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"El Guggenheim" vuelve a dirigir aquí. Para otros museos Guggenheim, consulte la Lista de museos Guggenheim .
Museo Solomon R. Guggenheim
Museo Guggenheim Logo.svg
Nueva York - Museo Guggenheim.jpg
Vista desde la Quinta Avenida
Establecido1937 ; Hace 84 años ( 1937 )
Localización1071 Fifth Avenue at 89th Street
Manhattan , Nueva York
Coordenadas40 ° 46′59 ″ N 73 ° 57′32 ″ W / 40,782975 ° N 73,958992 ° W / 40,782975; -73.958992 Coordenadas: 40 ° 46′59 ″ N 73 ° 57′32 ″ W  / 40,782975 ° N 73,958992 ° W / 40,782975; -73.958992
TipoMuseo de Arte
Visitantes953 925 (2016) [1]
DirectorRichard Armstrong
Acceso al transporte públicoMetro: trenes en la calle 86 Bus : M1 , M2 , M3 , M4 , M86 SBSTren "4"Tren "5"Tren "6"Tren expreso "6"
Sitio webwww .guggenheim .org
Construido1959 ; Hace 62 años ( 1959 )
ArquitectoFrank Lloyd Wright
Estilos arquitectonicos)Moderno
UNESCO sitio de Patrimonio Mundial
CriteriosCultural: (ii)
Designado2019 (43 ° período de sesiones )
Parte deLa arquitectura del siglo XX de Frank Lloyd Wright
Numero de referencia.1496-008
Estado ParteEstados Unidos
RegiónEuropa y América del Norte
Registro Nacional de Lugares Históricos de EE. UU.
Designado19 de mayo de 2005 ; Hace 15 años [2] ( 19 de mayo de 2005 )
Numero de referencia.05000443 [2]
Monumento histórico nacional de EE. UU.
Designado6 de octubre de 2008 ; Hace 12 años [3] ( 2008-10-06 )
Hito de la ciudad de Nueva York
Designado14 de agosto de 1990 ; Hace 30 años [4] [5] ( 14 de agosto de 1990 )

El Museo Solomon R. Guggenheim , a menudo conocido como The Guggenheim , es un museo de arte ubicado en 1071 Fifth Avenue en la esquina de East 89th Street en el vecindario Upper East Side de Manhattan , Nueva York. Es el hogar permanente de una colección en constante expansión de arte impresionista , postimpresionista , moderno temprano y contemporáneo, y también presenta exposiciones especiales durante todo el año. El museo fue establecido por la Fundación Solomon R. Guggenheimen 1939 como Museo de Pintura No Objetiva, bajo la dirección de su primera directora, Hilla von Rebay . Adoptó su nombre actual en 1952, tres años después de la muerte de su fundador Solomon R. Guggenheim .

En 1959, el museo pasó de un espacio alquilado a su edificio actual, una obra emblemática de la arquitectura del siglo XX diseñada por Frank Lloyd Wright . El edificio cilíndrico, más ancho en la parte superior que en la inferior, fue concebido como un "templo del espíritu". Su galería de rampa única se extiende desde el nivel del suelo en una espiral larga y continua a lo largo de los bordes exteriores del edificio para terminar justo debajo del tragaluz del techo. El edificio se sometió a una amplia expansión y renovaciones en 1992 cuando se construyó una torre contigua, y de 2005 a 2008.

La colección del museo ha crecido durante ocho décadas y se basa en varias colecciones privadas importantes, comenzando con la de Solomon R. Guggenheim. La colección se comparte con museos hermanos en Bilbao , España y otros lugares. En 2013, casi 1,2 millones de personas visitaron el museo y fue sede de la exposición más popular de la ciudad de Nueva York. [6]

Historia [ editar ]

Primeros años y Hilla Rebay [ editar ]

Solomon R. Guggenheim , miembro de una rica familia minera, había estado recopilando obras de los viejos maestros desde la década de 1890. En 1926, conoció a la artista Hilla von Rebay , [7] quien lo introdujo en el arte de vanguardia europeo , en particular el arte abstracto que ella sentía tenía un aspecto espiritual y utópico ( arte no objetivo ). [7] Guggenheim cambió por completo su estrategia de recolección, recurriendo al trabajo de Wassily Kandinsky , entre otros. Comenzó a mostrar su colección al público en su apartamento del Plaza Hotel en la ciudad de Nueva York. [7] [8] A medida que la colección crecía, estableció laFundación Solomon R. Guggenheim , en 1937, para fomentar la apreciación del arte moderno . [8]

