El arte japonés cubre una amplia gama de estilos y medios artísticos, que incluyen cerámica antigua , escultura , pintura con tinta y caligrafía sobre seda y papel, pinturas ukiyo-e y grabados en madera , cerámica, origami y, más recientemente, manga, que son dibujos animados y cómics japoneses modernos. junto con una miríada de otros tipos. Tiene una larga historia, que va desde los inicios de la habitación humana en Japón, en algún momento del décimo milenio antes de Cristo, hasta el país actual.
Japón ha sido objeto de repentinas invasiones de nuevas ideas seguidas de largos períodos de mínimo contacto con el mundo exterior. Con el tiempo, los japoneses desarrollaron la capacidad de absorber, imitar y finalmente asimilar aquellos elementos de la cultura extranjera que complementaban sus preferencias estéticas. El arte complejo más antiguo de Japón se produjo en los siglos VII y VIII en relación con el budismo . En el siglo IX, cuando los japoneses comenzaron a alejarse de China y desarrollaron formas de expresión indígenas, las artes seculares se volvieron cada vez más importantes; hasta finales del siglo XV, florecieron tanto las artes religiosas como las seculares. Después de la Guerra de Ōnin (1467-1477), Japón entró en un período de trastornos políticos, sociales y económicos que duró más de un siglo. En el estado que surgió bajo el liderazgo del shogunato Tokugawa , la religión organizada jugó un papel mucho menos importante en la vida de las personas, y las artes que sobrevivieron fueron principalmente seculares. El Período Meiji (1868-1912) vio una afluencia abrupta de estilos occidentales, que han seguido siendo importantes.
La pintura es la expresión artística preferida en Japón, practicada tanto por aficionados como por profesionales. Hasta los tiempos modernos, los japoneses escribían con un pincel en lugar de un bolígrafo , y su familiaridad con las técnicas del pincel los ha hecho particularmente sensibles a los valores y la estética de la pintura. Con el auge de la cultura popular en el período Edo , un estilo de grabados en madera se convirtió en una forma importante y sus técnicas se afinaron para producir estampados coloridos. Los japoneses, en este período, encontraron en la escultura un medio mucho menos comprensivo para la expresión artística; la mayoría de las esculturas japonesas grandes están asociadas con la religión , y el uso del medio declinó con la disminución de la importancia del budismo tradicional.
La cerámica japonesa se encuentra entre las mejores del mundo e incluye los primeros artefactos japoneses conocidos; La porcelana de exportación japonesa ha sido una industria importante en varios puntos. La laca japonesa es también una de las artes y artesanías más importantes del mundo, y las obras magníficamente decoradas con maki-e se exportaron a Europa y China, siendo exportaciones importantes hasta el siglo XIX. [1] [2] En arquitectura , las preferencias japonesas por los materiales naturales y la interacción del espacio interior y exterior se expresan claramente.
Historia del arte japonés
Arte jomon
Los primeros pobladores de Japón fueron el pueblo Jōmon (c. 10.500 - c. 300 a. C.), [3] llamados así por las marcas de cordones que decoraban las superficies de sus vasijas de arcilla, eran cazadores-recolectores nómadas que más tarde practicaron la agricultura organizada y construyeron ciudades. con poblaciones de cientos, si no miles. Construyeron casas sencillas de madera y paja colocadas en pozos de tierra poco profundos para proporcionar calor del suelo. Elaboraron vasijas de almacenamiento de cerámica ricamente decoradas , figurillas de arcilla llamadas dogū y joyas de cristal.
Período temprano de Jōmon
Durante el período temprano de Jōmon (5000-2500 a. C.), [3] se empezaron a descubrir aldeas y se encontraron objetos cotidianos, como vasijas de cerámica destinadas a hervir agua. Las macetas que se encontraron durante este tiempo tenían fondos planos y diseños elaborados hechos de materiales como el bambú. Además, otro hallazgo importante fueron las primeras figuras de Jōmon que podrían haber sido utilizadas como objetos de fertilidad debido a los senos y las caderas hinchadas que exhibían. [3]
Período medio de Jōmon
El período Jōmon medio (2500-1500 a. C.), [3] contrastó con el período Jōmon temprano de muchas maneras. Estas personas se volvieron menos nómadas y comenzaron a establecerse en aldeas. Crearon herramientas útiles que pudieron procesar la comida que recolectaban y cazaban, lo que les facilitó la vida. A través de las numerosas cerámicas estéticamente agradables que se encontraron durante este período de tiempo, es evidente que estas personas tenían una economía estable y más tiempo libre para establecer hermosas piezas. Además, la gente del período Medio Jōmon se diferenciaba de sus antepasados anteriores porque desarrollaban vasijas de acuerdo con su función, por ejemplo, producían vasijas para almacenar artículos. [3] Las decoraciones de estos recipientes comenzaron a tener un aspecto más realista en comparación con las primeras cerámicas de Jōmon. En general, la producción de obras no solo aumentó durante este período, sino que estos individuos las hicieron más decorativas y naturalistas. [3]
Periodo Jōmon tardío y final
Durante el período Jōmon Tardío y Final (1500-300 a. C.), [3] el clima comenzó a enfriarse, lo que los obligó a alejarse de las montañas. La principal fuente de alimento durante este tiempo fue el pescado, lo que les hizo mejorar sus suministros y herramientas de pesca. Este avance fue un logro muy importante durante este tiempo. Además, el número de vasijas aumentó en gran medida, lo que posiblemente podría concluir que cada casa tenía su propia figurilla exhibida en ellas. Aunque se encontraron varias vasijas durante el período Jōmon tardío y final, estas piezas se encontraron dañadas, lo que podría indicar que las usaban para rituales. Además, también se encontraron figurillas y se caracterizaron por sus cuerpos carnosos y ojos como anteojos. [3]
Figuras de Dogū
Dogū ("figura de tierra") son pequeñas figuras humanoides y animales hechas durante la última parte del período Jōmon . [4] Fueron fabricados en todo Japón, excepto Okinawa . [4] Algunos eruditos teorizan que los dogū actuaban como efigies de personas, que manifestaban algún tipo de magia simpática . [5] Los Dogū están hechos de arcilla y son pequeños, por lo general de 10 a 30 cm de altura. [6] La mayoría de las figurillas parecen estar modeladas como mujeres, y tienen ojos grandes, cinturas pequeñas y caderas anchas. [4] Son considerados por muchos como representantes de diosas. Muchos tienen abdómenes grandes asociados con el embarazo, lo que sugiere que los Jomon los consideraban diosas madres . [6]
Arte Yayoi
La siguiente ola de inmigrantes fue el pueblo Yayoi , llamado así por el distrito de Tokio donde se encontraron por primera vez los restos de sus asentamientos. Estas personas, que llegaron a Japón alrededor del año 300 a. C., [7] aportaron sus conocimientos sobre el cultivo de arroz en los humedales, la fabricación de armas de cobre y campanas de bronce ( dōtaku ), y cerámicas horneadas con ruedas .
Una campana dōtaku del período Yayoi , siglo III d.C.
Espejo de bronce excavado en Tsubai-otsukayama kofun, Yamashiro, Kyoto
Jarra carmaica del período Yayoi
Varias alfarerías rituales Yayoi del sitio Yoshinogari
Tarro de almacenamiento Yayoi desde 500 a. C. - 200 d. C.
Arte Kofun
La tercera etapa de la prehistoria japonesa, el período Kofun (c. 300 - 710 dC), [3] representa una modificación de la cultura Yayoi , atribuible al desarrollo interno o a la fuerza externa. Este período es más notable por su cultura de tumbas y otros artefactos como espejos de bronce y esculturas de arcilla llamadas haniwa que se erigieron fuera de estas tumbas. A lo largo del período Kofun, las características de estas tumbas evolucionaron desde tumbas más pequeñas erigidas en colinas y crestas hasta tumbas mucho más grandes construidas en terrenos planos. [8] La tumba más grande de Japón, la tumba del emperador Nintoku , alberga 46 túmulos funerarios y tiene la forma de un ojo de cerradura, [9] una característica distintiva que se encuentra en las tumbas Kofun posteriores. [8]
Arte de Asuka y Nara
Durante los períodos Asuka y Nara , llamados así porque la sede del gobierno japonés estuvo ubicada en el Valle de Asuka desde 542 hasta 645 [3] y en la ciudad de Nara hasta 784, la primera afluencia significativa de la cultura asiática continental tuvo lugar en Japón.
La transmisión del budismo proporcionó el impulso inicial para los contactos entre China y Japón. Los japoneses reconocieron las facetas de la cultura china que podrían incorporarse con provecho a la suya propia: un sistema para convertir ideas y sonidos en escritura; historiografía ; teorías complejas del gobierno, como una burocracia eficaz ; y, lo más importante para las artes, las nuevas tecnologías, las nuevas técnicas de construcción, los métodos más avanzados de fundición en bronce y las nuevas técnicas y medios de pintura.
A lo largo de los siglos VII y VIII, sin embargo, el foco principal de los contactos entre Japón y el continente asiático fue el desarrollo del budismo. No todos los eruditos están de acuerdo en las fechas importantes y los nombres apropiados para aplicar a varios períodos de tiempo entre 552, la fecha oficial de la introducción del budismo en Japón, y 784, cuando la capital japonesa fue transferida desde Nara. Las designaciones más comunes son el período Suiko, 552–645; el período Hakuhō , 645–710, y el período Tenpyō, 710–784.
