Tod Browning
| Tod Browning | |
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| Nació | Charles Albert Browning Jr. 12 de julio de 1880 Louisville, Kentucky , Estados Unidos |
| Murió | 6 de octubre de 1962 (82 años) Malibú, California , Estados Unidos |
| Ocupación |
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| Años activos | 1896-1939 |
Tod Browning (nacido Charles Albert Browning Jr .; 12 de julio de 1880 - 6 de octubre de 1962) fue un director de cine estadounidense, actor de cine, guionista, intérprete de vodevil y espectáculo secundario de carnaval y animador de circo [1] La carrera de Browning abarcó el cine mudo y el sonido. eras cinematográficas . Mejor conocido como el director de Drácula (1931), [2] Freaks (1932), [3] y sus colaboraciones en el cine mudo con Lon Chaney y Priscilla Dean , Browning dirigió muchas películas en una amplia gama de géneros, entre 1915 y 1939.
Vida temprana
"Un inconformista dentro de su familia, la sociedad alternativa del circo dio forma a su desdén por la sociedad normal en general ... la vida circense, para Browning, representaba una huida de los estilos de vida y responsabilidades convencionales, que luego se manifestó en un amor por el licor, juegos de azar y autos veloces ". - Historiador de cine Jon Towlson en Diabolique Magazine , 27 de noviembre de 2017 [4]
Tod Browning nació Charles Albert Browning, Jr., en Louisville, Kentucky , el segundo hijo de Charles Albert y Lydia Browning. Charles Albert Sr., "un albañil, carpintero y maquinista" proporcionó a su familia una casa de clase media y bautista . El tío de Browning, la estrella del béisbol Pete "Louisville Slugger" Browning vio su sobrenombre conferido al icónico bate de béisbol . [5] [6]
Circo, feria y vodevil
Cuando era niño, Browning estaba fascinado por el circo y el carnaval . A los 16 años, y antes de terminar el bachillerato, se escapó de su acomodada familia para unirse a un circo ambulante. [7]
Inicialmente contratado como peón , pronto comenzó a servir como "spieler" (un ladrón en espectáculos secundarios ) y en 1901, a la edad de 21 años, estaba realizando rutinas de canciones y bailes para el entretenimiento de los barcos fluviales de Ohio y Mississippi, además de actuar como un contorsionista de la Manhattan Fair and Carnival Company. [8] Browning desarrolló un acto de entierro en vivo en el que fue anunciado como "El cadáver hipnótico viviente", y actuó como payaso con el renombrado circo Ringling Brothers . Más tarde se basaría en estas primeras experiencias para informar sus inventos cinematográficos. [9] [10] [11]
En 1906, Browning, de 26 años, se casó brevemente con Amy Louis Stevens en Louisville. [12] Adoptando el nombre profesional "Tod" Browning ( tod es la palabra alemana para muerte), [13] Browning abandonó a su esposa y se convirtió en vodevil , viajando extensamente como asistente de mago y comediante de cara negra en un acto llamado El lagarto y el mapache con el comediante Roy C. Jones. Apareció en un boceto de Mutt y Jeff en la revista burlesca de 1912 The World of Mirth con el comediante Charles Murray . [14]
Actor de cine: 1909-1913
En 1909, después de 13 años actuando en carnavales y circuitos de vodevil, Browning, de 29 años, hizo la transición a la actuación cinematográfica. [15]
El trabajo de Browning como actor de cine cómico comenzó en 1909 cuando actuó con el director y guionista Edward Dillon en cortometrajes . En total, Browning participó en más de 50 de estas producciones slapstick de uno o dos rollos . El historiador de cine Boris Henry observa que "la experiencia de Browning como actor de payasadas se incorporó a su carrera como cineasta". Más tarde, Dillon proporcionó muchos de los guiones de las primeras películas que dirigiría Browning. [16] [17] Varios actores con los que Browning actuó en su carrera como actor temprano aparecerían más tarde en sus propias imágenes, muchos de los cuales sirvieron como aprendices con el director de Keystone Cops , Max Sennett , entre ellos.Wallace Beery , Ford Sterling , Polly Moran , Wheeler Oakman , Raymond Griffith , Kalla Pasha , Mae Busch , Wallace MacDonald y Laura La Varnie . [18]
En 1913, Browning, de 33 años, fue contratado por el director de cine DW Griffith en Biograph Studios en la ciudad de Nueva York, y apareció por primera vez como empresario de pompas fúnebres en Scenting a Terrible Crime (1913). [19] Tanto Griffith como Browning dejaron Biograph y Nueva York ese mismo año y juntos se unieron a Reliance-Majestic Studios en Hollywood, California. [20] [21] Browning apareció en varias películas de Reliance-Majestic, incluida The Wild Girl (1917). [22]
Primera dirección cinematográfica y guionista: 1914-1916
La historiadora de cine Vivian Sobchack informa que "se atribuyen a Browning varios rollos de uno o dos rollos de 1914 a 1916" y el biógrafo Michael Barson atribuye el debut como director de Browning al drama de un rollo The Lucky Transfer , lanzado en marzo de 1915. [23 ]
La carrera de Browning casi termina cuando, intoxicado, chocó con su vehículo en un cruce de ferrocarril y chocó con una locomotora. Browning sufrió heridas graves, al igual que el pasajero George Siegmann . Un segundo pasajero, el actor Elmer Booth , murió instantáneamente. [24] [25] El historiador de cine Jon Towlson señala que "el alcoholismo iba a contribuir a un trauma importante en la vida personal de Browning que daría forma a sus obsesiones temáticas ... Después de 1915, Browning comenzó a dirigir su experiencia traumática a su trabajo - remodelando radicalmente en el proceso ". [26] Según los biógrafos David J. Skal y Elias Savada , el trágico evento transformó la perspectiva creativa de Browning:
Un patrón distinto había aparecido en su trabajo posterior al accidente, distinguiéndolo de la comedia que había sido su especialidad antes de 1915. Ahora su enfoque era el melodrama moralista, con temas recurrentes de crimen, culpabilidad y retribución. [27]
De hecho, las treinta y una películas que Browning escribió y dirigió entre 1920 y 1939 fueron, con pocas excepciones, melodramas. [28]
Las lesiones de Browning probablemente le impidieron continuar su carrera como actor. [29] Durante su prolongada convalecencia, [30] Browning se dedicó a escribir guiones para Reliance-Majestic. [31] Tras su recuperación, Browning se unió al equipo de filmación de Griffith en el set de Intolerance (1916) como asistente de dirección y apareció en un pequeño papel para la secuencia de la "historia moderna" de la producción. [32] [33]
Trama y tema en las películas de Browning
La historiadora de cine Vivian Sobchack identifica cuatro tramas o mise-en-scène en las que Browning presenta sus temas:
1) Melodramas exóticos , en los que el entorno físico de la película genera gran parte de la trama y la acción;
2) Melodramas de ladrones, cuyos personajes principales son criminales (principalmente ladrones y estafadores);
3) Melodramas extraños sobre personajes deformados físicamente o con diseños extravagantes;
4) un grupo menor, los melodramas de misterio , se ocupan de resolver un crimen (generalmente un asesinato), a menudo desacreditando explicaciones sobrenaturales en el proceso. [34]
Sobchack señala que la sinopsis de la trama de estas películas, consideradas independientemente de sus tratamientos cinematográficos, parece "ridícula" o "extraña" en su concepción. El manejo del material por parte de Browning, sin embargo, produce "realizaciones poderosas e inquietantes en la pantalla". [35]
Los melodramas que Browning escribió y dirigió para MGM y Universal son manifestaciones formuladas de su preocupación "compulsiva" por temas de "frustración moral y sexual, culpa [y] patrones intercambiables de repulsión y atracción humanas". [36] El biógrafo Stuart Rosenthal ofrece este análisis del estilo y los temas del director:
El adjetivo que se aplica con más frecuencia al cine de Browning es "obsesivo" ... expresa su contenido obsesivo de una manera que puede describirse correctamente como compulsiva. Ciertos planos, composiciones y montajes aparecen una y otra vez en la obra de Browning [dejando] una impresión de franca repetición. De hecho, tiene un catálogo limitado de temas y efectos a partir del cual recopila cada uno de sus cuadros. El alcance general de toda la filmografía de Browning no es significativamente más amplio que cualquier entrada en ella. [37]
Rosenthal asigna cuatro categorías temáticas a las películas de Browning:
Realidad versus apariencia , en la que el exterior social de un individuo (belleza física, las trampas de la autoridad o el estatus profesional) se expone como fachadas que enmascaran un comportamiento cruel o criminal. (por ejemplo, Los tres impíos (1925), Donde el este es el este (1929)) [38]
Frustración sexual , que a menudo implica una relación "sagrada" entre padre e hijo u otra relación de parentesco en la que "la descendencia de un hombre representa extensiones de su propia sexualidad", provocando una respuesta protectora a los insultos sexuales de los forasteros. (ej. The Road to Mandalay (1926), West of Zanzibar (1928)). [39]
Conflicto de tendencias opuestas dentro de un individuo , que conduce a una pérdida de identidad cuando los rasgos de carácter irreconciliables en una persona producen alter egos. Dr. Jekyll and Mr. Hyde, del autor Robert Louis Stevenson , explora esta "frustración intratable" (por ejemplo, Outside the Law (1921), The Blackbird (1926)). [40]
Incapacidad para asignar culpa , en la que un personaje recurre a la violencia o actos delictivos para vengar la injusticia, y la culpa o la culpa siguen siendo ambiguas. (ej. The Unknown (1927), Freaks (1932)) [41]
El factor que unifica todos estos patrones temáticos es la frustración: "La frustración es el tema dominante de Browning". [42] [43]
Director: primeros largometrajes mudos, 1917-1919
En 1917, Browning escribió y dirigió su primer largometraje Jim Bludso para las compañías cinematográficas Fine Arts / Triangle , protagonizado por Wilfred Lucas en el papel principal. La historia está basada en un poema de John Hay , ex secretario personal de Abraham Lincoln durante la Guerra Civil estadounidense . [44] [45]
Browning se casó con su segunda esposa Alice Watson en 1917; permanecerían juntos hasta su muerte en 1944. [46]
Al regresar a Nueva York en 1917, Browning dirigió películas para Metro Pictures . [47] [48] Allí hizo a Peggy, Will O 'the Wisp y The Jury of Fate . Ambos protagonizados por Mabel Taliaferro , esta última en un doble papel logrado con técnicas de doble exposición que fueron pioneras para la época. [ cita requerida ] . La historiadora de cine Vivian Sobchack señala que muchas de estas películas "involucraron el disfraz y las personificaciones que se encuentran en las películas posteriores de Browning". (Ver Filmografía a continuación) [35] Browning regresó a Hollywood en 1918 y produjo tres películas más para Metro, cada una de las cuales protagonizóEdith Storey : " The Eyes of Mystery ", " The Legion of Death " y " Revenge ", todas filmadas y lanzadas en 1918. Estas primeras y rentables películas de cinco, seis y siete carretes que Browning hizo entre 1917-1919 lo establecieron como "director y guionista de éxito". [49] [47] [50]
En la primavera de 1918 Browning partió de metro y firmó con Bluebird Photoplays estudios (una filial de Carl Laemmle 's Universal Pictures ), y luego en 1919 con Universal donde iba a dirigir una serie de películas de 'gran éxito', protagonizada por Priscilla Dean . [51] [52]
Estudios Universal: 1919-1923
Durante su mandato en Universal, Browning dirigió a varias de las principales actrices del estudio, entre ellas Edith Roberts en The Deciding Kiss y Set Free (ambas de 1918) y Mary MacLaren en The Unpainted Woman , A Petal on the Current y Bonnie, Bonnie Lassie. , todas las producciones de 1919. [53] Las películas más notables de Browning para Universal, sin embargo, fueron protagonizadas por Priscilla Dean , "la protagonista de Universal conocida por interpretar a 'chicas duras'" y con quien dirigiría nueve largometrajes. [54]
Las películas de Priscilla Dean
La primera película exitosa de Dean de Browning, un "melodrama espectacular", es La Virgen de Stamboul (1920). Dean interpreta a Sari, una "mendiga virgen" que es deseada por el cacique turco Achmet Hamid ( Wallace Beery ). [55] El manejo de Browning del ex comediante de payasadas Beery como Achmet revela el legado cómico del actor y las propias raíces de Browning en el burlesque . [56] El historiador de cine Stuart Rosenthal escribió que los vehículos Dean poseen "la atmósfera aparentemente auténtica con la que Browning inculcó sus melodramas criminales, añadiendo inconmensurablemente a esfuerzos posteriores como El pájaro negro (1926),El espectáculo (1927) y Los tres impíos.(1925) ". [57]
Las películas de Dean exhiben la fascinación de Browning por los escenarios extranjeros "exóticos" y las actividades delictivas del inframundo, que sirven para impulsar la acción de sus películas. Dean es elegido como un delincuente ladrón que se infiltra en la alta sociedad para robar joyas en The Exquisite Thief (1919); en Under Two Flags (1922), ambientada en la colonia francesa Argel , Dean aparece como miembro franco-árabe de un harén (su sobrenombre es "Cigarrillo al servicio de la Legión Extranjera Francesa) ; y en Drifting (1923), con su" convincente "Escenas de Shanghai, China, recreadas en el backlot de Universal, Dean interpreta a un traficante de opio. [58] En el último vehículo Dean de Browning en Universal, White Tiger, se entregó a su fascinación por las producciones de ilusión "cuasi-teatrales" y reveló al público del cine los mecanismos de estos engaños. Al hacerlo, Browning, ex miembro de la fraternidad de magos, violó un precepto de su código profesional. [59]
Quizás el resultado más fortuito de las películas de Dean en Universal es que presentaron a Browning al futuro colaborador Lon Chaney , el actor que protagonizaría las películas más destacadas de la era muda de Browning. Chaney ya se había ganado el sobrenombre de "El hombre de las mil caras" ya en 1919 por su trabajo en Universal. [60] El vicepresidente de Universal, Irving Thalberg, emparejó a Browning con Chaney por primera vez en The Wicked Darling (1919), un melodrama en el que Chaney interpretó al ladrón "Stoop" Conners, que obliga a una niña pobre (Dean) a vivir en un barrio bajo vida de delincuencia y prostitución. [61]
En 1921, Browning y Thalberg alistaron a Chaney en otro vehículo de Dean, Outside the Law , en el que interpreta los papeles duales del siniestro "Black Mike" Sylva y el benevolente Ah Wing. Ambas producciones de Universal exhiben la "afinidad natural de Browning por lo melodramático y lo grotesco". En un efecto especial que llamó la atención de la crítica, Chaney parece asesinar a su homólogo de doble personaje a través de la fotografía engañosa [62] y "con Thalberg apoyando su libertad imaginativa, la habilidad de Chaney y su presencia única avivaron las llamas de la pasión de Browning por lo extraordinario". [63] El biógrafo Stuart Rosenthal comenta sobre los cimientos de la sinergia profesional Browning-Chaney:
En la personalidad de la pantalla de Lon Chaney, Tod Browning encontró la encarnación perfecta del tipo de personaje que le interesaba ... La dedicación incondicional de Chaney a su actuación le dio a sus personajes la extraordinaria intensidad que era absolutamente esencial para la credibilidad de las creaciones de Browning. [64]
Cuando Thalberg renunció como vicepresidente de Universal para ocupar el cargo de gerente de producción con la recién fusionada Metro-Goldwyn-Mayer en 1925, Browning y Chaney lo acompañaron. [sesenta y cinco]
Las colaboraciones de Browning-Chaney en MGM: 1925-1929
Después de mudarse a MGM en 1925 bajo los auspicios del gerente de producción Irving Thalberg , Browning y Chaney hicieron ocho largometrajes de éxito comercial y crítico, que representan el cenit de sus carreras en el cine mudo. Browning escribió o coescribió las historias de seis de las ocho producciones. El guionista Waldemar Young , al que se le atribuyen nueve de las películas de MGM, trabajó eficazmente con Browning. [66] [67] En MGM, Browning alcanzaría su madurez artística como cineasta. [68]
La primera de estas producciones de MGM estableció a Browning como un cineasta talentoso en Hollywood y profundizó la influencia profesional y personal de Chaney en el director: The Unholy Three . [69] [70] [71]
Los tres impíos (1925)
En un cuento de circo del autor Tod Robbins —un escenario familiar para Browning— un trío de excarcelados criminales y un carterista forman una red de robo de joyas. Sus actividades conducen a un asesinato y a un intento de incriminar a un contable inocente. Dos del cuarteto criminal revelan su humanidad y son redimidos; dos perecen por la justicia violenta.
