El teatro en el siglo XIX se destacó por su filosofía cambiante desde el romanticismo y el neoclasicismo que dominaron Europa desde finales del siglo XVIII hasta el realismo y el naturalismo en la segunda mitad del siglo XIX antes de que finalmente diera paso al surgimiento del modernismo en el siglo XX. . El paisaje en el teatro en ese momento reflejaba de cerca estos cambios, y con el inicio de la Revolución Industrial y el avance tecnológico a lo largo del siglo, cambió dramáticamente la estética del teatro.
Realismo
El realismo teatral fue un movimiento generalizado en el teatro del siglo XIX desde el período de 1870-1960 que desarrolló un conjunto de convenciones dramáticas y teatrales con el objetivo de traer una mayor fidelidad de la vida real a los textos y representaciones. Parte de un movimiento artístico más amplio, incluyó un enfoque en el drama cotidiano de la clase media, el habla ordinaria y escenarios simples. Esta idea de representar la temática de manera veraz, se hizo evidente en los cambios que se hicieron al diseño escénico en el teatro. Los diseñadores y directores teatrales comenzaron a investigar meticulosamente la precisión histórica de sus producciones, lo que significaba que la escenografía ya no podía extraerse del stock, que normalmente se usaba una y otra vez en escenarios genéricos para diferentes espectáculos. El paisaje comenzó a diseñarse y fabricarse a medida para una producción específica. Esto significaba que, si bien el paisaje solía verse como una inversión de capital, ahora se consideraba más disponible cuando la producción se retiraba del repertorio. [1]
Innovación escénica
Una de las transiciones escénicas más importantes en el siglo XX fue del telón de fondo escénico bidimensional de uso frecuente a los decorados tridimensionales. Anteriormente, como entorno bidimensional, el escenario no proporcionaba un entorno físico envolvente para la acción dramática que se desarrollaba en el escenario. Esto cambió cuando se introdujeron los conjuntos tridimensionales en la primera mitad del siglo. Con esta innovación, junto con el cambio en la audiencia y la dinámica del escenario, así como los avances en la arquitectura del teatro que permitieron cambios de escena ocultos, el teatro se volvió más representativo en lugar de presentacional, e invitó a la audiencia a ser transportada a un 'otro' mundo concebido. [2]
Equipo de Caja
El epítome de los nuevos sets de estilo tridimensional y uno de los avances más importantes del diseño escénico fue la popularización del box set . La caja ha existido desde el siglo XVII, pero carecía de soporte. [3] Madame Vestris había introducido el mobiliario escénico realista en 1836 en su pequeño Olympic Theatre en Londres, y se lo impuso a los gerentes estadounidenses cuando realizó una gira por ese país en 1838-1839. [4] La caja fue un reemplazo gradual de los juegos pintados de alas y contraventanas. Entre 1800 y 1875, muchos artistas teatrales comenzaron a utilizarlos. Un conjunto de cajas consta de pisos unidos entre sí para representar una habitación; a menudo tiene elementos practicables, como puertas y ventanas, que se pueden utilizar durante el transcurso de una obra de teatro o espectáculo. [5] Con la nueva búsqueda del realismo, las configuraciones de caja tipo habitación ahora tenían molduras pesadas, puertas reales con picaportes y muebles amplios y precisos. Tener la caja puesta también significó que muchos artistas de teatro comenzaron a escenificar toda la acción detrás del proscenio a fines del siglo XIX, reforzando así la ilusión de una cuarta pared . El público estaría viendo un " trozo de vida " a través de una ventana. Los conjuntos de cajas permitieron a los diseñadores escénicos crear atmósferas y estados de ánimo mejor visualizados.
