Jorge de la Vega (27 marzo 1930 hasta 26 agosto 1971) fue un argentino pintor , artista gráfico, dibujante, cantante y compositor. [1]
Jorge de la Vega | |
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Nació | Buenos Aires , Argentina | 27 de marzo de 1930
Fallecido | 26 de agosto de 1971 Buenos Aires, Argentina | (41 años)
Nacionalidad | argentino |
Conocido por | Pintor, compositor, autor |
Movimiento | Nueva Figuración |
Esposos) | Pauleta de la Vega |
Aunque de la Vega estudió arquitectura en Buenos Aires durante seis años, luego se convirtió en pintor autodidacta. De 1961 a 1965 fue miembro del movimiento de arte llamada Nueva Figuración . Durante su participación en este movimiento, se integró al grupo Otra Figuración . En los últimos años de su carrera y de su vida, escribió y cantó canciones populares de protesta que expresaban su humorística visión del mundo. Además de los museos en Argentina, sus obras se encuentran en el Museo de Arte de Phoenix , el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil, y el Museo de Arte de las Américas de la OEA en Washington, DC .
Biografía
Jorge de la Vega nació en Buenos Aires, Argentina el 27 de marzo de 1930. Desde aproximadamente 1948 hasta 1952 estudió arquitectura en la Universidad de Buenos Aires antes de dejarlo para dedicarse a su verdadera pasión: el arte. Comenzó a crear su primer arte a mediados de la década de 1940 y durante la década de 1950 creó pinturas geométricas tanto representativas como abstractas. [2] En 1961 él y otros tres artistas argentinos crearon el grupo Otra Figuración con el que trabajó desde 1961-1965. Viajó a Europa con este grupo donde se inspiraron para crear una nueva forma de arte propia. Más tarde viajó a los Estados Unidos por su cuenta y fue muy influenciado por el movimiento Pop Art en la ciudad de Nueva York. Durante su estadía en los Estados Unidos, también trabajó en la Universidad de Cornell como profesor / artista invitado. Al regresar a Argentina abandonó las artes visuales y pasó los últimos años de su vida como un popular cantante y letrista. Murió en Buenos Aires el 26 de agosto de 1971.
Como artista, de la Vega puede ser mejor descrito en esta cita de su colega de Otra Figuración, Luis Felipe Noé, después de la muerte de De la Vega (como despedida de su amigo cercano):
Jorge era pintor, Jorge cantaba, Jorge era un letrista del absurdo y del caos. Ese caos que casi se lo traga en algún momento de su vida. Pero con mucho sentido del humor, con un gran deseo de salud, de aire puro, lo superó; se redefinió a sí mismo, a través de su método constante de cambiar las cosas. Comenzó dando la vuelta a la pintura, mostrando una libertad que muy pocos han tenido. Si uno no hace lo que quiere en la pintura, ¿dónde lo hará? me dijo una vez. Luego pintó un mundo de personas retorcidas y volteadas: el de la aparente sociedad consumista. Con sus ojos de artista de un país subdesarrollado miró al país más desarrollado y lo radiografió con crueldad. Luego cantó que las cosas deberían ponerse patas arriba. Murió cuando fue tomando conciencia de que lo que había que volcar era mucho más que la pintura, mucho más que él mismo: toda la sociedad. [3]
Educación
De la Vega comenzó su educación estudiando arquitectura en la Universidad de Buenos Aires en Buenos Aires, Argentina . Estudió allí desde 1948-1952 antes de decidirse a dedicarse al arte, como pintor autodidacta. Exploró muchos estilos (incluida la abstracción geométrica y el realismo antes de unirse al grupo Otra Figuración a principios de la década de 1960. De la Vega recibió una beca Fulbright para enseñar en la Universidad de Cornell en 1965 y trabajó allí como profesor invitado y artista. [1]
Otra Figuración