Pagoda y Kondō en Hōryū-ji , siglo VIII
Hokkedō en Tōdai-ji , siglo VIII
Las primeras esculturas japonesas de Buda datan de los siglos VI y VII. [10] En última instancia, derivan del arte greco-budista de Gandhara de los siglos I al III d.C. , caracterizado por patrones de vestimenta fluidos y una interpretación realista, [11] sobre la que se superpusieron rasgos artísticos chinos. Después de que el arte budista chino del norte de Wei se infiltrara en una península de Corea, varios grupos de inmigrantes trajeron íconos budistas a Japón. [12] En particular, la forma semi-sentada de Maitreya se adaptó a un estilo de arte griego antiguo altamente desarrollado que se transmitió a Japón como lo demuestran las estatuas Kōryū-ji Miroku Bosatsu y Chūgū-ji Siddhartha . [13] Muchos historiadores describen a Corea como un mero transmisor del budismo. [14] Los Tres Reinos, y particularmente Baekje, fueron fundamentales como agentes activos en la introducción y formación de una tradición budista en Japón en 538 o 552. [15] Ilustran el punto final de la transmisión del arte por la Ruta de la Seda durante la primera pocos siglos de nuestra era. Otros ejemplos se pueden encontrar en el desarrollo de la iconografía del dios del viento japonés Fūjin , [16] los guardianes Niō , [17] y los patrones florales casi clásicos en las decoraciones de los templos. [18]
Las primeras estructuras budistas aún existen en Japón, y los edificios de madera más antiguos del Lejano Oriente se encuentran en Hōryū-ji, al suroeste de Nara. Construido por primera vez a principios del siglo VII como templo privado del príncipe heredero Shōtoku , consta de 41 edificios independientes. Los más importantes, el salón principal de adoración, o Kondō (Salón Dorado), y Gojū-no-tō ( Pagoda de cinco pisos ), se encuentran en el centro de un área abierta rodeada por un claustro techado. El Kondō , al estilo de los salones de adoración chinos , es una estructura de dos pisos de construcción de postes y vigas, rematada por una irimoya , o techo a dos aguas de tejas cerámicas.
En el interior del Kondō , sobre una gran plataforma rectangular, se encuentran algunas de las esculturas más importantes de la época. La imagen central es una Trinidad Shaka (623), el Buda histórico flanqueado por dos bodhisattvas , escultura moldeada en bronce por el escultor Tori Busshi (floreció a principios del siglo VII) en homenaje al recientemente fallecido Príncipe Shōtoku. En las cuatro esquinas de la plataforma se encuentran los Reyes Guardianes de las Cuatro Direcciones , tallados en madera alrededor del año 650. También se encuentra en Hōryū-ji el Santuario Tamamushi , una réplica de madera de un Kondō , que se encuentra en una base alta de madera que es decorado con pinturas de figuras ejecutadas en un medio de pigmentos minerales mezclados con laca.
La construcción del templo en el siglo VIII se centró en torno al Tōdai-ji en Nara. Construido como la sede de una red de templos en cada una de las provincias, el Tōdaiji es el complejo religioso más ambicioso erigido en los primeros siglos del culto budista en Japón. Apropiadamente, el Buda de 16,2 m (53 pies) (completado 752) consagrado en la sala principal de Buda, o Daibutsuden , es un Buda Rushana , la figura que representa la esencia de la Budeidad, al igual que el Tōdaiji representó el centro de patrocinio imperial El budismo y su difusión por todo Japón. Solo sobreviven unos pocos fragmentos de la estatua original, y la sala actual y el Buda central son reconstrucciones del período Edo .
Agrupados alrededor del Daibutsuden en una ladera de suave pendiente hay una serie de pasillos secundarios: el Hokke-dō (Salón del Sutra del loto), con su imagen principal, el Fukukenjaku Kannon (不 空 羂 索 観 音 立 像, el bodhisattva más popular), elaborado en seco laca (tela bañada en laca y moldeada sobre una armadura de madera); el Kaidanin (戒壇 院, Sala de Ordenación) con sus magníficas estatuas de arcilla de los Cuatro Reyes Guardianes ; y el almacén, llamado Shōsōin . Esta última estructura es de gran importancia como escondite histórico-artístico, pues en ella se guardan los utensilios que se utilizaron en la ceremonia de dedicación del templo en 752, el ritual revelador de la imagen de Rushana, así como documentos gubernamentales y muchos seculares. objetos propiedad de la familia imperial.
Se cree que el choukin (o chōkin ), el arte del grabado o la escultura en metal , comenzó en el período Nara. [19] [20]
Arte heian
En 794 la capital de Japón fue transferida oficialmente a Heian-kyō (actual Kioto ), donde permaneció hasta 1868. El término período Heian se refiere a los años entre 794 y 1185, cuando se estableció el shogunato de Kamakura a finales del Guerra de Genpei . El período se divide en Heian temprano y Heian tardío, o era Fujiwara , siendo la fecha fundamental 894, el año en que las embajadas imperiales en China se suspendieron oficialmente.
Arte temprano de Heian: en reacción a la creciente riqueza y poder del budismo organizado en Nara, el sacerdote Kūkai (más conocido por su título póstumo Kōbō Daishi, 774-835) viajó a China para estudiar Shingon , una forma de budismo Vajrayana , introducido en Japón en 806. En el centro de la adoración de Shingon se encuentran los mandalas , diagramas del universo espiritual, que luego comenzaron a influir en el diseño del templo. La arquitectura budista japonesa también adoptó la estupa , originalmente una forma arquitectónica india , en su pagoda de estilo chino.
Los templos erigidos para esta nueva secta se construyeron en las montañas, lejos de la Corte y de los laicos en la capital. La topografía irregular de estos sitios obligó a los arquitectos japoneses a repensar los problemas de la construcción de templos y, al hacerlo, a elegir elementos de diseño más autóctonos. Los techos de corteza de ciprés reemplazaron a los de tejas de cerámica, se usaron tablones de madera en lugar de pisos de tierra y se agregó un área de adoración separada para los laicos frente al santuario principal.
El templo que mejor refleja el espíritu de los primeros templos de Heian Shingon es el Murō-ji (principios del siglo IX), ubicado en lo profundo de un grupo de cipreses en una montaña al sureste de Nara. La imagen de madera (también de principios del siglo IX) de Shakyamuni , el Buda "histórico", consagrada en un edificio secundario en el Murō-ji , es típica de la escultura de Heian temprana, con su cuerpo pesado, cubierto por pliegues de cortinas gruesas talladas en el estilo honpa-shiki (onda ondulante), y su expresión facial austera y retraída.
Arte de Fujiwara: en el período de Fujiwara , el budismo de la tierra pura , que ofrecía una salvación fácil a través de la creencia en Amida (el Buda del paraíso occidental), se hizo popular. Este período lleva el nombre de la familia Fujiwara , entonces la más poderosa del país, que gobernó como regentes del Emperador, convirtiéndose, en efecto, en dictadores civiles. Al mismo tiempo, la nobleza de Kioto desarrolló una sociedad dedicada a búsquedas estéticas elegantes. Tan seguro y hermoso era su mundo que no podían concebir el Paraíso como algo muy diferente. Crearon una nueva forma de sala de Buda, la sala Amida, que combina lo secular con lo religioso y alberga una o más imágenes de Buda dentro de una estructura que se asemeja a las mansiones de la nobleza.
El Hō-ō-dō (Phoenix Hall, completado en 1053) del Byōdō-in , un templo en Uji al sureste de Kioto, es el ejemplo de los salones Fujiwara Amida. Consiste en una estructura rectangular principal flanqueada por dos pasillos de ala en forma de L y un corredor de cola, ubicado en el borde de un gran estanque artificial. En el interior, una única imagen dorada de Amida (c. 1053) está instalada en una plataforma alta. La escultura de Amida fue realizada por Jōchō , quien utilizó un nuevo canon de proporciones y una nueva técnica ( yosegi ), en la que se tallan múltiples piezas de madera como conchas y se unen desde el interior. Aplicados a las paredes del salón hay pequeños relieves de celestiales, se cree que el anfitrión acompañó a Amida cuando descendió del Paraíso Occidental para recoger las almas de los creyentes en el momento de la muerte y transportarlas en flores de loto al Paraíso. Las pinturas de Raigō en las puertas de madera del Hō-ō-dō, que representan el Descenso del Buda Amida, son un ejemplo temprano de Yamato-e , pintura de estilo japonés, y contienen representaciones del paisaje alrededor de Kioto.
E-maki : En el último siglo del período Heian, el pergamino narrativo horizontal e ilustrado, conocido como e-maki (絵 巻, literalmente "pergamino de imágenes"), pasó a primer plano. Que data de aproximadamente 1130, el Genji Monogatari Emaki , un famoso cuento ilustrado de Genji, representa el pergamino yamato-e más antiguo que se conserva y uno de los puntos culminantes de la pintura japonesa. Escrita alrededor del año 1000 por Murasaki Shikibu , una dama de honor de la emperatriz Shōshi , la novela trata sobre la vida y los amores de Genji y el mundo de la corte Heian después de su muerte. Los artistas del siglo XII de la versión e-maki idearon un sistema de convenciones pictóricas que transmiten visualmente el contenido emocional de cada escena. En la segunda mitad del siglo, se popularizó un estilo diferente y más vivo de ilustración narrativa continua. El Ban Dainagon Ekotoba (finales del siglo XII), un pergamino que trata sobre una intriga en la corte, enfatiza figuras en movimiento activo representadas con pinceladas ejecutadas rápidamente y colores delgados pero vibrantes.