El Museo de Pintura No Objetiva [ editar ]

Albert Gleizes , 1915, Composición para "Jazz" , óleo sobre cartón, 73 × 73 cm

El primer lugar de la fundación para la exhibición de arte, el "Museo de Pintura No Objetiva", inaugurado en 1939 bajo la dirección de Rebay, en el centro de Manhattan . [9] Bajo la dirección de Rebay, Guggenheim buscó incluir en la colección los ejemplos más importantes de arte no objetivo disponibles en ese momento por los primeros modernistas como Rudolf Bauer , Rebay, Kandinsky, Piet Mondrian , Marc Chagall , Robert Delaunay , Fernand Léger. , Amedeo Modigliani y Pablo Picasso . [7] [8] [10]

A principios de la década de 1940, la fundación había acumulado una colección tan grande de pinturas de vanguardia que se hizo evidente la necesidad de un museo permanente. [11] En 1943, Rebay y Guggenheim escribieron una carta a Frank Lloyd Wright pidiéndole que diseñara una estructura para albergar y exhibir la colección. [12] Wright aceptó la oportunidad de experimentar con su estilo orgánico en un entorno urbano. Le tomó 15 años, 700 bocetos y seis conjuntos de dibujos de trabajo para crear el museo. [13]

En 1948, la colección se amplió enormemente mediante la compra de la propiedad del marchante de arte Karl Nierendorf de unos 730 objetos, en particular pinturas expresionistas alemanas . [10] En ese momento, la colección de la fundación incluía un amplio espectro de obras expresionistas y surrealistas , incluidas pinturas de Paul Klee , Oskar Kokoschka y Joan Miró . [10] [14] Después de la muerte de Guggenheim en 1949, los miembros de la familia Guggenheim que formaban parte de la junta directiva de la fundación tenían diferencias personales y filosóficas con Rebay, y en 1952 ella renunció como directora del museo.[15] Sin embargo, dejó una parte de su colección personal a la fundación en su testamento, incluidas obras de Kandinsky, Klee, Alexander Calder , Albert Gleizes , Mondrian y Kurt Schwitters . [14] El museo pasó a llamarse Museo Solomon R. Guggenheim en 1952. [15]

Diseño [ editar ]

Rebay concibió el espacio como un "templo del espíritu" que facilitaría una nueva forma de mirar las piezas modernas de la colección. Ella le escribió a Wright que "cada una de estas grandes obras maestras debe organizarse en el espacio, y solo usted ... probaría las posibilidades de hacerlo ... ¡Quiero un templo del espíritu, un monumento!" [16] [17] El crítico Paul Goldberger escribió más tarde que, antes del edificio modernista de Wright, "solo había dos modelos comunes para el diseño de museos: el Palacio de Bellas Artes ... y el Pabellón de Estilo Internacional". [18]Goldberger pensó que el edificio era un catalizador del cambio, por lo que era "social y culturalmente aceptable para un arquitecto diseñar un museo muy expresivo e intensamente personal. En este sentido, casi todos los museos de nuestro tiempo son hijos del Guggenheim". [18]

El atrio del museo

Desde 1943 hasta principios de 1944, Wright produjo cuatro bocetos diferentes para el diseño inicial. Mientras que uno de los planos (esquema C) tenía una forma hexagonal y pisos nivelados para las galerías, todos los demás tenían esquemas circulares y usaban una rampa que continuaba alrededor del edificio. Había experimentado con el diseño de la rampa en 1948 en la tienda de regalos VC Morris en San Francisco y en la casa que completó para su hijo en 1952, la casa David y Gladys Wright en Arizona. [19] El concepto original de Wright se llamaba " zigurat " invertido , porque se parecía a los empinados escalones de los zigurats construidos en la antigua Mesopotamia . [20]Su diseño prescindió del enfoque convencional del diseño del museo, en el que los visitantes son guiados a través de una serie de salas interconectadas y se ven obligados a volver sobre sus pasos al salir. [21] El plan de Wright era que los visitantes del museo subieran a la parte superior del edificio en ascensor, descendieran a paso lento por la suave pendiente de la rampa continua y vieran el atrio del edificio como la última obra de arte. . La rotonda abierta brindó a los espectadores la posibilidad única de ver varias áreas de trabajo en diferentes niveles simultáneamente e incluso interactuar con invitados en otros niveles. [22]

