Robert Rauschenberg
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Robert Rauschenberg
Robert Rauschenberg (1968) .jpg
Rauschenberg en 1968
Nació
Milton Ernest Rauschenberg

( 22/10/1925 )22 de octubre de 1925
Port Arthur, Texas
Fallecido12 de mayo de 2008 (12 de mayo de 2008)(82 años)
Captiva, Florida
EducaciónKansas City Art Institute
Académie Julian
Black Mountain College
Art Students League of New York
Conocido porConjunto
Trabajo notableCañón (1959)
Monograma (1959)
MovimientoNeo-Dada , expresionismo abstracto
Esposos)
​
​
( M.  1950; div.  1953)
PremiosPremio Mundial de las Artes Leonardo da Vinci (1995)
Praemium Imperiale (1998)

Milton Ernest " Robert " Rauschenberg (22 de octubre de 1925 - 12 de mayo de 2008) fue un pintor y artista gráfico estadounidense cuyas primeras obras anticiparon el movimiento del arte pop . Rauschenberg es bien conocido por sus Combines (1954-1964), un grupo de obras de arte que incorporaron objetos cotidianos como materiales de arte y que desdibujaron las distinciones entre pintura y escultura. Rauschenberg fue pintor y escultor, pero también trabajó con fotografía , grabado , fabricación de papel y performance. [1] [2]

Rauschenberg recibió numerosos premios durante su carrera artística de casi 60 años. Entre los más destacados se encuentran el Gran Premio Internacional de Pintura en la 32ª Bienal de Venecia en 1964 y la Medalla Nacional de las Artes en 1993. [3]

Rauschenberg vivió y trabajó en la ciudad de Nueva York y en Captiva Island, Florida , hasta su muerte el 12 de mayo de 2008 [4].

Vida y carrera

Rauschenberg nació Milton Ernest Rauschenberg en Port Arthur, Texas , hijo de Dora Carolina (de soltera Matson) y Ernest R. Rauschenberg. [5] [6] [7] Su padre era de ascendencia alemana y cherokee y su madre de ascendencia holandesa. [8] Su padre trabajaba para Gulf States Utilities, una compañía de luz y electricidad. Sus padres eran cristianos fundamentalistas . [9] Tenía una hermana menor llamada Janet Begneaud. [10] [11]

A los 18 años, Rauschenberg fue admitido en la Universidad de Texas en Austin, donde comenzó a estudiar farmacología , pero abandonó poco después debido a la dificultad del trabajo del curso, sin darse cuenta en ese momento de que era disléxico, y debido a su falta de voluntad para disecar. una rana en clase de biología. [12] Fue reclutado para la Marina de los Estados Unidos en 1944. Con base en California , se desempeñó como técnico neuropsiquiátrico en un hospital de la Marina hasta su alta en 1945 o 1946. [12]

Posteriormente, Rauschenberg estudió en el Kansas City Art Institute y la Académie Julian en París, [13] Francia, donde conoció a su compañera de estudios de arte Susan Weil . En 1948, Rauschenberg se unió a Weil para inscribirse en Black Mountain College en Carolina del Norte. [14] [15]

En Black Mountain , Rauschenberg buscó a Josef Albers , fundador de la Bauhaus en Alemania, sobre quien había leído en un número de agosto de 1948 de la revista Time . Esperaba que los rigurosos métodos de enseñanza de Albers pudieran frenar su habitual descuido. [16] Los cursos de diseño preliminar de Albers se basaron en una disciplina estricta que no permitía ninguna "experimentación sin influencia". [17] [18]

Rauschenberg se convirtió, según sus propias palabras, en "el tonto de Albers, el ejemplo sobresaliente de aquello de lo que no hablaba". [19] Aunque Rauschenberg consideraba a Albers su maestro más importante, encontró una sensibilidad más compatible en John Cage , un compositor establecido de música de vanguardia. Al igual que Rauschenberg, Cage se había alejado de las enseñanzas disciplinarias de su instructor, Arnold Schönberg , en favor de un enfoque más experimentalista de la música. Cage brindó a Rauschenberg el apoyo y el aliento que tanto necesitaba durante los primeros años de su carrera, y los dos siguieron siendo amigos y colaboradores artísticos durante las décadas siguientes. [dieciséis]