En la década de 1960, de la Vega fue miembro de la Otra Figuración (otra figuración), también llamada Nueva Figuración (nueva figuración), grupo de artistas argentinos. El grupo fue fundado en 1961 como reacción contra la tradición dominante de la abstracción geométrica argentina durante ese período [2] y estaba formado por cuatro hombres: Jorge de la Vega, Luis Felipe Noé , Rómulo Macció y Ernesto Diera. Los artistas compartían muchos objetivos, el principal era la creación de un nuevo arte que recuperara el uso de la forma humana sin simplemente imitar los estilos antiguos, o deslizarse en los estilos decorativos de muchos otros pintores abstractos informalistas. Su uso de la figura les permitió a cada uno expresar ansiedades existenciales individuales a su manera. [4] Muchas de sus obras de arte no solo mostraban ideas de su psique personal, sino también sus puntos de vista políticos y críticas generales de la sociedad; "La ballena emblemática del grupo representa así la espontaneidad, la creatividad y el riesgo, es decir, todas las cualidades que el capitalismo le quitó al arte". [2]
La primera muestra colectiva del artista, titulada "Otra Figuración", se realizó en la Galería Peuser del 23 de agosto al 6 de septiembre de 1961. En esta exposición, publicaron un comunicado público que decía: "No somos un movimiento, ni somos un grupo, o una escuela. Somos simplemente unos pocos pintores que sentimos la necesidad de incorporar la libertad de la figura a nuestra propia libertad de expresión. Y, como creemos firmemente en esa libertad, no queremos restringirla con ningún dogmatismo. limitaciones, esclavizándonos así a nosotros mismos. Por eso estamos evitando un prólogo. Sin embargo, hay una razón de ser, un motor artístico que nos ha estimulado a realizar esta exposición. A través de una raíz común a esa voluntad artística , se expresa individualmente, por lo que cada uno de nosotros se examinará en otro lugar y dejará que la exposición hable por sí misma ". [5]
En 1962, los artistas viajaron juntos a Europa , instalándose en París . Aquí planearon cómo crearían nuevas formas de arte y actuaron como influencias creativas entre sí en su proximidad, de la Vega y Noé viviendo juntos, y Diera y Macció compartiendo un estudio. [6] A diferencia de otros artistas del movimiento figurativo en el arte latinoamericano de la época (como José Luis Cuevas en México), Otra Figuración quería explorar condiciones psicológicas más que objetivas al explorar la naturaleza de la humanidad. No se veían a sí mismos como simples observadores del espectáculo del mundo, sino como participantes activos, creyendo que "la única forma de aventurarse es aventurándose en el hombre mismo". [2]
Si bien el grupo se conocía a menudo como "Nueva Figuración" (Nueva figuración), no les gustaba este nombre y preferían mucho que lo llamaran "Otra Figuración" (Otra figuración). La diferencia puede parecer sutil, pero realmente no querían ser confundidos con simplemente traer de vuelta el estilo antiguo en nuevas obras de arte. Luis Felipe Noé describió esto mejor en el prefacio del catálogo de la exposición, diciendo:
Cuando digo otra figuración, no me refiero a una figuración recíproca. En estos días, los rostros de los hombres no son diferentes de los rostros de sus bisabuelos, pero la imagen del hombre no es la misma hoy que ayer. En nuestro tiempo, el hombre no está protegido por su propia imagen; vive en una relación existencial constante con sus semejantes y con las cosas. Creo que el elemento de relación es fundamental para la idea de otra figuración. En lugar de desvanecerse en la nada, las cosas tienden a mezclarse. Pienso en el caos como una virtud. En el marco de ese caos, la figura de mi obra no debe considerarse ni aleatoria ni fortuita. Ciertamente, creo que vale la pena reflexionar sobre la figura humana, pero no apruebo un retorno a lo figurativo. [5]
Como describe Noé aquí, las figuras reales en sí mismas no han cambiado pero la imagen de ellas nunca deja de hacerlo. La figura, como siempre fue, debe ser considerada como nunca antes, teniendo en cuenta los contextos sociales, económicos y políticos en constante cambio de Argentina y América Latina en su conjunto.