Al mismo tiempo, antes de establecerse en el sitio para el museo en la esquina de 89th Street y la sección de Museum Mile de la Quinta Avenida , con vista a Central Park , Wright, Rebay y Guggenheim consideraron numerosas ubicaciones en Manhattan, así como en la sección de Riverdale . del Bronx, con vistas al río Hudson . [23] Guggenheim sintió que la proximidad del sitio a Central Park era importante; el parque alivió el ruido, la congestión y el cemento de la ciudad. [20] La naturaleza también inspiró al museo. [23]El edificio encarna los intentos de Wright "de plasmar la plasticidad inherente de las formas orgánicas en la arquitectura". [21] El Guggenheim iba a ser el único museo diseñado por Wright. La ubicación de la ciudad requirió que Wright diseñara el edificio en forma vertical en lugar de horizontal, muy diferente de sus trabajos rurales anteriores. [20] [24]

Escalera de los Museos Vaticanos diseñada por Giuseppe Momo en 1932

El diseño en espiral recordaba una concha de nautilus , con espacios continuos que fluían libremente entre sí. [25] Incluso cuando abrazó la naturaleza, el diseño de Wright también expresa su visión de la rígida geometría de la arquitectura modernista. [25] Wright atribuyó un significado simbólico a las formas del edificio. Explicó que "estas formas geométricas sugieren ciertas ideas, estados de ánimo, sentimientos humanos, como por ejemplo: el círculo, el infinito; el triángulo, la unidad estructural; la espiral, el progreso orgánico; el cuadrado, la integridad". [26] Las formas se repiten en todas partes: las columnas de forma ovalada, por ejemplo, reiteran la geometría de la fuente. La circularidad es el hilo conductor, desde la rotonda hasta el diseño con incrustaciones de los suelos de terrazo. [23]Varios profesores de arquitectura han especulado que la escalera de caracol doble diseñada por Giuseppe Momo en 1932 en los Museos Vaticanos fue una inspiración para la rampa y el atrio de Wright. [27] [28] [29] Jaroslav Josef Polívka ayudó a Wright con el diseño estructural y logró diseñar la rampa de la galería sin columnas perimetrales. [30]

La superficie del Guggenheim estaba hecha de hormigón para reducir el costo, inferior al acabado de piedra que Wright había querido. [31] Wright propuso un exterior de color rojo, que nunca se realizó. [32] La pequeña rotonda (o "edificio Monitor", como lo llamó Wright) junto a la gran rotonda estaba destinada a albergar apartamentos para Rebay y Guggenheim, pero en su lugar se convirtió en oficinas y espacio de almacenamiento. [33] En 1965, el segundo piso del edificio Monitor fue renovado para exhibir la creciente colección permanente del museo, y con la restauración del museo en 1990-92, se entregó por completo al espacio de exhibición y se bautizó como Edificio Thannhauser, en honor a uno de los legados más importantes del museo. [34]El plan original de Wright para una torre contigua, estudios de artistas y apartamentos no se realizó, en gran parte por razones financieras, hasta la renovación y expansión. [22] [35] También en la construcción original, el tragaluz de la galería principal había sido cubierto, lo que comprometía los efectos de iluminación cuidadosamente articulados de Wright. Esto cambió en 1992 cuando se restauró el tragaluz a su diseño original. [31]

Años de Sweeney y finalización de la construcción [ editar ]