De 1949 a 1952 Rauschenberg estudió con Vaclav Vytlacil y Morris Kantor en la Art Students League de Nueva York , [20] donde conoció a sus compañeros artistas Knox Martin y Cy Twombly . [21]

Rauschenberg se casó con Susan Weil en el verano de 1950 en la casa de la familia Weil en Outer Island, Connecticut. Su único hijo, Christopher, nació el 16 de julio de 1951. Los dos se separaron en junio de 1952 y se divorciaron en 1953. [22] A partir de entonces, Rauschenberg tuvo relaciones románticas con sus compañeros artistas Cy Twombly y Jasper Johns , entre otros. [23] [24] Su compañero durante los últimos 25 años de su vida fue el artista Darryl Pottorf, [25] su ex asistente. [20]

En la década de 1970 se mudó a NoHo en Manhattan en la ciudad de Nueva York. [26]

Rauschenberg compró Beach House, su primera propiedad en la isla de Captiva , el 26 de julio de 1968. Sin embargo, la propiedad no se convirtió en su residencia permanente hasta el otoño de 1970. [27]

Muerte

Rauschenberg murió de insuficiencia cardíaca el 12 de mayo de 2008 en Captiva Island , Florida. [28] [29]

Contribución artística

El enfoque de Rauschenberg a veces se llamaba " neo-dadaísta ", una etiqueta que compartía con el pintor Jasper Johns . [30] Rauschenberg afirmó que "la pintura se relaciona tanto con el arte como con la vida", y quería trabajar "en la brecha entre los dos". [31] Como muchos de sus predecesores dadaístas , Rauschenberg cuestionó la distinción entre objetos de arte y objetos cotidianos, y su uso de materiales prefabricados repitió las cuestiones intelectuales planteadas por La fuente de Marcel Duchamp (1917). La influencia dadaísta de Duchamp también se puede observar en Las pinturas de Jasper Johns de objetivos, números y banderas, que eran símbolos culturales familiares: "cosas que la mente ya sabe".[32]

Robert Rauschenberg, Montar bicicletas , 1998, Berlín, Alemania

En Black Mountain College, Rauschenberg experimentó con una variedad de medios artísticos, incluidos el grabado, el dibujo, la fotografía, la pintura, la escultura y el teatro; sus obras a menudo presentaban alguna combinación de estos. Creó sus pinturas Night Blooming (1951) en Black Mountain presionando guijarros y grava en pigmento negro sobre lienzo.

Desde el otoño de 1952 hasta la primavera de 1953, Rauschenberg viajó por Italia y el norte de África con su compañero artista y socio Cy Twombly . Allí, creó collages y pequeñas esculturas, incluidos Scatole Personali y Feticci Personali , a partir de materiales encontrados. Los expuso en galerías de Roma y Florencia . [33] Para sorpresa de Rauschenberg, se vendieron varias de las obras; muchas que no las arrojó al río Arno , siguiendo la sugerencia de un crítico de arte que reseñó su muestra. [34] [35]

A su regreso a la ciudad de Nueva York en 1953, Rauschenberg comenzó a crear esculturas con materiales encontrados en su vecindario del Bajo Manhattan, como chatarra, madera y cordeles. [36] A lo largo de la década de 1950, Rauschenberg se mantuvo a sí mismo diseñando escaparates para Tiffany & Co. y Bonwit Teller , primero con Susan Weil y luego en sociedad con Jasper Johns bajo el seudónimo de Matson Jones.

En un incidente citado famoso de 1953, Rauschenberg solicitó un dibujo del pintor expresionista abstracto Willem de Kooning con el propósito expreso de borrarlo como una declaración artística. Este trabajo conceptual, titulado Erased de Kooning Drawing , fue ejecutado con el consentimiento del artista mayor. [37] [38]

En 1961, Rauschenberg exploró un enfoque conceptual similar al presentar una idea como la obra de arte en sí. Fue invitado a participar en una exposición en la Galerie Iris Clert de París, donde los artistas debían presentar retratos de Clert , el propietario de la galería. La sumisión de Rauschenberg consistió en un telegrama que declaraba "Este es un retrato de Iris Clert si yo lo digo". [19]

En 1962, las pinturas de Rauschenberg comenzaban a incorporar no solo objetos encontrados, sino también imágenes encontradas. Después de una visita al estudio de Andy Warhol ese año, Rauschenberg comenzó a utilizar un proceso de serigrafía , generalmente reservado para medios comerciales de reproducción, para transferir fotografías al lienzo. [39] Las pinturas en serigrafía realizadas entre 1962 y 1964 llevaron a los críticos a identificar el trabajo de Rauschenberg con el arte pop .