Estilos de artes visuales
Una breve mirada a las diferentes fases estilísticas de la obra de arte de De la Vega a lo largo de su carrera (ver a continuación pinturas de ejemplo).
Formación
1946-1952. "Pinto sólo cuando tengo ganas. Utilizo modelo, que me gusta dejar en libertad, para sorrenderlo en su gesto menos forzado. Creo que, en pintura, el tema es sólo un pretexto para lo que uno quiere decir. (I paint only when I quiero. Yo uso modelo, que me gusta dejar en libertad, para atraparlo en su gesto sin que sea forzado. Creo que en la pintura el tema es sólo un pretexto para lo que quieres decir. "- Jorge de la Vega. [7]
Esta fase del arte de De la Vega fue la primera. Consistía en el retrato y fue donde él (como artista autodidacta) comenzó a explorar un posible estilo para sí mismo después de dejar una futura carrera en arquitectura. Las pinturas de este período usaban colores apagados y, a menudo, presentaban vistas en primer plano de rostros humanos detallados con emociones obvias. Este es un marcado contraste con sus figuras posteriores; coloridas criaturas parecidas a bestias e imágenes satíricas del arte pop.
Geometría
1953-1960. "Poco a poco, estructuré la imagen de manera cada vez más geométrica hasta llegar a despojar mis obras de todo contacto con la realidad visual física, buscando encontrar nuevos modos de relaciones en el dominio de los colores, de las texturas y las formas. ( Poco a poco, estructuré la imagen de una manera cada vez más geométrica para despojar a mi obra de todo contacto con la realidad visual física, buscando encontrar nuevos modos de relaciones en el dominio de los colores, texturas y formas. "- Jorge de la Vega. [7]
Estas pinturas son muy características del movimiento de Abstracción Geométrica que fue muy influyente en el arte latinoamericano en este momento. Nada en esta fase fue muy político ni hizo ningún tipo de declaración sobre las opiniones de De la Vega (que luego expresaría con mayor claridad en otros estilos).
Otra Figuración
1960-1962. "No fui exactamente yo quien introdujo figuras humanas en mi pintura; creo que fueron ellas mismas las que me utilizaron para inventarse; no fue una imposición involuntaria sino un encuentro natural y ahora no podría prescindir de ellas sin sentir cercenada mi voluntad expresiva. (It No fui precisamente yo quien introdujo las figuras humanas en mi pintura, creo que fueron ellos mismos quienes me utilizaron para inventarme, no fue una imposición involuntaria sino un encuentro natural y ahora no podía prescindir de ellos sin sentir mi voluntad expresiva cortada. ) "- Jorge de la Vega. [7]
Esta fase caracterizó los primeros años del trabajo de De la Vega con Luis Felipe Noé, Rómulo Macció y Ernesto Diera (ver sección Otra Figuración arriba). Sus pinturas de esta época eran informalistas y coloridas, y se parecían un poco a la próxima fase del "bestario (bestiario)", solo que sin el uso de collage, ensamblaje o frottage (estilos incorporados en la siguiente fase).