Estilo estético
Los estilos escénicos del siglo XIX en Estados Unidos fueron derivaciones únicas de los maestros europeos. Los artistas escénicos de Europa trajeron consigo los paisajes románticos , barrocos o clásicos que conocían de sus hogares, pero los estilos parecieron cambiar cuando aterrizaron en la costa americana. [6] El estilo romántico de pintura de paisaje inglés se adaptó lentamente a la imagen estadounidense. El paisaje más accidentado del oeste americano salvaje llegó a ser idealizado por artistas escénicos nativos a lo largo del siglo. Muchos teatros invirtieron en escenarios genéricos destinados a prácticamente cualquier producción. Un conjunto de usos múltiples incluyó paisajes, ciudades europeas, prisión, palacio, aldea, paso de montaña y bosque. [7]
El oleo fue una gota versátil para cualquier tipo de entretenimiento. La gota de óleo a menudo colgaba en una posición única, subdividiendo el escenario en una profundidad menor que era más apropiada para un breve interludio. [8] El telón de acto o telón de caída funcionaba como el telón principal de hoy, la pared divisoria decorativa entre la audiencia y el escenario. A menudo, era la pieza más elaborada que poseía un teatro y se pintaba para armonizar con la decoración interior del propio teatro.
Adelanto tecnológico
Durante el siglo XIX, la tecnología de la Revolución Industrial se aplicó al teatro. Muchos historiadores creen que la popularidad del melodrama , con su énfasis en el espectáculo escénico y los efectos especiales, aceleró estas innovaciones tecnológicas: por ejemplo, Dion Boucicault fue el responsable de la introducción de la protección contra incendios en el teatro cuando una de sus obras melodramáticas requería un incendio en el escenario. . [9]
Panorama
Si bien la invención del panorama se atribuye a Robert Barker en 1787, se considera que Louis Jacques Daguerre perfeccionó la invención en el siglo XIX. Creó el diorama: una pintura fija vista por un público sentado en una plataforma giratoria. Esto pronto dio paso al panorama en movimiento: un escenario pintado sobre una tela larga, que podía desenrollarse por el escenario girando carretes, creaba una ilusión de movimiento y cambiaba de lugar. Un juego popular estadounidense, William Dunlap 's Un viaje a las Cataratas (1828), utiliza este dispositivo para mostrar un viaje desde Nueva York a Niagara Falls a través de un barco de vapor. [10] El advenimiento de los panoramas, junto con la invención de Charles Kean de la trampa corsa, significó que las carreras de caballos y carros enteras pudieran representarse en el escenario. [11] El énfasis en recrear entornos naturales en el escenario probablemente estuvo influenciado por el romanticismo, que pedía un "regreso a la naturaleza".
Etapa de ascensor
El 7 de febrero de 1880, el Spirit of the Times anunció: "Esta noche el Sr. J. Steele MacKaye abrirá el teatro más exquisito del mundo, y todo Nueva York se reunirá para honrar la realización de sus visiones artísticas ... Sr. MacKaye interpretará el drama Hazel Kirke con solo dos minutos de espera entre los actos, y luego exhibirá el escenario doble: un compartimiento para la cocina de Blackburn Mill y otro como tocador en Fairy Grove Villa ". El escenario del ascensor de MacKaye fue un desarrollo importante del drama y el teatro estadounidenses. Fue una solución al problema planteado por el uso cada vez mayor de conjuntos de cajas para reproducir escenas interiores en detalle. Con la etapa del elevador, se pueden cambiar múltiples escenas de una manera rápida y detallada. Esto mejoró enormemente la velocidad y la eficiencia de los cambios escénicos y no fue necesario simplificar el diseño; todavía podría ser detallado. El escenario del ascensor se describió en Scientific American , el 5 de abril de 1884. "[Consiste] en dos escenarios teatrales, uno encima del otro, que se mueven hacia arriba y hacia abajo como se opera una cabina de ascensor en un edificio alto, y de modo que uno de ellos se puede llevar fácil y rápidamente en cualquier momento al nivel adecuado para actuar en el mismo frente al auditorio. Mientras la obra se desarrolla ante el público, los asistentes organizan otra escena en el escenario superior ". [12]
Teatro Edwin Booth
Los nuevos estilos de escenografía significaron que se necesitaban nuevos medios de cambio de escena. Booth's Theatre , inaugurado en 1869, fue el primero de una nueva generación de teatros construidos específicamente para adaptarse a escenarios tridimensionales. Fue el primer teatro en tener un piso de escenario nivelado (en lugar de un piso inclinado, como había sido el estándar en los teatros con arco de proscenio desde el Renacimiento) y sin ranuras en el piso del escenario para pisos cambiantes. Esta idea se convertiría en el estándar a finales de siglo. Los ascensores y equipos para escenarios voladores también complementaron el espacio. [13]
