Goodbye to Language ( francés : Adieu au Langage ) es una película de ensayo narrativa experimental 3D franco-suiza de 2014escrita y dirigida por Jean-Luc Godard . Está protagonizada por Héloïse Godet, Kamel Abdeli, Richard Chevallier, Zoé Bruneau, Jessica Erickson y Christian Grégori y fue filmada por el director de fotografía Fabrice Aragno. . Es el 42º largometraje de Godard y el 121º proyecto de película o video. En las partes francófonas de Suiza donde se rodó, la palabra "adieu" puede significar adiós y hola. La película muestra a una pareja teniendo una aventura. El marido de la mujer descubre la aventura y el amante muere. Dos parejas de actores representan a la pareja y sus acciones se repiten y se reflejan entre sí. La propia perra de Godard, Roxy Miéville, tiene un papel destacado en la película y ganó un premio en el Festival de Cine de Cannes. Como muchas de las películas de Godard, incluye numerosas citas y referencias a trabajos artísticos, filosóficos y científicos previos, sobre todo los de Jacques Ellul , Aleksandr Solzhenitsyn y Mary Shelley .
Adiós al lenguaje | |
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Dirigido por | Jean-Luc Godard |
Producido por |
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Escrito por | Jean-Luc Godard |
Protagonizada |
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Cinematografía | Fabrice Aragno |
Editado por |
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producción empresas | |
Distribuido por | Manojo salvaje |
Fecha de lanzamiento |
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Tiempo de ejecución | 69 minutos |
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Idioma | francés |
Taquilla |
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Godard se interesó en hacer una película en 3D en 2010 y le pidió a Aragno que hiciera algunas pruebas de cámara. Aragno no estaba satisfecho con los resultados de las cámaras 3D profesionales y construyó sus propias plataformas personalizadas con Canon 5D y Flip Minos . Aragno rompió muchas de las reglas estándar de la cinematografía 3D. Godard y Aragno trabajaron en la película durante cuatro años, cada uno filmando imágenes de forma independiente antes de comenzar oficialmente la producción con los actores. Godard editó una versión 2D de la película antes de que él y Aragno perfeccionaran el corte 3D con corrección de color y sonido envolvente .
Se estrenó en competición en el Festival de Cine de Cannes de 2014 y ganó el Premio del Jurado . Fue distribuida en Francia por Wild Bunch y en Estados Unidos por Kino Lorber , y ganó el premio a la Mejor Película en los Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine de 2014 . Recibió una recepción generalmente positiva y fue catalogada como una de las mejores películas del año en varias listas de críticos. En particular, se elogió su estilo visual, mientras que se criticaron la trama, que algunos consideraron "incomprensible". [1] [2] Muchos críticos han intentado analizar los temas de la película y su uso de 3D.
Algunas de las tomas más elaboradas de la película se han denominado técnicas innovadoras del vocabulario cinematográfico. Estos incluyen una toma de "separación" en la que una sola toma ininterrumpida se divide en dos tomas separadas que se pueden ver simultáneamente a través del ojo izquierdo o derecho, y luego regresa a una sola toma 3D. Aragno y Godard también experimentaron con imágenes en 3D de doble exposición y tomas con paralaje que son difíciles de ver para el ojo humano.
Sinopsis
—Godard en una sinopsis manuscrita escrita en verso y publicada por primera vez en Twitter [3] [4]
Adiós al lenguaje es una narrativa experimental que cuenta dos versiones similares de una pareja que tiene una aventura. Estas dos historias se denominan "1 naturaleza" y "2 metáfora", y se centran respectivamente en las parejas Josette y Gédéon e Ivitch y Marcus, junto con un perro (el propio perro de Godard, Roxy).
La película comienza con "1 Nature" en el centro cultural de Nyon. Una pareja joven, Marie y su novio, están instalando un atril usado. Llegan otra pareja, Davidson e Isabelle. Por cierto que Marie, su novio y más tarde el personaje Ivitch se dirigen a Davidson, parece que él es un profesor. Blandiendo una copia de El archipiélago Gulag , Davidson comenta que su autor, Aleksandr Solzhenitsyn , no necesitó usar Google para buscar el subtítulo del libro. Luego, el profesor le pregunta a Isabelle qué solían ser los pulgares antes de los teléfonos inteligentes, haciendo una referencia al cuento infantil francés Hop-o'-My-Thumb . Luego procede a dar una conferencia improvisada sobre las ideas de Jacques Ellul , como la abdicación de los derechos y responsabilidades individuales al estado, una situación que Ellul declaró como el triunfo de Adolf Hitler . De repente se acerca un automóvil, sale un hombre y, hablando en alemán, aborda a Josette, que estaba parada cerca. Después de exigirle que regrese a casa (lo que implica que el hombre es el marido de Josette), amenazarla con las consecuencias y tratar de arrastrarla físicamente, el hombre se retira del marco y dispara con un arma. Mientras los otros personajes se apresuran hacia el lugar donde se realizaron los disparos, el automóvil se aleja. Josette se aleja, mientras Gédéon, que la ha estado observando todo el tiempo, la sigue. Mientras Josette se lava las manos en una fuente, Gédéon se acerca y le dice: "Estoy a tu servicio".
La película cambia a "2 Metáfora". En la orilla del lago Nyon, Davidson está sentado en un banco mirando un libro de reproducciones de Nicolas de Staël cuando Marie y su novio llegan para despedirse antes de irse a Estados Unidos. Llega Ivitch, vestido como Davidson, con una gabardina y un sombrero a juego. Mientras los dos discuten la tiranía de las imágenes, llega el hombre de habla alemana y la escena se desarrolla como antes: aborda a Ivitch, dispara su arma y se va. Como antes, un hombre se acerca a la mujer sacudida. Esta vez es el hombre que está fuera de la pantalla y la mujer que está en la pantalla (Ivitch tras las rejas de metal, una imagen que se usa con frecuencia en la promoción de la película). El hombre, Marcus, pone su mano sobre los barrotes y declara: "Estoy a tu servicio".