Rauschenberg había experimentado con la tecnología en sus obras de arte desde la realización de sus primeros Combines a mediados de la década de 1950, donde a veces usaba radios, relojes y ventiladores eléctricos como materiales escultóricos. Más tarde exploró su interés en la tecnología mientras trabajaba con el científico investigador de Bell Laboratories Billy Klüver . Juntos realizaron algunos de los experimentos basados ​​en tecnología más ambiciosos de Rauschenberg, como Soundings (1968), una instalación de luz que respondía al sonido ambiental. En 1966, Klüver y Rauschenberg lanzaron oficialmente Experiments in Art and Technology (EAT), una organización sin fines de lucro establecida para promover la colaboración entre artistas e ingenieros. [40] [41]

Robert Rauschenberg, Sin título, 1963, óleo, serigrafía, metal y plástico sobre lienzo

En 1969, la NASA invitó a Rauschenberg a presenciar el lanzamiento del Apolo 11 . En respuesta a este acontecimiento histórico, Rauschenberg creó su serie de litografías Stoned Moon . [42] Esto implicó combinar diagramas y otras imágenes de los archivos de la NASA con sus propios dibujos y texto escrito a mano. [43] [44]

Desde 1970, Rauschenberg trabajó desde su casa y estudio en Captiva, Florida . Las primeras obras que creó en su nuevo estudio fueron Cardboards (1971–72) y Early Egyptians (1973–74), para las que se basó en materiales de origen local como cartón y arena. Mientras que sus trabajos anteriores a menudo habían destacado las imágenes y los materiales urbanos, Rauschenberg ahora favoreció el efecto de las fibras naturales que se encuentran en la tela y el papel. Imprimió en textiles usando su técnica de transferencia de solvente para hacer las series Hoarfrost (1974–76) y Spread (1975–82); este último presentaba grandes tramos de tela con collages sobre paneles de madera. Rauschenberg creó su Jammer(1975–76) serie que utiliza telas de colores inspiradas en su viaje a Ahmedabad, India , una ciudad famosa por sus textiles. La simplicidad sin imágenes de la serie Jammer contrasta notablemente con los Hoarfrosts llenos de imágenes y la crudeza de sus primeras obras realizadas en la ciudad de Nueva York.

Los viajes internacionales se convirtieron en una parte central del proceso artístico de Rauschenberg después de 1975. En 1984, Rauschenberg anunció el inicio de su Intercambio Cultural en el Extranjero de Rauschenberg (ROCI) en las Naciones Unidas . Casi en su totalidad financiado por el artista, el proyecto ROCI consistió en una gira de siete años por diez países de todo el mundo. Rauschenberg tomó fotografías en cada lugar e hizo obras de arte inspiradas en las culturas que visitó. Las obras resultantes se exhibieron en una exposición local en cada país. Rauschenberg solía donar una obra de arte a una institución cultural local. [45]

A mediados de la década de 1980, Rauschenberg se centró en la serigrafía de imágenes en una variedad de metales tratados de manera diferente, como el acero y el aluminio espejado. Creó muchas series de las llamadas "pinturas de metal", que incluyen: Borealis (1988–92), [46] Urban Bourbons (1988–1996), Phantoms (1991) y Night Shades (1991). [47] Además, a lo largo de la década de 1990, Rauschenberg continuó utilizando nuevos materiales mientras seguía trabajando con técnicas más rudimentarias. Como parte de su compromiso con las últimas innovaciones tecnológicas, en su última serie de pintura transfirió imágenes fotográficas de inyección de tinta digital a una variedad de soportes de pintura. Para sus Retiros Arcadia(1996) transfirió la imaginería al fresco húmedo. De acuerdo con su compromiso con el medio ambiente, Rauschenberg utilizó tintes y pigmentos biodegradables y agua en lugar de productos químicos en el proceso de transferencia. [48]