E-maki también sirve como algunos de los primeros y más grandes ejemplos de los estilos de pintura otoko-e ("cuadros de hombres") y onna-e ("cuadros de mujeres"). Hay muchas diferencias sutiles en los dos estilos, apelando a las preferencias estéticas de los géneros. Pero quizás lo más notorio son las diferencias en el tema. Onna-e , personificado por el pergamino del cuento de Genji, típicamente trata sobre la vida de la corte, particularmente las damas de la corte, y sobre temas románticos. Otoko-e registraba a menudo eventos históricos, en particular batallas. El asedio del palacio Sanjō (1160), representado en la sección "Ataque nocturno al palacio Sanjō" del pergamino de Heiji Monogatari es un ejemplo famoso de este estilo.
Arte Kamakura
En 1180, estalló una guerra entre los dos clanes guerreros más poderosos: los Taira y los Minamoto ; cinco años más tarde, Minamoto salió victoriosa y estableció una sede de facto del gobierno en el pueblo costero de Kamakura , donde permaneció hasta 1333. Con el cambio de poder de la nobleza a la clase guerrera, las artes tuvieron que satisfacer a una nueva audiencia: hombres dedicados a las habilidades de la guerra, sacerdotes comprometidos con hacer que el budismo esté disponible para los plebeyos analfabetos y conservadores, la nobleza y algunos miembros del sacerdocio que lamentaron la decadencia del poder de la corte. Por lo tanto, el realismo, una tendencia popularizadora y un renacimiento clásico caracterizan el arte del período Kamakura . En el período Kamakura, Kioto y Nara siguieron siendo los centros de producción artística y alta cultura.
Escultura: La escuela de escultores Kei , particularmente Unkei , creó un estilo de escultura nuevo y más realista. Las dos imágenes del guardián Niō (1203) en la Gran Puerta Sur del Tōdai-ji en Nara ilustran el estilo dinámico suprarealista de Unkei. Las imágenes, de aproximadamente 8 m (aproximadamente 26 pies) de altura, fueron talladas en múltiples bloques en un período de aproximadamente tres meses, una hazaña indicativa de un sistema de estudio desarrollado de artesanos que trabajan bajo la dirección de un maestro escultor. Las esculturas de madera policromadas de Unkei (1208, Kōfuku-ji , Nara) de dos sabios indios, Muchaku y Seshin , los legendarios fundadores de la secta Hossō , se encuentran entre las obras realistas más logradas del período; tal como las representa Unkei, son imágenes notablemente individualizadas y creíbles. Una de las obras más famosas de este período es una Tríada Amitabha (terminada en 1195), en Jōdo-ji en Ono , creada por Kaikei , el sucesor de Unkei.
La caligrafía y la pintura: El Kegon Engi Emaki , la historia ilustrada de la fundación de la kegon secta, es un excelente ejemplo de la tendencia popularización en la pintura de Kamakura. La secta Kegon, una de las más importantes del período Nara, atravesó tiempos difíciles durante el dominio de las sectas Tierra Pura . Después de la Guerra de Genpei (1180-1185), el sacerdote Myōe de Kōzan-ji buscó revivir la secta y también proporcionar un refugio a las mujeres viudas por la guerra. A las esposas de los samuráis se les había disuadido de aprender más que un sistema de silabario para transcribir sonidos e ideas (ver kana ), y la mayoría eran incapaces de leer textos que emplearan ideogramas chinos ( kanji ).
Así, el Kegon Engi Emaki combina pasajes de texto, escritos con un máximo de sílabas fácilmente legibles, e ilustraciones que tienen el diálogo entre personajes escrito junto a los hablantes, una técnica comparable a las historietas contemporáneas. La trama del e-maki , las vidas de los dos sacerdotes coreanos que fundaron la secta Kegon, se desarrolla rápidamente y está llena de hazañas fantásticas como un viaje al palacio del Rey del Océano y una conmovedora historia de mamá. [ aclaración necesaria ]
Una obra en una vena más conservadora es la versión ilustrada del diario de Murasaki Shikibu . Se siguieron produciendo versiones E-maki de su novela, pero la nobleza, en sintonía con el nuevo interés por el realismo pero nostálgica por los días pasados de riqueza y poder, revivió e ilustró el diario para recuperar el esplendor de la época de la autora. Uno de los pasajes más bellos ilustra el episodio en el que Murasaki Shikibu es retenida como prisionera en su habitación por dos jóvenes cortesanos, mientras, en las afueras, la luz de la luna brilla en las orillas cubiertas de musgo de un riachuelo en el jardín imperial.
Arte muromachi
Durante el período Muromachi (1338-1573), también llamado período Ashikaga, se produjo un cambio profundo en la cultura japonesa. El clan Ashikaga tomó el control del shogunato y trasladó su sede a Kioto, al distrito de Muromachi de la ciudad. Con el regreso del gobierno a la capital, las tendencias popularizadoras del período Kamakura llegaron a su fin y la expresión cultural adquirió un carácter más aristocrático y elitista. El budismo zen , la secta Ch'an que tradicionalmente se cree que se fundó en China en el siglo VI, se introdujo por segunda vez en Japón y echó raíces.
Pintura: Debido a las empresas seculares y las misiones comerciales a China organizadas por los templos zen, muchas pinturas y objetos de arte chinos se importaron a Japón e influyeron profundamente en los artistas japoneses que trabajaban para los templos zen y el shogunato. Estas importaciones no solo cambiaron el tema de la pintura, sino que también modificaron el uso del color; los colores brillantes de Yamato-e cedieron a los monocromos de la pintura al estilo chino, donde las pinturas generalmente solo tienen blanco y negro o diferentes tonos de un solo color.
Típica de la pintura temprana de Muromachi es la representación del sacerdote pintor Kao (activo a principios del siglo XV) del legendario monje Kensu (Hsien-tzu en chino) en el momento en que alcanzó la iluminación. Este tipo de pintura se ejecutó con pinceladas rápidas y un mínimo de detalle. Atrapar un bagre con una calabaza (principios del siglo XV, Taizō-in , Myōshin-ji , Kyoto), del sacerdote pintor Josetsu (activo hacia 1400), marca un punto de inflexión en la pintura de Muromachi. Realizado originalmente para una pantalla baja, se ha vuelto a montar como un pergamino colgante con inscripciones de figuras contemporáneas en la parte superior, una de las cuales se refiere a la pintura como en el "nuevo estilo". En primer plano, se representa a un hombre en la orilla de un arroyo sosteniendo una pequeña calabaza y mirando un gran bagre resbaladizo. La niebla llena el terreno intermedio y las montañas de fondo parecen estar muy lejos en la distancia. Generalmente se asume que el "nuevo estilo" de la pintura, ejecutado alrededor de 1413, se refiere a un sentido más chino del espacio profundo dentro del plano pictórico.
Los artistas más destacados del período Muromachi son los sacerdotes-pintores Shūbun y Sesshū . Shūbun, un monje del templo de Shōkoku-ji en Kioto , creó en la pintura Lectura en un bosque de bambú (1446) un paisaje realista con una profunda recesión en el espacio. Sesshū, a diferencia de la mayoría de los artistas de la época, pudo viajar a China y estudiar la pintura china en su origen. Paisaje de las cuatro estaciones ( Sansui Chokan ; c. 1486) es una de las obras más logradas de Sesshu, que representa un paisaje continuo a lo largo de las cuatro estaciones.
Arte Azuchi-Momoyama
En el período Azuchi-Momoyama (1573-1603), una sucesión de líderes militares, como Oda Nobunaga , Toyotomi Hideyoshi y Tokugawa Ieyasu , intentó traer paz y estabilidad política a Japón después de una era de casi 100 años de guerra. Oda, un cacique menor, adquirió el poder suficiente para tomar el control de facto del gobierno en 1568 y, cinco años más tarde, para derrocar al último shōgun Ashikaga. Hideyoshi asumió el mando después de la muerte de Oda, pero sus planes de establecer un gobierno hereditario fueron frustrados por Ieyasu, quien estableció el shogunato Tokugawa en 1603.
Pintura: La escuela de pintura más importante del período Momoyama fue la escuela Kanō , y la mayor innovación del período fue la fórmula, desarrollada por Kanō Eitoku , para la creación de paisajes monumentales en las puertas correderas que encierran una habitación. La decoración de la sala principal que da al jardín del Jukō-in , un subtemplo de Daitoku-ji (un templo zen en Kioto), es quizás el mejor ejemplo existente del trabajo de Eitoku. Un enorme árbol de ume y pinos gemelos se representan en pares de pantallas deslizantes en esquinas diagonalmente opuestas, sus troncos repiten las verticales de los postes de las esquinas y sus ramas se extienden hacia la izquierda y la derecha, unificando los paneles contiguos. La pantalla de Eitoku, Leones chinos , también en Kioto, revela el estilo de pintura audaz y de colores brillantes preferido por los samuráis.