Iluminación de escenario
La tecnología del siglo XIX revolucionó la iluminación escénica, que hasta entonces había sido primitiva. La introducción de la iluminación de gas fue el primer paso. En 1816, el Chestnut Street Theatre de Filadelfia se convirtió en la primera casa de juegos con luz de gas del mundo. [14] La introducción de la iluminación de gas revolucionó la iluminación escénica. Proporcionó una luz algo más natural y adecuada para la obra y el espacio escénico detrás del arco del proscenio. Sin embargo, esta nueva riqueza en iluminación supuso dificultades al principio. Aunque los pintores escénicos tuvieron que aprender a someter sus colores al aumento del poder de las velas, el brillo solo resaltó aún más la disparidad entre las piezas tridimensionales y su telón de fondo bidimensional y condujo al eventual declive de este último. El advenimiento de la luz de calcio , también conocido como la luz Drummond , también introdujo efectivamente poniendo de relieve al teatro. [15] La lámpara incandescente eléctrica de Thomas Edison , inventada en 1879, fue el siguiente paso. Hizo de la electricidad la forma de iluminación más flexible, controlable y segura; en el siglo XX, convertiría el diseño de iluminación escénica en un verdadero arte. Estos nuevos medios de iluminación aumentaron enormemente el control sobre la luz del escenario y estimularon el interés por imitar los fenómenos luminosos de la naturaleza. [dieciséis]
Diseñadores, artistas y tecnólogos destacados
Fue durante esta época que los artistas escénicos comenzaron a ser reconocidos por su trabajo. Muchos de los artistas escénicos operaban sus propios estudios escénicos en Nueva York y hacia la segunda mitad del siglo, las primeras uniones teatrales se formaron como respuesta al Theatre Syndicate . Los productores que originalmente contrataban carpinteros y pintores de la empresa comenzaron a licitar sus producciones. También fue durante este período de tiempo que los diseñadores comenzaron a trabajar con modelos para transmitir su diseño. [17]
- Steele MacKaye (1842-1894) fue un innovador tecnólogo teatral que inventó el escenario del ascensor. En 1880, en el Madison Square Theatre de Nueva York, MacKaye utilizó dos escenarios: uno encima del otro, que se podía subir y bajar; mientras que un escenario estaba a la vista del público, el escenario del otro, que estaba en el sótano o en el área de la mosca, podía cambiarse. [18]
- David Belasco (1853-1931) fue un productor, director y dramaturgo estadounidense. Belasco es recordado principalmente hoy por su énfasis en los detalles naturalistas. David Belasco es mejor conocido por sus melodramas ultrarrealistas de principios de siglo. Él y su principal artista escénico, George Gros, crearon interiores meticulosamente detallados, exteriores realistas e impresionantes efectos atmosféricos. [19] Belasco y Gros produjeron algunos de los inventos escénicos más memorables del teatro estadounidense y, sin duda, algunos de los mejores escenarios realistas de la historia del teatro. Sus laboriosas técnicas escénicas y de iluminación fueron vistas por las vanguardias como la encarnación de todos los males del escenario y fueron severamente ridiculizadas por la historia. En 1909, para una producción de The Easiest Way , su artista escénico colocó el contenido de una habitación en una pensión, incluido el papel tapiz, en el escenario del Stuyvesant Theatre y tres años más tarde (1912) construyó en el escenario un restaurante en pleno funcionamiento para la dama del gobernador . [20]
- Alfred Roller (1864-1935) se formó como pintor en Viena, pero sus diseños insinuaban un nuevo concepto de diseño escénico. [21] Centrado por completo en la interacción de la luz y el color para crear espacios escénicos evocadores. Los diseños de Roller se basaron en un realismo seleccionado o simplificado en el que solo se introdujeron algunos elementos en el escenario, pero cada uno de ellos evocador, detallado y poderoso. Utilizó torres escénicas móviles que podían reorganizarse y alterarse con luz para formar nuevas formas y patrones de movimiento en el escenario (Sumner 338). Probablemente fue el primer diseñador en encarnar y practicar las ideas de Adolph Appia y Edward Gordon Craig.