Las Pinturas Blancas , Pinturas Negras y Pinturas Rojas

En 1951 Rauschenberg creó su serie Pintura blanca en la tradición de la pintura monocromática establecida por Kazimir Malevich , quien redujo la pintura a sus cualidades más esenciales para una experiencia de pureza estética e infinito. [49] Las pinturas blancas se exhibieron en la Stable Gallery de Eleanor Ward en Nueva York en el otoño de 1953. Rauschenberg usó pintura de casa blanca y rodillos de pintura todos los días para crear superficies lisas y sin adornos que al principio parecen lienzos en blanco. En lugar de percibirlos sin contenido, sin embargo, John Cage describió las Pinturas Blancas como "aeropuertos para las luces, sombras y partículas";[50] superficies que reflejaban delicados cambios atmosféricos en la habitación. El propio Rauschenberg dijo que se vieron afectados por las condiciones ambientales, "por lo que casi se podía saber cuántas personas hay en la habitación". Al igual que las Pinturas blancas , las pinturas negras de 1951-1953 se ejecutaron en varios paneles y eran predominantemente obras de un solo color. Rauschenberg aplicó pintura negra mate y brillante a los fondos texturizados del periódico sobre lienzo, permitiendo ocasionalmente que el periódico permaneciera visible.

En 1953, Rauschenberg había pasado de la serie Pintura blanca y pintura negra al expresionismo intensificado de su serie Pintura roja . Consideró el rojo como "el color más difícil" para pintar y aceptó el desafío goteando, pegando y exprimiendo capas de pigmento rojo directamente sobre lienzos que incluían telas estampadas, periódicos, madera y clavos. [51] Las complejas superficies de materiales de las Pinturas Rojas fueron precursoras de la conocida serie Combine de Rauschenberg (1954-1964). [49]

Combina

Rauschenberg recogió objetos desechados en las calles de la ciudad de Nueva York y los llevó a su estudio donde los integró en su trabajo. Afirmó que "quería algo más que lo que yo podía hacer yo mismo y quería utilizar la sorpresa, la colectividad y la generosidad de encontrar sorpresas. [...] Entonces el objeto en sí fue cambiado por su contexto y por lo tanto se convirtió en un nuevo cosa." [38]

El comentario de Rauschenberg sobre la brecha entre el arte y la vida proporciona el punto de partida para comprender sus contribuciones como artista. [31] Vio la belleza potencial en casi cualquier cosa; una vez dijo: "Realmente lo siento por las personas que piensan que cosas como jaboneras, espejos o botellas de Coca-Cola son feas, porque están rodeadas de cosas así todo el día y eso debe hacerlas miserables". [52] Su cosechadoraLa serie dotó a los objetos cotidianos de un nuevo significado al llevarlos al contexto de las bellas artes junto con los materiales de pintura tradicionales. The Combines eliminaron los límites entre el arte y la escultura para que ambos estuvieran presentes en una sola obra de arte. Si bien "Combines" se refiere técnicamente al trabajo de Rauschenberg de 1954 a 1964, Rauschenberg continuó utilizando objetos cotidianos como ropa, periódicos, escombros urbanos y cartón a lo largo de su carrera artística.

Robert Rauschenberg, Canyon, 1959, pintura combinada
Robert Rauschenberg, Rima , 1956, Pintura combinada