Museo en construcción en foto tomada el 12 de noviembre de 1957

En 1953, los criterios de recolección de la fundación se expandieron bajo su nuevo director, James Johnson Sweeney . Sweeney rechazó el despido de "objetivo" de la pintura y la escultura de Rebay, y pronto adquirió Constantin Brancusi 's Adán y Eva (1921), seguidas por las obras de otros escultores modernistas, entre ellos Joseph Csaky , Jean Arp , Calder , Alberto Giacometti y David Smith . [10] Sweeney llegó más allá del siglo XX para adquirir El hombre con los brazos cruzados de Paul Cézanne (c. 1899). [10]El mismo año, la fundación también recibió un obsequio de 28 obras importantes de la finca de Katherine S. Dreier , fundadora de la primera colección de Estados Unidos que se denominará museo de arte moderno, la Société Anonyme . Dreier había sido colega de Rebay. Las obras incluyeron Little French Girl (1914–18) de Brâncuși, un bodegón sin título (1916) de Juan Gris , una escultura de bronce (1919) de Alexander Archipenko y tres collages (1919–21) del dadaísta alemán Hannoveriano Schwitters. También incluyó obras de Calder, Marcel Duchamp , El Lissitzky y Mondrian. [14]Entre otros, Sweeney también adquirió las obras de Alberto Giacometti, David Hayes , Willem de Kooning y Jackson Pollock . [36]

Sweeney supervisó la última media docena de años de la construcción del edificio del museo, tiempo durante el cual tuvo una relación antagónica con Frank Lloyd Wright, especialmente con respecto a los problemas de iluminación del edificio. [37] [38] El distintivo edificio cilíndrico resultó ser la última obra importante de Wright, ya que el arquitecto murió seis meses antes de su inauguración. [39] Desde la calle, el edificio parece una cinta blanca enrollada en una pila cilíndrica, más ancha en la parte superior que en la inferior, mostrando casi todas las superficies curvas. Su apariencia contrasta fuertemente con los edificios típicamente rectangulares de Manhattan que lo rodean, un hecho que Wright disfrutó, quien afirmó que su museo haría que el cercano Museo Metropolitano de Arte"parece un granero protestante". [39] Internamente, la galería de observación forma una rampa en espiral helicoidal que sube suavemente desde el nivel del suelo hasta el tragaluz en la parte superior. [39]

Crítica y apertura del edificio [ editar ]

Una vista interior del museo en un día ajetreado.

Incluso antes de su inauguración, el diseño polarizó a los críticos de arquitectura. [39] [40] Algunos creían que el edificio eclipsaría las obras de arte del museo. [41] [42] "Al contrario", escribió el arquitecto, el diseño hace que "el edificio y la pintura sean una sinfonía ininterrumpida y hermosa como nunca antes existió en el mundo del arte". [41] Otros críticos, y muchos artistas, sintieron que es incómodo colgar pinturas correctamente en los nichos de exhibición cóncavos, poco profundos y sin ventanas que rodean la espiral central. [39] Antes de la inauguración del museo, veintiún artistas firmaron una carta protestando por la exhibición de su trabajo en tal espacio. [39] Historiador Lewis Mumford resumió el oprobio:

Wright ha asignado a las pinturas y esculturas a la vista solo el espacio que no infringiría en su composición abstracta. ... [Él] creó un caparazón cuya forma no tiene relación con su función y no ofrecía ninguna posibilidad de alejarse en el futuro de sus rígidos preconceptos. [El paseo] tiene, para un museo, un techo bajo: nueve pies y ocho pulgadas [295 cm] [tamaño límite de la pintura. La pared] se inclinó hacia afuera, siguiendo la inclinación hacia afuera de la pared exterior, y se suponía que las pinturas no debían colgarse verticalmente o mostrarse en su verdadero plano, sino que debían inclinarse hacia atrás contra ella. ... Tampoco [puede un visitante] escapar de la luz que brilla en sus ojos desde las estrechas ranuras en la pared. [43]

El 21 de octubre de 1959, diez años después de la muerte de Solomon Guggenheim y seis meses después de la muerte de Frank Lloyd Wright, el Museo abrió sus puertas por primera vez a grandes multitudes. [44] [11] El edificio fue ampliamente elogiado [45] [46] [47] e inspiró a muchos otros arquitectos. [20]

El tragaluz en el centro del museo.

