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Para la película, vea Oviri (película) .
Paul Gauguin, Oviri ( Sauvage ), 1894, gres parcialmente vidriado , 75 × 19 × 27 cm (29,5 × 7,5 × 10,6 in), Musée d'Orsay , París

Oviri ( tahitiano para salvaje o salvaje ) [1] es unaescultura de cerámica de 1894del artista francés Paul Gauguin . En la mitología tahitiana , Oviri era la diosa del duelo y se muestra con el pelo largo y pálido y ojos salvajes, asfixiando a un lobo con sus pies mientras agarra a un cachorro en sus brazos. Los historiadores del arte han presentado múltiples interpretaciones, por lo general que Gauguin lo concibió como un epíteto para reforzar su imagen de sí mismo como un "salvaje civilizado". Las diosas tahitianas de su época habían desaparecido de la memoria popular en 1894, pero Gauguin romantiza el pasado de la isla a medida que busca fuentes más antiguas, incluido un relieve asirio de un "tipo maestro de animales y momias Majapahit . Otras posibles influencias incluyen cráneos conservados de las Islas Marquesas , figuras encontradas en Borobudur y un templo budista Mahayana del siglo IX en Java central .

Gauguin hizo tres vaciados, cada uno en gres parcialmente vidriado , y aunque existen varias copias en yeso o bronce, el vaciado original se encuentra en el Musée d'Orsay . Sus ventas de los moldes no tuvieron éxito y, con un bajo reflujo financiero y personal, pidió que se le pusiera uno en su tumba. Solo quedan otros tres comentarios suyos sobre la figura: describió la figura como un enigma extraño y cruel en un montaje de presentación de 1895 de dos impresiones de una xilografía de Oviri para Stéphane Mallarmé ; se refirió a ella como La Tueuse ("La Asesina") en una carta de 1897 a Ambroise Vollard ; y adjuntó una inscripción que hace referencia a Honoré de BalzacLa novela de Séraphîta en un c. Dibujo de  1899 . [2] Oviri se exhibió en el Salón de Otoño de 1906 (n. ° 57) [3] donde influyó en Pablo Picasso , quien basó en él una de las figuras de Les Demoiselles d'Avignon . [4]

Antecedentes [ editar ]

Gauguin fue ante todo un pintor; llegó a la cerámica alrededor de 1886, cuando fue enseñado por el escultor y ceramista francés Ernest Chaplet . Fueron presentados por Félix Bracquemond [5] quien, inspirado por la nueva cerámica de arte francés, estaba experimentando con la forma. Durante ese invierno de 1886-1887, Gauguin visitó el taller de Chaplet en Vaugirard , donde colaboraron en vasijas de gres con figuras aplicadas o fragmentos ornamentales y múltiples mangos. [6]

Fotografía de Jules Agostini de 1896 de la casa de Gauguin en Puna'auia , Polinesia Francesa

Gauguin visitó Tahití por primera vez en 1891 y, atraído por la belleza de las mujeres tahitianas, realizó una serie de retratos escultóricos en forma de máscara en papel. Evocan tanto la melancolía como la muerte, y evocan el estado de faaturuma ( cavilación o melancolía); imágenes y estados de ánimo utilizados posteriormente en la cerámica Oviri. [7] Las primeras tallas de madera de Gauguin en Tahití fueron con una madera de guayaba que se desmoronó rápidamente y no ha sobrevivido.

Completó Oviri en el invierno de 1894, durante su regreso de Tahití, y lo envió al salón de la Société Nationale des Beaux-Arts 1895 que se inauguró en abril del año siguiente. [8] Hay dos versiones de lo que siguió: Charles Morice  [ fr ] afirmó en 1920 que Gauguin fue "literalmente expulsado" de la exposición; en 1937 Ambroise Vollard escribió que la pieza fue admitida solo cuando Chaplet amenazó con retirar sus propias obras en protesta. [9] Según Bengt Danielsson , Gauguin estaba ansioso por aumentar su exposición pública y aprovechó esta oportunidad escribiendo una carta indignada a Le Soir., lamentando el estado de la cerámica moderna. [10]

A principios de 1897, Vollard dirigió una carta a Gauguin sobre la posibilidad de fundir sus esculturas en bronce. La respuesta de Gauguin se centró en Oviri :

Creo que mi gran estatua en cerámica, la Tueuse ("La Asesina"), es una pieza excepcional como ningún ceramista ha hecho hasta ahora y que, además, quedaría muy bien fundida en bronce (sin retoques y sin pátina ). De esta forma el comprador no solo tendría la pieza de cerámica en sí, sino también una edición de bronce con la que ganar dinero. [11]