The Unholy Three es un ejemplo sobresaliente del deleite de Browning en los melodramas "extraños" (aunque aquí, no macabros) y sus "caracterizaciones perversas" que Browning y Chaney idean anticipan sus colaboraciones posteriores. [72]
Lon Chaney también es el profesor Echo, un ventrílocuo de feria , y la señora "Granny" O'Grady (una Echo travesti), la mente maestra de la pandilla. Granny / Echo opera una tienda de mascotas de loros parlantes como fachada para la operación. El crítico de cine Alfred Eaker señala que Chaney presenta "al personaje drag con profundidad de sentimiento. Chaney nunca lo acampa y ofrece una actuación notable y multifacética". [73]
Harry Earles, miembro de los enanos de The Doll Family interpreta al violento y malvado Tweedledee que se hace pasar por el pequeño nieto de la abuela, el pequeño Willie. (La abuela transmite al diminuto Willie en un cochecito de niño) [74]
Victor McLagen es elegido como Hércules de mente débil, el hombre fuerte del circo que constantemente busca afirmar su primacía física sobre sus cohortes. Hércules detesta a Granny / Echo, pero está aterrorizado por el gorila "mascota" del ventrílocuo. También es el yerno de Granny O'Grady y el padre de Little Willie. [75]
La carterista Rosie, interpretada por Mae Busch , es el objeto del afecto de Echo, y comparten una admiración mutua como compañeros ladrones. Se postula como la hija de Granny / Echo y como la madre del pequeño Willie. [76] [77]
La tienda de mascotas emplea al contable tímido, Héctor "The Boob" MacDonald ( Matt Moore ), que ignora por completo el proceso penal. Rosie encuentra atractivo a este hombre "débil, gentil, recto y trabajador". [78] [79]
Cuando la abuela O'Malley reúne a su falsa "familia" en su salón para engañar a los investigadores de la policía, la audiencia de la película sabe que "la abuela es la cabeza de una pandilla y un ventrílocuo, el padre un estúpido Hércules, la madre un ladrón, el bebé un libidinoso, codicioso [enano], y la mascota ... un enorme gorila ". El retrato de Browning es una "distorsión sarcástica" que subvierte la salubridad estadounidense cliché y sirve para presentar "una dura acusación ... de la familia burguesa". [80]
El historiador de cine Stuart Rosenthal identifica "la capacidad de controlar a otro ser" como un tema central en The Unholy Three . El engañoso plan a través del cual los ladrones manipulan a los clientes ricos demuestra un control sobre "los tontos" que son despojados de su riqueza, del mismo modo que se engaña a los clientes de espectáculos de circo: el profesor Echo y el muñeco de su ventrílocuo distraen a un "irremediablemente ingenuo y amante de las novedades". audiencia mientras la carterista Rosie los saca de sus billeteras. [81] [82]Browning, en última instancia, convierte la aplicación del "control mental" al servicio de la justicia. Cuando el contable Héctor sube al estrado en la corte, testificando en su defensa contra un cargo falso de asesinato, el Echo reformado aplica su fuerza de voluntad para silenciar al acusado y usa su poder de lanzamiento de voz para proporcionar el testimonio exonerante. Cuando Héctor desciende del estrado, le dice a su abogado: "No fui yo quien habló. No dije una palabra". Browning emplea una serie de disolventes para dejar perfectamente claro el papel de los ventrílocuos. [83] [84]
El historiador de cine Robin Blyn comenta sobre el significado de la confesión de Echo en el tribunal:
La conversión [moral] del profesor Echo representa uno de los juicios finales sobre la conversión del cine de atracciones sonoras en un cine narrativo basado en el sonido disciplinado a las exigencias del realismo. La decisión de Echo de interrumpir el proceso y confesar, en lugar de "lanzar voces" al juez o al jurado, transmite hasta qué punto el modo realista se había convertido en la ley estética imperante. Además, al rechazar su don ilusionista, Echo renuncia al ventriloquia como un arte obsoleto e ineficaz ... [85]
Con The Unholy Three, Browning proporcionó a MGM un gran éxito de taquilla y crítica. [86]
El místico (1925)
Aunque fascinado por lo grotesco, lo deformado y lo perverso, Browning (un ex mago) era un desacreditador de lo oculto y lo sobrenatural ... De hecho, Browning está más interesado en trucos e ilusiones que en lo sobrenatural. - Historiadora de cine Vivian Sobchack en Las películas de Tod Browning (2006) [87]
Mientras Lon Chaney estaba haciendo The Tower of Lies (1925) con el director Victor Sjöström, Browning escribió y dirigió un vehículo de Aileen Pringle , The Mystic . [88] [89] La imagen tiene muchos de los elementos típicos de la obra de Browning en MGM: carnavales, gitanos húngaros y sesiones de espiritismo proporcionan la exótica puesta en escena , mientras que la trama melodramática implica malversación y estafa. Un estafador estadounidense Michael Nash ( Conway Tearle ) desarrolla una conciencia moral después de enamorarse del personaje de Pringle, Zara, y es consistente con los "temas de reforma y crímenes impunes" de Browning. y la pareja logra un feliz ajuste de cuentas. [90]Browning, un ex actor de espectáculos secundarios, se apresura a revelar a la audiencia de su película la farsa ilusionista que sirve para extraer una fortuna de una heredera crédula, interpretada por Gladys Hulette . [91]
Dollar Down (1925): Browning siguió a The Mystic con otro "melodrama sinvergüenza que involucra a estafadores" para las producciones de Truart . Basado en una historia de Jane Courthope y Ethyl Hill, Dollar Down está protagonizada por Ruth Roland y Henry B. Walthall . [92] [93]
Siguiendo estas películas de crimen "más convencionales", Browning y Chaney se embarcaron en sus películas finales del último período mudo, "la colaboración más extraña entre director y actor en la historia del cine; las premisas de las películas eran escandalosas". [94] [95]
El mirlo (1926)
Browning ayuda a mantener tenso el desarrollo de The Blackbird al emplear la cara de Chaney como un índice del estado de ánimo rápidamente oscilante del personaje principal. Chaney es la persona clave que determinará el destino de West End Bertie y Fifi. La plasticidad de sus expresiones faciales desmiente al público el espíritu de cooperación que ofrece a la joven pareja ... la explosividad interna monitoreada en su rostro es un recordatorio constante del peligro que representa su presencia. - Biógrafo Stuart Rosenthal en Tod Browning: The Hollywood Professionals, Volumen 4 (1975) [96]
Browning y Chaney se reunieron en su próximo largometraje The Blackbird (1926), una de las colaboraciones más "visualmente llamativas". [97]
Browning presenta al gángster del distrito de Limehouse Dan Tate (Chaney), alias "The Blackbird", quien crea una identidad alternativa, el misionero cristiano físicamente deformado "The Bishop". El supuesto hermano "gemelo" de Tate es una persona que utiliza para evadir periódicamente las sospechas de la policía bajo "un manto falso de bondad cristiana", una imagen totalmente en desacuerdo con la personalidad de El mirlo. [98] Según el historiador de cine Stuart Rosenthal, "la mascarada de Tate como el obispo tiene éxito principalmente porque el rostro del obispo refleja de manera tan creíble un profundo sufrimiento espiritual que es absolutamente ajeno al personaje principal [El mirlo]". [99]
El competidor de Tate en el crimen, el "caballero ladrón" Bertram "West End Bertie" Glade ( Owen Moore , se involucra sentimentalmente con una cantante de cabaret de Limehouse, Mademoiselle Fifi Lorraine ( Renée Adorée ). La celosa Tate intenta incriminar a Bertie por el asesinato de un policía, pero resulta mortalmente herido en un accidente mientras se hace pasar por El obispo. La esposa de Tate, Polly ( Doris Lloyd descubre la identidad dual de su marido y lo honra ocultando su papel de "El mirlo". El reformado Bertie y su amante Cincuenta están unidas en matrimonio. [100]
Las hábiles transformaciones de "cambio rápido" de Chaney de Blackbird a The Bishop —intrínsecas a los métodos de la "cultura del espectáculo" - se "revelan explícitamente" a la audiencia de la película, de modo que Browning los invita a compartir el engaño. [101]
Browning introduce una serie de elementos de payasadas en The Blackbird . Doris Lloyd, retrata a la ex esposa de Tate, Limehouse Polly, demostrando su perspicacia cómica en escenas como una niña de las flores, [102] y los borrachos de Limehouse de Browning son "arquetípicos del cine burlesco". El historiador de cine Boris Henry señala que "no sería sorprendente que las peleas que Lon Chaney como Dan Tate imita entre sus dos personajes (El mirlo y El obispo) estuvieran inspiradas en la interpretación del actor y director Max Linder en Be My Wife , 1921. " [103]
El historiador de cine Stuart Rosenthal identifica la caracterización de Browning de Dan Tate / Blackbird como una especie de alimaña que carece de nobleza, un carroñero parásito que se alimenta de carroña y no es digno de simpatía. [104] En la muerte, según la crítica de cine Nicole Brenez, El mirlo "está privado de [sí mismo] ... la muerte, entonces, ya no es una hermosa desaparición, sino una terrible desaparición". [105]
Aunque admirada por los críticos por la actuación de Chaney, la película solo tuvo un éxito moderado en la taquilla. [106]
El camino a Mandalay (1926)
Cualquier evaluación contemporánea exhaustiva de The Road to Mandalay de Browning es problemática. Según el biógrafo de Browning, Alfred Eaker, sólo existe una pequeña fracción de los siete carretes originales. Una versión de 16 mm sobrevive en un "estado fragmentado y desintegrado" descubierto en Francia en la década de 1980. [107]
En una historia que Browning escribió con el guionista Herman Mankiewicz , [93] The Road to Mandalay (no relacionado con el poema de 1890 del autor Rudyard Kipling ), se deriva del personaje "de ojos muertos" Singapore Joe ( Lon Chaney ), un Singapur operador de burdel. Como explicó el propio Browning:
La [historia] se escribe sola después de haber concebido a los personajes ... lo mismo para The Road to Mandalay . La idea inicial era la de un hombre tan espantosamente feo que se avergonzaba de revelarse a su propia hija. De esta forma se puede desarrollar cualquier historia. [108]
La imagen explora uno de los temas más persistentes de Browning: el de un padre que afirma la autoridad sexual indirectamente a través de su propia descendencia. [109] Como tal, se establece una narrativa edípica , "una narrativa que domina la obra de Browning" y reconocida como tal por la crítica contemporánea. [110] [111]
La hija de Joe, Rosemary ( Lois Moran ), ahora una joven adulta, se ha criado en un convento donde su padre la dejó cuando era niña con su tío, el padre James ( Henry B. Walthall ). Rosemary ignora su ascendencia; vive una existencia casta y miserable. Joe, el cuidador del burdel, hace visitas furtivas a la tienda donde trabaja como empleada. [112] Sus intentos de hacerse amigo de la chica de forma anómala se encuentran con repulsión ante su extraña apariencia. Joe decide someterse a una cirugía plástica para lograr un reproche con su hija y redimir su sórdida historia. El padre James duda del compromiso de sus hermanos con la reforma y el restablecimiento de su paternidad. Surge un conflicto cuando las cohortes y rivales de Joe en el crimen, "El almirante" Herrington ( Owen Moore) y el inglés Charlie Wing ( Kamiyama Sojin ), miembros de "las arañas negras de los siete mares " aparecen en escena. El Almirante se encuentra con Rosemary en el extraño lugar donde trabaja y se enamora instantáneamente de ella; su determinación genuina de abandonar su vida criminal gana la devoción de Rosemary y se arregla un matrimonio. Cuando Joe descubre estos desarrollos, se desata toda la fuerza de sus "frustraciones sexuales". El intento de Joe de frustrar los esfuerzos de su hija por escapar de su control termina cuando Rosemary apuñala a su padre, hiriéndolo de muerte. El desenlace se logra cuando el moribundo Joe consiente su matrimonio y el padre James realiza los últimos ritos sobre su hermano. [113]
El crítico de cine Alfred Eaker observa: " The Road to Mandalay es un melodrama depravado, pop-freudiano y silencioso en su momento más maduro. Afortunadamente, tanto Browning como Chaney abordan esta mezcolanza de tonterías en serio". [114] Las imágenes religiosas aparecen comúnmente en las películas de Browning, "rodeando a sus personajes con parafernalia religiosa". Browning, un albañil , usa la iconografía cristiana para enfatizar la alienación moral de Joe de Rosemary. [115] El biógrafo Stuart Rosenthal escribe:
Mientras Singapur Joe mira con nostalgia a su hija ... la exhibición de crucifijos que [la rodea] testifica de su amor por ella mientras, paradójicamente, actúa como una barrera entre ellos. [116]
Rosenthal agrega: "Para el héroe de Browning, la religión es una fuente adicional de frustración, otra promesa incumplida". [117]
Como en todas las colaboraciones de Browning-Chaney, The Road to Mandalay fue rentable en taquilla. [118]
Londres después de la medianoche (1927)
Mientras que The Road to Mandalay (1926) de Browning existe en una versión abreviada de 16 mm muy deteriorada, [119] London After Midnight ya no se cree que exista, la última impresión destruida en un incendio en una bóveda MGM en 1965. [120]
London After Midnight es ampliamente considerada por los archiveros The Holy Grail y "la película perdida más buscada y discutida de la era muda". [121] Una reconstrucción foto detallado, basado en fotogramas de la película fue montado por películas clásicas de Turner ' Rick Schmidlin en 2002. [122]
Basado en el propio cuento de Browning titulado "The Hypnotist", London After Midnight es un "misterio de asesinato en el salón", su atmósfera macabra y gótica se asemeja a The Cabinet of Dr. Caligari de 1920 del director Robert Wiene . [123]
Sir Roger Balfour es encontrado muerto en la finca de su amigo Sir James Hamlin. La herida de bala en la cabeza de Balfour parece autoinfligida. El inspector de Scotland Yard e hipnotizador forense a cargo, el "profesor" Edward C. Burke (Lon Chaney) no recibe informes de juego sucio y la muerte se considera un suicidio. Hace cinco años, y los ocupantes actuales de la propiedad están alarmados por una figura macabra con colmillos que lleva una capa y un sombrero de copa acechando los pasillos por la noche. Lo acompaña una compañera parecida a un cadáver. La pareja de intrusos son el inspector disfrazado Burke, disfrazado de vampiro (también interpretado por Chaney), y su asistente, "Luna, la chica murciélago" ( Edna Tichenor). Cuando los aterrorizados residentes llaman a Scotland Yard, el inspector Burke aparece y reabre el caso de Balfour como un homicidio. Burke utiliza su doble papel para escenificar una serie de elaboradas ilusiones y aplicaciones de hipnotismo para descubrir la identidad del asesino entre los antiguos asociados de Balfour. [124] [125] [126]
La trama "absurda" de Browning es la plataforma en la que demuestra los métodos de la magia y la cultura del espectáculo, reproduciendo los espectáculos desconcertantes del "teatro de espíritus" que pretenden operar a través de lo paranormal. Las ilusiones cinematográficas de Browning se llevan a cabo estrictamente a través de un aparato de escenario mecánico: no se emplea ninguna fotografía engañosa. [127] "ilusión, hipnotismo y disfraz" se utilizan para imitar las presunciones y pretensiones de lo oculto, pero principalmente para lograr un efecto dramático y solo para revelarlos como trucos. [128]
Las historias de misterio son engañosas, porque si son demasiado espantosas u horribles, si exceden demasiado la imaginación promedio, la audiencia se reirá. London After Midnight es un ejemplo de cómo hacer que la gente acepte fantasmas y otros espíritus sobrenaturales al dejar que se conviertan en las maquinaciones de un detective. Por lo tanto, no se le pide a la audiencia que crea lo horrible imposible, sino lo horrible posible, y la plausibilidad aumentó, en lugar de disminuir, la emoción y los escalofríos. - Tod Browning comentando sus métodos cinematográficos en una entrevista con Joan Dickey para Motion Picture Magazine , marzo de 1928 [129] [130]
Después de que el asesino es aprehendido, el inspector Burke / El hombre del sombrero de castor de Browning revela los dispositivos y técnicas que ha usado para extraer la confesión, mientras sistemáticamente desengaña a los personajes del elenco —y al público de la película— de cualquier influencia sobrenatural en los eventos anteriores. [131] Los historiadores del cine Stefanie Diekmann y Ekkehard Knörer observan sucintamente que "en general, los escenarios de Browning [incluido London After Midnight] aparecen como una larga serie de trucos, realizados y explicados". [132]
El maquillaje de Lon Chaney para crear el amenazante "Hombre del sombrero de castor " es legendario. El biógrafo Alfred Eaker escribe: "El vampiro de Chaney ... es el deleite de un maquillador y el infierno de un actor. Un alambre de pescar se enrosca alrededor de las cuencas de sus ojos ennegrecidos, un juego de dientes dolorosamente insertados, como tiburones, que producen una horrible sonrisa, una ridícula peluca debajo de un sombrero de copa, y el maquillaje de panqueque blanco lograron el look pervertido de Chaney. Para agregar al efecto, Chaney desarrolló un andar deforme e incongruente para el personaje ". [73]
London After Midnight recibió una respuesta crítica mixta, pero tuvo un buen desempeño en la taquilla "recaudando más de $ 1,000,000 en dólares de 1927 contra un presupuesto de $ 151,666.14". [133]
El espectáculo (1927)
En 1926, mientras Lon Chaney estaba ocupado haciendo Tell It to the Marines con el cineasta George W. Hill , Browning dirigió The Show , "una de las producciones más extrañas que surgieron del cine mudo". ( The Show anticipa su función posterior con Chaney, un "carnaval de terror": The Unknown ). [134]
El guionista Waldemar Young basó el escenario en elementos de El día de las almas del autor Charles Tenny Jackson . [135]
El espectáculo es una demostración del tour de force de la inclinación de Browning por el espectáculo de actos secundarios de carnaval combinados con la reveladora exposición del aparato teatral y las técnicas que crean estas ilusiones. El historiador de cine Matthew Solomon señala que "esto no es específico de sus películas con Lon Chaney". [136] De hecho, El Show cuenta con dos de los principales actores de MGM: John Gilbert , como las personas sin escrúpulos ballyhoo Cock Robin, y Renée Adorée como su amante tempestuoso, Salomé. Actor Lionel Barrymoretoca el homicida griego. Infidelidades románticas, la búsqueda de una pequeña fortuna, un asesinato, intentos de asesinato, la redención moral de Cock Robin y su reconciliación con Salomé componen la trama y su final "saccarino". [137]
Browning presenta una colección de espectáculos de circo novedosos del ficticio "Palacio de las Ilusiones", que incluyen manos incorpóreas entregando entradas a los clientes; una decapitación ilusoria de una figura bíblica (Gilbert como Juan el Bautista ); Neptuna ( Betty Boyd ) Reina de las Sirenas; la Media Dama Zela ( Zalla Zarana ) sexualmente desfavorable ; y Arachnida ( Edna Tichenor , la araña humana posada en su telaraña. Browning finalmente revela "cómo se hace el truco", explicando los dispositivos mecánicos a la audiencia de la película, no a los clientes del carnaval de la película. [138]
Verá, ahora tiene la espada falsa. - comentario entre títulos de un observador en pantalla de la "reconstrucción detallada" de Browning de una decapitación teatral ilusoria en The Show . - El historiador de cine Matthew Solomon en La puesta en escena del engaño: ilusionismo teatral en las películas de Browning de la década de 1920 (2006) [139]
El acontecimiento dramático central de The Show deriva de otra obra literaria, un "playlet mágico" de Oscar Wilde titulado Salomé (1896). Browning diseña un espectáculo secundario elaborado y "cuidadosamente coreografiado" que recrea la decapitación bíblica de Jokanaan (interpretada por Gilbert), con Adorée como Salomé presidiendo la espeluznante decapitación, símbolo del sadomasoquismo y la castración. [140]
El Show recibió críticas generalmente buenas, pero la aprobación fue silenciada debido al carácter desagradable de Gilbert, Cock Robin. Browning estaba ahora preparado para hacer su obra maestra de la era del cine mudo, The Unknown (1927). [141] [142] [143]
The Unknown (1927): Un chef de obra de la era del cine mudo
The Unknown marca el apogeo creativo de las colaboraciones de Tod Browning y Lon Chaney, y es ampliamente considerado como su trabajo más destacado de la era del cine mudo. [144] Más que cualquiera de las imágenes mudas de Browning, se da cuenta plenamente de uno de sus temas centrales en Lo desconocido : el vínculo de la deformidad física con la frustración sexual. [145]
[La historia] se escribe sola después de haber concebido a los personajes. Lo Desconocido vino a mí después de que tuve la idea de un hombre [Alonzo] sin brazos. Entonces me pregunté cuáles son las situaciones y acciones más asombrosas en las que un hombre así reducido podría estar involucrado ... - Tod Browning en la entrevista de Motion Picture Classic , 1928. [146] [147]
Me las arreglé para parecer un hombre sin brazos , no solo para escandalizarlo y horrorizarlo, sino simplemente para llevar a la pantalla la dramática historia de un hombre sin brazos. - El actor Lon Chaney, sobre su creación del personaje Alonzo en The Unknown . [148]
El artista de circo "Alonzo el sin brazos", un lanzador de cuchillos gitano, aparece como un doble amputado, lanzando sus cuchillos con los pies. Su deformidad es una ilusión (a excepción de un pulgar bífido ), que se logra al ponerse un corsé para atar y ocultar sus brazos sanos. El sano Alonzo, buscado por la policía, se involucra en este engaño para evadir la detección y el arresto. [149] Alfonzo alberga un amor secreto por Nanon ( Joan Crawford ), su asistente en el acto. El padre de Nanon es el maestro de ceremonias abusivo (tal vez sexualmente) Zanzi ( Nick De Ruiz), y Nanon ha desarrollado una aversión patológica al abrazo de cualquier hombre. Su disfunción emocional impide cualquier intimidad sexual con el muy viril Alfonzo, su destreza sexual simbolizada por su habilidad para lanzar cuchillos y su doble pulgar. [150] [151] Cuando Alonzo asesina a Zanzi durante una discusión, Nanon es testigo del homicidio y solo detecta el pulgar bífido del agresor de su padre. [152] [153]
El tema de la frustración sexual y la mutilación física de Browning finalmente se manifiesta en el acto de castración simbólica de Alfonso; de buena gana hace que un cirujano sin licencia le ampute los brazos a fin de volverse inofensivo para Nanon (y eliminar el pulgar bífido incriminatorio), para ganarse su afecto. La "ironía de pesadilla" del sacrificio de Alfonso es la más indignante de las presunciones de la trama de Browning y es coherente con su examen obsesivo de la "frustración sexual y la castración". [154] [155] Cuando Alfonzo se recupera de su cirugía, regresa al circo y descubre que Nanon ha superado sus aversiones sexuales y se ha casado con el hombre fuerte Malabar ( Norman Kerry ). [156]La ferocidad primordial de la reacción de Alfonso a la traición de Nanón al casarse con Malabar es instintiva. El historiador de cine Stuart Rosenthal escribe:
La reversión a un estado animal en el cine de Browning funciona como una forma de adquirir poder en bruto para ser utilizado como un medio de afirmación sexual. El incidente que provoca la regresión [a un estado animal] y la búsqueda de venganza es, en casi todos los casos, de naturaleza sexual. [157]
Los esfuerzos de Alfonzo por la retribución conducen a su propia muerte horrible en un " gran final de Guignol ". [158] [159] [160]
The Unknown es ampliamente considerado como la más destacada de las colaboraciones de Browning-Chaney y una obra maestra de la era tardía del cine mudo. [161] El crítico de cine Scott Brogan considera que The Unknown es digno de un "estatus de culto". [162]
La gran ciudad (1928)
Una película perdida , The Big City está protagonizada por Lon Chaney, Marceline Day y Betty Compson , esta última en su única aparición en una película de MGM. [163] Browning escribió la historia y Waldemar Young el guión sobre "Un gángster Lon Chaney que usa una joyería de fantasía como fachada para su operación de robo de joyas. Después de un conflicto con una pandilla rival, él y su novia Marceline Day se reforman". [164]
La historiadora de cine Vivian Sobchack comentó que " La gran ciudad se refiere a un robo en un club nocturno, de nuevo, la rivalidad entre dos ladrones. Esta vez Chaney interpreta solo a uno de ellos, sin una extremidad torcida ni ningún disfraz facial". [165] Comentó el crítico Stuart Rosenthal en The Big City : "... Chaney, sin maquillaje, en un característico papel de gángster". [166]
The Big City obtuvo $ 387,000 de MGM en ganancias. [167]
Oeste de Zanzíbar (1928)
En West of Zanzibar Browning descubre su trasfondo de showman de carnaval no para traicionarse a sí mismo como un primitivo estético, sino para mostrar su completa comprensión del modo de presentación, y del fotograma de la película como proscenio ... Browning permanece desatendido porque la mayoría de los ingleses disponibles- El lenguaje escrito en sus películas se centra en las singularidades temáticas de su obra, hasta casi la exclusión de cualquier análisis de sus estrategias estéticas. - El crítico de cine Brian Darr en Senses of Cinema (julio de 2010) [168]
En 1928, Browning y Lon Chaney se embarcaron en su penúltima colaboración, West of Zanzibar , basada en la obra Kongo (1926) de Chester M. De Vonde . [169] El escenario de Elliott J. Clawson y Waldemar Young , proporcionó a Chaney caracterizaciones duales: el mago Pharos y el posterior parapléjico Pharos, apodado "Dead Legs". [170] Una variación del "motivo de paternidad desconocida" Browning dramatiza una compleja historia de "venganza obsesiva" y "horror psicológico". [171] El biógrafo Stuart Rosenthal hizo estas observaciones sobre las representaciones de Chaney:
Dead Legs es uno de los héroes de Browning más feos e incorregibles ... Chaney demostró una gran sensibilidad a los sentimientos y los impulsos de los marginados que Browning ideó para que interpretara. Browning bien puede ser el único cineasta que vio a Chaney como algo más que un truco para llamar la atención. Si bien muchas de las películas de Chaney para otros directores involucran historias de retribución, solo en los vehículos Browning está dotado de una complejidad humana sustancial. [172]
La historia comienza en París, donde Pharos, un mago, [173] es engañado por su esposa Anna ( Jacqueline Gadsden ) y su amante Crane ( Lionel Barrymore ). Pharos queda lisiado cuando Crane lo empuja desde un balcón, dejándolo parapléjico. Anna y Crane se fugan a África. Después de un año, Phroso se entera de que Anna ha regresado. Encuentra a su esposa muerta en una iglesia, con una hija pequeña a su lado. Jura vengarse de Crane y del niño que asume fue engendrado por Crane. Sin que Phroso lo sepa, el niño es en realidad suyo. [174] Rosenthal destaca esta escena para una mención especial:
El simbolismo religioso que aparece periódicamente en las imágenes de Browning tiene dos fines antagónicos. Cuando Dead Legs descubre a su esposa muerta y a su hijo en el púlpito de la catedral, el entorno solemne le da un tono de irrevocabilidad fanática a su promesa de hacer que "Crane y su mocoso paguen". Al mismo tiempo, los movimientos difíciles y dolorosos de Chaney sobre su vientre en la parte delantera de la iglesia tienen el aspecto de una parodia salvaje de un suplicante religioso cuya fe se ha convertido en una burla. Habiendo fallado la justicia de Dios, Dead Legs está a punto de embarcarse en su misión de justicia. [117]
Dentro de dieciocho años, el lisiado Pharos, ahora apodado Dead Legs, opera un puesto de comercio africano. En secreto se aprovecha de las operaciones de marfil de Crane empleando tribus locales y utilizando trucos e ilusiones para apoderarse de los bienes. [175] Después de años de anticipación, Dead Legs se prepara para tramar su "macabra venganza": un siniestro doble asesinato. Convoca a la hija de Anna, Maizie ( Mary Nolan ), del sórdido burdel y molino de ginebra donde la ha dejado para que se críe. También invita a Crane a visitar su puesto de avanzada para exponer la identidad del culpable que roba su marfil. Dead Legs ha hecho arreglos para que Crane sea asesinado, no sin antes informarle que invocará el Código de Muerte local, que estipula que "la muerte de un hombre será seguida por la muerte de su esposa o hijo".[176]Crane desacredita burlonamente a Dead Legs de su grave malentendido: Maizie es la hija de Dead Legs, no suya, una niña que Pharos concibió con Anna en París. Crane muere antes de que Dead Legs pueda asimilar el significado de esta noticia.