- Charles Witham (1842-1926) nació en Portland, Maine y se educó como artista. Pasó algún tiempo como paisajista itinerante antes de involucrarse en el teatro. Gracias a la amistad de Gaspard Maeder, Witham obtuvo su primer trabajo teatral como asistente de Maeder cuando este último fue diseñador jefe de Niblo's Garden en Nueva York a principios de la década de 1860. En 1863, Witham se había convertido en diseñador jefe del Boston Theatre, donde pintó escenarios para Edwin Forrest. Su estadía en Boston fue corta porque fue contratado por Edwin Booth para unirse a su personal como artista escénico. Pasaría a ser el diseñador principal de Booth durante los próximos años. Su obra sigue siendo la colección más grande de arte escénico teatral de la época. [22]
Jugadas notables
- Bajo la luz de gas (1867) fue una de las primeras de muchas obras en las que se utilizó una máquina de vapor en el escenario mientras el héroe estaba atado a las vías del tren. “A pesar de que, en la primera noche, la maquinaria del gran escenario ferroviario no funcionó correctamente, el público se mantuvo tenso y la emoción desde el principio fue un éxito”. Tuvo 110 funciones. [23] Se dice que los efectos mecánicos involucrados fueron patentados por Augustin Daly .
- Hubo muchas emociones en The Black Crook (1866), pero la mayor de ellas fue el cuerpo de ballet y los cientos de disfraces. Después del estreno, que duró desde las 7:45 pm hasta la 1:15 am, el Tribune informó que “El paisaje es magnífico; el ballet es hermoso; el drama es ... basura ... la última escena de la obra, sin embargo, deslumbrará e impresionará en un grado aún mayor, por su rica riqueza y esplendor bárbaro. Todo ese oro y plata, y gemas y luz, y la belleza de la mujer pueden contribuir a fascinar la vista y encantar los sentidos. [24] La escenografía mejor exhibida es la que cierra el segundo acto: una vasta gruta que se extiende hacia una perspectiva casi inconmensurable. Las estalactitas descienden del techo abovedado. Un lago tranquilo y hermoso refleja las glorias doradas que lo atraviesan como un vasto cielo. En todas direcciones se ve el brillo brillante o la opaca riqueza del oro macizo. Hermosas hadas y duendes hacen que la escena sea exuberante. [25]
- The Poor of New York (1899) exhibió escénicamente contrastes y espectáculos como una casa rica en Madison Square, una casa de vecindad en Cross Street, con un incendio, un banco en Nassau Street y una tormenta de nieve en Union Square. [26]
Secuelas
El final del siglo XIX fue testigo tanto de la altura como del final de la escenografía pintada en perspectiva tradicional. El diseño escénico fue realista y creativo, liberando la imaginación de la audiencia. El realismo no era más que un estilo pasajero. Hacia finales de siglo, el realismo encontraría un opuesto en el naturalismo. Adolphe Appia y Edward Gordon Craig serían los que se rebelarían contra la idea del actor parado en un piso plano rodeado de lienzos pintados "realistas". Sus controvertidas ideas serían la base del New Stagecraft. El siglo XX traería al diseñador escénico una estética completamente nueva para el mundo del teatro en la forma de Henrik Ibsen y el Modernismo . A medida que las películas reemplazaron la popularidad del teatro, una estética internacional se opuso a los paisajes pintados, los estudios escénicos comenzaron a encogerse y los artistas escénicos comenzaron a desaparecer. La edad de oro de la pintura escénica del siglo XIX se convirtió rápidamente en una mucho más fragmentada en el siglo XX, ya que los estilos teatrales cambiaron radicalmente y, finalmente, el teatro perdió popularidad frente al cine y la televisión.
Referencias
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