Hasegawa Tōhaku , contemporáneo de Eitoku, desarrolló un estilo algo diferente y más decorativo para pinturas de pantalla a gran escala. En su Pantalla de arce (楓 図), ahora en el templo de Chishaku-in ( ja: 智 積 院), Kyoto, colocó el tronco del árbol en el centro y extendió las ramas casi hasta el borde de la composición, creando una obra más plana y menos arquitectónica que Eitoku, pero una pintura visualmente hermosa. Su pantalla séxtuple, Pine Wood (松林 図), es una representación magistral en tinta monocromática de una arboleda envuelta en niebla.
Arte del período Edo
El shogunato Tokugawa obtuvo el control indiscutible del gobierno en 1603 con el compromiso de traer paz y estabilidad económica y política al país; en gran medida fue un éxito. El shogunato sobrevivió hasta 1867, cuando se vio obligado a capitular debido a su incapacidad para lidiar con la presión de las naciones occidentales para abrir el país al comercio exterior. Uno de los temas dominantes en el período Edo fueron las políticas represivas del shogunato y los intentos de los artistas por escapar de estas restricciones. El más importante de ellos fue el cierre del país a los extranjeros y los adornos de sus culturas, y la imposición de estrictos códigos de conducta que afectan todos los aspectos de la vida, la ropa que se usa, la persona con la que se casa y las actividades que se pueden o deben realizar. no perseguir.
En los primeros años del período Edo , sin embargo, el impacto total de las políticas de Tokugawa aún no se había sentido, y se produjeron algunas de las mejores expresiones de la arquitectura y la pintura de Japón: el Palacio Katsura en Kioto y las pinturas de Tawaraya Sōtatsu , pionero de la Escuela Rinpa .
Impresión en madera: Las impresiones en madera se utilizaron originalmente para traducir escrituras budistas en el siglo VIII en Japón. La impresión en madera consiste en el grabado de imágenes o fotografías en un trozo de madera, que luego se presiona contra un trozo de papel. En el siglo VIII, el bloque de madera se consideraba un método conveniente de reproducción de texto impreso hasta que nuevas innovaciones permitieron que el color se tradujera en papel o mejor conocido como impresiones Nishik-e. La impresión en bloques de madera fue el método común de impresión desde el siglo XI hasta el siglo XIX. Las impresiones de Nishiki-e producían bienes como calendarios que se vendían comúnmente a miembros ricos de la sociedad durante el período Edo. En el período Edo, estos grabados representaban eventos y escenas de actores destacados. Luego, Ukiyo se asoció a la impresión en madera a principios del período Edo. Estas pinturas de Ukiyo representan la vida cotidiana de miembros prominentes de la sociedad. Ukiyo comenzó como pergaminos esculpidos a mano que mostraban la vida como un plebeyo normal.
Arquitectura: Katsura Detached Palace , construido a imitación del palacio de Genji , contiene un grupo de edificios shoin que combinan elementos de la arquitectura japonesa clásica con renovaciones innovadoras. Todo el complejo está rodeado por un hermoso jardín con senderos para caminar. Muchos de los poderosos daimyōs (señores feudales) construyeron un jardín japonés estilo Circuito en el territorio del país y compitieron por la belleza.
Pintura: Sōtatsu desarrolló un estilo decorativo soberbio al recrear temas de la literatura clásica, utilizando figuras y motivos de colores brillantes del mundo natural sobre fondos de pan de oro. Una de sus mejores obras es el par de pantallas The Waves at Matsushima en la Freer Gallery en Washington, DC Un siglo después, Kōrin reelaboró el estilo de Sōtatsu y creó obras visualmente hermosas exclusivamente suyas. Quizás sus mejores son las pinturas de pantalla de Flores de ciruelo rojo y blanco .
Escultura: El monje budista Enkū talló 120.000 imágenes budistas en un estilo individual y tosco.
Ukiyo-e y nanga (bunjinga): La escuela de arte más conocida en Occidente es la de las pinturas ukiyo-e y los grabados en madera del demimonde, el mundo del teatro kabuki y los distritos del placer . Las impresiones de Ukiyo-e comenzaron a producirse a finales del siglo XVII; en 1765 Harunobu produjo la primera impresión policromada . Los diseñadores de impresión de la próxima generación, incluidos Torii Kiyonaga y Utamaro , crearon representaciones elegantes y, a veces, perspicaces de cortesanas.
En el siglo XIX, las figuras dominantes fueron Hokusai e Hiroshige , este último creador de estampados de paisajes románticos y algo sentimentales. Los ángulos y formas extraños a través de los cuales Hiroshige veía a menudo el paisaje, y el trabajo de Kiyonaga y Utamaro, con su énfasis en planos planos y fuertes contornos lineales, tuvieron un profundo impacto en artistas occidentales como Edgar Degas y Vincent van Gogh . A través de obras de arte conservadas en museos occidentales, estos mismos grabadores ejercerían más tarde una poderosa influencia en las imágenes y los enfoques estéticos utilizados por los primeros poetas modernistas como Ezra Pound , Richard Aldington y HD [21].
Una escuela de pintura contemporánea al ukiyo-e fue nanga , o bunjinga, un estilo basado en pinturas ejecutadas por pintores-eruditos chinos. Así como los artistas de ukiyo-e optaron por representar figuras de la vida fuera de las restricciones del shogunato Tokugawa, los artistas de bunjin recurrieron a la cultura china. Los ejemplos de este estilo son Ike no Taiga , Yosa Buson , Tanomura Chikuden y Yamamoto Baiitsu ( ja: 山 本 梅 逸).
Cerámica
Los estilos tradicionales, principalmente de gres , continuaron en muchas partes de Japón, pero la cerámica japonesa se transformó alrededor del comienzo del período Edo, por una gran afluencia de alfareros coreanos, capturados o persuadidos para emigrar en el curso de las invasiones japonesas de Corea en el 1590 . Muchos de estos se asentaron en la isla sureña de Kyushu , y trajeron consigo la experiencia de versiones del horno trepador de cámara de estilo chino , llamado noborigama en Japón, que permitía altas temperaturas con un control más preciso. Alrededor de 1620 habían descubierto depósitos de caolinita y comenzaron a fabricar porcelana por primera vez en Japón. Las primeras mercancías (llamadas "Early Imari") eran relativamente pequeñas e imitaban la porcelana china con vidriado azul y blanco , que Japón había estado importando durante algún tiempo. [22]
La industria de la porcelana se expandió enormemente a fines de la década de 1650, ya que el colapso de la industria china por la guerra civil provocó pedidos muy grandes de los comerciantes chinos y la Compañía Holandesa de las Indias Orientales , para entonces a los comerciantes solo se les permitía hacer negocios en Japón. El primer gran período de exportación de porcelana japonesa duró aproximadamente hasta la década de 1740, y la mayor parte de la porcelana japonesa se fabricó para la exportación, principalmente a Europa, pero también al mundo islámico al oeste y al sur de Japón. [23]
Ko-Kutani (antiguo Kutani) cinco colores Iroe tipo aras jarro con el diseño del pájaro y de la flor en el esmalte vidriado, periodo Edo, siglo 17
Plato de Ko-Imari , 1700-1740
Artículos de laca:
Con el desarrollo de la economía y la cultura, la calidad artística de los muebles lacados ha mejorado. Hon'ami Kōetsu y Ogata Kōrin llevaron los diseños de la escuela de pintura Rinpa a la laca. Después de la mitad del período Edo, el inrō para recipientes de medicamentos portátiles comenzó a decorarse magníficamente con maki-e y raden , y se hizo popular entre la clase samurái y los comerciantes adinerados de la clase chōnin , y al final del período Edo, cambió de accesorios prácticos a colecciones de arte. [24] [25] La exportación de artículos de laca continuó después del período Azuchi-Momoyama. Marie Antoinette y Maria Theresa son conocidas como coleccionistas de laca japonesa en este período. [2]
Inro y Netsuke , siglo XVIII
Caja de laca de escritura con Iris en Yatsuhashi , de Ogata Kōrin . Tesoro Nacional
Arte de la preguerra
Cuando el emperador de Japón recuperó el poder gobernante en 1868, Japón fue invadido una vez más por nuevas y extrañas formas de cultura. Durante el período anterior a la guerra , la introducción de los valores culturales occidentales llevó a una dicotomía en el arte japonés, así como en casi todos los demás aspectos de la cultura, entre los valores tradicionales y los intentos de duplicar y asimilar una variedad de nuevas ideas en conflicto. Esta división siguió siendo evidente a finales del siglo XX, aunque ya se habían producido muchas síntesis, y creó una atmósfera cultural internacional y estimuló las artes japonesas contemporáneas hacia formas cada vez más innovadoras.