El clímax de la película involucra la lucha de Dead Legs para salvar a su propia descendencia de la habitual sentencia de muerte que su propio plan mortal ha puesto en marcha. Dead Legs finalmente sufre las consecuencias de su "estratagema de venganza horriblemente mal dirigida". [177] Rosenthal señala el elemento redentor con el que Browning-Chaney dota al destino de Pharos / Dead Legs: " West of Zanzibar alcanza la cima de su horror psicológico cuando Chaney descubre que la chica que está usando como peón en su plan de venganza es su propia hija. Dead Legs emprendió su misión de venganza con total confianza en la justicia de su causa. Ahora, de repente, se siente abrumado por la comprensión de su propia culpa. Que Barrymore, como Crane, cometió la transgresión original no disminuye de ninguna manera esa culpa ".[178]
Un héroe de Browning nunca sentiría la compulsión de revivir simbólicamente un momento de humillación. En lugar de tomar la ruta filosófica de someterse a su frustración, el Chaney de Browning opta por la satisfacción primitiva de contraatacar, de convertir su trastorno emocional en una fuente de fuerza primordial. El espectador, que siente empatía por el protagonista, se sorprende al darse cuenta de su propio potencial para aprovechar el poder de su sentimiento de indignación. Esta es una de las razones por las que West of Zanzibar y las otras películas de Browning de Chaney son mucho más inquietantes que los misterios de terror que hizo con otros directores. - Stuart Rosenthal en Tod Browning: The Hollywood Professionals, Volumen 4 (1975) [179]
La deformidad física de Dead Legs lo reduce a gatear por el suelo y, por lo tanto, al "estado de un animal". [180] La ubicación de la cámara de Browning acentúa su "deslizamiento" de serpiente y establece "su transformación animal al cambiar repentinamente el marco de referencia visual a uno que pone al espectador al mismo nivel que la bestia en la pantalla, haciéndolo vulnerable a esto, logrado al inclinar la cámara hacia arriba al nivel del piso frente al sujeto en movimiento [solía] acentuar los movimientos deslizantes de Chaney [Dead Legs] en el oeste de Zanzíbar ". [181] Los historiadores del cine Stephanie Diekmann y Ekkehard Knörer afirman de manera más general "... el espectador en las películas de Browning nunca puede seguir siendo un voyeur; o más bien, nunca está seguro en su posición voyeurista ..." [182]
Diekmann y Knörer también sitúan al oeste de Zanzíbar en el ámbito de la tradición del Gran Guiñol :
En lo que a tramas se refiere, la proximidad del cine de Tod Browning al teatro del Grand Guignol es evidente ... Desde la mutilación castrante de Los tres impíos (1925) hasta la crueldad sádica y la brutalidad bestial entremezclada con la chinoiserie orientalizante de Where Oriente es Oriente (1929); de la treta de venganza horriblemente mal encaminada del oeste de Zanzíbar (1928); al no menos horriblemente exitoso plan de venganza de Freaks (1932); desde el doble cruce de armas de The Mystic hasta los giros y vueltas eróticamente cargados de The Show : solo en el nivel de la trama, todos estos son cercanos en espíritu y explícitamente a Andre de LordeEs el teatro del miedo y el horror. [177]
A pesar de ser caracterizado como un "pozo negro" por la revista de comercio de películas de censura Harrison's Reports , West of Zanzibar disfrutó de un éxito popular en la taquilla. [183]
Donde el este es el este (1929)
Adaptado por Waldemar Young de una historia de Browning y Harry Sinclair Drago , Where East Is East toma prestado su título de los versos iniciales y finales del poema de Rudyard Kipling de 1889 " La balada de Oriente y Occidente ": "¡Oh! Oriente es Oriente, y Occidente es Occidente, y nunca los dos se encontrarán ... " [184] La apropiación de Browning del término" Donde Oriente es Oriente "es a la vez irónica y subversiva con respecto a su presentación cinematográfica simultánea de los clichés eurocéntricos del" Oriente "( común en la publicidad, la literatura y el cine de principios del siglo XX), y su exposición de estos memes como mitos. [185]El historiador de cine Stefan Brandt escribe que este verso fue comúnmente invocado por los observadores occidentales para reforzar concepciones que enfatizan "la homogeneidad y consistencia interna de 'Oriente'" y señala que Kipling (nacido y criado en Bombay , India) estaba "lejos de ser uno -dimensional "cuando su obra literaria" desmantela el mito de la esencialidad étnica ": [186]
De Browning Donde Oriente es Oriente ... broma vuelve a representar la dimensión simbólica contenida en la frase de Kipling. La expresión no solo emerge en el título de la película; la visión de Oriente que se negocia y se muestra aquí en todo su absurdo es muy parecida a la asociada con Kipling. [187]
El biógrafo Bernd Herzogenrath añade que "paradójicamente, la película esencializa Oriente como una entidad universal y homogénea (" Donde Oriente es Oriente ") y lo deconstruye como un mito occidental que consiste únicamente en coloridas fantasías [masculinas]". [corchetes y paréntesis en el original] [188]
La última de las colaboraciones de Browning-Chaney con una "premisa escandalosa" [189] y su última película de la era muda, Where East Is East, fue comercializada por Metro-Goldwyn-Mayer "como un drama colonial en el molde de la ficción imperialista británica". [190]
Where East Is East , ambientada en la "pintoresca Indochina francesa de la década de 1920" [191], se refiere a los esfuerzos del cazador de caza mayor "Tiger" Haynes (Chaney) para detener la intervención de su amada hija mitad china Toyo ( Lupe Vélez ). casarse con Bobby "chico blanco" Bailey, un pretendiente occidental e hijo del dueño de un circo. Él cede cuando Bobby rescata a Toyo de un tigre que se escapó. La seductora asiática, Madame de Sylva ( Estelle Taylor ), la ex esposa de Tiger y madre de Toyo, que abandonó a su bebé para ser criada por Tiger, regresa para atraer a Bobby de Toyo y arruinar los planes de la pareja para la felicidad conyugal. [192] [193]Tiger toma una acción drástica, liberando a un gorila que despacha a Madame de Sylva pero hiere mortalmente a Tiger. Vive lo suficiente como testigo del matrimonio de Toyo y Bobby. [194] [195]
A primera vista, Where East Is East de Browning parece desplegar muchos de los estereotipos bien conocidos sobre Oriente que eran familiares de las producciones [de Hollywood] de las décadas de 1910 y 1920, sobre todo en la noción de Oriente como fundamentalmente diferente y único. Al mismo tiempo, el concepto de que "Oriente es Oriente" se satiriza mediante la puesta en escena de Oriente como una variedad de disfraces y gestos. La conjunción "dónde" [en el título de la película] insinúa la dimensión ficticia que Oriente acumuló a través de las películas de Hollywood. En el uso irónico que hace Browning de la frase de Kipling, es, sobre todo, este mundo construido de ficción cinematográfica el que alberga el mito de Oriente ... es sólo allí donde "Oriente es Oriente". - El historiador de cine Stefan Brandt enWhite Boy in Wonderland: Alteridad cultural y deseo sexual en Where East Is East (2006). [196]
En una secuencia clave en la que el estadounidense Bobby Bailey ( Lloyd Hughes ), apodado "niño blanco", es brevemente seducido por la asiática Madame de Sylva (madre de la prometida de Bobby, Toya), Browning ofrece un intercambio de intertítulos plagado de clichés que es desmentido por su tratamiento cinematográfico. El historiador de cine Stefan Brandt escribe: "Aquí Browning juega con las ambigüedades involucradas en la mala interpretación común del poema de Kipling, animando a su audiencia estadounidense a cuestionar los patrones existentes del discurso colonial y llegar a conclusiones que van más allá de ese modo de pensar. La versión romántica de el Oriente como una tierra de misticismo eterno se expone aquí como una ilusión eurocéntrica de la que no debemos caer ". [197]
La presentación de Browning de la seductora Madame de Sylva -cuyo título francés difiere de sus orígenes asiáticos- introduce uno de los temas principales de Browning: Realidad vs. Apariencia . Rosenthal señala que "la belleza física que enmascara la perversidad es idéntica a la premisa habitual de Browning de respetabilidad que cubre la corrupción. Esta es la fórmula utilizada en Where East Is East . El rostro espinoso de Tiger enmascara una gran cantidad de bondad, amor paterno sensible y duradero. Pero detrás de lo exótico La belleza de Madame de Silva radica en una manera untuosa, siniestra y en una crueldad cruel ". [38]
Las imágenes de animales con las que Browning invierte Where East Is East informaron la caracterización de Lon Chaney de Tiger Haynes, el nombre solo lo identifica como "cazador de tigres y el tigre mismo". [198] El biógrafo Stuart Rosenthal comenta sobre la caracterización de Browning-Chaney de Tiger Haynes:
La amargura de Tiger en Where East if East es el resultado del disgusto por la traición pasada y presente de Madame de Silva. [Tiger Haynes] se esfuerza desesperadamente por superar [su] vergüenza interior y, al vengarse, restablecer sus sentimientos personales de dominio sexual. [199]
Como en The Unknown (1927) de Browning, en el que el protagonista Alonzo es pisoteado hasta la muerte por elefantes, "los animales se convierten en agentes de destrucción para Tiger [Haynes] en Where East Is East ". [200]
Películas sonoras: 1929-1939
Al completar Where East Is East , MGM se preparó para realizar su primera producción sonora, The Thirteenth Chair (1929). La cuestión de la adaptabilidad de Browning a la ineludible transición de la industria cinematográfica a la tecnología del sonido es objeto de debate entre los historiadores del cine. [201]
Los biógrafos David Skal y Elias Savada informan que Browning "había hecho su fortuna como director de cine mudo, pero tenía considerables dificultades para adaptar su talento a las películas sonoras". [202] La crítica de cine Vivian Sobchack señala que Browning, tanto en sus creaciones mudas como sonoras, "comienza con lo visual en lugar de la narrativa" y cita al director Edgar G. Ulmer : "hasta el final de su carrera, Browning trató de evitar el uso de diálogo; quería obtener efectos visuales ". [203] El biógrafo Jon Towlson sostiene que Browning's 1932 Freaksrevela "un director con el control total del medio [sonoro], capaz de usar la cámara para revelar un subtexto rico debajo del diálogo" y en desacuerdo con la evaluación general de las imágenes de la era post-muda de los cineastas. [204]
La obra sonora de Browning consta de nueve largometrajes antes de su retiro del cine en 1939. [205]
La decimotercera silla (1929)
La primera película sonora de Browning, The Thirteenth Chair se basa en una obra de teatro de 1916 "misterio de asesinato en el salón" de Bayard Veiller adaptada por primera vez al cine en una versión muda de 1919 y más tarde una nueva versión sonora en 1937 . [206]
Ambientada en Calcuta , la historia trata de dos homicidios cometidos en sesiones espiritistas. Se emplean la ilusión y el engaño para exponer al asesino. [207]
En un reparto con algunos de los mejores jugadores contratados de MGM, incluidos Conrad Nagel , Leila Hyams y Margaret Wycherly [208], la húngara-estadounidense Bela Lugosi , una veterana del cine mudo y la estrella de Broadway Drácula (obra de 1924) (1924) fue reclutada por Browning. para interpretar al inspector Delzante, cuando en un momento Lon Chaney se negó a embarcarse en una película hablada. [209] [210]
La primera de sus tres colaboraciones con Lugosi, el manejo de Browning del papel del actor como Delzante anticipó el papel del Conde Drácula en su Drácula (1931). [211] Browning dota a Delzante de Lugosi de extrañas excentricidades, incluyendo un inglés gutural, entrecortado y cejas fuertemente acentuadas, características que Lugosi hizo famoso en sus papeles cinematográficos como vampiros. [212] El historiador de cine Alfred Eaker comenta: "Una grave incomodidad estropea esta película, un producto de ese período de transición del silencio al nuevo e imponente medio de sonido. Debido a esa incomodidad, The Thirteenth Chair no es Browning en su mejor forma". [73]
Fuera de la ley (1930)
Una nueva versión de la versión muda de Browning de 1921 protagonizada por Priscilla Dean y Lon Chaney, quienes aparecieron en papeles dobles.
Fuera de la ley se refiere a una rivalidad criminal entre gánsteres. Está protagonizada por Edward G. Robinson como Cobra Collins y Mary Nolan como su moll Connie Madden. El crítico de cine Alfred Eaker comentó que la nueva versión de Browning "recibió críticas comparativamente malas". [213] [214]
Drácula (1931): La primera película sonora de terror.
"Yo soy Drácula" . - Introducción icónica de Bela Lugosi como el vampiro Conde Drácula. [215]
Drácula de Browning inició el género de terror moderno y sigue siendo su única "película de terror verdadera". [216] Hoy en día, la película se erige como la primera de las dos obras maestras de la era del sonido de Browning, sólo rivalizada por sus Freaks (1932). [217] La película puso en marcha la muy lucrativa producción de películas de vampiros y monstruos de Universal Studios durante la década de 1930. [218] Browning se acercó a Carl Laemmle Jr. de Universal en 1930 para organizar una versión cinematográfica de la novela de terror gótica de Bram Stoker de 1897 Drácula , previamente adaptada al cine por el director FW Murnau en 1922. [219]En un esfuerzo por evitar demandas por infracción de derechos de autor, Universal optó por basar la película en las melodramáticas versiones teatrales de Drácula (1924) de Hamilton Deane y Louis Bromfield , en lugar de la novela de Stoker. [220] [221]
El actor Lon Chaney, que luego completaba su primera película sonora con el director Jack Conway en una nueva versión de The Unholy Three (1925) muda de Browning , fue elegido para el papel del Conde Drácula. [222] Con una enfermedad terminal de cáncer de pulmón, Chaney se retiró temprano del proyecto, una pérdida personal y profesional significativa para su colaborador Browning desde hace mucho tiempo. El actor murió durante el rodaje de Drácula. [223] El expatriado húngaro y actor Bela Ferenc Deszo Blasco, que aparece bajo el nombre artístico de Bela Lugosi , había interpretado con éxito el papel del Conde Drácula en las producciones estadounidenses de la obra durante tres años. [224]Según el historiador de cine David Thomson, "cuando Chaney murió, se dio por sentado que Lugosi tendría el papel en la película". [225]
Los poderes de control más impresionantes pertenecen a los vampiros, y la actitud de Browning hacia estos no muertos plantea un problema particularmente intrigante. Los vampiros dependen, para su apoyo, de los elementos débiles e inocentes de la sociedad que desprecia Browning. Se sostienen a sí mismos a través de la sangre de los débiles ... pero son vulnerables a aquellos que tienen la determinación de resistirlos. - Stuart Rosenthal en Tod Browning: The Hollywood Professionals, Volumen 4 (1975) [226]
La interpretación de Lugosi del Conde Drácula está indisolublemente ligada al género vampírico establecido por Browning. Como observa la crítica de cine Elizabeth Bronfen, "la notoriedad del Drácula de Browning dentro de la historia del cine reside sobre todo en la extraña identificación entre Bela Lugosi y su papel". [227] Browning establece rápidamente lo que se convertiría en la condición sine qua non de Drácula y de Bela Lugosi : "La cámara enfoca repetidamente la mirada hipnótica de Drácula, que, junto con su articulación idiosincrásica, se convertiría en su marca cinematográfica". [228]El historiador de cine Alec Charles observa que "La primera vez que vemos a Bela Lugosi en Drácula de Tod Browning ... mira casi directamente a la cámara ... Browning ofrece a la audiencia la primera de esas famosas miradas intensas y directas de Lugosi. , un estilo de mirada que sería duplicado una y otra vez por los imitadores menores de Christopher Lee y Lugosi ... " [229] Lugosi abrazó su personaje de la pantalla como el preeminente" vampiro aristocrático de Europa del Este "y dio la bienvenida a su encasillamiento, asegurando a su "legado artístico". [230]
La crítica de cine Elizabeth Bronfen informa que la interpretación cinematográfica del guión de Browning ha sido ampliamente criticada por los estudiosos del cine. Se cita a Browning por no proporcionar un "montaje o plano / plano inverso" adecuado, la "incoherencia de la narrativa" y su supuesto mal manejo del "diálogo inverosímil" que recuerda al "teatro filmado". Bronfen señala además las quejas de los críticos de que Browning no registró visualmente el icónico catálogo vampírico: heridas punzantes en el cuello de las víctimas, la ingesta de sangre fresca, una estaca que penetra en el corazón del Conde Drácula. Además, no se visualizan "escenas de transformación" en las que los no muertos o los vampiros se transforman en lobos o murciélagos. [231]
Los críticos de cine han atribuido estos "supuestos defectos" a la falta de entusiasmo de Browning por el proyecto. La actriz Helen Chandler , quien interpreta a la amante de Drácula, Mina Seward, comentó que Browning parecía desconectada durante el rodaje y dejó la dirección al director de fotografía Karl Freund. [232]
Bronfen enfatiza las "restricciones financieras" impuestas por los ejecutivos de Universal, limitando estrictamente la autorización para efectos especiales o tomas técnicas complejas, y favoreciendo una cámara estática que requiere que Browning "filme en secuencia" para mejorar la eficiencia. [233] Bronfen sugiere que las propias preocupaciones temáticas de Browning pueden haberlo llevado, en esta, 'la primera película sonora de terror', a privilegiar la palabra hablada sobre los trucos visuales ":
La preocupación de Browning siempre fue con los extraños deseos de aquellos en los márgenes sociales y culturales. Le basta con representar sus fantasías como fragmentos escénicos, que no requieren una historia coherente ni sensacional ... la teatralidad de su interpretación fílmica enfatiza tanto el poder de sugestión que emana de la mirada hipnótica del Conde Drácula y la voluntad del profesor Van Helsing. poder, así como la seducción transmitida al poner en primer plano las voces de lo marginal y monstruoso ... incluso la elección de una cámara estática parece lógica, una vez que se ve como un intento de saborear las posibilidades recién descubiertas del sonido como medio de seducción película de terror. [234]
El escenario sigue al vampiro Conde Drácula a Inglaterra, donde se alimenta de miembros de la clase media alta británica, pero se enfrenta al némesis Profesor Van Helsing, ( Edward Van Sloan ) que posee suficiente fuerza de voluntad y conocimiento del vampirismo para derrotar al Conde Drácula. [235] El historiador de cine Stuart Rosenthal comenta que "la versión Browning de Drácula conserva la formalidad victoriana de la fuente original en las relaciones entre los personajes normales. En esta atmósfera, el mal hirviente e imparable personificado por el Conde es una materialización de la mayor moralidad victoriana. miedo." [236]
Varias secuencias de Drácula han merecido una mención especial, a pesar de las críticas sobre la "calidad estática y teatral de la película". [237] La secuencia de apertura dramática y siniestra en la que el joven abogado Renfield ( Dwight Frye ) es transportado en un carruaje al castillo de Transilvania del Conde Drácula es una de las más discutidas y elogiadas de la película. A la técnica expresionista de Karl Freund se le atribuye en gran medida su éxito. [238]
Browning emplea "un dispositivo favorito" con un montaje de animales al principio de la película para establecer una equivalencia metafórica entre la aparición de los vampiros de sus criptas y las pequeñas alimañas parásitas que infestan el castillo: arañas, avispas y ratas. [239] A diferencia de las películas anteriores de Browning, Drácula no es una "larga serie de trucos [ilusionistas], realizados y explicados" [182], sino más bien una aplicación de efectos cinematográficos "que presentan al vampirismo como una 'realidad' científicamente verificada". [240]
A pesar de que los ejecutivos de Universal editaron partes de la película de Browning, Drácula tuvo un enorme éxito. [241] Estrenada en el Roxy Theatre de la ciudad de Nueva York , Drácula ganó $ 50,000 en 48 horas y fue la película más lucrativa de Universal de la Era de la Depresión . [242] Cinco años después de su lanzamiento, había recaudado más de un millón de dólares en todo el mundo. [220] El crítico de cine Dennis Harvey escribe: "" La enorme popularidad de Drácula aceleró el regreso de Browning a MGM, bajo condiciones financieras muy favorables y la protección de su aliado de toda la vida, el jefe de producción Irving Thalberg ". [243] [244]
Hombre de hierro (1931)
La última de las tres películas sonoras de Browning que dirigió para Universal Studios, Iron Man (1931), se ignora en gran medida en la literatura crítica. [245] [246]