Messer años [ editar ]

Thomas M. Messer sucedió a Sweeney como director del museo (pero no de la fundación) en 1961 y permaneció durante 27 años, el mandato más largo de cualquiera de los directores de las principales instituciones artísticas de la ciudad. [48] Cuando Messer asumió el control, la capacidad del museo para presentar arte todavía estaba en duda debido a los desafíos que presentaba la galería de rampa en espiral continua que está inclinada y tiene paredes curvas no verticales. [49] Es difícil colgar cuadros correctamente en los nichos de exposición poco profundos y sin ventanas que rodean la espiral central: los lienzos deben montarse elevados desde la superficie de la pared. Las pinturas colgadas inclinadas hacia atrás aparecerían "como en el caballete del artista". Hay un espacio limitado dentro de los nichos para la escultura. [39]

Casi de inmediato, en 1962, Messer se arriesgó a realizar una gran exposición que combinaba las pinturas del Guggenheim con esculturas prestadas de la colección Hirshhorn . [49] La escultura tridimensional, en particular, planteó "el problema de instalar una muestra de este tipo en un museo que se parezca tanto a la geografía circular del infierno ", donde cualquier objeto vertical aparece inclinado en una "sacudida de borrachera" porque el La pendiente del suelo y la curvatura de las paredes podrían combinarse para producir molestas ilusiones ópticas. [50] Resultó que la combinación podría funcionar bien en el espacio del Guggenheim, pero Messer recordó que en ese momento "estaba asustado. Sentí a medias que esta sería mi última exposición."[49] Messer tuvo la previsión de prepararse organizando una exposición de esculturas más pequeña el año anterior, en la que descubrió cómo compensar la extraña geometría del espacio mediante la construcción de zócalos especialesen un ángulo particular, por lo que las piezas aún no estaban en una verdadera vertical. parecía ser así. [50] En el programa de la escultura anterior, este truco resultó imposible para una sola pieza, un Alexander Calder móvil cuyo cable, inevitablemente, colgado en una verdadera plomada vertical "lo que sugiere la alucinación" en el contexto de desorientar al suelo inclinado. [50]

Al año siguiente, Messer adquirió una colección privada del marchante de arte Justin K. Thannhauser para la colección permanente del museo. [51] Estas 73 obras incluyen obras maestras impresionistas , posimpresionistas y modernas francesas, incluidas obras importantes de Paul Gauguin , Édouard Manet , Camille Pissarro , Vincent van Gogh y 32 obras de Pablo Picasso . [14] [52] "Works and Process" es una serie de actuaciones en el Guggenheim que comenzó en 1984. [53] La primera temporada consistió en Philip Glass con Christopher Keene en Akhnaten ySteve Reich y Michael Tilson Thomas en The Desert Music .

Krens y expansión [ editar ]

Thomas Krens , director de la fundación de 1988 a 2008, dirigió una rápida expansión de las colecciones del museo. [54] En 1991, amplió sus fondos adquiriendo la Colección Panza. Reunida por el Conde Giuseppe di Biumo y su esposa, Giovanna, la Colección Panza incluye ejemplos de esculturas minimalistas de Carl Andre , Dan Flavin y Donald Judd , y pinturas minimalistas de Robert Mangold , Brice Marden y Robert Ryman , así como una variedad de postminimalistas. , conceptual y el arte perceptual por Robert Morris ,Richard Serra , James Turrell , Lawrence Weiner y otros, en particular ejemplos estadounidenses de las décadas de 1960 y 1970. [14] [55] En 1992, la Fundación Robert Mapplethorpe regaló 200 de sus mejores fotografías a la fundación. Las obras abarcaron toda su producción, desde sus primeros collages, Polaroids , retratos de celebridades, autorretratos, desnudos masculinos y femeninos, flores y estatuas. También contó con construcciones de técnica mixta e incluyó su conocido Autorretrato de 1998 . La adquisición inició el programa de exhibición fotográfica de la fundación. [14]

También en 1992, la exposición del edificio del museo de Nueva York y otros espacios se ampliaron con la adición de una torre rectangular contigua que se encuentra detrás y es más alta que la espiral original, y una renovación del edificio original. [35] La nueva torre fue diseñada por el estudio de arquitectura de Gwathmey Siegel & Associates Architects , [56] quienes analizaron los bocetos originales de Wright cuando diseñaron la torre de piedra caliza de 10 pisos, que reemplazó a una estructura mucho más pequeña. Tiene cuatro galerías de exhibición adicionales con paredes planas que son "más apropiadas para la exhibición de arte". [22] [35]En la construcción original del edificio, el tragaluz de la galería principal estaba cubierto, lo que comprometía los efectos de iluminación cuidadosamente articulados de Wright. Esto cambió en 1992 cuando se restauró el tragaluz a su diseño original. [31]