Bestiario
1963-1966. "Quiero que mis obras choquen con el espectador con la misma intensidad con que chocan todas sus partes entre sí, por pequeñas que sean. Una ficha de nácar sobre una mancha. Un número junto a una piedra. Una bestia de oropel. Una quimera de humo. (Quiero que mis obras choquen con el espectador con la misma intensidad con la que chocan todas las partes, por pequeñas que sean. Una hoja de nácar sobre una mancha. Un número al lado de una piedra. Una bestia de oropel. Una quimera de humo.) "- Jorge de la Vega. [7]
Este estilo se caracterizó por el uso de técnicas no tradicionales como el collage y el ensamblaje para crear figuras "bestiales" que de la Vega denominó " Esquizobestias (esquizobeasts)" o " Conflíctos anamórficos (conflictos anamórficos)". Anamórfico, en este caso, significa "algo irreconocible por la distorsión, a menos que se vea desde un ángulo particular", y muchos de estos bestiarios eran exactamente eso. De la Vega quería que la visualización de estas pinturas distorsionadas fuera como lo que se ve en un espejo engañoso. [2] Estas pinturas usaban telas y lienzos encolados, doblados y estirados, combinados con pintura y pequeños objetos, a veces usados para crear un efecto frottage. [6] Esta técnica le permitió a De la Vega incorporar la realidad en sus obras de arte, sin dejar de explorar principalmente sus propias fantasías. De este estilo dijo (en el catálogo de los premios Di Tella 1963): "Quiero que mi pintura sea natural, sin limitaciones ni fórmulas, improvisada como la vida, creciendo en todos los lugares y haciendo lo que quiera, incluso si no quiero que lo haga ". Su objetivo nunca fue narrar la historia, utilizando estos objetos de la vida real como una conexión con la realidad, sino más bien agregarlos a su imaginación. [6]
Música pop
1966-1971. "Los cambios me movilizan. En Nueva York cambié la temática: adiós a las figuras mitológicas y búsqueda del hombre. Norteamérica es un mundo tan poderoso y artificial que por contraste el hombre adquiere relieve. tema: adiós a las figuras mitológicas y la búsqueda del hombre. América del Norte es un mundo poderoso y artificial en el que por el contrario el hombre adquiere relieve.) ”- Jorge de la Vega. [7]
Tras mudarse a los Estados Unidos durante varios años a mediados de la década de 1960, de la Vega recibió una gran influencia del movimiento Pop Art en la ciudad de Nueva York. En esta fase, se desvió dramáticamente de su estilo figurativo habitual y comenzó a unir rostros de televisión, periódicos, revistas, anuncios y otras formas de medios populares a "cuerpos fluidamente deformados que se enredaban y entrelazaban". [5] Esta fase mostró verdaderamente el sentido del humor de De la Vega, como una crítica cómica de la sociedad de consumo.
Cantar y escribir canciones
En los últimos años de De la Vega se convirtió en un popular cantante y letrista después de dejar las artes visuales. Dos grandes ejemplos de su trabajo en esta época de su vida son "Proximidad" y "El gusanito en persona". La nota del editor que precede a estas obras (publicada en Utopías Invertidas) aclara: "Este documento y el anterior son de interés no por su importancia como poemas, sino porque ilustran una de las salidas creativas elegidas por artistas argentinos que, al final de la década de 1960, abandonaron la pintura para eludir la institucionalización del arte. Para entonces, el medio de la pintura no estaba a la altura de sus expectativas y sus argumentos habían tocado fondo ". [5]
Proximidad
"Estar cerca, estar cerca el uno del otro, unirse, abrazarse y abrazarse, rozarse, bordearse y mezclarse, abrazarse y abrazarse, acurrucarse y abrazarse , recobrar el aliento, acercarnos y ser incluidos, amontonar, envolver y anudar, renovar, asentar y convivir.
Unámonos y unámonos, unámonos y unámonos, y mezclemos, unámonos y unámonos y unámonos, alámonos y unámonos, reconciliemos y juntemos, adhiéramos amalgamemos y barajemos, jodémonos, empapado, insertado, entrelazado, entremezclado y entretejido.
Mi compañera: mi compañera, coherente, inseparable, maquinadora, confusa, aproximada, convergente, yuxtapuesta y adyacente, limítrofe e inherente, inclusiva, incluida y posterior: imagina cuánto podría hacer la gente si el diccionario fuera menos imponente.