El historiador de arte Christopher Gray menciona tres modelos de yeso, cuyas superficies agrietadas sugieren que fueron tomadas de una talla de madera indocumentada anterior que ya no existe. Uno fue entregado a Daniel Monfreid y ahora pertenece al Musée departamental Maurice Denis "The Priory" en Saint-Germain-en-Laye . Otra versión en yeso, con acabado superficial de madera, fue conservada por Gustave Fayet , y posteriormente formó parte de la colección de su hijo, Léon. La tercera versión la guardó el artista que hizo los moldes. [12] [13] Se produjeron varios bronces, incluida la versión colocada en la tumba de Gauguin en Atuona , emitida por elFondation Singer-Polignac  [ fr ] y erigida el 29 de marzo de 1973. [12] [14]

Descripción y fuentes [ editar ]

Primer número de Le Sourire , Journal sérieux , 1899. Louvre, Cabinet des dessins

Oviri tiene el pelo largo, rubio o gris, que le llega hasta las rodillas. Su cabeza y ojos son desproporcionadamente grandes, mientras que la abertura en la parte posterior de su cabeza se asemeja a un orificio vaginal. [15] [16] Ella sostiene un cachorro de lobo contra su cadera, un símbolo de su indiferencia y poder salvaje. [16] [17] No está claro si Oviri está asfixiando o abrazando al cachorro, [18] pero su pose invoca ideas de sacrificio, infanticidio y el arquetipo de la madre vengativa , influenciada por la pintura de 1838 de Eugène Delacroix , Medea About matar a sus hijos . [19] Un segundo animal, probablemente otro lobo, está a sus pies, ya sea enroscado en sumisión o muerto.[20] Los historiadores del arte, incluida Sue Taylor, sugieren que el segundo animal puede representar a Gauguin. [21]

La asociación entre la mujer y un lobo se deriva de un comentario que hizo Edgar Degas defendiendo el trabajo de Gauguin en la exhibición Durand-Ruel de 1893, que fue mal recibida , cuando Degas citó la fábula de La Fontaine El perro y el lobo , que generalmente se considera que implica que la libertad no debe ser intercambiado por comodidad o ganancia económica: "Verás, Gauguin es el lobo". [21] [22] En Oviri , el lobo maduro, el europeo Gauguin, muere mientras que el cachorro, el Gauguin de Tahití, sobrevive. [23]

Siddharta Gautama , friso del siglo VIII , Borobudur

Los mitos tahitianos habían desaparecido en gran medida en la época de Gauguin (basó sus propios relatos en otras fuentes sin reconocimiento), al igual que la mayoría de los artefactos asociados con esa cultura. Su representación de Oviri es en gran parte un trabajo de imaginación, informado por una colección de lo que describió como su "pequeño mundo de amigos" y que se llevó consigo a Tahití en su primera visita. Estos incluían la litografía La Mort de Odilon Redon , fotografías de temas como el friso de un templo en Borobudur , Java , y un fresco egipcio de una tumba de la XVIII dinastía en Tebas . [24] Otras fuentes que se han sugerido incluyen un relieve asirio de Gilgamesh agarrando un cachorro de león ahora en el Louvre , y una figura de terracota de Majapahit del museo de Djakarta . [25]

La cabeza de Oviri parece estar basada en cráneos momificados de caciques de las Islas Marquesas , cuyas cuencas de los ojos estaban tradicionalmente incrustadas con nácar y adoradas como divinas. Los elementos de su cuerpo pueden extraerse de las imágenes de fecundidad de Borobudur . Así, la vida y la muerte fueron evocadas en la misma imagen. [26] En una carta a Mallarmé tratando de obtener una suscripción pública para comprar la obra, Morice tituló la escultura Diane Chasseresse ("Diana la Cazadora"), una alusión a la antigua diosa griega Diana de la caza, la luna y el parto. Hizo la misma referencia en sus poemas sobre Oviri. Barbara Landy interpreta el tema de la vida y la muerte como una indicación de la necesidad de Gauguin de abandonar su ego civilizado en un retorno al estado natural del salvaje primitivo. [9] [27] La obra está relacionada con la Venus negra de cerámica de 1889 , que muestra a una mujer arrodillada sobre una cabeza cortada que se parece al artista. [21] [28]