Sus piezas de transición que llevaron a la creación de Combines fueron Charlene (1954) y Collection (1954/1955), donde hizo collages de objetos como bufandas, bombillas eléctricas, espejos y tiras cómicas. Aunque Rauschenberg había implementado periódicos y textiles estampados en sus pinturas negras y pinturas rojas , en los Combines dio a los objetos cotidianos una prominencia igual a la de los materiales de pintura tradicionales. Bed (1955), considerado uno de los primeros combinados, se creó untando con pintura roja una colcha, una sábana y una almohada gastadas. La obra se colgó verticalmente en la pared como un cuadro tradicional. Debido a las íntimas conexiones de los materiales con la propia vida del artista, Beda menudo se considera un autorretrato y una huella directa de la conciencia interior de Rauschenberg. Algunos críticos sugirieron que la obra podría leerse como un símbolo de violencia y violación, [53] pero Rauschenberg describió a Bed como "uno de los cuadros más agradables que he pintado". [36] Entre sus combinaciones más famosas se encuentran las que incorporan animales disecados , como Monogram (1955-1959), que incluye una cabra de angora disecada , y Canyon (1959) , que presenta un águila real disecada . Aunque el águila fue rescatada de la basura, Canyon provocó la ira del gobierno debido a la Ley de Protección del Águila Calva y Golden de 1940. [54]

Los críticos originalmente vieron los Combines en términos de sus cualidades formales: color, textura y composición. La visión formalista de la década de 1960 fue refutada más tarde por el crítico Leo Steinberg , quien dijo que cada Combine era "una superficie receptora en la que se dispersan los objetos, en la que se ingresan los datos". [55] Según Steinberg, la horizontalidad de lo que él llamó El "plano de la imagen de cama plana" de Rauschenberg había reemplazado la verticalidad tradicional de la pintura y, posteriormente, había permitido las superficies de la obra de Rauschenberg exclusivamente ligadas al material.

Actuación y danza

Rauschenberg comenzó a explorar su interés por la danza después de mudarse a Nueva York a principios de la década de 1950. Estuvo expuesto por primera vez a la danza de vanguardia y el arte escénico en Black Mountain College, donde participó en la pieza de teatro No. 1 de John Cage (1952), a menudo considerada el primer Happening . Comenzó a diseñar decorados, iluminación y vestuario para Merce Cunningham y Paul Taylor . A principios de la década de 1960 participó en los experimentos radicales de danza y teatro en Judson Memorial Church en Greenwich Village , y coreografió su primera actuación, Pelican (1963), para el Judson Dance Theatre en mayo de 1963. [56]Rauschenberg era amigo cercano de bailarines afiliados a Cunningham, incluidos Carolyn Brown , Viola Farber y Steve Paxton , todos los cuales aparecían en sus obras coreografiadas. La conexión a tiempo completo de Rauschenberg con Merce Cunningham Dance Company terminó después de su gira mundial de 1964. [57] En 1966, Rauschenberg creó la actuación Open Score para parte de 9 Evenings: Theatre and Engineering en el 69th Regiment Armory , Nueva York. La serie fue fundamental en la formación de Experimentos en Arte y Tecnología (EAT). [58] [59]

En 1977, Rauschenberg, Cunningham y Cage se volvieron a conectar como colaboradores por primera vez en trece años para crear Travelogue (1977), para la que Rauschenberg contribuyó con el vestuario y los diseños de escenografía. [48] Rauschenberg no coreografió sus propias obras después de 1967, pero continuó colaborando con otros coreógrafos, incluida Trisha Brown , durante el resto de su carrera artística.

Comisiones

A lo largo de su carrera, Rauschenberg diseñó numerosos carteles en apoyo de causas que eran importantes para él. En 1965, cuando la revista Life le encargó que visualizara un Infierno moderno, no dudó en descargar su rabia por la Guerra de Vietnam y otros problemas sociopolíticos contemporáneos, incluida la violencia racial, el neonazismo , los asesinatos políticos y el desastre ecológico. [34]

El 30 de diciembre de 1979, el Miami Herald imprimió 650.000 copias de Tropic , su revista dominical, con una portada diseñada por Rauschenberg. En 1983, ganó un premio Grammy por el diseño de su álbum Speaking in Tongues de Talking Heads . [60] En 1986, BMW le encargó a Rauschenberg que pintara un BMW 635 CSi de tamaño completo para la sexta entrega del famoso BMW Art Car Project . El automóvil de Rauschenberg fue el primero del proyecto en presentar reproducciones de obras del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, así como sus propias fotografías.