Descrito como "un cuento con moraleja sobre el boxeador como un hombre físicamente poderoso derribado por una mujer", [247] la historia del box de Browning carece de los elementos macabros que típicamente dominan su cine. [248] La historiadora de cine Vivian Sobchack observa que "Iron Man, en el tema y la trama, generalmente se considera poco característico del otro trabajo de Browning". [92] Temáticamente, sin embargo, la imagen exhibe una continuidad consistente con su interés obsesivo en "situaciones de frustración moral y sexual". [249] [250]
El crítico de cine Leger Grindon cita los cuatro "motivos subsidiarios" reconocidos por el biógrafo de Browning Stuart Rosenthal: "apariencias que ocultan la verdad (particularmente la belleza física como una máscara para la villanía), frustración sexual, tendencias opuestas dentro de un protagonista que a menudo se proyectan en alter egos y finalmente , una incapacidad para asignar la culpa ". Estos temas son evidentes en Iron Man. [251] [252]
El actor Lew Ayres , tras su debut en la pantalla en la inmensamente exitosa película antibélica All Quiet on the Western Front (1930) de Universal , interpreta a Kid Mason, un campeón de boxeo ligero . Este drama deportivo trata sobre la lucha entre el amigo y manager de Kid, George Regan, Robert Armstrong , y la adúltera esposa del boxeador, Rose ( Jean Harlow ), por imponerse en un concurso por su afecto y lealtad. [253]
En lugar de depender en gran medida de "la edición y la composición como herramientas expresivas", Browning se alejó de una cámara fija "hacia un uso conspicuo del movimiento de la cámara" bajo la influencia de Karl Freund , director de fotografía del Drácula de 1931 . Iron Man exhibe esta "transformación" en el estilo cinematográfico de Browning al entrar en la era del sonido. [254] Leger Grindon proporciona esta evaluación de la última imagen de Browning para Universal:
Iron Man no es una anomalía en la carrera de Tod Browning; más bien, es una obra que da testimonio de la continuidad de sus inquietudes temáticas, además de mostrar su creciente facilidad con la cámara después de su trabajo con [el camarógrafo] Karl Fruend ... [255]
Aunque las ganancias de taquilla de Iron Man no están disponibles, una medida de su éxito se indica en los dos remakes que inspiró la película: Some Blondes Are Dangerous (1937) y Iron Man (1950). [247]
Browning regresó a los estudios MGM después de completar Iron Man para embarcarse en la película más controvertida de su carrera: Freaks (1932). [256] [257]
Magnum opus: Freaks (1932)
Freaks puede ser una de las películas más compasivas jamás realizadas. - El crítico de cine Andrew Sarris en The American Cinema: Directors and Directions, 1929-1968. (1968) pág. 229
Ni siquiera los más morbosos podrían encontrar esta imagen de su agrado. Decir que es horrible es decirlo con suavidad. Es repugnante hasta el punto de revolver el estómago ... Quien considere que esto [es] un entretenimiento debería ser internado en la sala de patología de algún hospital. - Harrison's Reports , 16 de julio de 1932 [258]
Si Freaks ha causado furor en ciertos círculos de censores, la culpa radica en la forma en que se hizo campaña al público. Me pareció una imagen interesante y entretenida, y no tuve pesadillas ni intenté asesinar a ninguno de mis familiares. - Motion Picture Herald , 23 de julio de 1932 [258]
Después del espectacular éxito de Drácula (1931) en Universal, Browning regresó a los estudios MGM, atraído por un generoso contrato y disfrutando de los auspicios del gerente de producción Irving Thalberg. [259] Anticipándose a una repetición de su reciente éxito en Universal, Thalberg aceptó la propuesta de historia de Browning basada en el cuento de Tod Robbins con temática circense "Spurs" (1926). [260]
El estudio compró los derechos y reclutó al guionista Willis Goldbeck y Leon Gordon para desarrollar el guión con Browning. [261] Thalberg colaboró estrechamente con el director en la preproducción, pero Browning completó todo el rodaje real de la película sin interferencia de los ejecutivos del estudio. [262] El presidente de Metro-Goldwyn-Mayer, Louis B. Mayer , registró su disgusto con el proyecto desde su inicio y durante el rodaje, pero Thalberg intervino con éxito en nombre de Browning para continuar con la película. [263] La imagen que surgió fue "el melodrama más notorio y extraño" de Browning. [264]
Una "obra de moralidad", Freaks se centra en la cruel seducción del enano Hans ( Harry Earles ), un espectáculo de circo, por la escultural trapecista Cleopatra ( Olga Baclanova ). Ella y su amante, el hombre fuerte Hércules ( Henry Victor ), planean asesinar al diminuto Hans por el dinero de su herencia después de humillarlo sexualmente. La comunidad de monstruos se moviliza en defensa de Hans, imponiendo una severa justicia a Cleopatra y Hércules: la antigua belleza del trapecio se transforma quirúrgicamente en un fenómeno secundario. [265]
Browning reclutó a un elenco de intérpretes formado en gran parte por espectáculos de fenómenos de carnaval, una comunidad y un entorno que el director conocía íntimamente. Los fanáticos del circo sirven como actores dramáticos y cómicos, fundamentales para el desarrollo de la historia, y no aparecen en sus respectivas rutinas de espectáculos secundarios como novedades. [266] [267]
Dos temas principales en la obra de Browning, "Frustración sexual" y "Realidad versus apariencias", surgen en Freaks del conflicto inherente a la incompatibilidad física entre Cleopatra y Hans. [268] La fantasía engañosa del ingenuo Hans de ganarse el afecto de Cleopatra — "seductora, madura, astuta y segura de sí misma" - provoca su desprecio, provocando "bromas sexuales crueles" en desacuerdo con sus atractivos encantos físicos. [269] Browning proporciona el fundamento moral para el ajuste de cuentas final con Cleopatra antes de que descubra la fortuna de Hans y planee asesinarlo. El historiador de cine Stuart Rosenthal explica:
Es aquí donde Browning justifica la interrupción de la ecuanimidad sexual de un individuo como motivo de represalia. La decisión de Cleopatra de casarse con el enano por su riqueza y luego deshacerse de él no es, en sí misma, un avance significativo en la villanía ... su crimen más atroz se comete cuando se burla de Hans al dejar caer provocativamente su capa al suelo y luego se arrodilla alegremente. permitir que su víctima lo reemplace sobre sus hombros ... Este tipo de explotación parece mucho más obscena que el acto de homicidio bastante limpio. [75]
Browning aborda otro tema fundamental de su trabajo: "Incapacidad para asignar culpa". La comunidad de monstruos demora el juicio sobre Cleopatra cuando insulta a Frieda ( Daisy Earles ), la enana intérprete que ama a Hans. [270] Su solidaridad social advierte moderación, pero cuando el asalto a Hans se vuelve atroz, actúan resueltamente para castigar al delincuente. Browning exonera a los fanáticos de cualquier culpa: están "totalmente justificados" en su acto de retribución. [271] Stuart Rosenthal describe esta doctrina, el "quid" del ideal social de Browning:
Freaks es la película que es más explícita sobre la cercanía de la igualdad y la retribución. Los monstruos viven según un código simple e inequívoco que uno imagina que podría ser el quid del ideal de Browning para la sociedad: 'Ofende a uno de ellos y ofende a todos' ... si alguien intenta dañar o aprovecharse de uno de ellos, toda la colonia responde rápida y seguramente para imponer el castigo apropiado. [272]
El estilo cinematográfico de Browning en Freaks está informado por los preceptos del expresionismo alemán , combinando un realismo tenue similar a un documental con una "sombra de claroscuro" para lograr un efecto dramático. [273]
La secuencia del banquete de bodas en la que Cleopatra y Hércules degradan brutalmente a Hans es "uno de los momentos más discutidos de Freaks " y, según la biógrafa Vivian Sobchack, "una obra maestra de sonido e imagen, y absolutamente única en concepción y realización". [274] [275]
La secuencia final en la que los monstruos llevan a cabo su "impactante" venganza y se revela el destino de Cleopatra "logra el nivel más sostenido de terror agudo de cualquier película de Browning". [276]
A Freaks se le dio la liberación general solo después de que Thalberg eliminó 30 minutos de imágenes para eliminar partes consideradas ofensivas para el público. [277] Aunque Browning tenía una larga historia de hacer películas rentables en MGM [118] Freaks fue un "desastre" en la taquilla, aunque obtuvo críticas mixtas entre los críticos.
La reputación de Browning como un cineasta confiable entre el establishment de Hollywood se vio empañada, y completó solo cuatro películas más antes de retirarse de la industria después de 1939. Según el biógrafo Alfred Eaker, " Freaks , en efecto, terminó con la carrera de Browning". [278] [279]
Trabajadores rápidos (1933)
A raíz del fracaso comercial de sus Freaks de 1932 , Browning fue asignado a producir y dirigir (sin acreditar) una adaptación de la obra Rivets de John McDermott . [280]
El guión de Fast Workers de Karl Brown y Laurence Stallings dramatiza las infidelidades mutuas, a menudo divertidas, que plagan un ménage à trois que incluye a un trabajador de la construcción de gran altura y al seductor Gunner Smith ( John Gilbert ), su compañero de trabajo y compinche, Bucker Reilly. ( Robert Armstrong ) y Mary ( Mae Clarke ), una atractiva " cazafortunas " que buscaba estabilidad financiera y emocional durante la Gran Depresión . [281] Browning incorpora todos los modos temáticos que suelen motivar a sus personajes. [282] El historiador de cine Stuart Rosenthal escribe:
En Fast Workers, las cuatro variedades de frustración [283] están tan bien integradas entre sí que es difícil, si no imposible, decir dónde termina una y comienza la otra. Estas interrelaciones la convierten en una de las películas más desconcertantes de Browning, especialmente en lo que respecta a la moral y la justicia. [284]
Las traiciones, humillaciones y represalias que asolan a los personajes, y la legitimidad moral de sus comportamientos siguen sin resolverse. Rosenthal comenta sobre la ambivalencia de Browning: " Fast Workers es la última palabra cínica de Browning sobre la imposibilidad de que un individuo obtenga justicia, por muy justa que sea su causa, sin ensuciarse críticamente a sí mismo. Superficialmente, las cosas se han arreglado bien. Gunner y Bucker son nuevamente amigos y, juntos son iguales a cualquier mujer astuta. Sin embargo, Gunner, el individuo más culpable, se encuentra en la posición más segura, mientras que la básicamente bien intencionada Mary es rechazada y condenada por ambos hombres ". [285]Un ejemplo sobresaliente de la capacidad de Browning para transmitir visualmente terror, una técnica que desarrolló en la era del cine mudo, se demuestra cuando Mary percibe que Bucker, puesto los cuernos por Gunner, revela su rabia homicida. [286]
Metro-Goldwyn-Mayer comprometió $ 525,000 para el presupuesto de producción de la película, una suma bastante alta para un largometraje relativamente corto. En última instancia, MGM informó ganancias de solo $ 165,000 en la película después de su lanzamiento, lo que resultó en una pérdida neta de $ 360,000 en la película. [287]
Marca del vampiro (1935)
Browning volvió a una imagen con temática de vampiros con su Marca del vampiro de 1935 . [288] En lugar de arriesgarse a una batalla legal con Universal Studios, que tenía los derechos del Drácula de Browning de 1931 , optó por una repetición de su exitosa era del cine mudo London After Midnight (1927), realizada para MGM y protagonizada por Lon Chaney en un papel doble. . [289]
Con Mark of the Vampire , Browning sigue la presunción de la trama empleada en London After Midnight : un investigador e hipnotizador busca exponer a un asesino por medio de una "mascarada de vampiros" para obtener su confesión. [290] Browning se desvía de su película muda de 1927 en que aquí el detective, el profesor Zelen ( Lionel Barrymore ), [291] en lugar de hacerse pasar por un vampiro en un papel doble, contrata a un grupo de talentosos thesbians para montar un elaborado engaño para engañar al sospechoso de asesinato, el barón Otto von Zinden ( Jean Hersholt ). [292] Bela Lugosi fue reclutada para interpretar al vampiro principal de la compañía, el Conde Moro. [293]Como descendiente directo de las películas de Browning con temas de carnaval, Browning ofrece a la audiencia de la película una generosa dosis de iconografía gótica: "trances hipnóticos, murciélagos que aletean, cementerios espeluznantes, órganos quejumbrosos, telarañas gruesas como cortinas, y lo unió todo con trozos de oscuro folclore de Europa del Este ... " [294]
Como tal, Mark of the Vampire lleva a la audiencia a suspender la incredulidad en su escepticismo con respecto a los vampiros a través de una serie de ilusiones escenificadas, solo para desengañarlos drásticamente de su credulidad en los minutos finales de la película. [295] [296] Según los informes, Browning compuso las escenas de la trama convencional como lo haría en una producción teatral, pero suavizó la impresión estática a través del proceso de edición. En escenas que representaban lo sobrenatural, Browning usó libremente una cámara en movimiento. El historiador de cine Matthew Sweney observa que "las tomas de efectos [especiales] ... dominan las tomas estáticas en las que tienen lugar la trama y el desenlace de la película ... creando una tensión visual en la película".
Los métodos de iluminación del director de fotografía James Wong Howe dotaron a la película de una calidad espectral que complementaba el "sentido de lo irreal" de Browning. [297] El crítico Stuart Rosenthal escribe:
"La textura delicada, sedosa y maligna [que caracteriza las imágenes] es tanto un triunfo para la iluminación de James Wong Howe como para el sentido de lo irreal de Browning. Howe ha bañado sus decorados con el resplandor luminoso que está libre de sombras ásperas y contrastes que marcan la obra de Freund en Drácula ". [298]
Mark of the Vampire es ampliamente citado por su famosa "toma de seguimiento en la escalera" en la que el Conde Mora ( Bela Lugosi ) y su hija Luna ( Carol Borland ) descienden en un paseo majestuoso. Browning entrecruza su progreso con imágenes de alimañas e insectos venenosos, equivalentes visuales de los vampiros que emergen de sus propias criptas en busca de sustento. [299] Rosenthal describe la secuencia de un minuto:
"... Bela Lugosi y la niña murciélago [Carol Borland] descienden por la escalera cubierta de telarañas de la mansión abandonada, su progreso se divide en una serie de tomas, cada una de las cuales implica un movimiento continuo de la cámara, los jugadores o ambos. Esto crea la impresión de un movimiento de deslizamiento constante y sobrenatural ... los destellos de murciélagos, ratas e insectos acentúan el progreso constante y deliberado de la horrible pareja ... el efecto es desorientador y el espectador se siente incómodo porque está completamente fuera de su ámbito de experiencia natural ". [300]
En otra escena notable y "exquisitamente editada", Browning presenta una seducción inspirada en las lesbianas. El Conde Mora, en forma de murciélago, convoca a Luna al cementerio donde Irene Borotyn ( Elizabeth Allan ) (hija de la víctima de asesinato Sir Karell, espera en un trance). Cuando el vampiro Luna abraza ávidamente a su víctima, el Conde Moro mira voyeurísticamente con aprobación. . Luna de Borland inspiraría al personaje de Morticia en la serie de televisión The Addams Family . [301]
La banda sonora de Mark of the Vampire es notable porque no emplea música orquestal además de acompañar los créditos de apertura y cierre. Los pasajes melódicos, cuando se escuchan, son proporcionados solo por los intérpretes. Los efectos de sonido proporcionados por el director de grabación Douglas Shearer contribuyen significativamente al ambiente de la película. [302] [303] El historiador de cine Matthew Sweney escribe:
"La única música incidental ... que consiste en gemidos y sonidos de animales nocturnos es quizás minimalista, pero no se usa mínimamente, y ocurre a lo largo de la película expresamente para marcar las escenas de vampiros ... las escenas aterradoras no están salpicadas de crescendos orquestales, sino por los bebés llorando, las mujeres gritando, los caballos relinchando, las campanas sonando ". [304]
El golpe de gracia climático ocurre cuando la incredulidad del asesino con respecto a la existencia de vampiros se invierte cuando Browning crea cinematográficamente una asombrosa ilusión de la Luna alada en vuelo transformándose en un humano. El racionalista barón Otto, testigo de esta prestidigitación, se convierte en un creyente en lo sobrenatural y finalmente confiesa, bajo hipnosis, el asesinato de su hermano Sir Karell. [305]
En los últimos cinco minutos de Mark of the Vampire , el público del teatro se enfrenta a la "trampa teatral" que Browning ha tendido a lo largo de la película: ninguno de los elementos sobrenaturales de la película es genuino; los "vampiros" son simplemente actores involucrados en una engaño. Esto se hace explícito cuando Bela Lugosi, que ya no tiene el personaje del Conde Moro, le dice a un compañero actor: "¿Me viste? ¡Era más grande que cualquier vampiro real!" [306]
La muñeca diabólica (1936)
En esta, la penúltima película de su carrera, Browning creó una obra que recuerda sus colaboraciones con el actor Lon Chaney durante la época del cine mudo, en un "melodrama bizarro" The Devil-Doll . [307]
Basado en la novela Burn, Witch, Burn (1932) de Abraham Merritt , el guión fue elaborado por Browning con contribuciones de Garrett Fort , Guy Endore y Erich von Stroheim (director de Greed (1924) y Foolish Wives (1922)), y "aunque tiene sus momentos horribles, como Freaks (1932), The Devil-Doll no es una película de terror". [308]
En The Devil-Doll , Browning toma prestados algunos de los recursos de la trama de The Unholy Three de 1925 . [309]
Paul Lavond ( Lionel Barrymore ) ha pasado 17 años encarcelado en Devil's Island , acusado de asesinato y malversación cometidos por sus socios financieros. Se escapa de la prisión con su compañero de recluso, el enfermo Marcel ( Henry B. Walthall ). El científico con una enfermedad terminal le cuenta a Lavond su fórmula secreta para transformar a los humanos en marionetas animadas en miniatura. En alianza con la viuda de Marcel, Malita ( Rafaela Ottiano ), el vengativo Lavond desata un ejército de diminutos "muñecos" vivientes para exigir una terrible retribución contra los tres "impíos" banqueros. [310]La biógrafa Vivian Sobchack reconoce que "las premisas sobre las que descansa la trama de venganza son increíbles, pero la realización visual es tan fascinante que nos atrae, sin embargo, a un mundo que parece bastante creíble y conmovedor" y recuerda a los espectadores que "hay algunos escenas cómicas de la película ... " [311]
El papel dual de Barrymore como Lavond y su personaje travesti, la anciana Madame Mandilip, propietaria de una tienda de muñecas, es sorprendentemente similar al Professor Echo de Lon Chaney y su contraparte travesti "Granny" O'Grady, dueña de una tienda de loros en The Unholy Three ( 1925). [312] El crítico de cine Stuart Rosenthal señala que el reciclaje de Browning de esta caracterización como un dispositivo de trama "es una prueba más de la intercambiabilidad de los héroes de Browning, todos los cuales actuarían de manera idéntica si se dieran las mismas circunstancias". [313]
Temáticamente, The Devil-Doll presenta una versión de la frustración sexual "indirecta" de Browning. [314] Aquí, la hija de Lavond, Lorraine ( Maureen O'Sullivan ), ignorante de la identidad de su padre, sigue siéndolo. Stuart Rothenthal explica:
"Lionel Barrymore en The Devil-Doll hace un intento [como lo hizo Lon Chaney en The Road to Mandalay (1926) y West of Zanzibar (1928)] para proteger a su hija de la vergüenza y la infelicidad ocultándole su identidad incluso después de que él haya ha sido absuelto de malversación. De manera irónica, al negarse a sí mismo a su hija, se está castigando por los delitos que cometió en el curso de su autoexoneración ... Claramente, la consecuencia más deplorable [de su trampa] no fue la años que pasó en prisión, pero la alienación del amor y el respeto de su hija ". [315]
Rosenthal señala otro paralelismo entre The Devil-Doll y The Unholy Three (1925): "La preocupación de Lavond por su hija y la negativa a abusar de sus poderes lo marcan como un buen hombre ... cuando su venganza es completa, como Echo [en The Los tres impíos ], Lavond demuestra una naturaleza sumamente benéfica ". [316]
El uso competente de Browning de la cámara y los notables efectos especiales que representan a las personas "en miniatura" son a la vez inquietantes y fascinantes, dirigidos con "habilidad espeluznante". [317]
Los historiadores del cine Stefanie Diekmann y Ekkehard Knörer informan que el único vínculo directo entre la fascinación de Browning por "lo grotesco, lo deformado y lo perverso" [318] y las tradiciones del Gran Guiñol francés es la actriz Rafaela Ottiano, que interpreta a la científica Matila obsesionada con las muñecas. Antes de su papel secundario en The Devil-Doll , disfrutó de "una carrera distinguida como intérprete de Grand Guignol". [319]
