactamente lo que estoy haciendo cuando lleno un lienzo blanco vacío gigante con texto ... pero de una manera diferente ". [20]
Texto e imagen (2003-2008)
De 2003 a 2008, Landers miró hacia atrás a sus antiguas pinturas de texto, tomó su naturaleza gráfica y la transformó en pinturas abstractas espaciales. [46] “Hemos entrado en su cráneo conceptual y visualmente. Palabras y frases rebotan en las paredes de su cráneo y estamos entre las pinceladas ”. [29] Estas pinturas tienen una apariencia de eco en la que "los pensamientos surgen en tu cerebro, se aclaran y luego retroceden hacia la distancia borrosa". [47] "Solo estaba tratando de dar una imagen al pensamiento". [47]
Exposiciones
En el Museo de Arte Contemporáneo de San Luis (2010) y en la Kunsthalle de Zúrich (2004) se han presentado exposiciones de la obra de Landers. Su trabajo también se ha visto en exposiciones en MoMA / PS1, Nueva York; Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts, North Adams; Museo de Arte Contemporáneo de Houston; Serpentine Gallery, Londres; Saatchi Gallery, Londres; Kunsthalle Viena; Kunstverein en Hamburgo; Musée d'Art Contemporain de Bordeaux; Galería Rebecca Camhi , Atenas y la Bienal de Venecia, Bienal de Atenas y Bienal de Berlín. [ cita requerida ]
Se publicó un catálogo completo de su trabajo junto con su exposición individual en la Kunsthalle de Zurich. Los primeros años de Landers, de 1990 a 1995, fueron objeto de una monografía publicada por JRP | Ringier en 2011 para acompañar su exposición individual en el Museo de Arte Contemporáneo de St. Louis. [ cita requerida ]
La vuelta al mundo sola
Para su exposición Around the World Alone en la Friedrich Petzel Gallery en 2011, Landers volvió una vez más al payaso solitario en el barco de su pintura de 1996, Alone. Usó su fascinación a largo plazo por la carrera del Globo de Oro de 1968 como punto de partida. Esta regata fue la primera regata de yates alrededor del mundo en solitario, en la que nueve hombres se embarcaron desde Inglaterra; el favorito decidió que la carrera era irrelevante y dio la vuelta en el último momento para continuar alrededor del mundo por segunda vez (Bernard Moitessier), un concursante se arrojó al océano (Donald Crowhurst) y solo un hombre completó la carrera (Robin Knox- Johnston). Es difícil no darse cuenta de que Landers en un momento dado podría ser cualquiera de estos concursantes. Las pinturas incluidas en Around the World Alone representan al payaso marinero que circunnavega en solitario, en edades que van desde un niño hasta un anciano. Salpicado de escenas contemplativas, se puede ver al héroe progresando en edad mientras lucha contra los mares feroces y las tormentas en su barco SV Monos en condiciones de navegar. [ cita requerida ]
Colecciones
El trabajo de Landers está representado en numerosas importante museo y colecciones públicas como el Museo Whitney de Arte Americano en Nueva York, Los Ángeles Museo de Arte del Condado , Centro de Arte Walker en Minneapolis, Denver Art Museum , Seattle Art Museum , el Museo de Arte de Brooklyn , Tate Modern en Londres, Sammlung Hoffmann en Berlín, Sammlung Goetz en Munich y Fundación / La Colección Jumex en México, entre otros. [ cita requerida ]
Vida personal
Sean Landers vive en Nueva York. [ cuando? ] Está casado con Michelle Reyes Landers, anteriormente directora de Andrea Rosen Gallery y The Felix Gonzalez-Torres Foundation. [48]
Referencias
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- ^ La lista de amor: parejas poderosas del mundo del arte | Artinfo
Otras lecturas
- "Sean Landers" . Artbook . Sean Landers 1990–1995, Improbable History , Editado por Paul Ha., Texto de Dominic Molon, Matthew Higgs. 14 de mayo de 2019.CS1 maint: otros ( enlace )
enlaces externos
- Página web oficial