La película vuelve a "1 Nature". Gédéon y Josette están en proceso de tener una aventura y se van a quedar juntos en una casa durante el verano; hablan de literatura y temas domésticos. Gédéon hace referencia a El pensador de Rodin mientras está sentado en un inodoro y declara que las personas se igualan a través del acto de defecar. En algún momento, la escena cambia a Nyon, donde Marie examina el cuerpo de un hombre no identificado. Volviendo al asunto de Gédéon y Josette, el perro Roxy retoza en el campo mientras un narrador habla sobre la relación del ser humano con los perros. Entra en un coche con Gédéon y Josette, quienes lo llevan a casa y continúan hablando con Roxy presente. Josette menciona un cuchillo que Gédéon le dio cuatro años antes. Gédéon y Josette se van para abordar un ferry, dejando atrás a Roxy.
La película vuelve a "2 Metáfora". Marcus e Ivitch tienen una aventura en la misma casa en invierno; hablan de pintura y temas políticos, como la opinión de Mao Zedong sobre la Revolución Francesa y cómo los rusos nunca serán europeos. Tienen una discusión mientras se duchan juntos, seguida de un disparo de un cuchillo ensangrentado en un fregadero. A medida que su relación se deteriora, Ivitch le recuerda a Marcus que le dijo "Estoy a tu servicio". Marcus declara que deberían tener hijos, Ivitch dice que deberían tener un perro en su lugar.
En un epílogo titulado "3 Memoria / infortunio histórico", Roxy está de nuevo en el campo mientras una narración en off que representa los pensamientos de Roxy (y parafraseando Time and Again de Clifford D. Simak ) se pregunta qué está tratando de decirle el agua. Un narrador menciona que Mary Shelley escribió Frankenstein cerca de la casa de la pareja en Cologny ; Se ve a Shelley en el país escribiendo su libro con pluma y tinta y se le unen Lord Byron y Percy Shelley. Un hombre y una mujer invisibles (Godard y Florence Colombani) pintan con acuarelas y tinta negra. Ordenan a Roxy que salga de la habitación y (parafraseando a los Demonios de Dostoyevsky ) comparan las dos preguntas de Kirillov , "una grande y una pequeña" (el otro mundo y el sufrimiento) y la "difícil [y de] encajar [ting] en la planitud. profundidad "al acto de crear arte. Roxy se duerme en un sofá mientras una narradora (Anne-Marie Miéville) describe sus pensamientos y la película termina con el ladrido de un perro y el llanto de un bebé.
Referencias a otras obras
Como muchas de las películas de Godard, Goodbye to Language contiene numerosas referencias a otras obras de arte o ciencia entrelazadas dentro de la narrativa. Incluye clips de películas como Boris Barnet Es Por el azul de los mares , Rouben Mamoulian 's Dr. Jekyll y Mr. Hyde , Jean-Pierre Melville 's terribles Les Enfants , Artur Aristakisyan ' s Ladoni , Fritz Lang 's Metropolis , Howard Hawks 's Sólo los ángeles tienen alas , Robert Siodmak ' s personas el domingo , Alexandre Aja 's Piranha 3D y Henry king ' s Las nieves del Kilimanjaro . Cita verbalmente el Testamento de Orfeo de Jean Cocteau sin mostrar ningún clip [5] y utiliza imágenes de archivo de eventos políticos del siglo XX, como la Alemania nazi y la Unión Soviética . [6]
La película hace referencia o cita a varios escritores de literatura, ciencia, filosofía y teoría política. Estos incluyen tanto citas directas (a menudo parafraseadas por personajes o narradores invisibles) como copias de libros que se ven en tomas. Las referencias incluyen Alain 's sentimientos, pasiones y de los signos , Jean Anouilh ' s Antígona , Guillaume Apollinaire 's Alcools , Louis Aragon ' s Elsa, je t'aime , Alain Badiou 's El renacimiento de la historia , Samuel Beckett Es La Imagen , de Joceyln Benoist Conceptos: Introducción al análisis , Maurice Blanchot 's espera de olvido , Jorge Luis Borges ' s el libro de arena , Louis-Ferdinand Céline 's la Iglesia y la Carta a Elie Faure , Jacques Chardonne ' s Eva o el interrumpida Diario , Pierre Clastres 's Sociedad contra el Estado , de Jean-Paul Curnier un mundo en guerra , Charles Darwin ' s el origen del hombre , Jacques Derrida Es el animal que por lo tanto estoy , Françoise Dolto 's el Evangelio a riesgo de Psicoanálisis , Fyodor Dostoyevsky 's demonios , Jacques Ellul es la victoria de Hitler? , Gustave Flaubert 's La educación sentimental , de Hadrien France-Lanord Heidegger: Pensamiento irreducible a sus errores , de Didier Franck Nietzsche y la sombra de Dios , Sigmund Freud ' s Conferencias introductorias al psicoanálisis , Julien Green 's Diario , Victor Hugo ' s expiación , Emmanuel Levinas 's Totalidad e infinito , de Cesare Pavese la casa en la colina , Ezra Pound ' s Obras y usura: Tres Ensayos , Marcel Proust 's Jean Santeuil y la Prisonnière , Rainier Maria Rilke 's Elegías de Duino , George Sand ' s Elle et Lui y Lettres à Alfred de Musset , Louis Antoine de Saint-Just 's Rapport a la convención de 3 de marzo de 1794 , Jean-Paul Sartre ' s Ser y la Nada , La edad de la razón , las náuseas y el traidor , María Shelley 's Frankenstein , Percy Bysshe Shelley ' s Peter Bell la Tercera , Clifford D. Simak 's una y otra vez y la ciudad , Philippe Sollers ' s Entrevista con Philippe Forest , Paul Valéry 's Aphorismes , François Villon ' s balada del hombre colgado , Ludwig Wittgenstein 's Philosoph iCal Investigations , [5] Aleksandr Solzhenitsyn 's The Gulag Archipelago , [7] Léon Brunschvicg ' s Descartes et Pascal, lecteurs de Montaigne , [8] AE Van Vogt 's El mundo de Null-A , [9] VS Naipaul ' s Una curva en el río , Mao Zedong (o Zhou Enlai 's) famosa frase "demasiado pronto para decir", [10] Laurent Schwartz ' s teoría de las distribuciones , Paul Dirac 's de la función delta de Dirac , [11] Platón ' s proverbio "la belleza es el esplendor de la verdad" y obras de Bernhard Riemann , Jack London [12] y Luc Ferry . [13]