Poco después de la finalización de The Devil-Doll , el mentor de Browning en MGM Irving Thalberg murió a la edad de 37 años. Browning no recibió crédito en la pantalla por la película. Pasarían dos años antes de su última película: Miracles for Sale (1939). [320]
Milagros en venta (1939)
Miracles for Sale (1939) fue el último de los cuarenta y seis largometrajes que Browning realizó para los estudios Universal y MGM desde que comenzó a dirigir en 1917. [321] [322] La carrera de Browning había estado en suspenso durante dos años después de completar The Devil- Doll en 1936. [323]
En 1939, fue el encargado de adaptar Clayton Rawson 's misterio-habitación cerrada con llave , la muerte de un sombrero de copa (1938). Robert Young aparece como "The Amazing Morgan", un prestidigitador y "proveedor de equipo para espectáculos de magia". Florence Rice interpreta a la ingenua Judy Barkley. En esto, su " canto del cisne " cinematográfico , Browning "retoma temas obsesivos y familiares de espiritualismo falso, actos mágicos [y] transformación a través de disfraces ..." [324] y, como con prácticamente todas las exploraciones de Browning sobre las artes de la ilusión y los "reinos de la magia teatral", su denoumae proporciona "una solución impírica" al misterioso asesinato. [325]
Miracles for Sale comienza con una secuencia sorprendente que incluye una ilusión gráfica que representa una "mutilación por debajo de la cintura". El crítico de cine Stuart Rosenthal escribe:
"Al margen de un campo de batalla, un oficial militar oriental reprende a una hermosa espía por haber enviado inteligencia que ha llevado al bombardeo de una escuela. Él ordena que la coloquen en el ataúd de un niño ('¿Entiendes por qué solo tenemos ataúdes pequeños disponibles? 'él se burla) con la cabeza y los pies de ella sobresaliendo de ambos extremos, y les dice a sus hombres que ametrallen el ataúd por la mitad. Después de que se haya llevado a cabo la espantosa orden, para asombro del espectador [de la película], se revela que la ejecución es simplemente una variación del truco tradicional de 'cortar a una mujer por la mitad'. La ilusión está siendo ofrecida a la venta por 'The Amazing Morgan' [Robert Young], un proveedor de parafernalia de magos ... " [326]
A pesar de esta "sacudida inspirada" al comienzo de la película, Miracles for Sale es la obra sonora más "ligada al estudio" de Browning y, según el crítico de cine Stuart Rosenhal, "la única producción de Browning que realmente parece un trabajo de estudio de MGM ..." [327]
Miracles for Sale perdió dinero en la taquilla, devolviendo solo $ 39,000 a MGM en una inversión de $ 297,000. La evaluación crítica fue en general positiva. [328]
A principios de la década de 1940, la macabra sensibilidad de Browning ya no era bienvenida en un Hollywood que luchaba por "glamour y prestigio". [329] Browning fue despedido sumariamente en MGM por el productor Carey Wilson después del lanzamiento de Miracles for Sale y fue, según el propio director, " excluido " de Hollywood como cineasta. [330] Stephanie Diekmann y Ekkehard Knörer ofrecen esta evaluación del esfuerzo cinematográfico final de Browning:
"Las películas posteriores a los Freaks de Browning estaban cerca de las parodias de lo que lo había convertido en uno de los grandes directores de la década de 1920. La única excepción es su maravilloso canto del cisne , Miracles for Sale, que en la forma ridícula de la comedia chiflada evoca un mundo de trampas y juegos de manos, de engaños y artimañas; en resumen, el mundo del teatro de Tod Browning, por última vez. La suya es una carrera que no terminó ni con un estallido ni un susurro, sino una actuación que se burla de un audiencia que cree lo que ve ". [331]
El historiador de cine Alfred Eaker añade que "toda la estructura de Miracles for Sale es una ilusión en sí misma, lo que la convierte en un telón de fondo sublime para el director ..." [332]
Browning ofreció ocasionalmente guiones a MGM, pero finalmente se desligó por completo de la industria cinematográfica y en 1942 se retiró a su casa en Malibu, California . [333]
Años finales y muerte
En 1944, la esposa de Browning, Alice, murió en 1944 por complicaciones de una neumonía, dejándolo recluso en su retiro de Malibu Beach. [334] [335] Para entonces, Browning se había aislado tanto del establecimiento de Hollywood que Variety publicó por error un obituario ese año para Browning, confundiendo la muerte de su cónyuge con el ex director. [336]
En 1949, el Director's Guild of America otorgó una membresía vitalicia a Browning; en el momento de su muerte, sólo cuatro de los colegas de Browning habían disfrutado del honor. [337]
Browning, ahora viudo, vivió aislado durante casi 20 años, "un recluso alcohólico". [338] En 1962 le diagnosticaron cáncer de laringe. El procedimiento quirúrgico realizado para corregir la condición lo dejó mudo. [339]
Tod Browning murió solo en su casa el 6 de octubre de 1962. [340]
Valoración crítica póstuma
Vivian Sobchack : "... Browning fue a veces llamado el Edgar Allan Poe del cine '[y] muy admirado por los surrealistas . Las creaciones de Browning eran, por supuesto, también un cine comercial. Las películas sugieren un hombre de humor y compasión que tenía una oscura y melancólica fascinación por la deformidad física y por lo exótico y extraordinario, y sin embargo, que observaba las rarezas de la vida con objetividad sin prejuicios y algo de deleite. Un sureño que se escapó con el circo; un ex vaudeville y mago que viajó por el mundo antes de convertirse en cineasta, esteta [literario] y bebedor de cerveza, sobre todo narrador, Browning era poeta y pragmático ". [341]
Alfred Eaker : "El propio Browning sigue siendo rechazado por críticos menos perspicaces, que evalúan al hombre y su obra según los estándares del entretenimiento contemporáneo o incluso acusan al gran artista empático de explotación. La posición de Browning sigue siendo baja. Ni él ni ninguna de sus películas han recibido un solo honor por parte de una importante institución de reconocimiento o preservación cinematográfica ". [342]
Stuart Rosenthal : "Aunque el trabajo de cualquier autor enfatizará repetidamente pensamientos e ideas específicas, Browning es tan agresivo e implacable en su búsqueda de ciertos temas que parece estar neuróticamente obsesionado con ellos. Inevitablemente se siente atraído por situaciones morales y sexuales. frustración ... [lo que distingue a Browning es su fascinación anormal por las criaturas deformadas que pueblan sus películas, una fascinación que no siempre es del todo intelectual, y en la que se deleita en extremo ". [343]
Filmografia
Director
- La transferencia de la suerte (1915)
- La esclava (1915)
- Una imagen del pasado (1915)
- Los alborotadores (1915)
- La historia de una historia (1915)
- El hechizo de la amapola (1915)
- La alarma eléctrica (1915)
- La muerte en vida (1915)
- La mano quemada (1915)
- La mujer de Warren (1915)
- La pequeña Marie (1915)
- El vaso de cerveza fatal (1916)
- Todo el mundo lo hace (1916)
- Marionetas (1916)
- Jim Bludso (1917)
- Un amor sublime (1917)
- ¡Manos arriba! (1917)
- Peggy, la voluntad del fuego fatuo (1917)
- El jurado del destino (1917)
- La Legión de la Muerte (1918)
- Los ojos del misterio (1918)
- Venganza (1918)
- ¿Cual mujer? (1918)
- El beso decisivo (1918)
- La belleza descarada (1918)
- Liberado (1918)
- El malvado querido (1919)
- El ladrón exquisito (1919)
- La mujer sin pintar (1919)
- El pétalo de la corriente (1919)
- Bonnie Bonnie Lassie (1919)
- La Virgen de Stamboul (1920)
- Fuera de la ley (1920)
- Ninguna mujer lo sabe (1921)
- El niño sabio (1922)
- Hombre encubierto (1922)
- Bajo dos banderas (1922)
- A la deriva (1923)
- El día de la fe (1923)
- Tigre blanco (1923)
- El coqueteo peligroso (1924)
- Medias de seda Sal (1924)
- Los tres impíos (1925)
- El místico (1925)
- Dólar abajo (1925)
- El mirlo (1926)
- El camino a Mandalay (1926)
- El espectáculo (1927)
- El desconocido (1927)
- Londres después de la medianoche (1927)
- La gran ciudad (1928)
- Oeste de Zanzíbar (1928)
- Donde el este es el este (1929)
- La decimotercera silla (1929)
- Fuera de la ley (1930)
- Drácula (1931)
- Hombre de hierro (1931)
- Monstruos (1932)
- Trabajadores rápidos (1933)
- Marca del vampiro (1935)
- La muñeca diabólica (1936)
- Milagros en venta (1939)
Actor
- Intolerancia (1916) - Crook (sin acreditar)
- Drácula (1931) - Harbourmaster (voz, sin acreditar, papel final de la película)
Ver también
- Lista de personas del área metropolitana de Louisville
Citas
- ^ "Tod Browning" . Departamento de Películas y TV The New York Times . 2007. Archivado desde el original el 13 de octubre de 2007 .
- ↑ Hall, Mordaunt (1931). "Drácula" . The New York Times .
- ^ "Monstruos" . The New York Times . 1932.
- ^ Towlson, 2017 Parte 2: Cita compuesta de la misma fuente. Y:
Towlson, 2017 Parte 1: "Los antecedentes de Browning como un niño de clase trabajadora en Kentucky [y] su posterior huida de una educación bautista al mundo del circo ..." - ^ Towlson, 2017 Parte 2: "Browning nació en Kentucky en 1889 en una familia de clase trabajadora. Su padre era albañil, carpintero y maquinista. Sus padres eran bautistas. Browning buscó escapar desde el principio". Y: "Un inconformista dentro de su familia, Browning parece haber tomado a su tío, el jugador de béisbol Pete Browning . Como Pete, fue alcohólico desde una edad temprana (una aflicción que eventualmente resultaría en que Pete fuera internado en una institución mental ). "
- ↑ Alford, 1995: "Pete, el tío jugador de béisbol de Browning, fue responsable del desarrollo del toletero de Louisville ..." Y: "Desafortunadamente para sus biógrafos, aparte de la anécdota, queda poca evidencia de la vida de infancia y las relaciones familiares de Tod".
- ^ Brogan, 2008: "Browning había estado fascinado con la cultura circense desde la infancia".
Eaker, 2016: "Se había escapado de una casa acomodada a la edad de 16 años para unirse a un espectáculo de carnaval y al bailarín del que se había enamorado".
Rosenthal, 1975 p. 7: Nacido el 12 de julio de 1882 en Louisville, Kentucky. "... según la mayoría de las fuentes ... se escapó de casa a los dieciséis años sin terminar el bachillerato ... se unió a un circo ..."
Herzogenrath, 2006 p. 10: "... se escapó con un carnaval ambulante cuando solo tenía 16 años ..." - ^ Herzogenrath, 2006 p. 10: "... un gerente y peón ..." Y: Manhattan Company "contorsionista".
- ^ Herzogenrath, 2006 p. 10: "... un número significativo de sus películas [están] ambientadas en el mundo del circo y el espectáculo secundario [y] Browning conocía muy bien el medio", retrató. Y: Vea aquí para un comentario sobre la rutina del cadáver viviente.
- ^ Barson, 2021: "Browning ... encontró un empleo estable en circos y carnavales como payaso, contorsionista, asistente de mago y ladrón".
- ^ Brogan, 2008: "Browning ... supuestamente se convirtió en un payaso de Ringling Brothers, un contorsionista ..."
- ↑ Alford, 1995: "Browning se casó con Amy Louise Stevens en 1906, pero la unión duró poco, ya que, según algunos relatos, Browning era un holgazán inútil que pedía dinero prestado. Browning aparentemente abandonó a su esposa por el vodevil".
- ^ Herzogenrath, 2006 p. 10: "... se bautizó y se reinventó a sí mismo como 'Tod' Browning ..." Y: Herzogenrath proporciona la traducción inglés-alemán tod = death.
- ^ Rosenthal, 1975 p. 7: "Él ... más tarde entró en el vodevil, viajando extensamente en actos como The World of Mirth , ' Mutt and Jeff ' y 'Lizard and Coon'"
Barson, 2021: "Después de trabajar en el vodevil como comediante de cara negra, contratado para la revista burlesca de larga duración The Whirl of Mirth , en la que apareció en bocetos basados en personajes de historietas populares de la época ".
Brogan, 2008: "... asistente de un mago". - ^ Robinson, 1968 p. 125: "Browning era un cómic de vodevil en el momento en que entró al cine como actor en Biograph Studios .
- ^ Henry, 2006 p. 41
- ^ Herzogenrath, 2006 págs. 10-11: "En 1909, Browning hizo su transición del carnaval a Hollywood (sic) [Ciudad de Nueva York], donde comenzó como actor en los cortos de payasadas de Edward Dillon". Y: "Antes de convertirse en director de cine, Tod Browning actuó en al menos 50 películas breves de payasadas, trabajando con actores que luego dirigiría ..."
- ^ Henry, 2006 p. 41: "... algunos de los que actuaron en las películas de Tod Browning tienen antecedentes de payasadas, en particular, los que actuaron enlaspelículas Keystone de Mack Sennett [entre ellos] Wallace Beery , Ford Sterling , Polly Moran , Wheeler Oakman , Raymond Griffith , Kalla Pasha , Mae Busch , Wallace MacDonald y Laura La Varnie ... "Y:" Edward Dillion fue el autor de la mayoría de los [primeros] cortometrajes de Browning ... "
- ^ Brogan, 2008: "Pasó a actuar y dirigir en la ciudad de Nueva York, donde DW Griffith lo contrató en Biograph Studio ..."
Rosenthal, 1975 p. 13: NOTA: Rosenthal parece informar erróneamente que Browning "entró en películas en 1913 o 1914 (dependiendo de la fuente) ..." [comentario entre paréntesis en el original]. Quizás Rosenthal asocia "entrar" con "dirigir" la película. Browning, según Herzogenrath y Boris Henry, ambos informan que este cambio al cine (actuación) tuvo lugar antes.
Barson, 2021: "En 1913 firmó con Biograph Company , donde, bajo la supervisión de DW Griffith , apareció en una serie de comedias famosas ".
Herzogenrath, 2006 p. 11: En Biograph "Browning conoció a DW Griffith, y ambos dejaron Biograph para el estudio Reliance-Majestic en 1913".
Robinson, 1968 p. 125: Browning "jugó en La madre y la ley de Griffith (1919) ..." - ^ Herzogenrath, 2006 p. 11: "... ambos hombres dejaron Biograph por Reliance-Majestic en 1913 ..."
- ^ Towlson, 2017 Parte 2: "... su compañero de Kentucky, DW Griffith, llevó a Browning a Hollywood como actor".
- ^ Rosenthal, 1975 p. 8
Solomon, 2006 pp. 49-50: "Después de que Browning se fue a trabajar como comediante de cine para otro nativo de Louisville, DW Griffith, en los estudios de cine Biograph en Nueva York, su comienzo, el mileu del carnaval (cursiva), a menudo se destacó - guión largo una asociación que continuaría a lo largo de toda su carrera ”. - ^ Sobchack, 2006 pp. 22, 37: "Internet Movies DataBase enumera 15 películas que Browning supuestamente dirigió entre 1914 y 1916 ..."
Barson, 2021: "En 1915 hizo su debut como director con la película muda de un carrete The Lucky Transfer . "
Alford, 1995: "En 1913, Tod Browning se convirtió en actor de películas, apareciendo en una serie de películas de Biograph one-relers ... En dos años estaba dirigiendo para Majestic Motion Picture Corporation".
Towlson, 2012: "Browning comenzó su carrera como director en 1917, después de trabajar como actor para DW Griffith". - ^ Towlson, 2017 Parte 2: "... un accidente automovilístico en 1915 que resultó en la muerte de un pasajero, Elmer Booth. Browning conducía bajo los efectos del alcohol cuando su automóvil chocó contra un tren en un cruce de ferrocarril. El propio Browning sufrió lesiones graves : una pierna derecha rota, lesiones internas no especificadas y probablemente la pérdida de los dientes frontales ".
- ↑ Barson, 2021: "En junio de ese año [1915], mientras conducía ebrio, chocó a gran velocidad con un tren en movimiento. Browning y el actor George A. Siegmann resultaron gravemente heridos; el actor Elmer Booth murió.
- ^ Towlson, 2017 Parte 2
- ^ Skal y Savada, 1995 p. 55
- ^ Sobchack, 2006 p. 22: Las excepciones comprenden "dos dramas serios, dos películas románticas y una película de terror. Todas las demás son melodramas de varios tipos".
- ↑ Brogan, año: "Un accidente automovilístico en 1915 terminó con su carrera como actor y se concentró en escribir durante su convalecencia".
Towlson, 2017 Parte 2: "... Los conocedores de Hollywood de la época, como el director George E. Marshall , han afirmado que las lesiones de Browning limitaron hasta cierto punto sus actividades físicas como adulto. Independientemente de la verdadera naturaleza y alcance de sus lesiones, el trauma que experimentó Browning fue genuino y profundo ". - ^ Towlson, 2017: "Browning sufrió ... una pierna derecha rota, lesiones internas no especificadas y probablemente la pérdida de los dientes frontales".
- ^ Sobchack, 2006 p. 35: "Browning, al principio de su carrera, trabajó en el departamento de historia de Majestic Pictures ..."
Barson, 2021: "Durante la larga convalecencia de Browning, se dedicó a escribir guiones ..." - ^ Rosenthal, 1975 p. 8
Barson, 2021: "Después de su recuperación, tuvo un pequeño papel en Intolerancia de Griffith(1916), mientras que también se desempeñaba como asistente de dirección en ella". - ^ Robinson, 1968 p. 125: Browning "... fue uno de los asistentes del maestro (Griffith) en Intolerancia (1916) ..."
- ^ Sobchack, 2006 p. 22: este pasaje está reformateado, texto idéntico.
- ↑ a b Sobchack, 2006 p. 22
- ^ Rosenthal, 1975 p. 9
Conterio, 2018: "Fijadas en la desfiguración humana y las figuras del inframundo, las películas están marcadas por una estética obsesiva y cruda y temas de compulsión". - ^ Rosenthal, 1975 págs. 8-9: Cita compuesta.
- ↑ a b Rosenthal, 1975 págs. 24-25
- ^ Rosenthal, 1975 p. 23: "... La frustración sexual ... se puede experimentar de primera mano o indirectamente, a través de un familiar cercano".
- ^ Rosenthal, 1975 p. 23: También "... la separación simbólica del par de cualidades en dos individuos". Y págs. 38-39: Analogía de Jekyll y Hyde.
- ^ Rosenthal, 1975 p. 23: "... el vengador debe pecar a menudo para castigar los pecados de otros [y] la culpa no se puede fijar claramente".
- ^ Rosenthal, 1975 p. 23
- ^ Grindon. 2006 p. 175: Grindon cita aquí la lista de Rosenthal.
- ↑ Barson, 2021: Browning "se mudó a la Fine Arts Film Company en 1917, donde codirigió (con Wilfred Lucas ) su primer largometraje, Jim Bludso (1917)".
Robinson, 1968 p. 125: Browning "dirigió su propia película de larga duración en 1917".
Brogan, 2008: "Después de ser aprendiz de Griffith en Intolerance (1916), Browning hizo su debut como director con Jim Bludso (1917), que también escribió". - ^ Rosenthal, 1975 p. 8: El "debut como director en solitario de Browning fue con Jim Bludso en 1917". Agregar ver p. 60 sobre el poema de John Hay
- ^ Alford, 1995: "Alice Watson se convirtió en su segunda esposa [en 1917], y permaneció así hasta su muerte en 1944".
- ^ a b Barson, 2021: "Browning pasó un año en Metro Pictures ..."
- ^ Rosenthal, 1975 p. 60: Vea aquí la filmografía de Metro en 1917 y 1918.
- ^ Herzogenrath, 2006 p. 11
- ^ Rosenthal, 1975 p. 60: Vea aquí la filmografía de Metro y los actores principales.
- ^ Rosenthal, 1975 p. 8: "En los estudios Universal hizo una serie de gran éxito de Universal" Joyas "[películas de prestigio] con Priscilla Dean". Y P. 60: Consulte la sección de Filmografía sobre "Bluebird".
- ^ Barson, 2021: Browning "firmó con Universal Film Manufacturing Company en 1918. Allí hizo nueve películas con la actriz principal Priscilla Dean".
- ^ Rosenthal, 1975 p. 61: Vea aquí la filmografía de Roberts y MacLaren con Browning.
- ^ Sobchack, 2006 p. 35: "La primera estrella importante con la que Browning trabajó regularmente fue Priscilla Dean ... Ella protagonizó nueve películas de Browning". Y: 'chicas duras'
- ↑ Barson, 2021: "... el éxito [de Universal Studios] The Virgin of Stamboul (1920)"
Sobchack, 2006 pp. 22-23: "El primer gran éxito de Browning fue The Virgin of Stamboul (1920) ... Carl Laemmle deje que Browning [gaste libremente] en la creación de un Estambul auténtico en el backlot de Universal Studios ".
Rosenthal, 1975 p. 61: Boceto de personajes proporcionado aquí. - ^ Henry, 2006 p. 41: "Browning eligió [Beery y otros actores] en estos papeles dramáticos [y] algunos aspectos de su actuación revelan que habían comenzado como artistas cómicos ..." Y p. 46: "Se puede ver que el uso del burlesque en las películas de Tod Browning tiene un fin utilitario ... Junto con otros elementos, sirven como un elemento esencial del 'Universo Browningiano'"
- ^ Rosenthal, 1975 p. 8: "Vehículos de Dean como El tigre blanco y Fuera de la ley son característicos" de este medio.
- ^ Sobchack, 2006 p. 23: "Browning amaba los escenarios exóticos" en los que en sus imágenes "depende de la extrañeza física del lugar para su efectividad y movimiento de la trama".
- ^ Salomón, 2006 p. 52: "... Las películas de Browning violan explícitamente el código profesional del mago, que estipula que las ilusiones escénicas [permanecen] ocultas al espectador ... Browning no dudó en exponer los métodos de los trucos de magia en la pantalla". Y pp. 50-51: "... antes de su carrera como director, Browning era un mago ... una revista de fanáticos del cine de 1914 lo describió ... como un artista de escape de espectáculos secundarios ..." Y: "Un número de las películas de Browning de la década de 1920 contienen sorprendentes reproducciones de ilusiones teatrales o cuasi teatrales que se representan no solo para los espectadores dentro de las películas, sino también para los espectadores contemporáneos de las mismas ".