Nancy Mowll Mathews cree que las criaturas en sus brazos y a sus pies son en realidad zorros, animales que Gauguin había usado en su talla de madera de 1889 Be in Love, You Will Be Happy y en su pintura al óleo de Pont-Aven de 1891 La pérdida de la virginidad . En una carta de 1889 a Émile Bernard , describió al zorro Soyez amoureuses como un "símbolo indio de perversidad". [29] Existe una larga tradición en el folclore asiático de que los zorros tienen el poder de transformarse en mujeres (por ejemplo, en el folclore japonés Yōkai o Kitsune ). [30]

Gauguin representa la figura de Oviri en al menos un dibujo, dos monotipos de transferencia de acuarela y dos grabados en madera. Es posible que las xilografías fueran creadas en Pont-Aven en el verano de 1894; antes de la cerámica. [31] El último en aparecer es probablemente el dibujo en lo que aparentemente es el primer número del periódico Le Sourire de Papeete de Gauguin "(La sonrisa: un periódico serio)" publicado entre agosto de 1899 y abril de 1900. Iba acompañado de la inscripción "Et le monstre, entraînant sa créature, féconde de sa semence des flancs généreux pour engendrer Séraphitus-Séraphita "( Y el monstruo, abrazando su creación, llenó su generoso vientre de semilla y engendró a Séraphitus-Séraphita). Séraphitus-Séraphita es una alusión a la novela Séraphîta de Honoré de Balzac, que presenta a un héroe andrógino . En este primer número de Le Sourire , revisó la obra de un autor local maohi que trataba sobre el incesto (entre otros temas) e invoca 'Séraphitus-Séraphita'. La reseña felicitó al "autor salvaje" de la obra y finalizó con un pedido de liberación de la mujer mediante la abolición del matrimonio. El dibujo que lo acompaña es claramente andrógino. [32]

  • Alivio de una fachada en la sala del trono de Sargón II ( Khorsabad , 713–706 a. C.), que muestra a un héroe asirio agarrando un león y una serpiente , Louvre

  • Pot Anthropomorphe , 1889, gres esmaltado, Musée d'Orsay

  • Paul Gauguin, 1893-1895, Objet décoratif carré avec dieux tahitiens , terracota , Musée d'Orsay

  • Oviri , 1894, monotipo de acuarela , Fogg Museum , Boston

Interpretación [ editar ]

Los historiadores del arte han propuesto varias teorías sobre la aparente multiplicidad de significados inherentes a la representación de Gauguin. De manera más obvia, la figura invoca leyendas tahitianas y temas de muerte y superstición. Refleja la visión del artista sobre la sexualidad femenina; un motivo común en el arte del siglo XIX fue la conexión entre el cabello largo y salvaje y la feminidad malvada. Relacionado está el deleite que Gauguin tomó de su título alternativo "salvaje" y las implicaciones de una deidad brutal y sedienta de sangre, que parece referirse tanto a sí mismo como a la diosa. [33]

Deidad de Tahití [ editar ]

Oviri 1894, xilografía en tinta marrón sobre papel avitelado . Museo de Bellas Artes de Boston

La figura de Gauguin invoca a la diosa polinesia Hina , representada por Morice como una deidad parecida a Diana que agarra un cachorro de lobo, "monstruosa y majestuosa, ebria de orgullo, rabia y dolor". [34] Tituló un autorretrato de 1894 en yeso como Oviri . [16] El original se perdió, pero sobreviven varios modelos de bronce. Usó espejos dobles para capturar su perfil inca familiar, el resultado repitió su Jarra en forma de cabeza, Autorretrato . Esta fue una de las primeras ocasiones en que Gauguin se aplicó el término Oviri a sí mismo. [35] [36] [37] "Gauguin a veces también se refirió a sí mismo como Oviri, el salvaje ...", escribeMerete Bodelsen  [ da ] . [38] [39] La versión de Stuttgart de su pintura al óleo de 1892 E haere oe i hia (¿Adónde vas?) Muestra a una mujer sujetando un cachorro de lobo. [40] Pollitt comenta que esta figura rechoncha, escultural y andrógina da un primer vistazo a Oviri . [19] [a]