Incluye referencias a Claude Monet y Auguste Rodin 's El Pensador [12] y las imágenes del pintor Nicolas de Staël . [14]
Godard incluso se cita a sí mismo: "Mostrar un bosque, fácil. Pero mostrar una habitación con un bosque cercano, difícil " está parafraseado de la reseña de Godard de 1958 sobre la película Une Vie de Alexandre Astruc . Algunas de las referencias son falsas, como una cita de Marcel Proust atribuida erróneamente a Claude Monet y una cita de William Faulkner que no se puede rastrear en sus obras conocidas. [5]
La música de la película incluye la canción popular de Alfredo Bandelli The Witch Hunt , cantada por Pino Masi. También hay breves fragmentos de Ludwig van Beethoven 's ninguna sinfonía. 7, Segundo Movimiento , Giya Kancheli 's Abii Ne Viderem , Dobrinka Tabakova ' s suite en el viejo estilo, Parte II , Piotr Ilich Tchaikovsky 's eslava de marzo , Arnold Schoenberg ' s Noche transfigurada , Jean Sibelius 's Sinfonía Nº 2 y Valse triste y Valentín Silvestrov 's Santo Dios . [5]
Elenco
- Héloïse Godet como Josette
- Kamel Abdeli como Gédéon
- Richard Chevallier como Marcus
- Zoé Bruneau como Ivitch
- Christian Grégori como Davidson
- Daniel Ludwig como esposo
- Jessica Erickson como Mary Shelley
- Alexandre Païta como Lord Byron
- Dimitri Basil como Percy Shelley
- Roxy Miéville como el perro
- Marie Ruchat como Marie, la pelirroja
- Jeremy Zampatti como el joven
- Isabelle Carbonneau como Isabelle
- Jean-Luc Godard como el hombre invisible
- Florence Colombani como la mujer invisible
- Anne-Marie Miéville como narradora
- Gino Siconolfi
- Alain Brat
- Stéphane Colin
- Bruno Allaigre [15] [16] [17]
Producción
Godard anunció por primera vez los planes para la película durante el Festival de Cine de Cannes de 2010 , cuando dijo que su título sería Adieu au Langage . En una entrevista de noviembre de 2010, bromeó diciendo que quería contratar a Humphrey Bogart y Ava Gardner , y dijo que "se trata de un hombre y su esposa que ya no hablan el mismo idioma. El perro que llevan a pasear interviene y habla". También reveló su interés por el 3D y la posibilidad de utilizar a su propio perro en la película. Godard inicialmente quería contratar a las principales estrellas para los papeles principales [18] y pidió a Sophie Marceau y Vincent Cassel que interpretaran a la pareja. Cassel se negó y Godard decidió utilizar actores desconocidos en su lugar. [17] Ese año Godard había contemplado retirarse, pero según su director de fotografía de toda la vida, Fabrice Aragno, "no puede vivir sin hacer películas". [19]
El rodaje tuvo lugar en Suiza , incluso en Nyon, cerca del lago de Ginebra [20] y en la casa de Godard en Rolle . [17] [21] Godard trabajó con un equipo mínimo y un equipo pequeño, que incluía a Aragno, el asistente de Godard, Jean-Paul Battaggia, y un "joven que se asegura de que los actores y la utilería no se pierdan y que los transeúntes entren en el cuadro. " Todo el equipo cabía en una sola furgoneta e incluía dos cámaras 3D , una cámara de mano operada por Godard, una grabadora de sonido y un paraguas. [20] Godard dijo que prefiere trabajar con equipos pequeños en lugar de grandes "como hay para las películas estadounidenses en las que se les permite tener cuarenta personas. Porque, si hay menos, se sienten demasiado solos". [22] El metraje de la película se rodó durante un período de cuatro años. [23]
Godard escribió un guión detallado para la película que incluía tanto texto como guiones gráficos ; [24] sin embargo, en lugar de un guión tradicional, el escenario consistía en "una serie de piezas en prosa escritas con apuntes e ideas". Kamel Abdeli dijo que tuvo que buscar en Google todas las referencias en el guión para poder entenderlo, y dijo que "no se podía leer el escenario, se podía sentir y mirar". [25] El actor Daniel Ludwig escribió que "junto con los textos sibilinos y los collages e imágenes hechos a mano por el maestro, el guión es una obra de arte salvaje, caótica y maravillosamente sugerente". [20]
Tanto la protagonista femenina (Héloïse Godet y Zoé Bruneau) como el protagonista masculino (Kamel Abdeli y Richard Chevallier) fueron elegidos intencionalmente para parecerse físicamente entre sí. Las escenas con Bruneau y Chevallier se rodaron en verano, mientras que las escenas con Godet y Abdeli se rodaron en invierno. [26] Los actores esperaron dos años y medio para comenzar a filmar después de ser elegidos por primera vez [27] debido a los constantes retrasos. Después de ensayar durante dos años, Abdelli viajó desde París a Rolle durante el primer día de rodaje, solo para descubrir que Godard había cambiado de opinión. [25] Las memorias de Bruneau de 2014 Waiting for Godard narran la realización de la película. Godard a menudo reescribía las escenas la noche anterior a la filmación y no permitía improvisación en el set, aparte de un bloqueo menor de la pantalla. [27] Una de esas improvisaciones involucró a una actriz sentada frente a una lámpara, lo que resultó en un destello de lente que Aragno llamó "magia" en 3D. [28] Godet dijo que la dirección de Godard fue "muy precisa y muy gentil, pero clara y sin discusión al respecto". Hubo muy poco tiempo de ensayo para los actores, pero Aragno se tomó mucho tiempo para preparar cada plano. [24] A la historiadora de cine francesa Florence Colombani se le pidió que viajara a la casa de Godard y actuara en la película, luego descubrió que él solo quería filmar sus manos dibujando la Cruz de Lorena mientras ella hablaba su diálogo. [17]