- ^ Herzogenrath, 2006 p. 11: Chaney era "El hombre de las mil caras" ya en 1919.
- ^ Herzogenrath, 2006 p. 11: "Irving Thalberg reunió a Browning y Chaney en Universal ... [The Wicked Darling] la primera de una serie de colaboraciones altamente productivas ..."
Sobchack, 2006 p. 35: El primer papel importante de "Chaney" con Browning fue en The Wicked Darling (1919) ,,, "
Rosenthal, 1975 p. 8:" En 1919 [Browning] dirigía programas de películas para Universal, donde estableció contacto por primera vez con Lon Chaney. .. "
Solomon, 2006 p. 56:" Browning hizo dos películas en Universal con Chaney, The Wicked Darling (1919) y Outside the Law (1920) ". - ^ Rosenthal, 1975 p. 8
- ↑ Baxter, 1970 pp. 99-100: "... Browning tenía una afinidad natural por lo melodramático y lo grotesco que lo convirtió en la elección lógica para dirigir a Lon Cheney".
Sobchack, 2006 p. 34: "Ciertamente, el mejor trabajo de Browning fue para MGM ... todas sus películas para Universal se hicieron antes de 1924 y su madurez como cineasta ... algo de crédito debe ir a Irving Thalberg, quien, vicepresidente de Universal mientras Browning estaba allí "Y p. 24: Consulte aquí la fotografía con "trucos".
Towlson, 2012: "... Carl Laemmle e Irving Thalberg se emparejaron [Browning] con Lon Chaney para Outside the Law (1921). A partir de entonces, desarrolló una reputación por lo macabro, trabajando con Chaney en una serie de películas de terror mudas que han ser considerados clásicos ... "
Charles, 2006 p. 85: "Browning eligió a Lon Chaney para los papeles duales del villano Black Mike y el apacible chino Ah Wing". - ^ Rosenthal, 1975 p. 19
- ^ Sobchack, 2006 p. 36: "... cuando [Thalberg] dejó [Universal] en 1925 para unirse a la recién formada MGM". trajo a Browning y Chaney con él.
- ^ Sobchack, 2006 págs. 34-35: Consulte aquí la colaboración única como socio de guionistas de Browning.
Rosenthal, 1975 p. 19: "Las diez películas que Browning y Chaney hicieron juntos [dos en Universal, ocho en MGM] fueron las más exitosas de sus carreras". - ^ Robinson, 1968 p. 125: "En 1925 fue contratado por Metro-Goldwyn-Mayer / MGM y comenzó una serie de películas con Lon Chaney que deben figurar entre las películas más extraordinarias jamás realizadas".
- ^ Sobchack, 2006 p. 34: "Ciertamente, el mejor trabajo de Browning fue para MGM ... todas sus películas para Universal se hicieron antes de 1924 y su madurez como cineasta ... algo de crédito debe ir a Irving Thalberg, quien, vicepresidente de Universal mientras Browning estaba allí "trajo consigo a Browning" cuando [Thalberg] se fue en 1925 para unirse al recién formado MGM ".
- ^ Sobchack, 2006 p. 35: "La influencia de Lon Chaney en Browning parece considerable ... su importante colaboración realmente comenzó en MGM y con The Unholy Three (1925)".
- ^ Rosenthal, 1975 p. 19: "En estas películas se puede sentir una relación personal entre actor y director que debe haber sido más profunda que el mero respeto profesional".
- ^ Eaker, 2016: "El original y silencioso Unholy Three (1925) catapultó a Browning al estatus de director estrella".
- ^ Eaker, 2016: "The Unholy Three no es, en la superficie, tan macabro como las películas posteriores de Browning-Chaney [pero exhibe] caracterizaciones perversas y una trama surrealista".
Barson, 2021: "... el impactante (para el momento) cuento de circo The Unholy Three (1925), con Chaney como un ventrílocuo travesti que se une a un enano [sic] (Harry Earles), un hombre fuerte (Victor McLaglen), y un carterista (Mae Busch) para emprender una ola de crímenes que culmina en asesinato ... "
Robinson, 1968 p. 125: The Unholy Three (1925), sobre un ventrílocuo travesti, un enano [sic] y un hombre fuerte que llevan a cabo un negocio criminal al amparo de una tienda de mascotas, fue un comienzo prometedor (y rentable) ".
Sobchack, 2006 p. 25: "... contiene [los] elementos principales de los extraños melodramas de Browning ..." - ↑ a b c Eaker, 2016
- ^ Eaker, 2016: "A pesar de lo poderoso que es Chaney en el papel principal, [está casi] eclipsado por su coprotagonista enano [sic] Earles".
- ↑ a b Rosenthal, 1975 p. 36
- ^ Rosenthal, 1975 p. 30
- ^ Blyn, 2006 p. 121: El "interés amoroso de Echo, Rosie ..."
- ^ Brenez, 2006 p. 105
- ^ Blyn, 2006 p. 117: "... La teta ..."
- ^ Brenez, 2006 págs. 104-105: Las citas aquí son un compuesto. Y P. 104 para descripciones de personajes.
- ^ Rosenthal, 1975 págs. 18-19
- ^ Blyn, 2006 p. 121
- ^ Rosenthal, 1975 p. 14: "La capacidad de asumir el control de otro ser es vital para Los tres impíos. Echo, el ventrílocuo da testimonio en la corte a través de la boca de Héctor ... mientras las palabras salen del estrado de los testigos, Browning disuelve repetidamente Echo sobre Héctor y viceversa, estableciendo la total responsabilidad del intérprete por lo que se dice ".
- ^ Blyn, 2006 págs. 117, 121
- ^ Blyn, 2006 p. 124: Vea aquí el pasaje completo.
- ^ Sobchack, 2006 p. 34: "La película fue, por supuesto, un gran éxito".
- ^ Sobchack, 2006 p. 31
- ^ Eaker, 2016: "Debido a la falta de estrellas habituales de Browning, The Mystic es una película interesante y menos conocida en el canon del director. No solo está relacionada temáticamente con sus otras películas, sino que también muestra la continuidad idiosincrásica de su gusto en actrices ... "
- ^ Sobchack, 2006 p. 24
- ^ Eaker, 2016: "Su relación recuerda a la de Priscilla Dean y Wheeler Oakman en Fuera de la ley de Browning (1920), al igual que los familiares temas de Browning de reforma y crímenes impunes".
- ^ Eaker, 2016: "Por supuesto, el acto de clarividencia de Zara es todo una ilusión y Browning, como de costumbre, deja que su audiencia entienda el engaño casi desde el principio".
- ↑ a b Sobchack, 2006 p. 32
- ↑ a b Rosenthal, 1975 p. 63
- ^ Robinson, 1968 p. 125: Después de una película policial más convencional, The Mystic (1925), Browning y Chaney se embarcaron en una serie de siete películas más: The Blackbird (1926), The Road to Mandalay (1926) The Unknown (1927), London After Midnight ( 1927), The Big City (1928), West of Zanzibar (1928) y Where East Is East (1929). Las premisas de las películas eran escandalosas ".
- ^ Eaker, 2016: Las colaboraciones de Browning-Chaney "una de las colaboraciones de actor / director más inquietantes en la historia del cine ... la colaboración más extraña entre director y actor en la historia del cine".
- ^ Rosenthal, 1975 p. 22
- ↑ Eaker, 2016: "The Blackbird (1926) es un melodrama típicamente trastornado del inframundo del canon de Tod Browning / Lon Chaney, y una de las películas de Browning más deslumbrantes visualmente".
- ^ Eaker, 2016: "Las escenas de Chaney cambiando frenéticamente de identidad con agentes de Scotland Yard esperando abajo son increíblemente increíbles".
- ^ Miller, 2008 TCM: "... ambientado en el distrito Limehouse de Londres, un área costera de clase baja llamada así por los grandes almacenes donde la Marina británica almacenaba los cítricos que protegían a sus marineros del escorbuto".
Rosenthal, 1975 pp. 39-40: "La expresión desolada del obispo revela una propensión al sufrimiento pasivo ... dado que esta inclinación hacia la auto-subyugación es incompatible con los rasgos asertivos que aprecia Browning, Dan Tate se divide en dos. El sufrimiento falso y los modales suaves van en un solo paquete, el Bishop, mientras que la agresividad desdeñosa y los rasgos toscos se combinan en el Blackbird ". - ^ Miller, 2008 TCM: "El nombre West End Bertie sugiere que el personaje es un ladrón caballero, que viene del lado más de moda de Londres".
Rosenthal, 1975 pp. 22-23: Vea aquí el manejo de Browning y Chaney del personaje de Dan Tate.
Sobchack, 2006 p. 24: "The Blackbird (1926) es también un melodrama de delincuentes en el que Chaney interpreta dos papeles" como el personaje de Dan Tate ... haciéndose pasar por un trabajador de la misión de rescate llamado "The Bishop" y "The Blackbird", un hermano gemelo falso Tate crea para ocultar sus actividades delictivas. Y P. 57: "... bondad cristiana ..."
Solomon, 2006 pp. 56-57: "En El mirlo, el criminal Dan Tate (Chaney), El mirlo, asume periódicamente el carácter de El obispo, que cojea en un muleta, para eludir a la policía ". - ^ Salomón, 2006 p. 56: "Películas de Browning como The Blackbird colocan el acto de la mascarada en la pantalla, revelando explícitamente el engaño visual al espectador". Y págs. 56-57: "Mientras que otros personajes de la película, por supuesto, nunca ven a los dos supuestos hermanos [gemelos] juntos, el espectador tiene acceso inmediato a los actos de cambio rápido" en los que Tate (Chaney) se transforma él mismo desde The Blackbird hasta The Bishop.
- ↑ Miller, 2008: "Doris Lloyd recibió sólidos avisos como la ex esposa de Blackbird, que todavía lo ama. Construiría una larga carrera, especializándose en el papel de sirvientas británicas y señoras de la limpieza hasta los setenta".
- ^ Henry, Boris, 2006 p. 41: El "fondo de payasadas" de Polly Moran se muestra en su papel de niña de las flores en El mirlo. Y P. 42: "El mirlo ... inspirado en la actuación de Max Linder en Be My Wife , 1921". Y P. 43: Algunas escenas de The Blackbird "son arquetípicas del cine burlesco ... un borracho se tambalea inestable, se da cuenta de repente de que va por el camino equivocado y gira sobre sus talones".
Rosenthal, 1975 p. 63: Filmografía, breve boceto de película.
Solomon, 2006 p. 56: "Películas de Browning como The Blackbird colocan el acto de la mascarada en la pantalla, revelando explícitamente el engaño visual al espectador". Y pp. 56-57: "Mientras que otros personajes de la película, por supuesto, nunca ven a los dos supuestos hermanos [" gemelos "] juntos, el espectador tiene acceso inmediato a los actos de cambio rápido" en los que Tate se transforma a sí mismo desde El mirlo hasta El obispo.
Miller, 2008 TCM: "Con la revelación de que los hermanos gemelos son en realidad el mismo hombre, con el trabajador de la misión físicamente retorcido como fachada del criminal, Chaney regaló a sus fans varias escenas en las que se transforma de uno a otro". - ^ Rosenthal, 1975 p. 12: "... el protagonista [Dan Tate] de The Blackbird finalmente debe fallar en su vendetta celosa contra Bertie ... como su nombre lo indica [Tate / Blackbird] cae en la categoría de carroñeros y parásitos ... sus motivos son corrupto y, al final, no lo consigue ".
- ^ Brenez, 2006 p. 96: "... morir como el doble de uno significa estar privado de uno mismo incluso en la muerte: la muerte, entonces, ya no es una hermosa desaparición, sino una terrible desaparición".
- ^ Miller, 2008: "La ganancia de $ 36,000 de la película fue la más baja para cualquiera de las películas de MGM de Chaney. Aunque la película recibió fuertes críticas ... MGM recogió el contrato de Chaney, aumentó su salario a $ 3,000 por semana y le dio a Browning un nuevo contrato que duplicaba su salario a $ 20,000 por película con un bono de $ 5,000 por cada película que se entregue a tiempo y dentro del presupuesto.
- ^ Eaker, 2016: "Desafortunadamente, The Road to Mandalay existe solo en estado fragmentado y desintegrado, apenas 36 minutos de sus siete carretes originales ... la única impresión conocida es una versión abreviada de 16 mm, que fue descubierta en Francia en el 1980 ".
- ^ Sobchack, 2006 p. 33: "Browning indicó que sus películas no comenzaron con la trama". Sobchack cita a Browning de Georges Sadoul, Dictionary of Film Makers, ver nota al pie.
- ↑ Rosenthal, 1975 pp. 25-26: "Browning introduce regularmente el tema de la frustración sexual secundaria o indirecta a través del recurso de la trama de un padre que desconoce la identidad de su propio hijo, o [en The Road to Mandalay] la situación inversa ". Y pp. 25-30: Vea estas páginas para ver ejemplos de Rosenthal de estos temas, incluyendo The Devil-Doll (1936), The Show (1927), White Tiger (1923) y otros. Y: el "horrible tuerto de Joe en El camino a Mandalay ..."
- ^ "El camino a Mandalay (1926)" . www.allmovie.com . Consultado el 13 de marzo de 2021 .
- ^ Herzogenrath, 2006 p. 185: "... Herman J. Mankiewicz podría haber estado familiarizado con los conceptos freudianos ... Ya sea a través de la influencia de Mankiewicz o de otra manera, el complejo de Edipo como estructura narrativa ... domina el trabajo de Browning".
- ↑ Rosenthal, 1975 pp. 25-26: "Singapore Joe es tan feo que siente que su hija (que de hecho aborrece a ese hombre espantoso cuando frecuenta la tienda en la que trabaja) se avergonzaría si fuera consciente de su parentesco. "
- ^ Eaker, 2016: Consulte aquí para obtener una descripción concisa de los personajes y el escenario.
- ^ Eaker, 2016
Rosenthal, 1975 p. 26: "La lucha que resulta cuando el almirante, uno de los colegas de contrabando de Joe, anunció sus planes de casarse con [la hija de Joe] tiene connotaciones de una lucha para mantener la integridad sexual de la familia. Cuando este conflicto se yuxtapone con los esfuerzos por mantener su En su posición de líder en el inframundo local, las luchas internas entre los matones adquieren el aspecto de una batalla por la supremacía sexual. Mantener bajo control a la comunidad de gánsteres se convierte principalmente en una cuestión de machismo ".
Sobchack, 2006 p. 23: "Un tema menor frecuente en los melodramas exóticos es el del sacrificio ... Singapur Joe muere salvando a su hija de un destino peor que la muerte ..." - ^ Eaker, 2016: "Browning, un masón, utilizó repetidamente imágenes y temas religiosos ..."
- ↑ Rosenthal, 1975 pp. 57, 59: vea la imagen del crucifijo en esta escena.
- ↑ a b Rosenthal, 1975 p. 57
- ↑ a b Sobchack, 2006 p. 36: "... debe enfatizarse que la mayoría de las películas de Browning - hasta Freaks - hicieron dinero".
- ↑ Eaker, 2016: "Desafortunadamente, The Road to Mandalay está en un estado tan disipado que hace que la visualización sea pesada y tensa. La única impresión conocida es una versión abreviada de 16 mm ..." Y: su "melodrama misterioso" de 1927
- ^ Conterio, 2018: "El misterioso enfriador de 1927, Londres después de medianoche , es una de las películas perdidas más famosas de todas. La última copia conocida fue destruida en el incendio de la bóveda de MGM de 1965".
Eaker, 2016: "... el hecho de que London After Midnight se pierda es culpa exclusiva de MGM".
Eisenberg, 2020: "Existe cierta disputa sobre el año del incendio, y la mayoría de los historiadores están de acuerdo en que es 1965 o 1967".
Solomon, 2006 p. 51: "... la película perdida London After Midnight , 1927 ..."
Barson, 2021: "... London After Midnight (1927; ahora perdido) ..."
Sobchack, 2006 p. 31: Entre el "grupo menor de melodramas misteriosos ..." de Browning - ^ Eaker, 2016: La reconstrucción de la foto fija de TCM en 2003 "es probablemente la única versión de la película que nosotros, y las generaciones futuras, veremos".
Eisenberg, 2020: "De todas las películas" perdidas "en la historia del cine que han quedado" perdidas ", London After Midnight se ha convertido en leyenda como el equivalente del Santo Grial". - ^ Eaker, 2016: "En 2003, Rick Schmidlin de Turner Classic Movies produjo arduamente una reconstrucción fotográfica de London After Midnight ..."
- ^ Sobchack, 2006 p. 35: " London After Midnight proviene de una historia de Browning llamada The Hypnotist. Y p. 36: Browning" conocía el trabajo de Wiene en Caligari "(Sobchack citando a Edgar G. Ulmer, nota 67 al pie de página).
Eaker, 2016: "Incluso a partir de una reproducción de imágenes fijas, está claro que Midnight es la película gótica estadounidense original. El vampiro de Chaney, en parte inspirado enCaligari de Werner Krauss ..." Y: "misterio de asesinato en el salón de dibujo ..." - ^ Brenez, 2006 p. 96: "... la creación de un doble ... el vampiro [un inspector de Scotland Yard] en Londres después de la medianoche ..."
- ^ Eisenberg, 2020: "La semejanza del" vampiro "de Chaney, también conocido popularmente como 'el hombre del sombrero de castor'" Y una breve sinopsis de la trama.
- ^ Salomón, 2006 p. 51: "... es la casa embrujada artificial en la que un detective y su asistente, vestidos con elaborados disfraces, atrapan a un asesino".
- ^ Salomón, 2006 p. 51: "los hechos paranormales que se ven en la película son ilusiones escenificadas, [no fotografías engañosas] ... los engaños, como tales, se revelan a los espectadores". Y P. 56: "... London After Midnight presenta fenómenos aparentemente sobrenaturales como obra de la magia escénica".
Eaker, 2016: "La película ... es esencialmente un misterio de asesinato en el salón, en el que un detective contrata actores para interpretar a vampiros con el fin de sacar a la parte culpable por puro susto. Como ocurre con la mayoría de las películas de Browning, la trama es minuciosamente absurda ... " - ^ Sobchack, 2006 p. 31: ... lo oculto y lo sobrenatural se usan en un nivel por su valor dramático, pero invariablemente se revelan como trucos ''.
Eisenberg, 2020: `` El póster de la película y las cartas del lobbymostrabanla historia del crimen de la película y asumían un elemento sobrenatural. " - ^ Sobchack, 2006 p. 33
- ^ Salomón, 2006 p. 59: Variación de la cita, pequeña fuente citada.
- ^ Salomón, 2006 p. 58: "... London After Midnight presenta fenómenos aparentemente sobrenaturales como obra de la magia escénica". Y: vea la cita de Philip J. Riley, nota al pie # 36. Y págs. 58-59: "... los sucesos paranormales que se ven en la película son organizados por el inspector de policía Burke (Chaney) para atrapar a un asesino".
Sobchack, 2006 p. 33: "... los críticos encontrarondecepcionante elfinal 'plausible' de London After Midnight en [su] negativa final a aceptar las premisas sobrenaturales que la película había establecido". - ^ Diekmann, Knorer, 2006 p. 74
- ^ Eisenberg, 2020: "A pesar de las malas críticas, la película fue un éxito en su estreno, recaudando más de $ 1,000,000 en dólares de 1927 contra un presupuesto de $ 151,666.14". Y: "Después de todo, no hay nada que indique que la película, dirigida por Tod Browning, fuera una obra maestra. Las críticas sobre el estreno de London After Midnight fueron, en el mejor de los casos, escasas".
Eaker, 2016: "... London After Midnight recibió críticas mixtas tras su lanzamiento en 1927, pero la mayoría de las críticas fueron positivas". Y: "De todas las películas de Browning / Chaney, Midnight cosechó la taquilla más grande". - ^ Eaker, 2016: "... The Show es una de las producciones más extrañas que surgen del cine mudo, casi a la par con The Unknown deldirector delmismo año".
Sobchack, 2006 p. 26: "... la película contiene una serie de imágenes y escenas extraordinarias".
Wood, 2006 TCM: "Aparentemente, Browning estaba probando las aguas para una película de terror ambientada en un circo y ese mismo año desataría sobre el mundo su carnaval de terror plenamente realizado: The Unknown (1927), protagonizada por Lon Chaney". - ^ Eaker, 2016: "El guión de The Show (1927) fue escrito por el colaborador frecuente de Tod Browning, Waldemer Young (con la ayuda no acreditada de Browning) ... muy (cursiva) vagamente basado en la novela de Charles Tenney Jackson, 'El día de las almas . '"(cursiva en el original)
Wood, 2006 TCM:" Las subtramas del padre ciego y la redención moral de Cock Robin son prácticamente los únicos ingredientes que sobrevivieron de la novela de Charles Tenney Jackson El día de las almas (de la cual se adaptó oficialmente el guión) . "
Sobchack, 2006 pp. 34-35: "... The Show sugerido por la novela de Charles Jackson El día de las almas ... un ávido lector de literatura gótica, Browning [probablemente] descubrió la novela [como material fuente]". - ^ Salomón, 2006 p. 60
- ↑ Eaker, 2016: "John Gilbert interpreta a Cock Robin, el hombre de ballyhoo en el Palacio de las Ilusiones. Un personaje con el nombre de un animal es una marca comercial frecuente de Browning". Y: "Desafortunadamente, The Show tiene fallas por un final empalagoso ..."