En 1998, el Vaticano encargó una obra de Rauschenberg en honor al Jubileo del año 2000 para ser exhibida en el Salón Litúrgico Padre Pio , San Giovanni Rotondo, Italia. Trabajando en torno al tema del Juicio Final , Rauschenberg creó The Happy Apocalypse (1999), una maqueta de seis metros de largo . En última instancia, fue rechazado por el Vaticano con el argumento de que la descripción que hace Rauschenberg de Dios como una antena parabólica era una referencia teológica inapropiada. [61]

Obras

  • Robert Rauschenberg, Sin título (Scatole Personali) , 1952, Ensamblaje : caja de madera con tapa con interior pintado, con tela pintada, espinas y conchas de caracol, colección de Jasper Johns

  • Robert Rauschenberg, Retroactive II , 1963, pintura serigráfica

  • Robert Rauschenberg con Estate (1963), en una fotografía del Stedelijk Museum Amsterdam , febrero de 1968

  • Robert Rauschenberg, Untitled [llanta de vidrio], 1997, vidrio soplado y latón plateado

Exposiciones

Rauschenberg tuvo su primera exposición individual en la Betty Parsons Gallery en la primavera de 1951. [62] [63] En 1953, mientras estaba en Italia, fue conocido por Irene Brin y Gaspero del Corso y organizaron su primera exposición europea en su famosa galería en Roma . [33] En 1953, Eleanor Ward invitó a Rauschenberg a participar en una exposición conjunta con Cy Twombly en la Stable Gallery . En su segunda exposición individual en Nueva York en la Galería Charles Egan en 1954, Rauschenberg presentó sus Pinturas rojas (1953-1953) y Combines (1954-1964). [64] [65]Leo Castelli montó una exposición individual de Combines de Rauschenberg en 1958. La única venta fue una adquisición por parte del propio Castelli de Bed (1955), ahora en la colección del Museo de Arte Moderno de Nueva York . [66]

La primera retrospectiva de la carrera de Rauschenberg fue organizada por el Museo Judío de Nueva York en 1963. En 1964 se convirtió en uno de los primeros artistas estadounidenses en ganar el Gran Premio Internacional de Pintura en la Bienal de Venecia ( Mark Tobey y James Whistler habían ganado previamente premios de pintura en 1895 y 1958 respectivamente). Una retrospectiva a mitad de carrera fue organizada por la Colección Nacional de Bellas Artes (ahora Museo Smithsonian de Arte Americano ), Washington, DC, y viajó por los Estados Unidos entre 1976 y 1978. [48] [67]

En la década de 1990 se realizó una retrospectiva en el Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York (1997), que viajó a museos en Houston, Colonia y Bilbao hasta 1999. [68] Se presentó una exposición de Combines en el Museo Metropolitano de Arte. , Nueva York (2005; viajó al Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles , Centro Georges Pompidou , París y Moderna Museet , Estocolmo, hasta 2007). La primera retrospectiva póstuma de Rauschenberg se montó en la Tate Modern (2016; viajó al Museo de Arte Moderno de Nueva York y al Museo de Arte Moderno de San Francisco hasta 2017). [69]

Otras exposiciones incluyen: Robert Rauschenberg: Jammers, Gagosian Gallery , Londres (2013); Robert Rauschenberg: The Fulton Street Studio , 1953-1954 , Craig F. Starr Associates (2014); Un léxico visual, Galería Leo Castelli (2014); Robert Rauschenberg: Obras sobre metal , Gagosian Gallery, Beverly Hills (2014); [70] Rauschenberg en China , Centro Ullens de Arte Contemporáneo , Beijing (2016); y Rauschenberg: 1/4 de milla en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (2018-2019). [71]

Legado

Rauschenberg creía firmemente en el poder del arte como catalizador del cambio social. El Intercambio Cultural en el Extranjero de Rauschenberg (ROCI) comenzó en 1984 como un esfuerzo por iniciar el diálogo internacional y mejorar la comprensión cultural a través de la expresión artística. Una exposición de ROCI se exhibió en la Galería Nacional de Arte, DC, en 1991, [72] concluyendo una gira por diez países: México, Chile, Venezuela, China, Tíbet, Japón, Cuba, URSS, Alemania y Malasia.