Aragno dijo que él y Godard no querían usar 3D como un efecto especial o truco típico. En cambio, deseaban usarlo "para expresar cosas nuevas". [28] Se utilizaron varias cámaras, pero la mayoría se filmó con la Canon 5D y la Canon 1DC . [23] Otras cámaras incluyeron GoPros y Lumixes . [26] Aragno usó lentes Leica en los Canons "porque los lentes Canon son demasiado perfectos ... ¿Cómo puedes enamorarte de una persona digitalmente perfecta? ¡Errar es humano! Los lentes Leica tienen algunas imperfecciones involuntarias". [22] Las cámaras Canon les permitieron filmar la mayor parte de la película utilizando fuentes de luz naturales o disponibles . Godard enmarcó intencionalmente tomas para imágenes en 3D, como cuando las sombras del personaje están en 2D pero la acera está en 3D. El perro de la película es la mascota de Godard, Roxy Miéville, a quien Godard filmaba cada vez que lo sacaba a pasear. Godard usó cámaras de consumo de Fujifilm y Sony para estas tomas. [23] Aragno también filmó algunas imágenes de forma independiente antes de que comenzara oficialmente la producción, incluidas tomas de sus dos hijos corriendo alrededor de los olivos. [28]
Aragno grabó el sonido durante la producción y luego fue el mezclador de sonido durante la postproducción. Godard editó un borrador en 2D de la película antes de que él y Aragno trabajaran en el corte final en 3D . [23] Godard editó el primer corte solo en HDCAM . Aragno dijo que:
Cuando quiere insertar algo, superpone las imágenes ... Jean-Luc separa las imágenes que está editando de la consola de edición. Coloca la pantalla perpendicular a la consola para que no haya nada entre él y la imagen. Tiene que darse la vuelta para hacer la edición. Decide las ediciones muy rápidamente. Después de ver todo el metraje, usa pequeñas miniaturas de imágenes fotocopiadas o impresas de cada escena y hace libros, pegando cada imagen a una página. [28]
Aragno usó el primer corte de Godard para sincronizar manualmente las imágenes izquierda y derecha en el primer corte 3D, que dijo "¡tomó algo de tiempo!" Godard inicialmente se sintió decepcionado con el corte, que "tenía un sonido mono y muy poca corrección de color". El 18 de marzo, Aragno organizó la proyección de un corte en 3D con banda sonora en estéreo para Godard en un cine de París. Aragno dijo que también editaron una versión 2D de la película que "superpone las dos imágenes como una doble exposición", que Godard pensó que podría ser la versión proyectada en el Festival de Cine de Cannes. Godard no había visto ningún metraje en 3D de la película hasta esta proyección y quedó inmediatamente feliz con el resultado final. [28]
La edición del corte final duró dos semanas en la casa de Godard, a la que apodaron "Chez les Anglais". Godard y Aragno "instalaron tres computadoras sincronizadas, Pro Tools para la mezcla de sonido envolvente, Da Vinci Resolve para la corrección de color y administración 3-D, y Final Cut para reproducir lo que fue renderizado por DaVinci sincronizado con la mezcla de sonido de ProTools. La idea era para mezclar, corregir el color y editar al mismo tiempo en HD 3-D. Editamos dos minutos por sesión ". [28]
Innovaciones 3D
—Erin Whitney de The Huffington Post describiendo la primera toma experimental de "separación" de la película. [29]
Poco después de terminar Film Socialism (y después del éxito de la película estadounidense Avatar en 3D ), Godard le pidió a Aragno que filmara algunas imágenes de prueba en 3D. [28] Con la ayuda de Battaggia y el director de fotografía Paul Grivas (sobrino de Godard [30] ), Aragno investigó [19] y experimentó con técnicas 3D y construyó sus propios equipos de cámara personalizados. Comenzó usando "una costosa cámara Panasonic que tenía 3-D incorporada", pero no quedó impresionado con los resultados. [28] En sus experimentos, Arango concluyó que las "reglas" estándar para la cinematografía 3D ("No puede haber más de seis centímetros entre las dos cámaras. Si el fondo y el primer plano están demasiado lejos, no puede ser bueno"). no fueron interesantes. [23] Aragno luego construyó una plataforma de madera con dos Canon 5D, que dijo "era mucho más tosca y expresiva. Normalmente, en 3-D de dos cámaras, las cámaras están muy juntas para minimizar el paralaje . Con la plataforma Construí, las dos 5D estaban separadas por unos cinco centímetros, produciendo una imagen 3-D mucho más dura ". [28] En su equipo, una de las cámaras estaba boca abajo "para poder registrar los sensores en el mismo ángulo de visión para obtener un 3D perfecto o 'imperfecto', evitando el paralaje y así obtener el mejor efecto de ambas cámaras. No hubo computadoras involucradas en esta calibración. Solo un martillo y un cincel. Es un cine artesanal ". [22]
Aragno construyó otro equipo con dos cámaras Flip Mino que permitieron que una de las cámaras se desplazara. En una prueba con dos niños, Aragno dijo que:
Le pedí al chico que fuera a la cocina a mi derecha, y la cámara de la derecha lo siguió y la de la izquierda se quedó, así que el 3D se rompió. La niña está en tu ojo izquierdo y el niño en el derecho. Cuando estaba en la cocina, tu cerebro no sabía cómo mirar. Me duele un poco mirar, pero fue interesante, y cuando el chico vuelve con la chica, las dos cámaras estaban de nuevo en 3D clásico. Así que se lo mostré a Jean-Luc y decidió usarlo para la película.