Wood, 2006 TCM: "Su combinación de Gilbert y Adoree fue un retroceso al tremendamente exitoso The Big Parade (1925)". Y: "Gran parte de las críticas se dirigieron al carácter poco comprensivo del Cock Robin [de Gilbert]".
Rosenthal, 1975 p. 63: Sinopsis completa: "Una pelea de celos [presentada] en un contexto de carnaval resulta en varios asesinatos e intentos de asesinato". - ^ Sobchack, 2006 p. 25: "The Show (1927) está ambientado en un espectáculo de calle y circo de Budapest llamado El Palacio de las Ilusiones". Y P. 29: "Además de las rarezas físicas constantemente notadas de los personajes principales, otro elemento común compartido por estos extraños melodramas es un toque de sexualidad perversa ..."
Solomon, 2006 pp. 61, 64: imágenes de los intérpretes de Palace of Illusion. Ver pie de foto para las fotos p. 61: "Las 'formas verdaderas' de los actos se revelan más tarde a la audiencia de la película". - ^ Solomon, 2006 pp. 51, 61-63: Un análisis paso a paso de la exposición cinematográfica de Browning del truco.
- ^ Solomon, 2006 pp. 63-64: Vea aquí para un análisis conciso de la secuencia.
Sobchack, 2006 p. 29: "... El espectáculo se centra en la 'ilusión' de Salomé / Juan el Bautista [una decapitación falsa] que habla de sadomasoquismo y castración simbólica".
Eaker, 2016: "En The Show (1927), el drama sadomasoquista de Salomé se recrea y casi se desarrolla en la vida de los actores ..." - ^ Sobchack, 2006 pp. 25-26: "... larevisiónnegativa del New York Times (centrada en el desempeño de John Gilbert) ..."
- ^ Wood, 2006 TCM: "Gran parte de las críticas se dirigieron al carácter poco comprensivo de Cock Robin. Variety predijo que The Show" sin duda dañará la popularidad general [de John Gilbert] entre las mujeres ... "
- ↑ Eaker, 2016: "The Unknown (1927) es una de las últimas obras maestras de la era del cine mudo ... la única película en la que las obsesiones de los artistas cristalizaron perfectamente".
- ^ Brogan, 2019: "Cuando hicieron The Unknown en 1927, la estrella Lon Chaney y el director Tod Browning estaban entre los nombres más importantes de Hollywood ... The Unknown ahora es considerado por muchos como la mejor de las colaboraciones de Chaney / Browning ... .la sexta de diez colaboraciones entre Chaney y el director Tod Browning ".
Conterio, 2018: "Generalmente considerada como la mejor película de la pareja en conjunto, y la obra maestra de Browning ..."
Eaker, 2016: "The Unknown (1927) es una de las últimas obras maestras de la era del cine mudo ... la única película en que las obsesiones de los artistas cristalizaron perfectamente ".
Towlson, 2012: "... The Unknown (1927) (que muchos consideran la mejor película de Browning) ..." - ^ Rosenthal, 1975 p. 32: "The Unknown define una base sexual para el tema de la frustración de todo el ciclo Browning-Chaney y lo relaciona directamente con la deformidad física de la estrella".
- ^ Sobchack, 2006 p. 33: "Browning indica que las ideas de su historia no comenzaron con la trama ..." Y vea aquí la cita completa, con referencias a The Road to Mandalay (1926).
- ^ Rosenthal, 1975 p. 23: Vea aquí otro extracto de laentrevistade 1928 Motion Picture Classic .
- ^ Brogan, año: "Como demuestra The Unknown, Chaney no necesitaba depender de un maquillaje pesado para transformarse para un papel". Y consulte aquí para obtener una cotización.
- ^ Soloman, 2006 p. 51: Alonzo "se disfraza de un monstruo sin brazos", uno de los retratos de Browning de "elaborados engaños que tienen lugar en el nivel de la puesta en escena".
Stafford, 2003 TCM: "el personaje de Alonzo en The Unknown es una de sus creaciones más inquietantes y la película más retorcida en sus diez años de asociación con el director Tod Browning". - ↑ Rosenthal, 1975 pp. 32-33: El personaje de Chaney está "encaprichado con Crawford, quien tiene una aversión neurótica a ser manipulado por hombres y, naturalmente, un hombre sin brazos es el único amante que puede soportar". Y: la "destreza sexual aumentada de Alonzo [representada por] su pulgar supernumerario" y su desempeño de alto funcionamiento sin brazos.
- ↑ Eaker, 2016: "El sádico padre de Nanon, Antonio Zanzi (Nick de Ruiz, insinuado que es la fuente abusiva del odio de Nanon por el toque de un hombre)".
- ^ Eaker, 2016: "Pero, Alonzo debe tener, casarse y ser dueño de Nanon, [pero] ciertamente odiaría las manos del asesino de doble pulgar".
- ^ Rosenthal, 1975 p. 33: "... si [Alonzo] procede a casarse con Nanon, su esposa descubrirá su secreto" como el asesino de su padre.
- ^ Rosenthal, 1975 p. 33: "Las amputaciones adquieren el significado de la castración ... [Nanon] sólo excitado por hombres 'asexuales'".
Brenez, 2006 p. 100: "... The Unknown , la película más drástica en cuanto a" los defectos y excesos "del desmembramiento.
Sobchack, 2006 p. 29: The Unknown comparte un "elemento común de los extraños melodramas [de Browning] ... un toque de sexualidad perversa ... Estrellita (Nanon) Joan Crawford está horrorizada al ser tocada por las manos de los hombres La cirugía de Alonzo [Chaney] por amor a ella" es por decir lo menos, excesivo ".
Conterio, 2018: "Lo desconocido es una fusión sublime deimaginería sadomasoquista , autodesprecio masculino, misandria ,simbolismo de castración e ironía de pesadilla ". - ^ Rosenthal, 1975 p. 11: "Alonzo [Chaney], en The Unknown es uno de los protagonistas más rabiosos e instintivos de Browning ..." Y págs. 32-33: "The Unknown define una base sexual para el tema de la frustración de todo el ciclo Browning-Chaney y lo relaciona con la inevitable deformidad física de la estrella '”.
Brenez, 2006 p. 100: "... The Unknown, la película más drástica en cuanto a" los defectos y excesos "del desmembramiento.
Towlson, 2017 Parte 2: "... uno de los temas clave en el trabajo de Browning ... es el tema de la emasculación / castración, en particular, uno que Browning exploró obsesivamente en sus películas (especialmente las realizadas con Lon Chaney)". - ^ Conterio, 2018: "Fijado en la desfiguración humana y las figuras del inframundo, las películas están marcadas por una estrella k, estética obsesiva y temas de compulsión".
- ^ Rosenthal, 1975 págs. 30-31
- ↑ Rosenthal, 1975 pp. 11-12: "Alonzo ... elige a los animales que corren, los caballos corren como su medio para desarticular a su némesis, Malbar, el Hombre Fuerte. La muerte de Alonzo bajo los cascos del caballo, por lo tanto, ocurre en su propio elemento". Y: "... ansias de retribución ... por aquellos que los han convertido en marginados".
- ↑ Eaker, 2016: The Unknown "termina con un final simbólico sorprendente, ferozmente impulsado".
Safford, 2003 TCM: "la gran final de Guignol". - ^ Diekmann y Knörer, 2006 p. 73: "En lo que respecta a la trama, la proximidad del cine de Browning al teatro del Grand Guignol es evidente ..."
- ^ Brogan, 2008: "Cuando hicieron The Unknown en 1927, la estrella Lon Chaney y el director Tod Browning estaban entre los nombres más importantes de Hollywood ... The Unknown ahora es considerado por muchos como la mejor de las colaboraciones de Chaney / Browning ... .la sexta de diez colaboraciones entre Chaney y el director Tod Browning ".
Conterio, 2018: "Generalmente considerada como la mejor película de la pareja en conjunto, y la obra maestra de Browning ..."
Eaker, 2016: " The Unknown (1927) es una de las últimas obras maestras de la era del cine mudo ... la única película en que las obsesiones de los artistas cristalizaron perfectamente ".
Stafford, 2003 TCM: "el personaje de Alonzo en The Unknown es una de sus creaciones más inquietantes y la película más retorcida en sus diez años de asociación con el director Tod Browning ". - ^ Brogan, 2019: "Lo desconocido es posiblemente el más inusual y el que más merece el estatus de 'película de culto'" entre las colaboraciones cinematográficas de Browning-Chaney.
Eaker, 2016: "The Unknown es ... una obra de arte completamente idiosincrásica, que nunca ha sido ni remotamente imitada, ni podría ser". - ↑ Erickson, Allmovie: "Betty Compson, quien coprotagonizó con Chaney su revolucionaria película The Miracle Man (película de 1919) , ofrece un contraste romántico como la mordida por las armas de Collins".
- ^ Rosenthal, 1975 p. 64
- ^ Sobchack, 2006 p. 24: vea aquí See her para obtener extractos de reseñas contemporáneas del NYT.
- ^ Rosenthal, 1975 p. 64: cita del pie de foto.
Erickson, Allmovie: " La gran ciudad fue quizás la más" normal "de las colaboraciones entre Lon Chaney y Tod Browning. Sin maquillaje, Chaney interpreta al jefe de gánsteres Chuck Collins, quien a pesar de su crueldad es básicamente un tipo decente". - ^ Erickson, Allmovie: "Al final resultó que, el poder de las estrellas de Chaney permitió a The Big City obtener un éxito de taquilla por una suma de $ 387,000 en ganancias".
- ^ Darr, 2010: cita compuesta de dos párrafos, mismo artículo.
- ↑ Harvey, 2019: "Sorprendió a muchos en 1928 que el drama Kongo de Chester de Vonde, que tuvo 135 funciones en Broadway en 1926, se adaptara a la pantalla. Fue algo espeluznante incluso para el escenario perverso ..."
- ↑ Barson, 2021: "Chaney interpretó a" Dead-Legs "Phroso, un ex mago paralizado que cría a la hija de su odiado rival en un burdel, pero no sabe que en realidad es suya, en el oeste de Zanzíbar (1928)".
- ^ Darr, 2010: "... los argumentos más lúcidos para su dominio de la narración visual son sus grandes películas mudas, especialmente las protagonizadas por Lon Chaney. West of Zanzibar puede ser la más grande de ellas".
Herzogenrath, 2006 p. 11: "Con Chaney, Browning realizó una serie de películas de gran éxito centradas en los temas de la venganza obsesiva y la mutilación del cuerpo con carga sexual ..."
Rosenthal, 1975 p. 27: "... el motivo de la paternidad desconocida ..." Y: p. 19. Y p. 44: "El oeste de Zanzíbar alcanza la cima de su horror psicológico horror psicológico ,,," - ^ Rosenthal, 1975. págs. 19, 39: Cita compuesta.
- ^ Salomón, 2006 p. 51: "... la figura prototípica del mago escénico se encuentra más claramente en el oeste de Zanzíbar , 1928. Vale la pena saber que antes de quedar lisiado en un accidente, el ilusionista del music-hall Phroso (Lon Chaney) no se parece tanto el arquetípico rostro mesfistofélico de Hermann el Grande , pero más bien, con su bigote finamente depilado, se parece mucho al propio Browning ... "
- ^ Rosenthal, 1975 pp. 30-31: "La esposa de Dead Legs es robada y (él cree) embarazada por un amante adúltero ..." Y p. 57: "
- ^ Darr, 2010: "... Los esquemas manipuladores del personaje mago de Chaney ..."
- ^ Rosenthal, 1975 págs. 27-28
- ↑ a b Diekmann y Knörer, 2006 p. 73
- ^ Rosenthal, 1975 p. 44
- ^ Rosenthal, 1975 p. 20
- ^ Sobchack, 2006 p. 31: La "fascinación de Browning por la deformidad física (generada, quizás, por la autoconciencia acerca de su propia pierna con cicatrices y cojera, resultado de un horrible accidente automovilístico en 1915) ..."
Rosenthal, 1975 pp. 9-10: "El protagonista típico de Browning es un hombre que ha sido reducido a un estado de animal. En casi todos los casos muestra una deformidad física que refleja la mutilación mental que ha sufrido en algún elemento de la sociedad insensible". Y P. 31: "El incidente que provoca la regresión [a un estado animal] y la búsqueda de venganza es, en casi todos los casos, de naturaleza sexual". - ^ Rosenthal, 1975 p. 48: Consulte el título de la foto "deslizándose"
- ↑ a b Diekmann y Knörer, 2006 p. 74
- ^ Harvey, 2009: "... Harrison's Report, quien se describe a sí mismo como un defensor de los expositores independientes, recordó a Kongo y preguntó en un editorial de portada:" ¿Cómo una persona normal podría haber pensado que esta horrible obra sifilítica podría haber hecho una imagen entretenida? ? "La película alimentó las cruzadas de los inclinados a la censura, que la utilizaron como evidencia flagrante de los 'pozos negros' de Hollywood", pero "Al oeste de Zanzíbar le fue bastante bien en la taquilla ..."
Wood, 2006 TCM: "Al oeste de Zanzíbarse proyectó por primera vez en Los Ángeles en noviembre de 1928. Su inauguración oficial fue el 28 de diciembre de 1928 en el Capitol Theatre de Nueva York (el palacio donde MGM estrenó sus principales producciones). La respuesta fue abrumadora. Ganó la increíble cantidad de $ 88,869 en su primera semana en el Capitolio. Motion Picture News escribió: "Si no tiene un letrero de SRO (Solo para estar de pie) en su cine ... es mejor que pida uno inmediatamente antes de reproducir esta película". - ^ Brandt, 2006 p. 129: Brandt cita un cuarteto completo.
- ^ Brandt, 2006 pp. 133-134: Consulte la sección de Brand "Economía de los estereotipos de Browning"
Herzogenrath, 2006 p. 15: "... Al situar la narrativa en la zona fronteriza de la civilización occidental y la tradición oriental ... la película alude a la 'otredad sexual y racial' que ha sido descrita en la teoría poscolonial como las características fundamentales del discurso colonial occidental". - ^ Brandt, 2006 p. 147: Ver nota al pie # 2. Brandt se refiere a la novela de Kipling, Kim (1901), como evidencia de esta perspectiva.
- ^ Brandt, 2006 p. 147
- ^ Herzogenrath, 2006 p. 15
Brandt, 2006 pp. 130, 131: "Como obra de arte muy ambivalente, Where East Is East de Browning se encuentra atrapada en una situación extraña. Mientras replica algunas imágenes dominantes de Oriente y valida así la ideología [eurocéntrica] conectada a ellas , la película también busca subvertir y desestabilizar la autoridad de estos mitos ... Donde Oriente es Oriente está marcado por una complicada estrategia de reinvención y deconstrucción de estereotipos étnicos [en los que] la lógica binaria de la blancura está simbólicamente suspendida ". Cotización compuesta. - ^ Robinson, 1968 p. 125: "... Where East Is East (1929) ... Las premisas de las películas eran escandalosas".
Eaker, 2016: Where East Is East no se suscribe a ningún tipo de realismo ortodoxo ... "
Diekmann y Knörer, 2006 p. 73:" ... la crueldad sádica y la brutalidad bestial entremezcladas con la chinoiserie orientalizantede Where East Is East (1929) ... " - ^ Eaker, 2016: "Where East Is East (1929) fue la última de las colaboraciones de Tod Browning / Lon Chaney, fue la última de las películas mudas de Browning y contenía muchos temas de sus esfuerzos anteriores juntos".
Herzogenrath, 2006 p. 11: "... su colaboración final Where East Is East, 1929 ..." y p. 15 "... última coproducción de Tod Browning con Lon Chaney ..."
Brandt, 2006 p. 130 - ^ Brandt, 2006 págs. 129-130: Breve sinopsis de la película.
- ^ Herzogenrath, 2006 p. 15: "... el dilema de la película está personificado por la figura de Bobby Bailey (Floyd Hughes), el 'chico blanco' que se encuentra dividido entre su prometido (acento) Toyo Haynes (Lupe Velez) y su madre Madame de Sylva ( Estelle Taylor), una belleza oriental cuya naturaleza intrigante amenaza con destrozar a toda la familia ".
- ^ Eaker, 2016: "Tiger y Bobby se encuentran con la ex esposa de Tiger y la madre de Toya, Madame de Sylva (Estelle Taylor, la esposa de Jack Dempsey en la vida real)".
- ^ Rosenthal, 1975 p. 28: "Tiger, en Where East Is East, tiene toda su vida atada a su hija, Toyo, y está muy incómodo con su propuesta de matrimonio con Bobby Bailey hasta que Bobby demuestra su hombría al defenderse de un tigre que se escapó". Y P. 64: Rosenthal proporciona una breve sinopsis.
- ^ Sobchack, 2006 p. 23: "... un tema menor frecuente que vale la pena señalar en los melodramas exóticos es el del sacrificio ... Tiger Haynes es mutilado hasta la muerte por amor a su hija en Where East Is East".
- ^ Brandt, 2006 p. 134: Cursiva para "allí" en el original.
- ^ Brandt, 2006 p. 135 y ver p. 136 sobre este tema.
- ^ Brandt, 2006 p. 139
- ^ Rosenthal, 1975 p. 31
Herzogenrath, 2006 pág. 15: "Where East Is East ... ilustra la tendencia de toda la vida de Browning a entrelazar imágenes de sexo y raza, creando una narrativa ambivalente de satisfacción sensual y desilusión frenética". - ^ Rosenthal, 1975 p. 12: "De manera similar, los animales se convierten en agentes de destrucción para Tiger en Where East Is East ..."
- ^ Towlson, 2012: Towlson cita a David J Skal y Elias Savada, Ronald V. Borstas y Elliott Stein sobre el tema.
- ^ Skal y Savada, 1995 p. 4
- ^ Sobchack, 2006, págs. 35-36: Véanse las notas al pie de la fuente de Ulmer.
- ↑ Towlson, 2021: "la opinión crítica ampliamente sostenida de que Tod Browning no pudo adaptarse a la llegada del sonido en la década de 1930 ... me parece una falacia que, lamentablemente, se ha convertido en una sabiduría generalizada, que surge de la necesidad (originada en la década de 1940, como resultado de su caída en desgracia con los estudios) para denigrar a Browning como director [por la decepción crítica y financiera de Freaks] ... posteriormente se convirtió en la posición adoptada por críticos de mentalidad conservadora ... empañar La reputación de Browning como cineasta ".
- ^ Rosenthal, 1975 págs. 64-66: Sección de filmografía
- ↑ Eaker, 2016: "The Thirteenth Chair (1929) es ... la primera película sonora de Browning. Como muchas de las primeras películas sonoras, está empantanada con esa puesta en escena de museo de cera. Este es otro misterio de asesinato en el salón, tomado de una obra de teatro anticuada ... "Y:" ... en el manejo de ese nuevo invento llamado sonido, ni Browning ni el equipo de producción se sintieron cómodos ... "
- ^ Eaker, 2016: "Dos asesinatos ... un médium falso, una serie de sesiones de espiritismo, una mansión misteriosa, cartas de amor robadas y un posible chantaje se suman a la tarifa estándar de Browning ..."
- ^ Nixon, 2006 TCM: "Los sospechosos son interpretados por un quién es quién virtual de actores de carácter reconocible: Conrad Nagel ... Leila Hyams, más tarde Venus en Browning's Freaks ... Margaret Wycherly ... Las escenas de Joel McCrea fueron eliminadas antes de estreno de la película ".
- ^ Nixon, 2006 TCM: "Lugosi hizo varias apariciones en películas mudas antes de su gran éxito en Broadway en Drácula". Y: "... un ídolo matiné [en Alemania]. Su primera película estadounidense fue The Silent Command (1923)".
- ^ Barson, 2020: "... Chaney aún no estaba abierto a la idea de hacer una película sonora, por lo que el actor húngaro Bela Lugosi fue reclutado para interpretar al inspector de policía que investiga un asesinato en una sesión".
- ^ Eaker, 2016: "... la prueba principal fue el próximo papel de Drácula y por esa razón Browning atrapó a Lugosi, quien había hecho del papel un gran éxito en el circuito del escenario" ... Y: "El trabajo de Browning con Lugosi traza un desarrollo interesante a través de las tres películas en las que colaboraron ".
- ↑ Eaker, 2016: "Lugosi había vivido en los estados y había interpretado el [papel teatral de Drácula] durante años antes de la versión cinematográfica, por lo que la entrega del actor para Drácula fue una elección del director, como se indica en las entrevistas".
- ^ Eaker, 2016: "Browning rehecho Fuera de la ley en 1930. El remake protagonizado por Edward G. Robinson y recibió críticas comparativamente malas".
- ^ Barson, 2021: "Chaney finalmente hizo una película sonora, una nueva versión de The Unholy Three, antes de su repentina muerte por cáncer bronquial en 1930, pero Jack Conway la dirigió en lugar de Browning, que había saltado a Universal y no podía tomar la propiedad. con él. En cambio, rehizo otro de sus silencios de Chaney, Outside the Law (1930), con Edward G. Robinson tomando el papel que dejó vacante la muerte de Chaney ".
- ^ Bronfen, 2006 p. 154
- ^ Sobchack, 2006 p. 29: "Browning hizo solo una verdadera película de terror, Drácula (1931)".
- ^ Bronfen, 2006 p. 158
Conterio, 2018: "Drácula (1931) y Freaks (1932) - sus dos títulos más famosos y perdurables ..."
Nixon, 2003 TCM "Drácula se convirtió en la película más exitosa y duradera de Browning, igualada en la historia del cine solo por lo que muchos consideran su obra maestra, Los monstruos únicos y asombrosos (1932) ".
Morris, 1998: "Muy popular e influyente, esta es la carta magna de las películas de vampiros y la primera del gran ciclo de películas de terror de Universal".