En 1970, Rauschenberg creó un programa llamado Change, Inc., para otorgar subvenciones de emergencia únicas de hasta $ 1,000 a artistas visuales en función de sus necesidades financieras. [73] En 1990, Rauschenberg creó la Fundación Robert Rauschenberg (RRF) para promover la conciencia de las causas que le preocupaban, como la paz mundial, el medio ambiente y las cuestiones humanitarias. En 1986, Rauschenberg recibió el premio Golden Plate Award de la Academia Estadounidense de Logros . [74] [75] Se le concedió la Medalla Nacional de las Artes por el presidente Bill Clinton en 1993. En 2000, Rauschenberg fue honrado con amfAR premio a la excelencia 's para las contribuciones artísticas a la lucha contra el SIDA. [76]

RRF posee hoy en día muchas obras de Rauschenberg de todos los períodos de su carrera. En 2011, la fundación presentó The Private Collection of Robert Rauschenberg en colaboración con Gagosian Gallery , con selecciones de la colección de arte personal de Rauschenberg. Las ganancias de la exhibición ayudaron a financiar las actividades filantrópicas de la fundación. [77] También en 2011, la fundación lanzó su proyecto "Artista como activista" e invitó al artista Shepard Fairey a centrarse en un tema de su elección. El trabajo editado que hizo se vendió para recaudar fondos para la Coalición por las Personas sin Hogar . [78]RRF continúa apoyando a artistas emergentes y organizaciones artísticas con subvenciones y colaboraciones filantrópicas cada año. El RRF tiene varios programas de residencia que se llevan a cabo en la sede de la fundación en Nueva York y en la propiedad del difunto artista en Captiva Island , Florida.

En 2013, Dale Eisinger de Complex clasificó a Open Score (1966) en el séptimo lugar en su lista de las mejores obras de arte de performance de todos los tiempos. [79]

Mercado del arte

En 2010, Studio Painting (1960-61), una de las Combinaciones de Rauschenberg estimada originalmente en $ 6 millones a $ 9 millones, fue comprada de la colección de Michael Crichton por $ 11 millones en Christie's , Nueva York. [80] En 2019, Christie's vendió la pintura sobre serigrafía Buffalo II (1964) por 88,8 millones de dólares, rompiendo el récord anterior del artista.

Cabildeo por las regalías de reventa de los artistas

A principios de la década de 1970, Rauschenberg presionó al Congreso de los Estados Unidos para que aprobara un proyecto de ley que compensaría a los artistas cuando su trabajo se revenda en el mercado secundario. Rauschenberg retomó su lucha por las regalías de reventa del artista después de que el barón de los taxis Robert Scull vendiera parte de su colección de obras de arte pop y expresionista abstracto por 2,2 millones de dólares. Scull había comprado originalmente las pinturas de Rauschenberg Thaw (1958) y Double Feature (1959) por $ 900 y $ 2,500 respectivamente; aproximadamente una década después, Scull vendió las piezas por $ 85,000 y $ 90,000 en una subasta de 1973 en Sotheby Parke Bernet en Nueva York. [81]

Los esfuerzos de cabildeo de Rauschenberg fueron recompensados ​​en 1976 cuando el gobernador de California, Jerry Brown, promulgó la Ley de Derechos de Reventa de California de 1976. [82] El artista continuó con la legislación nacional sobre derechos de reventa después de la victoria de California.