Oviri era el título de una canción tahitiana favorita, una melodía melancólica de amor y anhelo que menciona el "corazón salvaje e inquieto" del sujeto. [10] Relata el amor entre dos mujeres, las cuales se han vuelto silenciosas y frías. Gauguin tradujo el verso en su serie de revista romantizada Noa Noa (tahitiano para "fragancia", un proyecto escrito que emprendió para examinar su experiencia tahitiana, que acompañó con una serie de diez grabados en madera); [41] [42] la única de sus canciones reimpresa en el periódico tahitiano La Guêpes cuando se convirtió en editor. [b] Danielsson cree que la canción se hace eco de Gauguin 's doble apego a su esposa danesa Mette y su entonces vahine(Tahitiano para "mujer") Teha'amana , su joven esposa nativa y el punto focal de Noa Noa . [43]

Rave te iti aamu (El ídolo) , 1898. Museo del Hermitage

Noa Noa contiene un relato de un viaje a las montañas con un joven a quien finalmente entiende como asexuado, lo que lo lleva a meditar sobre el "lado andrógino del salvaje" en su manuscrito. [44] [45] [46] Ben Pollitt señala que en la cultura tahitiana el artesano / artista, ni guerrero / cazador ni ama de casa / cuidador, fue concebido de forma andrógina, una posición de género ambigua que apelaba a la naturaleza subversiva de Gauguin. [19] Taylor cree que Morice puede haber estado describiendo a Gauguin en su poema de 1897 Shining Hina of the Woods como parte de dos extractos largos de su colaboración en Noa Noa.. Gray considera que la escultura representa "la expresión de la profunda desilusión y desánimo de Gauguin". [8]

Noa Noa es parte de la documentación de Gauguin sobre sus experiencias como visitante colonial en Tahití en 1891-1893. Primero utilizó el término "Noa Noa" para describir el aroma de las mujeres tahitianas: "De ellas emanaba un perfume mezclado, mitad animal, mitad vegetal; el perfume de su sangre y de la gardenia taitensis , que llevaban en el pelo". [47] A su regreso a París en 1893, Gauguin estaba preocupado por exhibir sus obras tahitianas. Noa Noa debía proporcionar el contexto necesario para que el público comprendiera los nuevos motivos presentados en su exposición Durand-Ruel. No se completó a tiempo para la inauguración de la exposición. [48]

Autorretrato [ editar ]

Gauguin pidió que se colocara a Oviri en su tumba, [c] lo que parece indicar que vio la figura como su alter ego . Según Mathews, vio al zorro tan cambiante en su género como él y, por lo tanto, simbólico de una sexualidad peligrosa. [49] Varias fuentes indican que Gauguin sufría una erupción sifilítica que le impidió viajar a Tahití durante varios meses. [d] Ella sugiere que el orificio es una pars pro toto para la mujer que lo infectó. [15]

El antropólogo Paul van der Grijp  [ nl ] cree que Oviri fue concebido como un epíteto para reforzar la personalidad de Gauguin como un "salvaje civilizado". [50] [51] En su última carta a Morice, el artista escribió que " Te equivocaste ese día cuando dijiste que yo estaba equivocado al decir que era un salvaje. Es bastante cierto: soy un salvaje. Y la gente civilizada siente la De hecho. En mi trabajo no hay nada que pueda sorprender o desconcertar, excepto el hecho de que soy un salvaje a pesar de mí mismo. Por eso también mi trabajo es inimitable ". [e] [16] [18] [52]

Recepción e influencia [ editar ]

Montaje de presentación Oviri para Stéphane Mallarmé , 1895. Art Institute of Chicago

Tanto si la escultura se iba a exhibir en el Salon de la Nationale como si no, estaba programada para el propietario del café Lévy en 57 rue Saint-Lazare, con quien Gauguin había llegado a un acuerdo para representarlo antes de su última partida a Tahití. No se vendió y Charles Morice no pudo recaudar fondos públicos para adquirirlo para la nación. Gauguin había pensado que su único mecenas probablemente interesado sería Gustave Fayet , quien finalmente lo compró por 1.500 francos, pero en 1905, después de la muerte de Gauguin. [53]

Gauguin fue celebrado por la vanguardia parisina después de las exposiciones retrospectivas póstumas en el Salon d'Automne en 1903 y 1906. El poder evocado por su obra llevó directamente a Les Demoiselles d'Avignon en 1907. Según David Sweetman , Picasso se convirtió en un aficionado de Gauguin en 1902 cuando se hizo amigo del escultor y ceramista español expatriado Paco Durrio en París. Durrio era amigo de Gauguin y mantuvo varias de sus obras en un intento de ayudar a su amigo pobre en Tahití promocionando su obra en París. [54]

El historiador de arte John Richardson escribe:

La exposición de 1906 de la obra de Gauguin dejó a Picasso más que nunca esclavizado por este artista. Gauguin demostró que los tipos de arte más dispares —por no hablar de elementos de la metafísica, la etnología, el simbolismo, la Biblia, los mitos clásicos y mucho más— podían combinarse en una síntesis que era de su tiempo pero atemporal. Un artista también podría confundir las nociones convencionales de belleza, demostró, al conectar sus demonios con los dioses oscuros (no necesariamente los de Tahití) y aprovechar una nueva fuente de energía divina. [55]

Tanto Sweetman como Richardson señalan a Gauguin Oviri como una gran influencia. Exhibida por primera vez en la retrospectiva del Salon d'Automne de 1906, probablemente fue una influencia directa en Les Demoiselles . David Sweetman escribe: "La estatua Oviri de Gauguin , que se exhibió de manera prominente en 1906, fue para estimular el interés de Picasso tanto en la escultura como en la cerámica, mientras que las xilografías reforzarían su interés por el grabado, aunque fue el elemento primitivo en todos ellos lo que la mayoría condicionó la dirección que tomaría el arte de Picasso. Este interés culminaría en la seminal Les Demoiselles d'Avignon ". [54]

En 2006, una versión de bronce de Oviri se vendió en Christie's Nueva York por 251.200 dólares. [12]

Exposiciones recientes [ editar ]

  • Tokio, grandes almacenes Seibu; Kyoto, Musée National d'Art Moderne y Fukuoka, Centre Culturel, Gauguin, agosto de 1969, no. 110
  • Munich, Haus der Kunst, Weltkulturen und Moderne Kunst, XX Olimpiadas, julio-agosto de 1972, no. 1726
  • El color de la escultura 1840-1910, Instituto Henry Moore , Leeds, 1996 [56]
  • Gauguin Tahití, París, 2003 [57]
  • Gauguin Tahití, Museo de Bellas Artes , Boston, 2004 [58]
  • Chefs-d'oeuvre du musée d'Orsay pour le 150e anniversaire de la galerie Tretyakov, Galería Tretyakov , Moscú, 2006 [59]
  • Cézanne a Picasso, Ambroise Vollard, mecenas de las vanguardias, Museo Metropolitano de Arte , Nueva York, 2006 [60]
  • Cézanne a Picasso, Ambroise Vollard, Patrona de las Vanguardias, Art Institute of Chicago , 2007 [61]
  • Gauguin, creador de mitos. Tate Modern , Londres, 2010 [62]
  • Gauguin, Creador de mitos, Galería Nacional de Arte , Washington DC, 2011 [63]
  • Polinesia de Gauguin, Ny Carlsberg Glyptotek , Copenhague, 2011 [64]
  • Polinesia de Gauguin, Museo de Arte de Seattle, Seattle, 2012 [65]
  • Gauguin, metamorfosis; MoMA , Nueva York, 2014 [66]
  • Paul Gauguin, Fondation Beyeler , Riehen , 2015 [67]

Fuentes [ editar ]

Notas [ editar ]

  1. ↑ Taylor cree que la cerámica es anterior a otras representaciones. La pintura de 1892 es de procedencia dudosay no se conocía antes de 1923, su autenticidad cuestionada por Richard Field, Paul Gauguin: Las pinturas del primer viaje a Tahití . Ver Taylor, 346.
  2. ↑ Gauguin copió la canción en su segundo borrador de 1893–95 en colaboración con Morice. Danielsson describe la traducción como muy deficiente y proporciona la suya propia.
  3. ^ Carta XLVIII a Monfreid : la escultura no tiene nombre y dice en primer lugar que la quiere para decorar su jardín: "La gran figura de cerámica que no encontró comprador ... Me gustaría tenerla aquí para la decoración de mi jardín y para poner mi tumba en Tahití ".
  4. ↑ Danielsson, 182, menciona una fuente oral en el sentido de que cuando Gauguin regresó, su vahine Teha'amana pasó una semana con él, pero le repugnaron las llagas que cubrían su cuerpo.
  5. ↑ Carta a Charles Morice, abril de 1903. Malingue 1949, CLXXXI: "Tu t'es trompé un jour en disant que j'avais tort de dire que je suis un sauvage. Cela est cependant vrai: je suis un sauvage. Et les civilisés le pressentent: car dans mes œuvres il n'y a rien qui surprenne, déroute, si ce n'est ce «malgré-moi-de-sauvage». C'est pourquoi c'est inimitable. "

Referencias [ editar ]

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Bibliografía [ editar ]

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Enlaces externos [ editar ]

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