El gobierno tomó un interés activo en el mercado de exportación de arte, promoviendo las artes japonesas en una sucesión de ferias mundiales , comenzando con la Feria Mundial de Viena de 1873 . [26] [27] Además de financiar en gran medida las ferias, el gobierno asumió un papel activo en la organización de cómo se presentaba la cultura japonesa al mundo. Creó una empresa semipública - Kiritsu Kosho Kaisha (Primera Empresa de Fabricación Industrial) - para promover y comercializar las exportaciones de arte [28] y estableció la Hakurankai Jimukyoku (Oficina de Exposiciones) para mantener los estándares de calidad. [27] Para la Exposición Internacional del Centenario de 1876 en Filadelfia, el gobierno japonés creó una Oficina del Centenario y envió un enviado especial para asegurar el espacio para los 30.000 artículos que se exhibirían. [29] La Casa Imperial también se interesó activamente por las artes y la artesanía, encargando trabajos ("artículos de presentación") como obsequios para dignatarios extranjeros. [30] En 1890, se creó el sistema Teishitsu Gigeiin ( Artista de la Casa Imperial ) para reconocer a artistas distinguidos; setenta fueron nombrados entre 1890 y 1944. [31] Entre ellos se encontraban el pintor y artista de laca Shibata Zeshin , el ceramista Makuzu Kōzan , el pintor Hashimoto Gahō y el artista de esmalte cloisonné Namikawa Yasuyuki . [31]
A medida que las importaciones occidentales se hicieron populares, la demanda de arte japonés disminuyó dentro del propio Japón. [32] En Europa y América, la nueva disponibilidad del arte japonés llevó a una fascinación por la cultura japonesa; una locura conocida en Europa como japonismo . [33] El patrocinio imperial, el patrocinio del gobierno, la promoción a nuevas audiencias y la tecnología occidental se combinaron para fomentar una era de innovación artística japonesa. En las artes decorativas, los artistas japoneses alcanzaron nuevos niveles de sofisticación técnica. [28]
Hoy, Masayuki Murata posee más de 10,000 obras de arte Meiji y es uno de los coleccionistas más entusiastas. A partir de ese momento, la mayoría de las excelentes obras de arte Meiji fueron compradas por coleccionistas extranjeros y solo algunas de ellas permanecieron en Japón, pero debido a que compró muchas obras de países extranjeros y abrió el Museo Kiyomizu Sannenzaka , [34] el estudio y La reevaluación del arte Meiji avanzó rápidamente en Japón después del siglo XXI. [35] Nasser Khalili es también uno de los coleccionistas de arte Meiji más dedicados del mundo, y su colección abarca muchas categorías de arte Meiji. La Familia Imperial Japonesa también posee excelentes obras de Arte Meiji, algunas de las cuales fueron donadas al estado y ahora están almacenadas en el Museo de las Colecciones Imperiales .
Arquitectura y Jardin
A principios del siglo XX, las formas de arte europeas se introdujeron bien y su matrimonio produjo edificios notables como la estación de tren de Tokio y el Edificio de la Dieta Nacional que todavía existen en la actualidad. La estación de Tokio, un edificio de arquitectura Giyōfū , lleno de ladrillos y estilo pseudoeuropeo . Este estilo de construcción fue construido en áreas urbanas.
Jihei Ogawa construyó muchos jardines japoneses nuevos y artísticos .
Cuadro
La primera respuesta de los japoneses a las formas de arte occidentales fue la aceptación sincera, y en 1876 se abrió la Escuela de Arte Tecnológico ( ja: 工部 美術 学校), empleando instructores italianos para enseñar métodos occidentales. La segunda respuesta fue un péndulo en la dirección opuesta encabezada por Okakura Kakuzō y el estadounidense Ernest Fenollosa , quienes alentaron a los artistas japoneses a retener temas y técnicas tradicionales mientras creaban obras más acordes con el gusto contemporáneo. Esta fue una estrategia que finalmente sirvió para extender la influencia del arte japonés hasta Calcuta, Londres y Boston en los años previos a la Primera Guerra Mundial . [36] A partir de estos dos polos de la teoría artística, derivados de Europa y del este de Asia, respectivamente, se desarrollaron yōga ("pintura de estilo occidental") y Nihonga ("pintura japonesa"), categorías que se han mantenido vigentes.
Esmaltes
Durante la era Meiji, el esmalte cloisonné japonés alcanzó un pico técnico, produciendo artículos más avanzados que cualquier otro que hubiera existido antes. [37] El período comprendido entre 1890 y 1910 se conoció como la "edad de oro" de los esmaltes japoneses. [38] Los artistas experimentaron con pastas y con el proceso de cocción para producir bloques de esmalte cada vez más grandes, con menos necesidad de cierres (que encierran tiras de metal). [37] Así, los esmaltes se convirtieron en un medio más pictórico, con diseños similares o copiados de pinturas tradicionales. [39] Se popularizaron los esmaltes con un diseño exclusivo de Japón, en el que se utilizaban flores, pájaros e insectos como temas. En particular, las obras de Namikawa Yasuyuki y Namikawa Sōsuke se exhibieron en ferias mundiales y ganaron muchos premios. [40] [41] [42] [43] Junto con los dos Namikawa, Ando Cloisonné Company ha producido muchos cloisonné de alta calidad. Los esmaltes japoneses se consideraron inigualables gracias a los nuevos logros en diseño y coloración. [44]
Lacado
La era Meiji vio un interés renovado en la laca a medida que los artistas desarrollaban nuevos diseños y experimentaban con nuevas texturas y acabados. [45] Maki-e (decorar la laca con polvo de oro o plata) fue la técnica más común para lacados de calidad en este período. [46] Shibata Zeshin fue un lacador que ganó una gran reputación por sus obras desde el período Bakumatsu hasta el período Meiji. La laca llamada Shibayama y Somada , creada en el período Edo, se hizo popular por su estilo vistoso, con incrustaciones de oro, plata, mariscos, marfil y metal y vidrio de colores, y alcanzó su punto máximo durante este período. [47] La laca de los talleres japoneses fue reconocida como técnicamente superior a la que podría producirse en cualquier otro lugar del mundo. [48]
Metalistería
Al comienzo de la era Meiji, la metalurgia japonesa era casi totalmente desconocida fuera del país, a diferencia de la laca y la porcelana que anteriormente se exportaban. [49] La metalurgia estaba relacionada con la práctica budista, por ejemplo, en el uso del bronce para las campanas de los templos y los calderos de incienso, por lo que hubo menos oportunidades para los trabajadores metalúrgicos una vez que el budismo fue desplazado como religión estatal. [49] Las exposiciones internacionales llevaron el bronce fundido japonés a una nueva audiencia extranjera, lo que atrajo fuertes elogios. [49] La historia pasada del armamento samurái equipó a los trabajadores metalúrgicos japoneses para crear acabados metálicos en una amplia gama de colores. Mediante la combinación y acabado de cobre, plata y oro en diferentes proporciones, crearon aleaciones especializadas que incluyen shakudō y shibuichi . Con esta variedad de aleaciones y acabados, un artista podría dar la impresión de una decoración a todo color. [50]
Talla de marfil
En el período Meiji, la ropa japonesa comenzó a occidentalizarse y el número de personas que usaban kimono disminuyó, por lo que los artesanos que fabricaban netsuke y kiseru con marfil y madera perdieron su demanda. Por lo tanto, intentaron crear un nuevo campo, esculturas de marfil para decoración de interiores, y muchas obras elaboradas fueron exportadas a países extranjeros o compradas por la Familia Imperial . En particular, las obras de Ishikawa Komei y Asahi Gyokuzan recibieron elogios en Japón. [51]
Porcelana y loza
Las innovaciones técnicas y artísticas de la era Meiji convirtieron la porcelana en una de las formas de arte decorativo japonés de mayor éxito internacional. [52] La cerámica de Satsuma fue un nombre que se le dio originalmente a la cerámica de la provincia de Satsuma , elaboradamente decorada con dorado y esmalte. Estos productos fueron muy elogiados en Occidente. Visto en Occidente como distintivamente japonés, este estilo en realidad debía mucho a los pigmentos importados y las influencias occidentales, y se había creado pensando en la exportación. [53] Los talleres en muchas ciudades se apresuraron a producir este estilo para satisfacer la demanda de Europa y América, a menudo produciendo de forma rápida y barata. De modo que el término "vajilla Satsuma" llegó a asociarse no con un lugar de origen sino con vajilla de menor calidad creada exclusivamente para la exportación. [54] A pesar de esto, artistas como Yabu Meizan y Makuzu Kōzan mantuvieron los más altos estándares artísticos al mismo tiempo que exportaban con éxito. [55] De 1876 a 1913, Kōzan ganó premios en 51 exposiciones, incluida la Feria Mundial y la Exposición Industrial Nacional. [56]
Textiles
La edición de 1902 de Encyclopædia Britannica escribió: "En ninguna rama de las artes aplicadas el genio decorativo de Japón muestra resultados más atractivos que el de las telas textiles, y en ninguna ha habido un progreso más notorio durante los últimos años". [57] En Kioto se estaban produciendo obras pictóricas muy grandes y coloridas. El bordado se había convertido en una forma de arte por derecho propio, adoptando una variedad de técnicas pictóricas como el claroscuro y la perspectiva aérea . [57]
Arte de la posguerra
Inmediatamente después de la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial en 1945, un gran número de artistas japoneses cayó bajo la influencia o incluso se unió al Partido Comunista de Japón , que acababa de ser legalizado por la ocupación militar de Japón liderada por Estados Unidos después de muchos años de represión. por la policía japonesa antes de la guerra y en tiempos de guerra. [58] Esto tuvo que ver con el éxito del Partido Comunista en vender la noción en los primeros años de la posguerra de que el partido había sido el único grupo en Japón que se había resistido al militarismo en tiempos de guerra. [59] Además, la palabra japonesa para "vanguardia" (前衛, zen'ei ), como en "vanguardia de la revolución comunista", resulta ser la misma palabra utilizada para "vanguardia" que en la vanguardia artística. garde. [60] El Partido Comunista de Japón pronto llegó a dominar las principales sociedades de arte y exposiciones en Japón, y por lo tanto, la forma de arte predominante en el período inmediatamente posterior a la guerra fue el realismo socialista que describía el sufrimiento de los pobres y la nobleza de los trabajadores. clase, de acuerdo con la doctrina del Partido Comunista de que todo arte debe servir para promover la causa de la revolución. [59] En 1952, el Partido Comunista incluso ordenó a artistas como Hiroshi Katsuragawa y otros miembros de la recién formada Asociación de Arte Avant-Garde (前衛 美術 会, Zen'ei Bijutsukai ) a las montañas para producir arte realista socialista en apoyo de "escuadrones guerrilleros de montaña" que intentaban fomentar una revolución violenta en Japón. [61]
Década de 1950: luchando por liberarse del realismo socialista
En el transcurso de la década de 1950, muchos artistas japoneses se desilusionaron cada vez más con la definición rígida y limitada de "arte" impuesta por el Partido Comunista. [62] Sin embargo, debido a la preeminencia actual de los miembros y simpatizantes del Partido Comunista en los altos rangos de las sociedades artísticas y los jurados de exhibición, los artistas encontraron extremadamente difícil incluso mostrar su arte a menos que se ajustaran a las directrices del Partido. [63] Algunos artistas se alejaron de las exposiciones públicas formales. Otros buscaron reconocimiento, apoyo financiero y oportunidades para mostrar su arte en el extranjero, como el grupo de artistas conceptuales Gutai , fundado en 1954. Otros artistas hicieron uso de las pocas exposiciones "independientes" no juradas de Japón, como el Yomiuri Independent. Exposición patrocinada por el Yomiuri Shinbun , a la que cualquiera podía entrar. [64]
La gota que colmó el vaso vino con las masivas protestas de Anpo de 1960 contra el Tratado de Seguridad entre Estados Unidos y Japón (conocido como " Anpo " en japonés "), debido al papel extremadamente pasivo que desempeñó el supuestamente" vanguardista "Partido Comunista. Cuando las protestas no cesaron el tratado, una ronda de recriminaciones condujo a una mayor desilusión con el Partido Comunista y el arte realista socialista, lo que provocó que muchos más artistas se separaran de la influencia del Partido [65].