Ver también

  • Combinar pintura

Referencias

  1. ^ Marlena Donohue (28 de noviembre de 1997). "Firma de Rauschenberg en el siglo" . Monitor de la Ciencia Cristiana . Archivado desde el original el 7 de julio de 2006. La gigantesca retrospectiva de la carrera de Rauschenberg en el Museo Solomon R. Guggenheim (y otros sitios de Nueva York) del 19 de septiembre al 7 de enero de 1998 ... junto con amigos de toda la vida, el pintor pre- pop Jasper Johns y el difunto compositor conceptual John Cage , Rauschenberg definió bastante bien el panorama del arte técnico y filosófico y sus ramificaciones después del expresionismo abstracto .
  2. ^ "Los 25 artistas más influyentes del siglo" . ARTnews . Mayo de 1999: a través de askART.com. Nacido con el nombre de Milton Rauschenberg en Port Arthur, Texas, Robert Rauschenberg se convirtió en uno de los principales artistas de su generación y se le atribuye, junto con Jasper Johns, el haber roto la fortaleza del expresionismo abstracto . Rauschenberg era conocido por el ensamblaje , los métodos conceptualistas , el grabado y la voluntad de experimentar con materiales no artísticos, todas innovaciones que anticipaban movimientos posteriores como el arte pop , el conceptualismo y el minimalismo .
  3. ^ Honores de por vida - Medalla Nacional de las Artes. Archivado el 21 de julio de 2011 en la Wayback Machine.
  4. ^ Galerías de Franklin Bowles. "Robert Rauschenberg" . FranlinkBowlesGallery.com . Archivado desde el original el 21 de agosto de 2007. Significativamente, dado su uso de imágenes de los medios impresos, también fue el primer artista estadounidense vivo en ser presentado por la revista Time en su portada.
  5. ^ "El gran arte americano Robert Rauschenberg muere a los 82" . El libro mayor . Archivado desde el original el 19 de mayo de 2008.
  6. ^ Rauschenberg's Roots , Theind, 2005
  7. ^ Knight, Christopher (14 de mayo de 2008). "Abrió el camino hacia el Pop Art" . Los Angeles Times .
  8. ^ [1] "Cronología: La cronología de Joan Young con Susan Davidson en Robert Rauschenberg: A Retrospective (Nueva York: The Solomon R. Guggenheim Museum, 1997), actualizado por Davidson y Kara Vander Weg para Robert Rauschenberg (Nueva York: Gagosian Gallery, 2010), ha sido revisada para el sitio web de la Fundación Robert Rauschenberg por el personal de la fundación con Amanda Sroka ".
  9. ^ Hughes, Robert (27 de octubre de 1997). "Arte: Robert Rauschenberg: el gran autorizador" . Tiempo . Archivado desde el original el 19 de mayo de 2008.
  10. ^ "Proyecto de historia oral de Robert Rauschenberg" . INCITE . Consultado el 27 de agosto de 2020 .
  11. ^ Sinclair, Sara; Bearman, Peter; Clark, Mary Marshall, eds. (19 de agosto de 2019). Robert Rauschenberg . doi : 10.7312 / sinc19276 . ISBN 9780231549950.
  12. ↑ a b Patricia Burstein (19 de mayo de 1980), En su arte y su vida, Robert Rauschenberg es un hombre que dirige su propia gente audaz .
  13. ^ "Robert Rauschenberg" .
  14. ^ Kotz, Mary Lynn (2004). Rauschenberg: arte y vida . Ciudad de Nueva York: Harry N. Abrams, Inc. ISBN  978-0-8109-3752-9.
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    "... su niñez escapa de la conformidad de la ciudad petrolera de Port Arthur, Texas , sus años de formación en Black Mountain College , su activismo político al servicio de los derechos civiles y la paz y, sobre todo, su incansable experimentación desdibujando los límites de la pintura. , escultura, fotografía y grabado .
    "... las variadas facetas de la producción de Rauschenberg, incluidos sus dibujos en color para el Infierno de Dante, sus decorados para las danzas de Merce Cunningham , las construcciones de cajas de cartón y los sensuales collages de tela y esculturas de barro inspiradas en un viaje de 1975 a la India.
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Otras lecturas

  • Busch, Julia M., Una década de escultura: los nuevos medios en la década de 1960 (The Art Alliance Press: Filadelfia; Associated University Press : Londres, 1974) ISBN 0-87982-007-1 , ISBN 978-0-87982-007 -7 .  
  • Marika Herskovic, Elección de artistas expresionistas abstractos de la escuela de Nueva York por artistas, (New York School Press, 2000). ISBN 0-9677994-0-6 . pag. 8; pag. 32; pag. 38; pag. 294-297. 
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  • Sweeney, Louise M. "Rauschenberg's Worldwide Quest for Art and Ideas", The Christian Science Monitor , 20 de mayo de 1991.

enlaces externos

  • Fundación Robert Rauschenberg
  • Robert Rauschenberg: The Broad
  • Entrevista de historia oral con Robert Rauschenberg, 1965, Smithsonian Archives of American Art
  • Robert Rauschenberg: MoMA
  • Proyecto de investigación Rauschenberg en SFMOMA
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