Aragno también experimentó con la distancia entre las dos cámaras, a veces acercándolas o alejándolas más que el estándar de la industria de seis centímetros. [23] Aragno le dijo más tarde al Huffington Post : "Empecé a pensar en hacer algo en 3D que solo pueda ser en 3D ... 3D significa dos imágenes, una a la izquierda y otra a la derecha, y ambas pueden estar juntas, pero también puedes hacer una imagen diferente a la otra ". [29]
Esta técnica de separar la imagen en 3D se ha denominado un nuevo plano en el cine, aunque es parcialmente comparable a los planos del primer largometraje en 3D El poder del amor . Calum Marsh de The Dissolve dijo que "se ha enriquecido el vocabulario del cine. Hay una nueva herramienta a disposición de los cineastas: una nueva técnica, como el salto cortado antes", y que en sus películas anteriores Godard ha "estado buscando una forma de unificar ideas, de unir imágenes dispares para crear una nueva. Esta toma es la realización ". [31] Erin Whitney de The Huffington Post escribió que "El momento es tan innovador e inusual que Godard y su director de fotografía, Fabrice Aragno, ni siquiera tenían un nombre para él (Aragno se ha referido a la toma como" separación ", por falta de un término mejor) ". [29] David Ehrlich, de The Dissolve, describió la técnica como una toma de " elige tu propia aventura " y escribió que "al representar las imágenes dispares de forma separada pero simultánea, Godard ha encontrado una forma para que los espectadores comparen imágenes separadas en el momento en que ven ellos. Adiós al lenguaje argumenta efectivamente que cada corte es porosa , y que ver es simplemente mirando, si está distraído por la memoria ". [32] Amy Taubin, de Film Comment, calificó la toma como "una secuencia narrativamente profunda alucinante, que disloca el globo ocular" e informó que después de que concluyó la toma, el público estalló en aplausos en el estreno de la película durante el festival de cine de Cannes. [33] Jonathan Romney de Film Comment dijo que "es la magia en la cámara de un Méliès vintage: un truco barato, pero brillante y simplemente llevado a cabo, encontrando un placer insospechado hasta ahora en un simple uso 'inadecuado' de 3-D. " [10]
Aragno también experimentó con imágenes 3D en postproducción. Estos incluyeron "pruebas de superposición y combinación de imágenes 2-D y 3-D. Quería 'incrustar' diferentes imágenes y trabajar en diferentes planos en el espacio" y mezclar diferentes imágenes 2D para crear imágenes 3D de doble exposición . Posteriormente, Godard utilizó algunas de estas pruebas en su cortometraje Les Trois Désastres , incluido en la película ómnibus de 2013 3X3D . [28]
Recepción
Estreno del Festival de Cine de Cannes
Goodbye to Language se estrenó el 21 de mayo de 2014 en el Teatro Lumière en competición en el Festival de Cine de Cannes 2014 . Se esperaba que Godard asistiera al festival, pero anunció que no lo haría unos días antes de la proyección. Godard dijo a Radio Télévision Suisse que no quería la Palma de Oro y se la daría a su asesor fiscal si ganaba, tal y como había hecho con su Oscar honorífico . [34] Poco después envió una carta en video al presidente del festival que se retiraba Gilles Jacob y al director artístico Thierry Frémaux [33] explicando su ausencia del festival y su estado de ánimo actual. La carta en video estaba destinada a ser privada, pero Jacob la lanzó al público como un cortometraje llamado Letter in Motion para Gilles Jacob y Thierry Fremaux . [8] [35] La presidenta del jurado de la competencia principal, Jane Campion, dijo que "el hecho de que descarte la narrativa es como un poema. Me desperté. Este era un hombre libre". [36] Amy Taubin asistió a la primera proyección y calificó la película como una obra maestra, escribiendo que "podría ser la más hermosa, mozartiana en su ligereza y sin restricciones en la comunicación de sentimientos sobre el amor". [33] Manohla Dargis del New York Times escribió que "finalmente, la alineación de la competencia tenía algo que necesitaba desesperadamente durante toda la semana: una emocionante experiencia cinematográfica que casi hizo levitar el lleno teatro Lumière de 2.300 asientos aquí, convirtiendo solo otra proyección en un verdadero sucediendo "y lo llamó" profunda, emocionante y desafiante ". [14]
Recepción de la crítica
En el sitio web del agregador de reseñas Rotten Tomatoes , Goodbye to Language tiene un índice de aprobación del 88% basado en 73 reseñas, con una calificación promedio de 7.1 / 10. El consenso crítico del sitio web dice: "Tan visualmente emocionante como inescrutable, Goodbye to Language 3D ofrece una obra maestra de un período tardío de un director legendario que aún tiene el control de su oficio". [1] En Metacritic , la película tiene un puntaje promedio ponderado de 75 sobre 100, basado en 28 críticos, lo que indica "críticas generalmente favorables". [2]
En Francia, Isabelle Regnier de Le Monde la calificó como "una película muy hermosa ... de un hombre que entregó su vida al cine ... y cambió profundamente la historia del cine". [37] Gérard Lefort y Olivier Séguret de Libération elogiaron tanto su "deslumbrante destreza técnica" como su burla del proceso 3D. [38] Jean-Michel Frodon de Slate comparó los resultados de las tomas de "separación" con un artículo de 1956 que Godard escribió para Cahiers du cinéma sobre la aproximación de "múltiples imágenes" y dijo que Godard debería recibir un (inexistente) " Nobel Premio de Cine "por poner en práctica su propia teoría. [39] Antoine De Baecque dijo que la película se mantuvo fiel a los ideales de la Nueva Ola francesa al ser "absolutamente contemporánea" y decir la verdad de la era moderna. [40] Jean-Baptiste Doulcet de la revista Benzine Magazine escribió que "no tiene nada que justificar y no se contentará con complacer" y criticó su humor higiénico y complejidad, pero lo calificó de "ligero y a veces conmovedor". [41] Éric Neuhoff de Le Figaro escribió que Godard era un "viejo adolescente senil" que había "perdido su inspiración" y "no ha aprendido nada sobre el amor, la pareja [o] la sociedad", y se burló de la ovación de quince minutos de la película. en el Festival de Cine de Cannes. [42]
