Ruth Aiko Asawa (24 de enero de 1926-5 de agosto de 2013) fue una escultora estadounidense . Su trabajo se encuentra en las colecciones del Museo Solomon R. Guggenheim y el Museo Whitney de Arte Americano en la ciudad de Nueva York. [2] Quince de las esculturas de alambre de Asawa están en exhibición permanente en la torre del Museo de Young de San Francisco en el Golden Gate Park , y varias de sus fuentes están ubicadas en lugares públicos de San Francisco. [3] Fue una defensora de la educación artística y la fuerza impulsora detrás de la creación de la Escuela de Artes de San Francisco, que pasó a llamarse Escuela de Artes Ruth Asawa San Francisco en 2010 en homenaje a ella.[4]
Ruth Asawa | |
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Nació | Ruth Aiko Asawa [1] 24 de enero de 1926 Norwalk, California , EE. UU. [1] |
Fallecido | 5 de agosto de 2013 San Francisco, California , EE. UU. | (87 años)
Educación | Colegio Black Mountain |
Conocido por | Escultura |
Esposos) | Albert Lanier ( m. 1949; fallecido en 2008) |
Niños | 6 |
Sitio web | ruthasawa |
Temprana edad y educación
Ruth Asawa nació en 1926 en Norwalk, California , [5] una de siete hijos. [6] Sus padres, inmigrantes de Japón, operaban una granja de camiones hasta el internamiento japonés-estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial . [7] A excepción del padre de Ruth, la familia fue internada en un centro de reunión establecido apresuradamente en el hipódromo de Santa Anita durante gran parte de 1942, después de lo cual fueron enviados al Centro de Reubicación de Guerra de Rohwer en Arkansas . [8] El padre de Ruth, Umakichi Asawa, fue arrestado por agentes del FBI en febrero de 1942 e internado en un campo de detención en Nuevo México . Durante los seis meses siguientes, la familia Asawa no supo si estaba vivo o muerto. Asawa no vio a su padre durante seis años. [9] [10] La hermana menor de Ruth, Nancy (Kimiko), estaba visitando a su familia en Japón cuando su familia fue internada. No pudo regresar, ya que Estados Unidos impidió la entrada incluso de ciudadanos estadounidenses de Japón. Nancy se vio obligada a permanecer en Japón durante la guerra. Asawa dijo sobre el internamiento:
No mantengo hostilidades por lo que pasó; No culpo a nadie. A veces, el bien surge de la adversidad. No sería quien soy hoy si no hubiera sido por el internamiento, y me gusta quien soy. [11]
Desde muy joven, Asawa expresó su interés por el arte. De niña, su maestra de tercer grado la animó a crear su propia obra de arte. Como resultado, Asawa recibió el primer premio en un concurso de arte escolar en 1939, por su obra de arte sobre lo que hace que alguien sea estadounidense. [6]
Después de graduarse de la escuela secundaria del centro de internamiento, Asawa asistió a Milwaukee State Teachers College , con la intención de convertirse en maestra de arte. Se le impidió asistir a la universidad en la costa de California, ya que la guerra había continuado y la zona de su universidad prevista todavía estaba prohibida para los japoneses étnicos, fueran o no ciudadanos estadounidenses. Incapaz de ser contratada para la práctica de enseñanza necesaria para completar su título, se fue de Wisconsin sin un título. (Wisconsin le otorgó el título en 1998). [12]
El verano antes de su último año en Milwaukee, Asawa viajó a México con su hermana mayor Lois (Masako). Asawa asistió a una clase de arte en la Universidad Nacional Autónoma de México ; entre sus maestras estaba Clara Porset , diseñadora de interiores de Cuba. [13] Un amigo del artista Josef Albers , Porset le contó a Asawa sobre Black Mountain College, donde estaba enseñando. [9] Asawa relató:
Me dijeron que podría ser difícil para mí, con los recuerdos de la guerra aún frescos, trabajar en una escuela pública. Mi vida incluso podría estar en peligro. Esto fue un regalo del cielo, porque me animó a seguir mi interés por el arte, y posteriormente me inscribí en Black Mountain College en Carolina del Norte. [14]
De 1946 a 1949, estudió en Black Mountain College con Josef Albers . [15] Asawa aprendió a usar materiales comunes de Albers y comenzó a experimentar con alambre, usando una variedad de técnicas. [16] Como todos los estudiantes de Black Mountain College, Asawa tomó cursos en una variedad de formas de arte diferentes y este enfoque interdisciplinario ayudó a dar forma a su práctica artística. Su estudio de dibujo con Ilya Bolotowsky y Josef Albers fue formativo. Sus dibujos de esta época exploran el patrón y la repetición, y estaba especialmente intrigada por el meandro como motivo. [17] Fue particularmente influenciada por las sesiones de verano de 1946 y 1948, que incluyeron cursos del artista Jacob Lawrence , el curador de fotografía e historiador Beaumont Newhall , Jean Varda , el compositor John Cage , el coreógrafo Merce Cunningham , el artista Willem de Kooning , el escultor Leo Amino y R. Buckminster Fuller . Según Asawa, los cursos de baile que tomó con Merce Cunningham fueron especialmente inspiradores. [18]
Carrera profesional