Teatro Peter B. Lewis

Para financiar estos movimientos, de manera controvertida, la fundación vendió obras de Kandinsky, Chagall y Modigliani para recaudar $ 47 millones, lo que generó críticas considerables por el intercambio de maestros por los recién llegados "de moda". En The New York Times , el crítico Michael Kimmelman escribió que las ventas "estiraron las reglas aceptadas de la baja más de lo que muchas instituciones estadounidenses han estado dispuestas a hacer". [31] [57] Krens defendió la acción como coherente con los principios del museo, incluida la ampliación de su colección internacional y la construcción de su "colección de posguerra a la fuerza de nuestras existencias de antes de la guerra" [55] y señaló que tales ventas son un habitual práctica por museos.[57]Al mismo tiempo, se movió para expandir la presencia internacional de la fundación abriendo museos en el extranjero. [58] Krens también fue criticado por su estilo empresarial y su percepción de populismo y comercialización. [59] [60] Un escritor comentó: "Krens ha sido elogiado y vilipendiado por convertir lo que alguna vez fue una pequeña institución de Nueva York en una marca mundial, creando la primera institución artística verdaderamente multinacional ... Krens transformó el Guggenheim en uno de la marca más conocida en las artes ". [61]

Con Krens, el museo organizó algunas de sus exposiciones más populares: "África: el arte de un continente" en 1996; "China: 5.000 años" en 1998, "Brasil: cuerpo y alma" en 2001; y "El Imperio Azteca" en 2004. [62] En ocasiones ha mostrado exposiciones inusuales, por ejemplo , instalaciones de arte comercial de motocicletas. El nuevo criterio ' s Hilton Kramer condenado ' El arte de la motocicleta ' [59] [63] Un 2009 retrospectiva de Frank Lloyd Wright mostró el arquitecto en el 50 aniversario de la apertura del edificio y fue pieza más popular del museo, ya que comenzó a llevar esos registros de asistencia en 1992. [64]

Estudiantes dibujando en la entrada del Sackler Center

En 2001, el museo abrió el Sackler Center for Arts Education. Las instalaciones de 8,200 pies cuadrados (760 m 2 ) brindan clases y conferencias sobre las artes visuales y escénicas y oportunidades para interactuar con las colecciones del museo y exhibiciones especiales a través de sus laboratorios, espacios de exhibición, salas de conferencias y el Teatro Peter B. Lewis de 266 asientos. [65] [66] Se encuentra en el nivel inferior del museo, debajo de la gran rotonda y fue un regalo de la familia Mortimer D. Sackler . [67] También en 2001, la fundación recibió un obsequio de la gran colección de la Fundación Bohen, que, durante dos décadas, encargó nuevas obras de arte con énfasis en cine, video, fotografía y nuevos medios. Los artistas incluidos en la colección sonPierre Huyghe y Sophie Calle . [7]

Restauración exterior [ editar ]

Entre septiembre de 2005 y julio de 2008, el Museo Guggenheim se sometió a una importante restauración exterior para reparar grietas y [68] modernizar sistemas y detalles exteriores. [69] En la primera fase de este proyecto, un equipo de arquitectos de restauración, ingenieros estructurales y conservadores arquitectónicos trabajaron juntos para crear una evaluación integral de la condición del edificio que determinó que la estructura era fundamentalmente sólida. Esta evaluación inicial de la condición incluyó:

  • la remoción de pintura de la superficie original, revelando cientos de grietas causadas a lo largo de los años, principalmente por fluctuaciones estacionales de temperatura; [68]
  • seguimiento detallado del movimiento de grietas seleccionadas durante 17 meses;
  • tecnología de eco de impacto, en la que se envían ondas de sonido al hormigón y se mide el rebote para localizar huecos dentro de las paredes;
  • estudios con láser de las superficies exteriores e interiores, que se cree que es el modelo láser más grande jamás compilado;
  • perforación de núcleos para recolectar muestras del hormigón original y otros materiales de construcción; y
  • prueba de posibles materiales de reparación. [70]
1966 Sello postal estadounidense de 2 centavos en honor a Wright