Buenos Aires, 1968
Letra de "Proximidad", presentada durante la primera actuación pública del pintor como compositor-cantante en De la Vega expone canciones (De la Vega exhibe canciones) en la Galería Bonino, 1968. [5]
El gusanito en persona
Desde hace algún tiempo, el pequeño gusano se ha estado moviendo sin importarle un carajo el dibujo a sus pies que aparece lentamente en la hierba y que se parece al pequeño gusano pero de adentro hacia abajo.
Entonces, un buen día, se cansó tanto del enigma dibujado que comenzó a tirar de él y enrolló las líneas en una bola que solía tener en un simple traje tejido en un telar.
Cuando se presenta así, vestido como "él mismo" y rebosante de optimismo, nos vemos obligados a reflexionar que el pequeño gusano "en persona" es diferente a casi todos en la vida real.
Y esto es lo que ha comprendido bien: un mundo al revés tiene sentido sólo si lo miras todo junto y todo a la vez y si no esparces tu vida: una fracción comme il faut, una fracción al revés.
Buenos Aires 1968.
Letra de "El gusanito en persona", incluida en su disco de Olympia Jorge de la Vega canta sus canciones, cuya portada vistió las paredes de la Galería Bonino en su presentación (Buenos Aires, 16 al 31 de octubre de 1968). [5]
Obra de arte seleccionada
(Fase de formación ) Retrado de su padre , 1952, óleo s / cartón (óleo sobre cartón), 70 x 50 cm. César de la Vega, Bs. Como.
(Fase de geometría) Sin título , 1960, óleo s / tela (óleo sobre lienzo), 100 x 100 cm. Museo de Arte Contemporáneo, Bs. Como.
(Fase Otra Figuración) El rescate , 1961, óleo s / tela (óleo sobre lienzo), 195 x 129,5 cm. Marta y Ramón de la Vega, Bs. Como.
(Fase Bestiario) El día ilustrísimo , 1964, técnica mixta s / tela (técnica mixta sobre lienzo), 249,55 x 199,5 cm. Marta y Ramón de la Vega, Bs. Como.
(Fase pop) Rompecabezas , 1969/70, acrílico s / tela (acrílico sobre lienzo), 100 x 100 cm, cada panel (cada panel). Teresa Zavalía, Bs. Como. (3 paneles), Coronel Jorge y Marion Helft, Bs. Como. (2 paneles), Marta y Ramón de la vega, Bs. Como. (12 paneles).
Referencias
- ^ a b Standish, Peter. Diccionario de la cultura del siglo XX: Cultura hispánica de América del Sur. Nueva York: Gale Research, 1995. Imprimir.
- ↑ a b c d e Rasmussen, Waldo, Fatima Bercht y Elizabeth Ferrer. Artistas latinoamericanos del siglo XX. Nueva York: Museo de Arte Moderno, 1993. Impresión.
- ^ Glusberg, Jorge, Ernesto Deira, Rómulo Macció, Luis Felipe Noé y Jorge De La Vega. Nueva Figuración Argentina. Buenos Aires, Argentina: Asociación Argentina de Críticos de Arte, 1986. Impresión.
- ^ Garrels, Gary. Dibujo de lo moderno: 1945-1975. Nueva York: Museo de Arte Moderno, 2005. Impresión.
- ^ a b c d e f Ramírez, Mari Carmen y Héctor Olea. Utopías invertidas: arte de vanguardia en América Latina. New Haven: Yale UP, 2004. Imprimir.
- ^ a b c Giunta, Andrea . Vanguardia, internacionalismo y política: el arte argentino en los sesenta . Durham: Duke UP, 2007. Imprimir.
- ^ a b c d e Pacheco, Marcelo Eduardo. y Jorge De La Vega. Jorge De La Vega: Un Artista Contemporáneo. Buenos Aires, Argentina: El Ateneo, 2003. Impresión.
enlaces externos
- "Jorge de la Vega" ArtFacts.net
- "Jorge de la Vega. Sitio Oficial".