David Bordwell lo llamó "la mejor película nueva que he visto este año y la mejor película en 3D que he visto". [26] Richard Brody de The New Yorker escribió que la "técnica 3-D de la película es el primer avance en el trabajo de cámara de enfoque profundo desde el apogeo de Orson Welles ". [43] Scott Foundas de Variety escribió que la película "reafirma continuamente que ningún cineasta ha hecho más para probar y reafirmar las posibilidades de la imagen en movimiento durante el último medio siglo de la forma de arte". [7] En The New York Times, A. O. Scott lo llamó "desconcertante y hermoso, una ráfaga de fragmentos musicales y literarios dispuestos en contrapunto a una serie de imágenes de colores brillantes y evocadoras e inquietantes". [44] J. Hoberman de The New York Review of Books lo llamó "una experiencia exaltada" y dijo que "verlo es algo así como encontrarse con películas por primera vez". [45] Jonathan Rosenbaum escribió que verlo le hizo "sentir que estoy experimentando las posibilidades reales del 3-D por primera vez". [46] Scout Tafoya de RogerEbert.com dijo que "Godard ha recalibrado 3D en una nueva y revolucionaria herramienta de investigación, una maravilla sensorial, y apropiadamente, la experiencia de ver 'Adiós al lenguaje' es similar a forzar a su cerebro a experimentar un violento re -nacimiento en una nueva era, una que aún no hemos nombrado ". [24] Blake Williams de Cine Ámbito Revista comparó con Stan Brakhage 's Dog Star Man y Michael Snow ' s * cuerpo calloso , que calificó de 'un ' vanguardista trabajo' en el sentido original y más literal de la palabra.' [11]
Algunas críticas fueron negativas. Thomas Lee de San Francisco Chronicle lo llamó "una mezcolanza de imágenes desordenadas, cortes de salto molestos y filosofía pretenciosa / pseudo-psico-charlatanería, la película sin duda atraerá a los fanáticos acérrimos de Godard ... Pero para el resto de los estadounidenses que prefiero una apariencia de coherencia y pensamiento significativo, 'Adiós al lenguaje' decepcionará profundamente ". [47] Daniel Engber de Slate criticó la trama incoherente de la película pero elogió sus innovaciones en 3D. [48] Lou Lumenick del New York Post lo llamó un "festival de repetición" y escribió que Godard era "un malhumorado aburrido de 83 años que daba conferencias pretenciosas sobre el cine y el mundo en un lenguaje privado, solo para críticos de cine y audiencias del Upper West Side. pretenda entender en este punto ". [49] Marc Mohan de The Oregonian lo llamó "un denso collage de sonido e imagen, sin una narrativa coherente, que deconstruye el cine y la historia de formas provocativas ya menudo incomprensibles". [12]
Principales listas de películas y premios
Adiós al lenguaje fue una de las películas más aclamadas de 2014 y apareció en las listas de mejores películas de fin de año de varios críticos. [50] [51] Los críticos que catalogaron la película como la mejor película del año incluyen a Carlo Chatrian , [52] Scott Foundas, [53] J. Hoberman, [54] John Powers, [55] James Quandt, [56] Jean-François Rauger, [57] Jonathan Rosenbaum, [58] Dan Sullivan, [59] Amy Taubin, [60] Armond White, [61] y Blake Williams. [62] El personal de Cahiers du cinéma , [63] Film Comment [64] y el British Film Institute 's vista y sonido todo aparece como segundo lugar. [65] Otros críticos que la catalogaron como una de las mejores películas del año incluyen a Kong Rithdee, [66] Michael Atkinson , [67] Richard Brody, [68] David Ehrenstein , [69] Dennis Lim, [59] Richard Corliss , [ 70] Glenn Kenny , [71] Mathieu Macheret, [57] Jonathan Romney, [72] Molly Haskell , [73] Miriam Bale, [74] Ignatiy Vishnevetsky , [75] Manohla Dargis [76] y Michael Phillips , [77] y el personal de Reverse Shot , [78] The Village Voice , [79] Indiewire , [80] CineVue [81] y The AV Club . [82]
En los Premios de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine de 2014 fue votada como Mejor Película. Godard quedó en segundo lugar como Mejor Director y Aragno en tercer lugar como Mejor Cinematografía. [83] En Francia fue nominado para el Premio Louis Delluc 2014 , pero perdió ante Clouds of Sils Maria . [84] En 2016, fue votada como la 49ª mejor película del siglo XXI según la elección de 177 críticos de cine de todo el mundo. [85]
Festivales y lanzamiento
En el Festival de Cine de Cannes 2014 ganó el premio del jurado , que compartió con Xavier Dolan 's mamá . [86] El perro de Godard, Roxy, ganó el premio especial Palm Dog Award . [87] Más tarde se proyectó en festivales como el Festival Internacional de Cine de Locarno 2014 en la sección "Fuori concorso", [88] Festival Internacional de Cine de Toronto 2014 en la sección "Maestros", [89] y el Festival de Cine de Nueva York 2014 . [90]
Se estrenó en París en una proyección avanzada en el teatro Le Panthéon el 24 de mayo de 2014. [91] Fue estrenada en cines en Francia el 28 de mayo por Wild Bunch [92] y vendió un total de 33.225 entradas. [93] Fue distribuido en Norteamérica por Kino Lorber , que lanzó un DVD Blu-ray 3D en 2015. [94] [95] Se estrenó en los EE. UU. En el Festival de Cine de Nueva York el 27 de septiembre de 2014 y se estrenó en cines el 29 Octubre. [90] Ganó $ 27,000 en su primer fin de semana en dos teatros, obteniendo el promedio más alto por pantalla del fin de semana. [96] Ganó 390.099 dólares en Estados Unidos. [97]
Temas e interpretaciones
-Quote utilizado en la narración de la película, que se atribuye a Claude Monet , pero en realidad parafraseado de Marcel Proust 's Jean Santeuil [5]
Muchos críticos de cine se han quejado de que Adiós al lenguaje es difícil de entender. Todd McCarthy, de The Hollywood Reporter, dijo que "sólo hay fragmentos de pensamientos, no se desarrolla nada". [98] Carlos Ealy de Austin 360 comparó a ver Mike Myers 's Piñones boceto de Saturday Night Live . [99] Bordwell ha criticado el análisis superficial de la película de otros críticos, afirmando que "los críticos desanimados por Godard, creo, tienen una noción demasiado limitada de lo que es la crítica". [13]
Bordwell ha calificado la película de opaca con personajes que son difíciles de interpretar, conflictos inexplicables y puntos importantes de la trama que ocurren fuera de cámara. Godard también enmarca a veces personajes para hacerlos irreconocibles para la audiencia, filma escenas con diálogos superpuestos de personajes dentro y fuera de la pantalla, y usa puntos suspensivos en escenas para crear espacios en el tiempo. También a veces corta a cuadros negros, objetos en la escena o paisajes mientras aún se escuchan los diálogos de la escena. Estas técnicas hacen que la película sea difícil de interpretar y comprender. Bordwell cree que "deberíamos encontrar fascinantes los problemas de comprensión. Nos recuerdan las convenciones narrativas que damos por sentado, y empujan hacia otras formas de hilar o desenredar hilos". Bordwell cree que "bloquear o perturbar nuestro proceso de creación de historias sirve para volver a ponderar la imagen y el sonido individuales. Cuando no podemos vincular fácilmente lo que vemos y oímos con una trama en curso, nos persuaden a disfrutar cada momento como un microevento en sí mismo, como una palabra en un poema o una mancha de color en una pintura ". [26]