En la década de 1950, mientras estudiaba en Black Mountain College en Asheville, Carolina del Norte, Asawa hizo una serie de esculturas de alambre de ganchillo en varias formas abstractas, comenzando con cestas y luego explorando formas biomórficas que cuelgan del techo. Aprendió la técnica del crochet con alambre durante un viaje de campo en Toluca, México , donde los aldeanos usaron una técnica similar para hacer cestas con alambre galvanizado. Ella explicó:
Me interesaba por la economía de una línea, hacer algo en el espacio, encerrarlo sin taparlo. Sigue siendo transparente. Me di cuenta de que si iba a hacer estas formas, que se entrelazan y entrelazan, solo se puede hacer con una línea porque una línea puede ir a cualquier parte. [10]
Después de su viaje a México, la profesora de dibujo de Asawa, Ilya Bolotowsky, notó que su interés por el dibujo convencional había sido reemplazado por una fascinación por el uso del alambre como forma de dibujar en el espacio. [17] Sus esculturas de alambre enrollado exploran la relación de los volúmenes interiores y exteriores, creando, como ella dijo, "una forma que estaba dentro y fuera al mismo tiempo". [19] Se ha descrito que encarnan varios estados materiales: interior y exterior, línea y volumen, pasado y futuro. [20] Si bien su técnica para hacer esculturas se asemeja al tejido, no estudió el tejido ni utilizó materiales de fibra. [21]
Las esculturas de alambre de Asawa le dieron protagonismo en la década de 1950, cuando su trabajo apareció varias veces en la Bienal Whitney , en una exposición de 1954 en el Museo de Arte Moderno de San Francisco y en la Bienal de Arte de São Paulo de 1955 . [22] [23]
En 1962, Asawa comenzó a experimentar con esculturas de alambre atadas de formas ramificadas enraizadas en la naturaleza, que se volvieron cada vez más geométricas y abstractas a medida que continuaba trabajando en esa forma. [24] Con estas piezas, a veces trataba el alambre galvanizándolo . También experimentó con la galvanoplastia , haciendo correr la corriente eléctrica en la dirección "incorrecta" para crear efectos de textura. [25] "Ruth se adelantó a su tiempo al comprender cómo las esculturas podrían funcionar para definir e interpretar el espacio", dijo Daniell Cornell, curador del Museo de Young en San Francisco. "Este aspecto de su trabajo anticipa gran parte del trabajo de instalación que ha llegado a dominar el arte contemporáneo". [26]
Asawa participó en la beca del Taller de litografía Tamarind en Los Ángeles en 1965 como artista. En colaboración con los siete grabadores del taller, produjo cincuenta y dos litografías de amigos, familiares (incluidos sus padres, Umakichi y Haru), objetos naturales y plantas. [27]
En la década de 1960, Asawa comenzó a recibir encargos de esculturas a gran escala en espacios públicos y comerciales en San Francisco y otras ciudades. [28] Awasa instaló su primera escultura pública, Andrea (1968), después del anochecer en la plaza Ghirardelli , con la esperanza de crear la impresión de que siempre había estado allí. [29] La escultura muestra dos sirenas de bronce fundido en una fuente, una amamantando a un merbaby, chapoteando entre tortugas marinas y ranas. [29] La obra de arte generó mucha controversia sobre la estética, el feminismo y el arte público en el momento de la instalación. [30] Lawrence Halprin , el arquitecto paisajista que diseñó el espacio frente al mar, describió la escultura como un adorno de césped suburbano y exigió la eliminación de la obra de arte. [30] Asawa respondió: "Para los ancianos, les devolvería la fantasía de su infancia, y para los jóvenes, les daría algo para recordar cuando envejezcan". [30] Muchos habitantes de San Francisco, especialmente mujeres, apoyaron la escultura de la sirena de Asawa y se unieron con éxito para protegerla. [31]
Cerca de Union Square (en Stockton Street, entre Post y Sutter Streets), creó una fuente para la que movilizó a 200 escolares para moldear en masa cientos de imágenes de la ciudad de San Francisco, que luego fueron fundidas en hierro. [10] A lo largo de los años, pasó a diseñar otras fuentes públicas y se hizo conocida en San Francisco como la "dama de la fuente". [10]
Activismo de servicio público y educación artística
Asawa tenía un compromiso apasionado y era una ardiente defensora de la educación artística como una experiencia transformadora y empoderadora, especialmente para los niños. [32] En 1968, fue nombrada miembro de la Comisión de Artes de San Francisco [33] y comenzó a presionar a políticos y fundaciones caritativas para que apoyaran programas de arte que beneficiarían a los niños pequeños y al ciudadano medio de San Francisco. [34] Asawa ayudó a cofundar el Alvarado Arts Workshop para niños en edad escolar en 1968. [34] A principios de la década de 1970, este se convirtió en el modelo para el CETA / Neighborhood Arts Program de la Art Commission usando dinero del programa de financiación federal, Comprehensive Employment y la Ley de Capacitación (CETA), que se convirtió en un programa replicado a nivel nacional que emplea a artistas de todas las disciplinas para realizar trabajos de servicio público para la ciudad.