La década de 1960: una explosión de nuevos géneros
Con el desvanecimiento del dominio del realismo socialista, la década de 1960 fue testigo de una explosión de nuevas formas de arte en Japón, a medida que las artes se expandían en nuevas direcciones que podrían denominarse "posmodernas". [66] Colectivos de artistas como Neo-Dada Organizers , Zero Dimension y Hi-Red Center exploraron conceptos como "no arte" y "anti-arte", y llevaron a cabo una variedad de audaces "eventos", "sucesos" y otras formas de performance diseñadas para erosionar los límites entre el arte y la vida diaria. De manera similar, el grupo Mono-ha empujó los límites que dividen el arte, el espacio, el paisaje y el medio ambiente. Otros artistas, como el diseñador gráfico Tadanori Yokoo , se inspiraron en la contracultura de la década de 1960 y la explosión de nuevas formas de cómics manga orientados a adultos. En las artes escénicas, Tatsumi Hijikata fue pionera en una nueva forma de danza posmoderna llamada Butoh , y dramaturgos como Jūrō Kara y Satō Makoto crearon el estilo Angura de teatro radical "subterráneo". [67] Y en fotografía, fotógrafos como Daidō Moriyama fueron pioneros en una nueva escuela de fotografía de posguerra extremadamente influyente que enfatizó la espontaneidad sobre la composición cuidadosamente organizada y celebró las características " son, bure, bokeh " (literalmente "áspero, borroso, fuera de- enfocar"). [68] [69]
La proliferación de nuevos tipos de arte fue apoyada por el tremendo crecimiento de la economía japonesa en la década de 1960, recordado como el " milagro económico japonés ". En el transcurso de la década de 1960, la economía japonesa creció más del 10% anual. El aumento de la riqueza creó una nueva clase de consumidores que podían permitirse gastar dinero en arte y apoyar diferentes tipos de arte y artistas. Por primera vez en la historia moderna de Japón, se volvió viable para un número significativo de artistas ganarse la vida simplemente vendiendo su arte. El auge de la construcción de la década de 1960 en Japón, que arrasó con la antigua arquitectura tradicional japonesa de madera y papel y la reemplazó con relucientes megaciudades de vidrio y acero, ayudó a inspirar nuevas escuelas de arquitectura japonesa, como el movimiento Metabolismo (arquitectura) dirigido de Kenzō Tange , que se liberó audazmente de los modelos convencionales y demostró ser influyente en todo el mundo.
Sin embargo, al mismo tiempo, el mundo del arte seguía dominado por camarillas que promovían las obras de ciertos artistas (generalmente hombres) sobre otros. Como se hizo mucho más fácil para los japoneses viajar al extranjero en la década de 1960, algunas artistas femeninas como Yayoi Kusama y Yoko Ono encontraron una mejor recepción en el extranjero y se marcharon a centros artísticos como Londres, París y Nueva York, al igual que muchos artistas masculinos como bien.
El triunfo de las nuevas formas de arte japonés se consolidó en la Feria Mundial de Osaka de 1970 , donde decenas de artistas conceptuales y de vanguardia fueron contratados para diseñar pabellones y experiencias artísticas para los asistentes a la feria. [70] El arte de vanguardia japonés se había globalizado y se había convertido en algo que incluso el gobierno conservador se enorgullecía de mostrar al mundo.
Los años setenta y ochenta: montando la burbuja económica
En las décadas de 1970 y 1980, el arte japonés continuó en muchas de las direcciones iniciadas en las décadas de 1950 y 1960, pero a menudo con presupuestos mucho mayores y materiales más caros. A medida que la economía de Japón siguió expandiéndose rápidamente y, finalmente, se convirtió en una de las burbujas económicas más grandes de la historia . Con la moneda japonesa volviéndose increíblemente fuerte a raíz del Acuerdo Plaza de 1985 , las personas e instituciones japonesas se convirtieron en actores importantes en el mercado internacional del arte. Las megacorporaciones japonesas extraordinariamente ricas comenzaron a construir sus propios museos de arte privados y a adquirir colecciones de arte moderno y contemporáneo, y los artistas japoneses también se beneficiaron enormemente de estos gastos.
En particular, la producción artística continuó tendencia a alejarse de la pintura tradicional y la escultura en la dirección de diseño gráfico , arte pop , arte para vestir , el performance , el arte conceptual y el arte de instalación . Varios tipos de arte "híbrido" se pusieron de moda cada vez más. A medida que avanzaba la tecnología, los artistas incorporaron cada vez más electrónica, video, computadoras, música y sonidos sintetizados y videojuegos en su arte. La estética del manga y el anime , en la que tantos artistas jóvenes habían crecido, ejerció una influencia cada vez mayor, aunque a veces bastante sutil. Sobre todo, los artistas evitaron todo lo que oliera a "arte elevado" o "bellas artes" en favor de lo personal, lo ecléctico, lo fantástico o fantasmagórico y lo lúdico. En la edición, artistas femeninas como Mika Yoshizawa fueron cada vez más aceptadas y apoyadas por el mundo del arte en Japón.
Arte contemporáneo en Japón
El arte contemporáneo japonés adopta tantas formas y expresa tantas ideas diferentes como el arte contemporáneo mundial en general. Abarca desde anuncios, anime, videojuegos y arquitectura, como ya se mencionó, hasta escultura, pintura y dibujo en todas sus innumerables formas. Los artistas japoneses han hecho contribuciones especialmente notables al arte contemporáneo global en los campos de la arquitectura, los videojuegos, el diseño gráfico, la moda y, quizás, sobre todo, la animación. Mientras que el anime al principio se derivó principalmente de historias de manga, [ cita requerida ] el anime diverso abunda hoy, y muchos artistas y estudios han alcanzado gran fama como artistas; Hayao Miyazaki y los artistas y animadores de Studio Ghibli generalmente se consideran entre los mejores que el mundo del anime tiene para ofrecer.
Al mismo tiempo, muchos artistas japoneses continúan utilizando técnicas y materiales artísticos tradicionales japoneses heredados de tiempos premodernos, como formas tradicionales de papel y cerámica japoneses y pintura con tinta negra y de color sobre papel o seda. Algunas de estas obras de arte representan temas tradicionales en estilos tradicionales, mientras que otras exploran motivos y estilos nuevos y diferentes, o crean híbridos de formas de arte tradicionales y contemporáneas, utilizando medios o materiales tradicionales. Incluso otros evitan los medios y estilos nativos, adoptando pinturas al óleo occidentales o cualquier otra forma.
En escultura, ocurre lo mismo; algunos artistas se apegan a los modos tradicionales, otros lo hacen con un toque moderno, y algunos eligen modos, estilos y medios occidentales o completamente nuevos. Yo Akiyama es solo uno de los muchos escultores japoneses modernos. Trabaja principalmente en barro y cerámica, creando obras que son muy simples y directas, como si hubieran sido creadas a partir de la tierra misma. Otro escultor, utilizando hierro y otros materiales modernos, construyó una gran escultura de arte moderno en la ciudad portuaria israelí de Haifa , llamada Hanabi (Fuegos artificiales). Nahoko Kojima es una artista Kirie contemporánea que ha sido pionera en la técnica de la escultura de corte de papel que cuelga en 3D.