Gran parte del interior del edificio fue restaurado durante la renovación y adición de 1992 por Gwathmey Siegel and Associates Architects. La restauración de 2005-2008 abordó principalmente el exterior del edificio original y la infraestructura. Esto incluyó los tragaluces, las ventanas, las puertas, las fachadas de hormigón y gunita y la acera exterior, así como el control de clima. El objetivo era preservar tanto tejido histórico significativo del museo como fuera posible, mientras se realizaban las reparaciones necesarias y se lograba un entorno adecuado para el uso continuo del edificio como museo. [71]

El 22 de septiembre de 2008, el Guggenheim celebró la finalización de un proyecto de restauración de tres años. El alcalde de la ciudad de Nueva York, Michael Bloomberg, ofició la celebración que culminó con el estreno del tributo de la artista Jenny Holzer por el Guggenheim , [72] una obra encargada en honor a Peter B. Lewis, quien fue un importante benefactor en el proyecto de restauración del Museo. . Otros partidarios de la restauración de $ 29 millones incluyeron la Junta de Síndicos de la Fundación Solomon R. Guggenheim y el Departamento de Asuntos Culturales de la ciudad . El estado de Nueva York y MAPEI Corporation proporcionaron apoyo adicional. [73]

Años recientes [ editar ]

Richard Armstrong, 2012

En 2005, Krens ganó una disputa con el filántropo multimillonario Peter B. Lewis , presidente de la Junta Directiva de la fundación y el mayor contribuyente a la fundación en su historia. Lewis renunció a la Junta, expresando su oposición a los planes de Krens para una mayor expansión global de los museos Guggenheim. [74] También en 2005, Lisa Dennison, curadora del Guggenheim desde hace mucho tiempo, fue nombrada directora del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York. Dennison renunció en julio de 2007 para trabajar en la casa de subastas Sotheby's . [75] Continuaron las tensiones entre Krens y la Junta, y en febrero de 2008 Krens dejó el cargo de Director de la fundación, aunque sigue siendo asesor de asuntos internacionales. [76]

Richard Armstrong se convirtió en el quinto director del museo el 4 de noviembre de 2008. Había sido director del Museo de Arte Carnegie en Pittsburgh , Pensilvania durante 12 años, donde también se había desempeñado como curador en jefe y curador de arte contemporáneo. [77] La curadora en jefe y subdirectora del museo es Nancy Spector . [78]

Además de sus colecciones permanentes, que continúan creciendo, [7] la fundación administra exposiciones en préstamo y coorganiza exposiciones con otros museos para fomentar la divulgación pública. [79] En 2013, casi 1,2 millones de personas visitaron el museo, y su exposición de James Turrell fue la más popular en la ciudad de Nueva York en términos de asistencia diaria. [6]

En 2019, Chaédria LaBouvier se convirtió en la primera curadora mujer negra en crear una exposición individual y la primera persona negra en escribir un texto publicado por el museo. [80] [81] Ella acusó al museo de racismo después de que se negó a permitirle contribuir a la audioguía de su exposición y supuestamente le retuvo recursos y la excluyó de un panel organizado sobre la exposición. Un mes después de que LaBouvier hiciera estas críticas, el museo contrató a su primera curadora negra a tiempo completo, Ashley James . [82]

Designaciones de hitos [ editar ]

El 14 de agosto de 1990, el museo y su interior fueron designados por separado como Monumentos históricos de la ciudad de Nueva York . [4] [5] El museo se agregó al Registro Nacional de Lugares Históricos el 19 de mayo de 2005, [2] y se registró como Monumento Histórico Nacional el 6 de octubre de 2008. [3] En julio de 2019, el Guggenheim fue entre las ocho propiedades de Wright incluidas en la Lista del Patrimonio Mundial bajo el título " La arquitectura del siglo XX de Frank Lloyd Wright ". [83] [84] [85]

Obras seleccionadas en la colección [ editar ]