El enfoque de Alvarado funcionó para integrar las artes y la jardinería, reflejando la propia educación de Asawa en una granja. Asawa creía en una experiencia práctica para los niños y siguió el enfoque de "aprender haciendo". Asawa creía en el beneficio de que los niños aprendan de artistas profesionales, algo que adoptó al aprender de artistas en ejercicio en Black Mountain College . Ella creía que no se podía esperar que los maestros de aula enseñaran las artes, además de todas sus otras responsabilidades. El 85 por ciento del presupuesto del programa se destinó a la contratación de artistas e intérpretes profesionales para que los estudiantes aprendieran. [14] A esto le siguió en 1982 la construcción de una escuela secundaria de artes públicas, la Escuela de Artes de San Francisco, [2] que pasó a llamarse Escuela de Artes Ruth Asawa San Francisco en su honor en 2010. [35] Asawa continuaría sirviendo en el California Arts Council, el National Endowment for the Arts en 1976, [33] y de 1989 a 1997 se desempeñó como fideicomisaria de los Museos de Bellas Artes de San Francisco . [33]
Vida personal
En julio de 1949, Asawa se casó con el arquitecto Albert Lanier, a quien conoció en 1947 en Black Mountain College. [36] La pareja tuvo seis hijos: Xavier (1950), Aiko (1950), Hudson (1952), Adam (1956-2003), Addie (1958) y Paul (1959). [6] Albert Lanier murió en 2008. [6] La familia se mudó al vecindario Noe Valley de San Francisco en 1960, donde estuvo activa durante muchos años en la comunidad. [3]
Muerte
Asawa murió de causas naturales el 5 de agosto de 2013, en su casa de San Francisco a la edad de 87 años. [6] [37]
La finca de Ruth Asawa está representada en la Galería David Zwirner . La galería realizó un debut de la obra de Asawa del 13 de septiembre al 21 de octubre de 2017. [38]
Premios y honores
- En 2010, School of the Arts High School en San Francisco pasó a llamarse Ruth Asawa San Francisco School of the Arts en honor a Asawa. [39]
- En 2020, el Servicio Postal de los Estados Unidos emitió un conjunto de sellos postales en honor a Ruth Asawa. [40] [41] [42]
- Se realizó un Doodle de Google para el 1 de mayo de 2019, el primer día del Mes de la Herencia Estadounidense de Asia Pacífico , para celebrar a Ruth Asawa. [43]
Trabajos seleccionados
Fuente de San Francisco de Ruth Asawa en el Grand Hyatt San Francisco
Sin título (S.383, Alambre atado montado en la pared, centro abierto, estrella de seis puntas, con seis ramas), c. 1967.
Andrea , la fuente de las sirenas en la plaza Ghirardelli (1966)
- Andrea (1966), la fuente de las sirenas en Ghirardelli Square , San Francisco, California [3]
- Fuente (1973), The Hyatt en Union Square, San Francisco, California
- Fuentes (1976), The Buchanan Mall (Nihonmachi), San Francisco, California
- Aurora (1986), la fuente inspirada en origami en el paseo marítimo de San Francisco. [3]
- La escultura conmemorativa del internamiento japonés-estadounidense (1994) en San José, California [3]
- The Garden of Remembrance (2002) en la Universidad Estatal de San Francisco, San Francisco, California
Premios
- 1966: Primer premio Dymaxion para artista / científico [44]
- 1974: Medalla de oro del Instituto Americano de Arquitectos [45]
- 1990: Premio Cyril Magnin de la Cámara de Comercio de San Francisco [46]
- 1993: Premio de Honor del Caucus de Mujeres para las Artes [45]
- 1995: Premio a la Trayectoria del Anillo de Oro de las Fundaciones de Arte Asiático Americano [46]
- 2002: Doctorado honoris causa por la Universidad Estatal de San Francisco [37]
- Desde 1982, San Francisco ha declarado el 12 de febrero como el "Día de Ruth Asawa" [43].
Película
- Snyder, Robert, productor (1978) Ruth Asawa: On Forms and Growth , Pacific Palisades, CA: Masters and Masterworks Production
- Directores de Soe, Valerie y Ruth Asawa (2003) Cada uno enseña a uno: El programa de arte de la escuela Alvarado, San Francisco: Programa de arte de Alvarado. [47]
Ver también
- Historia de los japoneses en San Francisco
Referencias
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Fecha de nacimiento: 24 de enero de 1926, país de nacimiento: Los Ángeles (Norwalk)
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Otras lecturas
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enlaces externos
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- "Exposición individual de Ruth Asawa" . Galería David Zwirner .