Takashi Murakami es posiblemente uno de los artistas japoneses modernos más conocidos del mundo occidental. Murakami y los otros artistas de su estudio crean piezas con un estilo, inspirado en el anime, al que ha denominado " superflat ". Sus piezas toman una multitud de formas, desde la pintura hasta la escultura, algunas de tamaño verdaderamente masivo. Pero la mayoría, si no todos, muestran muy claramente esta influencia del anime, utilizando colores brillantes y detalles simplificados.
Yayoi Kusama , Yoshitomo Nara , Hiroshi Sugimoto , Chiharu Shiota , Daidō Moriyama , Mariko Mori , Aya Takano y Tabaimo son considerados artistas importantes en el campo del arte japonés contemporáneo. [71] El Grupo 1965 , un colectivo de artistas, cuenta con el artista contemporáneo Makoto Aida entre sus miembros. [72]
Las artes escénicas
Many traditional forms of Japanese music, dance, and theater have survived in the contemporary world, enjoying some popularity through reidentification with Japanese cultural values. Traditional music and dance, which trace their origins to ancient religious use—Buddhist, Shintō, and folk—have been preserved in the dramatic performances of Noh, Kabuki, and bunraku theater. Ancient court music and dance forms deriving from continental sources were preserved through Imperial household musicians and temple and shrine troupes. Some of the oldest musical instruments in the world have been in continuous use in Japan from the Jōmon period, as shown by finds of stone and clay flutes and zithers having between two and four strings, to which Yayoi period metal bells and gongs were added to create early musical ensembles. By the early historical period (6th to 7th centuries), there were a variety of large and small drums, gongs, chimes, flutes, and stringed instruments, such as the imported mandolin-like biwa and the flat six-stringed zither, which evolved into the thirteen-stringed koto. These instruments formed the orchestras for the 7th-century continentally derived ceremonial court music (gagaku), which, together with the accompanying bugaku (a type of court dance), are the most ancient of such forms still performed at the Imperial court, ancient temples, and shrines. Buddhism introduced the rhythmic chants, still used, that underpin Shigin, and that were joined with native ideas to underlay the development of vocal music, such as in Noh.
Conceptos estéticos
Japanese art is characterized by unique polarities. In the ceramics of the prehistoric periods, for example, exuberance was followed by disciplined and refined artistry. Another instance is provided by two 16th-century structures that are poles apart: the Katsura Detached Palace is an exercise in simplicity, with an emphasis on natural materials, rough and untrimmed, and an affinity for beauty achieved by accident; Nikkō Tōshō-gū is a rigidly symmetrical structure replete with brightly colored relief carvings covering every visible surface. Japanese art, valued not only for its simplicity but also for its colorful exuberance, has considerably influenced 19th-century Western painting and 20th-century Western architecture.
Japan's aesthetic conceptions, deriving from diverse cultural traditions, have been formative in the production of unique art forms. Over the centuries, a wide range of artistic motifs developed and were refined, becoming imbued with symbolic significance. Like a pearl, they acquired many layers of meaning and a high luster. Japanese aesthetics provide a key to understanding artistic works perceivably different from those coming from Western traditions.
Within the East Asian artistic tradition, China has been the acknowledged teacher and Japan the devoted student. Nevertheless, several Japanese arts developed their own style, which can be differentiated from various Chinese arts. The monumental, symmetrically balanced, rational approach of Chinese art forms became miniaturized, irregular, and subtly suggestive in Japanese hands. Miniature rock gardens, diminutive plants (bonsai), and ikebana (flower arrangements), in which the selected few represented a garden, were the favorite pursuits of refined aristocrats for a millennium, and they have remained a part of contemporary cultural life.
The diagonal, reflecting a natural flow, rather than the fixed triangle, became the favored structural device, whether in painting, architectural or garden design, dance steps, or musical notations. Odd numbers replace even numbers in the regularity of a Chinese master pattern, and a pull to one side allows a motif to turn the corner of a three-dimensional object, thus giving continuity and motion that is lacking in a static frontal design. Japanese painters used the devices of the cutoff, close-up, and fade-out by the 12th century in yamato-e, or Japanese-style, scroll painting, perhaps one reason why modern filmmaking has been such a natural and successful art form in Japan. Suggestion is used rather than direct statement; oblique poetic hints and allusive and inconclusive melodies and thoughts have proved frustrating to the Westerner trying to penetrate the meanings of literature, music, painting, and even everyday language.
The Japanese began defining such aesthetic ideas in a number of evocative phrases by at least the 10th or 11th century. The courtly refinements of the aristocratic Heian period evolved into the elegant simplicity seen as the essence of good taste in the understated art that is called shibui. Two terms originating from Zen Buddhist meditative practices describe degrees of tranquility: one, the repose found in humble melancholy (wabi), the other, the serenity accompanying the enjoyment of subdued beauty (sabi). Zen thought also contributed a penchant for combining the unexpected or startling, used to jolt one's consciousness toward the goal of enlightenment. In art, this approach was expressed in combinations of such unlikely materials as lead inlaid in lacquer and in clashing poetic imagery. Unexpectedly humorous and sometimes grotesque images and motifs also stem from the Zen kōan (conundrum). Although the arts have been mainly secular since the Edo period, traditional aesthetics and training methods, stemming generally from religious sources, continue to underlie artistic productions.
Modern concepts
Today, Japan has developed a more modern cultural aesthetic often associated with Shojo manga known as "kawaii," which can otherwise be described as "cute". Typically represented through cartoons and animation, kawaii has had a powerful cultural impact and is also a powerful agent for Japanese advertisement and consumption.[73] The concept of "cuteness" that is currently displayed in kawaii has traditionally been revered in Japanese culture spanning back to the Edo period of art in the 15th century.[74]
Manga style.
Kawaii fashion found in Tokyo, Japan
Osaka Kawaii à Japan Expo 2014.
Flo Kawaii Stickers.
Traditional aesthetics
Traditional Japanese Aesthetics are forms of beauty in Japanese culture that derive from the earliest centuries. At least over two-hundred years ago. Some of these early aesthetics make up the Japanese Aesthetic as a whole: Syncretic Buddhist Art, Wabi-Sabi, Miyabi, Shibui, and Jo-ha-Kyu.
Syncretic Buddhist art
See Japanese Buddhist architecture.
Wabi-Sabi
This aesthetic in Japanese culture is known for many things such as beauty in all things, even those that are imperfect. Modesty and unconventional things are what are seen as the wabi-sabi aesthetic. Wabi and sabi both make up the aesthetic of beauty in incompleteness together. When separated, both serve as differing terms. Wabi stands for fresh, simple work, denoting all complication and having a very rustic feel to all it relates too. Being made from nature and made from man itself in a tandem. If made by accident, it brings about a certain uniqueness to the work. Sabi is beauty and how it originates from age. The cycle of life plays a great role in sabi, adding to the aesthetic that sense of beauty in works that receive mending damage from aging over time. When bringing wabi and sabi together, it creates the aesthetic that every simple piece developed does not require a complicated design. Nor does it require absolute completeness for beauty to be found in it, and with age comes more delicate beauty.
Wabi-sabi has always been related to tea ceremonies in Japanese culture. It is said that these ceremonies are profound wabi-sabi events. Wabi-sabi is also related to activities such as architecture, fashion, and philosophy. All of these portions of wabi-sabi all share belief in the same theme: all imperfections such as incomplete work holds undeniable beauty. However, not everyone, of course, favors the idea behind wabi-sabi. While this is true, there are many who wish to keep the belief alive despite what others believe. Overall, wabi-sabi seems to be a very mindful approach to everyday life. A calm way to see things, and a way to live without coming off as judgmental. When understanding wabi-sabi, there are terms that strongly relate to the aesthetic as well.
- Fukinsei: asymmetry, irregularity.
- Kanso: simplicity.
- Koko: basic, weathered.
- Shizen: without pretense, natural.
- Yugen: subtly profound grace, not obvious.
- Datsuzoku: unbounded by convention, free.
- Seijaku: tranquility, silence.
Each of these terms are used to break down the complete understanding of wabi-sabi. It more so relates to the philosophy aspect of the entire aesthetic and how to view one's surroundings. These can allude to several things including the ideas in humans, the themes behind certain aspects of life, or nature itself. Each term leads back to the point that wabi-sabi is an aesthetic that is about appreciating the small things that are imperfect and or incomplete.
Miyabi
In the ongoing history of Japan, miyabi can stand for many things. However, it seems to be centered around the concept of elegance, beauty, refinement, and courtliness. For this, it is one of the older aesthetics among most of the Japanese aesthetics in the culture. That would explain why it is not as popular as the rest which may be newer compared to miyabi. It is a term that is also used to express aristocratic culture. Miyabi eliminates all forms of rudeness and crudity from the culture. This brings about the proper picture and form of aristocratic culture. Miyabi brings about these changes. Miyabi ensures that refinement of love, literature, feeling, and art is celebrated within the Japanese culture. Refinement is welcomed.
Shibui
Shibui is coming to understand an object or an art piece for what it is. Locating simple and subtle beauty in certain things is a goal when it comes to designing or reviewing certain designs. In many ways, shibui is very similar to wabi-sabi but is not wabi-sabi. Shibui appreciates items and objects for simply being. There is no complication or irrational thinking when it comes down to shibui. Akin to certain aesthetics in the Japanese culture, there are a couple of terms in relation to Shibui: shibumi is the taste of shibui; Shibusa is the state of shibui.