Esta técnica "opaca" ha sido el estilo característico de Godard durante muchos años. En 1995, Jean-Michel Frodon describió las mismas complejidades que Bordwell y escribió que
al ver una película de Godard, hay momentos en los que uno tiende a resistirse a la experiencia. A medida que avanza la película, de repente te sientes confundido, no captas algo del todo y sientes que estás perdiendo el equilibrio. A punto de ahogarse, uno puede pensar que Godard es vago y oscuro, pero luego hay un movimiento / desplazamiento marítimo y si uno se deja llevar por la próxima ola que viene, pronto recupera la deriva de la película. [100]
Cuando se le preguntó sobre el mensaje de la película, Godard rechazó la premisa de la pregunta y sostuvo, "más bien, sería el mensaje de la ausencia de un mensaje. Es un mensaje en la vida cotidiana". [22] Colin MacCabe escribió que la película no tiene historia:
En cambio, hay patrones de imágenes y sonido superpuestos con citas de los autores ... Existe la preocupación por la historia, sobre todo Hitler y el nazismo, y la comprensión de la historia como sin distinción entre imagen y realidad, de modo que la historia del el cine y la historia del mundo moderno se mezclan entre sí. [101]
El título de la película tiene un doble significado. En Vaud , la parte francófona de Suiza donde Godard se crió y vive actualmente, la palabra "adieu" puede significar adiós y hola [8] [102] "según la hora del día, el tono de voz". Godard ha reconocido que esta interpretación solo se entendería en Vaud y dijo "hoy en día parece que hablar no tiene nada que ver, que el habla ya no existe". Él cree que las palabras están perdiendo todo significado y que "nos estamos perdiendo el punto ... cuando digo 'Adiós' al lenguaje, realmente significa 'Adiós', es decir, decir adiós a mi propia forma de hablar". Sin embargo, Godard cree que las imágenes, como las películas que mezclan palabras y elementos visuales, aún son capaces de comunicarse de manera significativa, citando las prohibiciones islámicas y cristianas de ciertas imágenes y permitiendo las palabras como ejemplo. [22] Godard dijo que en la secuencia con Mary Shelley y él mismo pintando con acuarelas, quería mostrar visualmente los actos físicos del lenguaje de la escritura y el lenguaje de las artes visuales. [8] Bordwell cree que un tema de la película es "la idea de que el lenguaje nos aleja de alguna conexión primordial con las cosas". [13]
Uso de 3D
Godard se interesó por el 3D porque "todavía es un área donde no hay reglas" y pensó que no era interesante porque aún no se había explorado en todo su potencial. Godard piensa que la tecnología, como una cámara de cine, "revela [s] algo cultural", como lo que "significa sobre los tiempos en que surgió" y también cómo está limitada por lo que no puede hacer. Las técnicas cinematográficas como CinemaScope , tomas de dolly , primeros planos o alta fidelidad se consideran innovadoras, pero en realidad crean limitaciones al establecer estándares y reglas en la técnica. Compara sus experimentos con 3D con las primeras películas de Auguste y Louis Lumière y DW Griffith , quienes hicieron películas antes de que existieran "reglas" sobre la técnica, afirmando que "cuando la técnica está en sus inicios, como un niño, no conoce reglas". Su inspiración provino de la invención de la perspectiva en la pintura, cuando el espectador comprende la existencia de espacio fuera de los bordes de la pintura. Godard quería explorar la ilusión de profundidad en una imagen 3D sugiriendo algo "más allá del marco". [22] Como la doble exposición de una imagen en 3D, la película contiene dos narraciones paralelas que se repiten con dos parejas diferentes. [13] Godard estaba siguiendo la teoría de Alfred Hitchcock de que "cuando quieres que se entienda algo, lo dices al menos dos veces". [22]
Bryant Frazer de Studio Daily escribió que Godard rompe las "reglas" convencionales del 3D de cinco maneras: "no mantiene un marco limpio" en sus composiciones de pantalla, "abraza cámaras de baja calidad", "gravita hacia el enfoque profundo". cinematografía, "rompe la imagen en 3D y luego la restaura en una sola toma" y "usa estéreo para elevar lo mundano" en lugar de temas espectaculares como películas de superhéroes o fantasía . Frazer dijo que Godard "quiere experimentar con la tecnología, llamar la atención sobre ella, probar sus límites y ver qué sucede cuando la imagen se desmorona por completo". [103] Richard Brody de The New Yorker escribió que "en lugar de usar 3-D como un efecto para crear una sensación de vuelo o hacer que el espectador se sienta como el objetivo de objetos propulsados, Godard usa 3-D para enfatizar la materialidad, las propiedades físicas del mundo que nos ocupa ". [6] Bordwell dijo que, además de "asombrarnos con efectos especiales", los propósitos de 3D suelen ser realistas en su mejora de la profundidad de los objetos y "avanzar en nuestra comprensión de la historia", que generalmente se logra con solo una parte de la pantalla en 3D mientras que el resto está desenfocado y en 2D. En Adiós al lenguaje, Godard usa 3D en tomas de enfoque profundo con imágenes que permiten a la audiencia escanear todo el encuadre. Bordwell escribió que el uso de 3D de Godard "tiene como objetivo hacernos percibir el mundo despojado de nuestras construcciones conceptuales (lenguaje, trama, puntos de vista normales, etc.)". [13]
Brody escribió que Godard "trató el 3D como un dispositivo de realización cinematográfica independiente ... abre la forma de arte a otra dimensión virtual. Su uso del 3D es en sí mismo la gran idea de la película". [6] MacCabe escribió que Godard "usa [3D] para distanciar y atraer" a la audiencia en lugar de simplemente mejorar el realismo, que está influenciado por Bertolt Brecht . [101] Armond White escribió que Godard "utiliza la moda digital 3D para considerar cómo se comunican hombres y mujeres ... y luego, juguetonamente, observa la lealtad de su perro ... para demostrar pura fe, pura curiosidad y su propia impermeabilidad en un era en la que la realidad y la realidad digital se confunden ". White cree que el uso de 3D en la película se burla de la supuesta profundidad visual de la técnica y, en cambio, la usa para examinar la profundidad de la experiencia humana, como "la dinámica de las relaciones sexuales, políticas y artísticas". [104]
Interpretaciones sociales