  • Paul Cézanne , c.1899, Homme aux bras croisés ( Hombre de brazos cruzados ), óleo sobre lienzo, 92 x 72,7 cm

  • Georges Braque , 1909, Violín y paleta ( Violon et palette, Dans l'atelier ), óleo sobre lienzo, 91,7 x 42,8 cm

  • Wassily Kandinsky , 1910, Paisaje con chimenea de fábrica , óleo sobre lienzo, 66,2 x 82 cm

  • Franz Marc , 1911, La vaca amarilla , óleo sobre lienzo, 140,5 x 189,2 cm

  • Juan Gris, 1911, Maisons à Paris ( Casas en París ), 1911, óleo sobre lienzo, 52,4 x 34,2 cm

  • Fernand Léger , 1911–12, Les Fumeurs (Los fumadores) , óleo sobre lienzo, 129,2 x 96,5 cm

  • Jean Metzinger , 1912, Femme à l'Éventail (Mujer con abanico) , óleo sobre lienzo, 90,7 x 64,2 cm

  • Fernand Léger , 1912–13, Modelo desnuda en el estudio (Le modèle nu dans l'atelier) , óleo sobre arpillera, 128,6 x 95,9 cm

  • Alexander Archipenko , 1913, Pierrot-carrusel , yeso pintado, 61 × 48,6 × 34 cm

  • Marc Chagall, 1913, Paris par la fenêtre ( París a través de la ventana ), óleo sobre lienzo, 136 x 141,9 cm

  • Raymond Duchamp-Villon , 1914 (fundido hacia 1930), Le cheval ( El caballo ), bronce, 43,6 × 41 cm

  • Albert Gleizes , 1914–15, Retrato de un médico del ejército (Portrait d'un médecin militaire) , óleo sobre lienzo, 119,8 x 95,1 cm

  • Ernst Ludwig Kirchner , 1915, El baño del soldado o Artilleros , óleo sobre lienzo, 140,3 × 151,8 cm

  • Albert Gleizes, 1915, Puente de Brooklyn (Puente de Brooklyn) , óleo y gouache sobre lienzo, 102 x 102 cm cm

  • Juan Gris, 1917, Compotier et nappe à carreaux ( Plato de frutas sobre un mantel a cuadros ), óleo sobre tabla de madera, 80,6 x 53,9 cm

  • Amedeo Modigliani , 1917, Desnudo (Nu) , óleo sobre lienzo, 73 × 116,7 cm

  • Theo van Doesburg , 1918, Composición XI , óleo sobre lienzo, 57 x 101 cm

  • Paul Klee , 1922, Globo rojo (Roter Ballon) al óleo sobre gasa imprimada con tiza, montado sobre tabla, 31,7 × 31,1 cm

Ver también [ editar ]

  • Lista de obras de Frank Lloyd Wright
  • Lista de museos Guggenheim
  • Listados del Registro Nacional de Lugares Históricos en Manhattan desde las calles 59 a 110

Referencias [ editar ]

Notas

  1. ^ "Cifras de visitantes de 2016" (PDF) . El periódico de arte . Abril de 2017. p. 14 . Consultado el 8 de junio de 2018 .
  2. ^ a b c "Sistema de información del registro nacional" . Registro Nacional de Lugares Históricos . Servicio de Parques Nacionales . 13 de marzo de 2009.
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Fuentes

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Enlaces externos [ editar ]

Video externo
icono de video Arte, arquitectura e innovación: celebración del Museo Guggenheim, Guggenheim, 8 de junio de 2010
icono de video Frank Lloyd Wright, Solomon R. Guggenheim Museum , Smarthistory en Khan Academy
  • Página web oficial
  • Museo Solomon R. Guggenheim en Google Cultural Institute
  • Informe de la Comisión de Preservación de Monumentos Históricos
  • Página del proyecto de renovación y ampliación del Museo Gwathmey Siegel Solomon R. Guggenheim
  • Revisión arquitectónica
  • Podcast de la Academia de Ciencias de Nueva York sobre exhibición sin imágenes
  • " Frank Lloyd Wright: The Natural ": presentación de diapositivas de la revista Life sobre el trabajo de Wright, que incluye varias fotografías del Guggenheim