Both these terms relate to subtle, unobtrusive beauty. There are several items and objects that can be considered a part of the shibui aesthetic, not just art or fashion. It can also be people, animals, songs, movies, several different types of media can be seen as shibui. For example, a pair of shoes, a camera, a moped bike, and several different pieces of art or objects used for everyday activity can be seen as shibui. Direct and simple is the way of shibui. Nothing over the top or too flashy.
Jo-ha-kyu
This is an aesthetic that originated from the Noh Theatre and even appeared in the 14th century. It is used in different art forms in Japan even still today. It is a movement that has been applied in several different arts with jo, ha, and kyu standing for individual things to make up its definition: jo, 'beginning'; ha, 'break', 'crack'; kyu: 'rapid', 'over'
Essentially, what this aesthetic means is that when it comes down to pieces that deal with movement, things should start slowly with proper build-up. Almost akin to how a story is told. Then once it reaches its climax, it speeds up. When it reaches its end, then that is when things begin to rapidly speed up until all of a sudden it has reached an ending.
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Traditionally, the artist was a vehicle for expression and was personally reticent, in keeping with the role of an artisan or entertainer of low social status. The calligrapher, a member of the Confucian literati class, or samurai class in Japan, had a higher status, while artists of great genius were often recognized in the Kamakura period by receiving a name from a feudal lord and thus rising socially. The performing arts, however, were generally held in less esteem, and the purported immorality of actresses of the early Kabuki theater caused the Tokugawa government to bar women from the stage; female roles in Kabuki and Noh thereafter were played by men.
After the World War II, artists typically gathered in arts associations, some of which were long-established professional societies while others reflected the latest arts movement. The Japan Artists League, for example, was responsible for the largest number of major exhibitions, including the prestigious annual Nitten (Japan Art Exhibition). The PEN Club of Japan (PEN stands for prose, essay, and narrative), a branch of an international writers' organization, was the largest of some thirty major authors' associations. Actors, dancers, musicians, and other performing artists boasted their own societies, including the Kabuki Society, organized in 1987 to maintain this art's traditional high standards, which were thought to be endangered by modern innovation. By the 1980s, however, avant-garde painters and sculptors had eschewed all groups and were "unattached" artists.
Art schools
There are a number of specialized universities for the arts in Japan, led by the national universities. The most important is the Tokyo Arts University, one of the most difficult of all national universities to enter. Another seminal center is Tama Art University, which produced many of Japan's late 20th-century innovative young artists. Traditional training in the arts, derived from Chinese traditional methods, remains; experts teach from their homes or head schools working within a master-pupil relationship. A pupil does not experiment with a personal style until achieving the highest level of training, or graduating from an arts school, or becoming head of a school. Many young artists have criticized this system as stifling creativity and individuality. A new generation of the avant-garde has broken with this tradition, often receiving its training in the West. In the traditional arts, however, the master-pupil system preserves the secrets and skills of the past. Some master-pupil lineages can be traced to the Kamakura period, from which they continue to use a great master's style or theme. Japanese artists consider technical virtuosity as the sine qua non of their professions, a fact recognized by the rest of the world as one of the hallmarks of Japanese art.
The national government has actively supported the arts through the Agency for Cultural Affairs, set up in 1968 as a special body of the Ministry of Education. The agency's budget for FY 1989 rose to ¥37.8 billion after five years of budget cuts, but still represented much less than 1 percent of the general budget. The agency's Cultural Affairs Division disseminated information about the arts within Japan and internationally, and the Cultural Properties Protection Division (文化財保護部, now 文化財部) protected the nation's cultural heritage. The Cultural Affairs Division is concerned with such areas as art and culture promotion, arts copyrights, and improvements in the national language. It also supports both national and local arts and cultural festivals, and it funds traveling cultural events in music, theater, dance, art exhibitions, and filmmaking. Special prizes are offered to encourage young artists and established practitioners, and some grants are given each year to enable them to train abroad. The agency funds national museums of modern art in Kyoto and Tokyo and The National Museum of Western Art in Tokyo, which exhibit both Japanese and international shows. The agency also supports the Japan Art Academy, which honors eminent persons of arts and letters, appointing them to membership and offering ¥3.5 million in prize money. Awards are made in the presence of the Emperor, who personally bestows the highest accolade, the Order of Culture. Tokyo University of the Arts also taking active roles on several art events in previous years. Their other campuses are also involving varied courses.
Private sponsorship and foundations
Arts patronage and promotion by the government are broadened to include a new cooperative effort with corporate Japan to provide funding beyond the tight budget of the Agency for Cultural Affairs. Many other public and private institutions participate, especially in the burgeoning field of awarding arts prizes. A growing number of large corporations join major newspapers in sponsoring exhibitions and performances and in giving yearly prizes. The most important of the many literary awards given are the venerable Naoki Prize and the Akutagawa Prize, the latter being the equivalent of the Pulitzer Prize in the United States.
In 1989 an effort to promote cross-cultural exchange led to the establishment of a Japanese "Nobel Prize" for the arts, the Premium Imperiale, by the Japan Art Association. This prize of US$100,000 was funded largely by the mass media conglomerate Fujisankei Communications Group and was awarded on a worldwide selection basis.
A number of foundations promoting the arts arose in the 1980s, including the Cultural Properties Foundation set up to preserve historic sites overseas, especially along the Silk Road in Inner Asia and at Dunhuang in China. Another international arrangement was made in 1988 with the United States Smithsonian Institution for cooperative exchange of high-technology studies of Asian artifacts. The government plays a major role by funding the Japan Foundation, which provides both institutional and individual grants, effects scholarly exchanges, awards annual prizes, supported publications and exhibitions, and sends traditional Japanese arts groups to perform abroad. The Arts Festival held for two months each fall for all the performing arts is sponsored by the Agency for Cultural Affairs. Major cities also provides substantial support for the arts; a growing number of cities in the 1980s had built large centers for the performing arts and, stimulated by government funding, were offering prizes such as the Lafcadio Hearn Prize initiated by the city of Matsue. A number of new municipal museums were also providing about one-third more facilities in the 1980s than were previously available. In the late 1980s, Tokyo added more than twenty new cultural halls, notably, the large Bunkamura built by Tokyu Group and the reconstruction of Shakespeare's Globe Theatre. All these efforts reflect a rising popular enthusiasm for the arts. Japanese art buyers swept the Western art markets in the late 1980s, paying record highs for impressionist paintings and US$51.7 million alone for one blue period Picasso.
Ver también
- National Treasures of Japan
- List of National Treasures of Japan (crafts-others)
- Culture of Japan
- Eastern art history
- History of painting
- Buddhist art
- Buddhist art in Japan
- Japanese architecture
- Japanese garden
- Japanese calligraphy
- Japanese lacquerware
- Japanese painting
- Japanese pottery and porcelain
- Japanese sculpture
- Japanese theater
- Woodblock printing in Japan
- List of collections of Japanese art
- Art Galleries
- Japan
- Tokyo National Museum, est. 1872
- Kyoto National Museum, est. 1889
- Nara National Museum, est. 1889
- Kyushu National Museum, est. 2005
- United States
- Freer Gallery of Art, est. 1923
- Museum of Fine Arts, Boston
- Japan
- Japanese artists category
- Musha-e
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Fuentes
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- "De l'Indus à l'Oxus, Archéologie de l'Asie Centrale", Osmund Bopearachchi, Christine Sachs, ISBN 2-9516679-2-2
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Otras lecturas
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- Takashina Shuji (2018). The Japanese Sense of Beauty. Tokyo: Japan Publishing Industry Foundation for Culture. ISBN 978-4-86658-020-3.
- Tsuji Nobuo (2019). History of Art in Japan. New York, NY: Columbia University Press. ISBN 9784130870603.
- (in Spanish and Japanese) Kato, Kauro [sic] (加藤 薫 Katō Kaoru) (Kanagawa University), translator: Saeko Yanagisawa. "Acercamiento a la influencia del movimiento muralista mexicano en el arte contemporáneo de Japón." (日本現代美術におけるメキシコ壁画運動の影響について, Archive) Crónicas. El Muralismo, Producto de la Revolución Mexicana, en América. National Autonomous University of Mexico. December 2008, No. 13, p. 237–264. Spanish: p. 237–255, Japanese: p. 256–264.
enlaces externos
- Five Thousand Years of Japanese Art Exhibition at the Metropolitan Museum of Art, online version
- Japanese Prints by John Gould Fletcher
- e-Museum High definition images of national treasures and important cultural properties owned by four national museums in Japan
- Ukiyo-e in the "A World History of Art"
- Japan Cultural Profile - national cultural portal for Japan created by Visiting Arts/Japan Foundation
- Ruth and Sherman Lee Institute for Japanese Art Collection, online collection of images from the Online Archive of California/University of California Merced
- The Herbert Offen Research Collection of the Phillips Library at the Peabody Essex Museum
- The Art of Bonsai Project
- The Vision and Art of Shinjo Ito: Sculptures, calligraphy, photographs of a buddhist Great Master (Grand Acharya)
- "History of Japanese Art" Lecture at the Tokyo School of Fine Arts by Okakura Kakuzo (English Translation)
- Japanese Art of the Meiji Period (1868 – 1912) The Khalili Collections