Roxy Miéville aparece con la pareja, así como con los invisibles Godard y Anne-Marie Miéville al final de la película. Godard y su pareja romántica y profesional de muchos años, Miéville, son copropietarios de Roxy, [10] pero ya no viven juntos. [17] Durante la producción de la película, Godard solía hablar de Miéville. Olivier Séguret de Libération observó que la mayor parte de la película se rodó en lugares que Godard compartió con Miéville en su vida personal y que el diálogo entre las dos parejas podría basarse en conversaciones entre ellos. [21] Cuando fue entrevistado por NPR , Bordwell interpretó las tomas de Roxy como Godard "tratando de hacer que la gente mire el mundo de una manera intacta ... Hay indicios a lo largo de la película de que la conciencia animal está más cerca de el mundo de lo que somos, ese idioma establece una barrera o filtro o pantalla entre nosotros y lo que realmente está allí. Y aunque la película está llena de lenguaje, charla, texto impreso, etc., creo que hay una sensación de que él quiere al espectador para eliminar muchas de las concepciones ordinarias que tenemos sobre cómo nos comunicamos y miramos el mundo de nuevo ". [105] Godard dijo que era parcialmente cierto que él ve el mundo a través de los ojos de Roxy [8] y que Roxy "restaura el equilibrio" a la pareja cuando están en conflicto y representan a "los plebeyos" mientras que la pareja representa a la "nobleza" o "el clero." [22] MacCabe escribió que Roxy "ofrece una imagen de socialidad aceptable" en la película. [101] En una escena con Roxy, un narrador habla sobre la Declaración Universal sobre Bienestar Animal , que Brody llama "el único rayo rayo de optimismo histórico de Godard. Es como si Roxy fuera el agente de la reconciliación, no de un simple amante a otro, sino de Godard hasta el día de hoy, a la nueva generación ". [6]
Jonathan Romney expresó su dificultad para anotar cada referencia mientras ve la película, escribiendo que "proposiciones, alusiones, sonidos, imágenes se precipitan en una ola tras otra, cada una construyendo una nueva capa encima de lo que inmediatamente antes había desaparecido o borrando violentamente. Tratar de darle algún sentido a todo, incluso de la manera más rudimentaria o provisional, es un proceso que induce a la angustia "y que" podría estar más cerca de entender una película de Godard si hubiera leído todo lo que había leído el director, pero entonces también tendrías que haberlo leído todo exactamente de la misma manera en que él lo había leído, haciendo las mismas conexiones ". [10] Ted Fendt escribió que "conocer las fuentes originales del trabajo de Godard a menudo me parece tan útil para 'desbloquear' las películas y videos como leer una copia de The Waste Land con muchas notas al pie de página ". [5]
Brody ha observado que muchas de las referencias han sido utilizadas por Godard en su película anterior, convirtiéndolas en "toques autorreferenciales y retrospectivos". También relaciona las referencias visuales a los temas políticos de la película y compara las imágenes de archivo de la Alemania nazi y la Unión Soviética en la primera parte como paralelas a las escenas de películas clásicas en las pantallas de televisión en la segunda parte. El metraje histórico "parece [s] persistir como una influencia enorme en la política, las historias e incluso las identidades actuales", mientras que las películas de Hollywood obligan a los personajes de las películas modernas a "vivir a la luz de la historia del cine, de la gran época de Hollywood y el cine europeo clásico que también sobrepasa e intimida a los modernos ". [6] Una técnica que usa Godard es hacer que las escenas narrativas se corten repentinamente a "una digresión, un collage de imágenes encontradas, intertítulos u otro material que parece desencadenado por algo mencionado en la escena". Bordwell ha llamado a esto una "forma asociativa" que se utiliza a menudo en las películas de ensayo, similar al uso que hace el novelista John Dos Passos de las historias de los periódicos en su trilogía estadounidense . [26]
La película examina muchos eventos históricos del siglo XX, particularmente el surgimiento de Hitler, el comunismo y la tecnología. Godard cita largos pasajes del ensayo de Jacques Ellul de 1945 "¿Victoire d'Hitler?" [5] En este ensayo, Ellul escribió "todo lo que Hitler dijo, lo logró" y examinó los peligros de que el individuo otorgue poder absoluto al Estado. Ellul concluyó que "todo lo que el Estado conquista como potencia, nunca lo pierde. Y esa es la segunda victoria de Hitler". [106] Eric Kohn de Indiewire escribió que mostrar el ensayo de Ellul leído en un teléfono inteligente "retrata la era de la información como el último aliento de la conciencia antes de que el pensamiento intelectual se homogeneice con los avances digitales" y que la película "sugiere que la humanidad se ha vuelto limitada por dispositivos que nos dicen todo lo que creemos que necesitamos saber ". [107]
También hay breves referencias a África, [6] como la cita de Joceyln Benoist: "Señor, ¿es posible producir un concepto sobre África?" [5] Brody dijo que esta referencia "sugiere la pobreza de la filosofía moderna — y del arte moderno — al abordar crisis políticas que fueron relegadas erróneamente a los márgenes del siglo XX y que recientemente han pasado a primer plano". [6] White cree que la referencia de la película a Frankenstein es una "profecía de la compulsión del siglo XXI de degradarnos a monstruos y zombis, confundidos por la necesidad de dar sentido a las complejidades de actualidad. El retiro de nuestra era de culpa hacia una tecnología que pretende el realismo más que la imaginación moral es patético ". [104] Brody interpretó la referencia como una sugerencia "de que el libro en sí es un acto de metáfora política y creación de imágenes históricas". [6] MacCabe escribió que la película es el ejemplo más intenso de Godard del creciente " calvinismo extremo" del director , escribiendo que "es difícil no sentir que la película es, entre otras cosas, el trabajo de un viejo pastor protestante que fulmina contra la pecados del mundo y la irremediable caída del hombre ". [101]
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Otras lecturas
- Bruneau, Zoé (2014). En asistente Godard . París, Francia: Maurice Nadeau. ISBN 978-2-86231-232-3 .
- Godard, Jean-Luc (2014). Introducción a una verdadera historia del cine y la televisión . Montreal, Canadá: furgón de cola. ISBN 978-0-9811914-1-6 .
enlaces externos
- Página web oficial
- Adiós al lenguaje en AlloCiné
- Adiós a Language 3D en IMDb
- Adiós al lenguaje en AllMovie
- Adiós al lenguaje en Box Office Mojo
- Adiós a Language 3D en Metacritic
- Adiós a Language 3D en Rotten Tomatoes
- Entrevista de Canon Camera con Godard
- Artículo del Ciné-club de Caen que incluye una descripción detallada de la película ( en francés )
- Artículo del blog de Philippe Sollers que incluye una descripción detallada de las referencias de la película ( en francés )
- Artículo de Courte Focale sobre la película ( en francés )