Thomson, 2010: "El año 1931 fue un momento decisivo en la historia del cine de terror ..." - ↑ Barson, 2021: "Drácula fue un gran éxito y fue la primera de las películas clásicas de terror de Universal de los años 30 y 40".
- ^ Thomson, 2010: "Browning ya se había acercado a Universal con la idea de hacer Drácula en el estudio, con Lon Chaney. La novela de Bram Stoker se había convertido en una sensación en los escenarios de Nueva York en 1927 ..."
Eaker, 2016: "Tod Drácula de Browning a menudo se compara injustamente con Nosferatu no autorizado de Murnau, y es una comparación injusta porque las dos son películas muy diferentes, que simplemente comparten la misma inspiración literaria ". - ↑ a b Bronfen, 2006 p. 158
- ^ Thomson, 2010: "La novela de Bram Stoker se había convertido en una sensación en los escenarios de Nueva York en 1927 ..."
- ^ Sobchack, 2006 p. 29: Drácula (1931) "originalmente programado para Lon Chaney ..."
- ^ Sobchack, 2006 p. 36: "La conexión de Chaney con Browning fue, al menos, catalítica".
Baxter, 1970 pág. 100: "Browning esperaba usar a Chaney en Drácula, pero el actor murió en agosto de 1930, justo después de completar el trabajo en su primera película sonora, una nueva versión de Jack Conway de su éxito de 1925 The Unholy Three ..."
Harvey, 2009: Las "complicaciones de Chaney por neumonía y cáncer de pulmón ... se salieron de control. Originalmente había sido elegido como la estrella ..."
Nixon, 2003 TCM: "Universal primero tenía la intención de hacer la película con Lon Chaney, bajo la dirección de El director frecuente de Chaney, Tod Browning ". - ^ Bronfen, 2006 págs.158, 159
- ^ Thomson, 2010
Baxter, 1970 p. 100: Debido a la enfermedad terminal de Chaney, "Browning tuvo que utilizar a la húngara Bela Lugosi, que había interpretado el papel en Broadway".
Harvey, 2009: "Con Chaney fuera, el papel fue para su intérprete de escenario, la actriz húngara Bela Lugosi ..."
Barson, 2021: "Lugosi ya había interpretado el papel [de Drácula] en el escenario durante tres años, y esa versión fue la base principal de la película ".
Brogan, año: "Browning originalmente quería a Chaney para Drácula y, según los informes, no estaba contento con la interpretación de Bela Lugosi". - ^ Rosenthal, 1975 págs. 16-17
- ^ Bronfen, 2006 p. 160
Barson, 2021: lecturas untuosas de la línea de "Lugosi" que lo hacían inseparable del personaje del vampiro elegante.
Eaker, 2016: "El propio Lugosi habló sobre la intensidad con la que Browning dirigió su actuación en la película, afirmando que la dirección era muy diferente a la forma en que había interpretado el papel en Broadway". - ^ Bronfen, 2006 p. 153
- ^ Charles, 2006 p. 81
- ^ Bronfen, 2006 p. 160: Bronfen ofrece un bosquejo comprensivo de la carrera de Lugosi posterior a Drácula.
Eaker, 2016: "... Browning tuvo una asociación de colaboración gratificante con ... Lugosi, incluso si no la encontró tan satisfactoria" como su asociación con Lon Chaney. - ^ Bronfen, 2006 p. 157: "Los críticos han culpado repetidamente a Browning por no haber utilizado adecuadamente los medios fílmicos disponibles para él, al permitir que no solo las mordeduras fatales de los vampiros, sino también su propia muerte ocurran fuera de la pantalla ..." Y pp. 158-159: Bronfen incluye a David Skal y James Ursine entre los críticos de Browning sobre estos asuntos. Y P. 163: "Browning no muestra la consumación real de la lujuria del Conde".
- ^ Bronfen, 2006 p. 159: "Este cambio de actitud a menudo se atribuye a Browning ... había querido a Lon Chaney para el papel del Conde" pero si Chaney había rechazado el papel "debido a la etapa progresiva de su cáncer de garganta ... [y murió] durante el rodaje ". Y: Vea las observaciones de Chandler sobre Browning.
Nixon, 2003 TCM: "Según David Manners, la producción fue" extremadamente desorganizada ". Cuando se le preguntó sobre la experiencia de trabajar con Tod Browning, Manners dijo:" Es gracioso que pregunte. Alguien me preguntó quién dirigía [Drácula] y tuve que decir, ¡no tenía la menor idea! ... la única dirección que vi fue hecha por Karl Freund, el director de fotografía "
Towlson, 2012:" ... Karl Freund (que él mismo tenía ambiciones de dirigir, se aprovechó de Browning ' - ^ Bronfen, 2006 p. 158: Universal "se opuso categóricamente a cualquier costo de producción adicional considerable ... obligado a rodar la película en secuencia [y un] uso frugal de efectos especiales" impuesto por la dirección del estudio.
- ^ Bronfen, 2006 págs. 159-160
- ^ Rosenthal, 1975 págs. 16-17: La "voluntad es fuerte" de Van Helsing.
Eaker, 2016: "El Drácula de Browning y Lugosi es un forastero ... que viene a nutrirse de la aristocrática London Society, a la que, paradójicamente, anhela unirse". - ^ Rosenthal, 1975 p. 35
- ^ Sobchack, 2006 p. 29: "Varios críticos han escrito mucho sobre la calidad estática y teatral de la película ... No obstante, todo crítico que enfatiza las cualidades 'poco cinematográficas' de la película pasa a describir esas 'pocas' escenas que son cinematográficas. es toda una lista ".
Eaker, 2016: "La tan difamada segunda mitad de la película cambia la perspectiva, pero aún no se parece en absoluto a un mundo real y lanza un hechizo acuático sobre el espectador receptivo". - ^ Nixon, 2003 TCM: "La secuencia de apertura de Drácula, con su escenario de Transilvania, es uno de los mejores trabajos que Browning ha hecho en la pantalla, y le debe mucho al camarógrafo Karl Fruend".
Bronfen, 2006 pág. 152: "La mayoría de los críticos han elogiado las secuencias iniciales de Drácula por su convincente dramaturgia cinematográfica, atribuyéndola principalmente al [camarógrafo] Karl Freund ..."
Eaker, 2016: "La introducción a los habitantes del castillo de Drácula es una de las más discutidas en los anales de Universal Horror ... El silencio estático está salpicado de pavor genuino, humor surrealista y los gemidos desconcertantes de una zarigüeya. La cámara de Karl Freund recorre un escenario decididamente irreal ... "
Sobchack, 2006 p. 29: "... el arte del paseo en carruaje de Renfield (Dwight Frye) hasta el castillo de Drácula" - ^ Rosenthal, 1975 p. 54: "En Drácula, Browning aclara algunas de las primeras acciones por medio de uno de sus dispositivos favoritos, un montaje de animales en el que un evento particularmente siniestro se intercala con tomas de pequeñas criaturas. A medida que cada una de las esposas de Drácula emerge de su tumba, un una rata desaparece detrás de una repisa o una avispa sale de un pequeño compartimento en forma de ataúd. La metáfora define la naturaleza del vampiro y transmite la impresión de un despertar del mal y una búsqueda parasitaria de sustento ".
- ^ Salomón, 2006 p. 58: "A diferencia de Drácula de Browning (1931), que utiliza principalmente efectos cinematográficos para presentar al vampirismo como una 'realidad' científicamente verificada, London After Midnight presenta fenómenos aparentemente sobrenaturales como obra de la magia escénica".
Bronfen, 2006 pp. 167-168: "El peligro del vampiro de Browning consiste precisamente en el hecho de que no es corpóreo sino espectral". [La figura del Conde Drácula no se refleja en un espejo.] La prestidigitación ilusionista no se explica a la audiencia de la película. - ^ Conterio, 2018: "Drácula (1931) ... [fue] alterado por Universal para evitar ofender al público y a los grupos religiosos ... Drácula fue recortado para su relanzamiento de 1936, sin apenas 10 minutos y ajustes hechos a la banda sonora ( el silenciamiento del suspiro de muerte de Drácula, por ejemplo) ".
Eaker, 2016: En su edición original, Drácula fue diez minutos más largo y tuvo un ritmo aún más deliberado, con el recuento de Lugosi casi completamente invisible durante la segunda mitad ... Pero, Universal lo echó a perder al cortar varias escenas y agregar tomas de primeros planos de el vampiro hizo una mueca, para consternación permanente de Browning (se negó a volver a ver la película) ". - ^ Bronfen, 2006 p. 158: "Después de su estreno el 13 de febrero de 1931 en el Roxy Theatre de la ciudad de Nueva York, vendió más de 50.000 entradas en los dos primeros días, lo que generó una ganancia de 700.000 dólares en el primer año. Como la película de mayor éxito comercial para Universal durante la Depresión ".
- ^ Harvey, 2009
- ↑ Barson, 2021: "El éxito de Drácula permitió que Browning floreciera a principios de la década de 1930".
- ^ Herzogenrath, 2006 p. 16: "El drama de boxeo de Browning, Iron Man, es una de las películas raramente discutidas de este autor cinematográfico (cursiva)".
- ^ Grindon, 2006 p. 173: "Ni Stuart Rosenthal ni Elliott Stein discuten la imagen en sus perfiles del cineasta ... David J. Skal y Elias Savada ... no mencionan el título" en su índice "de las películas de Browning.
- ↑ a b Grindon, 2006 p. 173
- ^ Grindon, 2006 p. 173: Iron Man es "una película importante pero descuidada entre las nuestras de Browning ... la película ha sido descuidada en la literatura crítica, probablemente porque carece de la calidad macabra por la que son conocidas las películas de Browning".
- ^ Rosenthal, 1975 p. 9
- ^ Herzogenrath, 2006 p. 16: "... la continuidad temática entre los cuentos más famosos de horror grotesco de Browning y esta película de boxeo. Las frustraciones morales y sexuales que Stuart Rosenthal sostiene que son fundamentales para el trabajo de Browning son evidentes".
- ^ Grindon. 2006 p. 175
- ^ Rosenthal, 1975 págs. 8-9: "obsesivo" y "compulsivo". Y págs. 23-43 para la discusión de Rosenthal sobre estos cuatro temas.
- ^ Grindon, 2006 p. 175: "El vampiro buscador de oro de Jean Harlow es avaricioso, aspirante y sexualmente depredador". Leyenda de la foto.
- ^ Herzogenrath, 2006 p. dieciséis
- ^ Grindon, 2006 p. 178
- ^ Baxter, 1970 p. 100: "Browning dejó Universal y se unió a Metro [después de completar The Iron Man]. MGM aparece con frecuencia en los años treinta como productora de películas de terror ..."
- ^ Harvey, 2009: "La enorme popularidad de Drácula aceleró el regreso de Browning a MGM, bajo condiciones financieras muy favorables y la protección de su aliado de toda la vida, el jefe de producción Irving Thalberg.
- ↑ a b Sobchack, 2006 p. 28
- ^ Harvey, 2009: "La enorme popularidad de Drácula aceleró el regreso de Browning a MGM, bajo condiciones financieras muy favorables y la protección de un aliado de mucho tiempo, el jefe de producción Irving Thalberg.
Cady, 2004 TCM:" Traído de regreso a MGM, Browning hizo su última película de terror Freaks (1932) ". - ^ Eaker, 2016: "Después del éxito de taquilla en 1931 de Drácula de Browning y Frankenstein de Whale, el segundo al mando de MGM, Irving Thalberg, se acercó a Browning y le pidió que pensara en algo para superar a ambas películas. Browning respondió con su manifiesto: Monstruos ".
Baxter, 1970 pág. 101: "Browning había sido contratado por Metro para hacer una versión más ambiciosa de las muchas películas de circo que se estaban produciendo. De manera característica, tomó como tema no un drama convencional de la vida bajo [[wikt: big top |]] sino un cínica historia llamada "Spurs" por el escritor de fantasía Tod Robbins ".
Towlson, 2012: "En el caso de Freaks, parece que Thalberg contrató a Browning para dirigir, pero Browning conocía el cuento" Spurs ".
Rosenthal, 1975 p. 14: "El enano de" Spurs "es un individuo horriblemente arbitrario y vicioso en comparación con el Hans victimizado en Freaks". - ^ Sobchack, 2006 p. 34: Sobchack, informa que Browning (quien produjo la película para MGM), convenció a Thalberg de que la historia de Tod Robbins era adecuada para una adaptación, y Thalberg compró los derechos.
Morris y Vieira, 2001: "A mediados de 1931, el director de producción de MGM, Irving Thalberg, convocó al guionista Willis Goldbeck [y] le encargó a Goldbeck que escribiera un vehículo para el regreso de Browning, algo 'incluso más horrible que Drácula'".
Henry, 2006 p. 42 - ↑ Towlson, 2012: "Aunque Browning ayudó a Thalberg a supervisar toda la producción [para Freaks], no hay evidencia de que el magnate interfiriera durante el rodaje una vez que comenzó la producción. Browning se quedó solo para dirigir.
Rosenthal, 1975 pp. 58-59:" Tod Browning tuvo la suerte de ser un realizador completo, produciendo y desarrollando escenarios para muchas de sus películas. Sin este tipo de independencia Freaks, sin duda la película más personal que se hizo en MGM durante los años treinta, habría sido un proyecto imposible ”. - ^ Eaker, 2016: "Desde el comienzo de la génesis de Freaks ... Louis B. Mayer, se opuso con vehemencia incluso en la etapa conceptual, y sus objeciones solo se intensificaron ... Afortunadamente, Thalberg acudió en ayuda de Browning y salvó la filmación de ser saboteado en numerosas ocasiones ".
Sobchack, 2006 p. 34: "Thalberg salió en defensa de Browning en relación con Freaks (1932)". - ^ Sobchack, 2006 p. 27
- ↑ Barson, 2021: "Browning ofreció una sorpresa con Freaks (1932), una obra de moralidad verdaderamente impactante que arrojó audazmente a varios artistas secundarios reales".
- ^ Eaker, 2016: "... Browning solo muestra a los monstruos en su entorno natural, detrás de escena, cotidiano. Browning nunca recurre a mostrar a los fanáticos en el escenario o en una actuación".
Sobchack, 2006 p. 27: "La película no solo trata a los monstruos con compasión, sino que también permite un humor que subraya su humanidad y el respeto de Browning por ellos". - ^ Eaker, 2016: "Durante el rodaje, muchos en el lote de MGM encontraron tan inquietante la visión de los monstruos que buscaron que se detuviera la producción ..."
- ^ Towlson, 2017 Parte 2: "Realidad versus apariencia (belleza física que enmascara la perversidad) es uno de los temas clave en el trabajo de Browning. Otro es la frustración sexual y la castración. Estos temas se encuentran en el corazón de Freaks".
- ↑ Morris y Vieira, 2001: "... Los personajes" hermosos ", Cleopatra y Hércules, cuyas vidas laborales dependen (como las estrellas de cine) casi por completo de su apariencia, quedan mutilados o asesinados. La película muestra la locura de confiar el tipo de superficie hermosa ... "
Rosenthal, 1975 pp. 35-36:" La frustración sexual es la esencia misma de los Freaks ... Nos sorprende la gran incongruencia de la pareja [y] la colisión de los opuestos sexuales absolutos. ... una oportunidad [para Cleopatra] de disfrutar del tipo de cruel broma sexual con la que ella prospera ". Browning enfatiza la disparidad en su estatura física, apariencia. - ^ Rosenthal, 1975 p. 36: Consulte aquí la descripción de la escena.
- ^ Rosenthal, 1975 p. 14: "Dado que este es uno de esos raros casos en las imágenes de Browning en los que la culpa puede ser arreglada indiscutiblemente, los monstruos pueden estar totalmente justificados en su ataque".
- ^ Rosenthal, 1975 págs. 13-14
Herzogenrath, 2006 p. 194: Herzogenrath nos recuerda que "Ofende a uno, ofende a todos" es una paráfrasis de un pasaje de La Epístola de San Pablo a los Corintios, 12: 26-27. - ^ Sobchack, 2006 p. 27: "Freaks combina las intensas sombras de claroscuro y los relámpagos del expresionismo con un estilo documental gris plano". Y P. 28: "... la venganza de los monstruos contra Cleopatra y Hércules se visualiza en un estilo casi expresionista".
Towlson, 2012: "... Los monstruos demuestran un uso sofisticado de la puesta en escena, el encuadre, la edición y el movimiento de la cámara ... El control de Browning sobre la edición ... se refleja en su comentario de que 'el director escribe la historia real en las salas de corte y proyección '... La estrecha participación de Browning en todas las facetas de la producción, la mano guía en el proceso del guión a la pantalla, incluidas las tomas de la cámara y la edición, parece haber sido de Browning ...la habilidad cinematográfica evidenciada en Freaks... es atribuible principalmente a él ". - ^ Sobchack, 2006 pp. 27-28: "... la famosa fiesta de bodas ... la secuencia es una obra maestra de sonido e imagen, y absolutamente única en su concepción y realización".
Eaker, 2016: "La escena del banquete de bodas sigue siendo uno de los momentos más discutidos de Freaks". Y: "La secuencia está bellamente filmada por Browning".
Rosenthal, 1975 pp. 37-38: Rosenthal explica el significado de la escena. - ^ Herzogenrath, 2006 p. 196: El significado de la secuencia del banquete de bodas que se presenta aquí.
- ^ Diekmann y Knörer, 2006 pp. 75-76: La escena final de Freaks "un ataque impactante de mutilación grandguignolesca y horrible venganza ..."
Rosenthal, 1975 p. 50: Vea aquí el manejo técnico de Browning de la secuencia. - ^ Eaker, 2016: "Cuando Browning terminó Freaks , Thalberg, que había defendido previamente a Browning, no dudó en cortar casi media hora de metraje de la película (y, como era la norma en ese momento, quemó el metraje eliminado). "
Conterio, 2018: "... Freaks (1932) ... fue alterada por MGM, para no ofender al público y grupos religiosos. Se cortaron hasta 30 minutos de Freaks ..." - ^ Rosenthal, 1975 p. 59: "La desastrosa reacción pública a Freaks parece haber sacudido la confianza de la oficina central en el director. En los siguientes siete años trabajó en solo cuatro películas ..."
Barson, 2021: "... Freaks fue recibido con repulsión casi universal después de su lanzamiento original ... Freaks casi terminó la carrera de Browning en Hollywood; sólo dirigiría cuatro películas más ". - ↑ Harvey, 2009: "... Freaks sorprendió a muchos por ser profundamente desagradables y resultó ser un importante contribuyente a la estricta aplicación del Código de Producción por parte de Hollywood a partir de 1934. Aunque no fue criticado universalmente en ese momento, Freaks fue suficiente escándalo y dinero. perdedor que la carrera de Browning nunca se recuperó por completo ".
Eaker, 2016: "... Los fanáticos , en efecto, terminaron la carrera de Browning". - ^ Herzogenrath, 2006 p. 11: "Manteniendo sus manos limpias de material controvertido después del escándalo que Freaks (1932) había causado, Browning filmó algunas películas 'más ligeras' ..."
- ^ Cady, 2004 TCM: "... tanto Gilbert como Browning lograron transformar Fast Workers en un melodrama perversamente fascinante cortado con humor callejero". El título "Fast Workers" es un doble sentido que alude "tanto a la habilidad de los trabajadores de la construcción en fascinante ya su estilo con las mujeres ".
Rosenthal, 1975 p. 44
Wood, 2006 TCM: "Browning y Gilbert volvieron a formar equipo en 1933 para el picante drama anterior al Código Fast Workers, donde Gilbert interpreta a 'Gunner' Smith, otro mujeriego detestable que necesita redención". - ^ Rosenthal, 1975 p. 23-24
- ^ Rosenthal, 1975 p. 23-24: Consulte aquí la explicación de las categorías.
- ^ Rosenthal, 1975 p. 44
- ^ Rosenthal, 1975 p. 46
- ^ Rosenthal, 1975 p. 44: "... la serie de eventos que llevaron a que Bucker permitiera premeditadamente que Gunner se cayera de un rascacielos". Y P. 45: "La técnica que Browning usó para construir instantes de terror se trasladó a la era del sonido. Es evidente que Browning concibió el horror principalmente en términos visuales ... el movimiento de la cámara en Fast Workers , cuando Mary se da cuenta de que Bucker está contemplando asesinato, es positivamente escalofriante ".
Cady, 2004 TCM: "En cuanto a Browning, pone en escena varias escenas fuertes, en particular una en la que Bucker de Robert Armstrong se da cuenta de la profundidad de la traición de su amigo. El estilo del director aquí tiene ecos de su trabajo [en la época del cine mudo] con Lon Chaney ... " - ^ "Fast Workers (1933) , Toronto Film Society ( Ontario, Canadá ), 20 de junio de 2018. Consultado el 19 de noviembre de 2020.
- ↑ Eaker, 2016: "En 1935, Browning solicitó rehacer Midnight como Mark of the Vampire ... aunque todavía estaba bajo la protección de Thalberg ... ni Mayer ni el estudio habían perdonado a Browning for Freaks (1932) y su salario por Mark se redujo a la mitad de su monto anterior ... "
- ^ Eaker, 2016: "... Thalberg dio luz verde a Browning para proceder con la Marca inferior del vampiro (1935) tres años [después de completar Freaks (1932)].}
Rosenthal, 1975 p. 15: Marca de Browning de el vampiro un "remake" de su London After Midnight (1927).
Sobchack, 2006 p. 31: "Mark of the Vampire es esencialmente un remake de London After Midnight ..."
Wood, 2006 TCM: "Después del enorme éxito de Drácula ( 1931), el director Tod Browning se inclinaba por volver a la película de vampiros ... Universal Studios poseía los derechos de la franquicia de Drácula ... Maniobró el obstáculo rehaciendo un escalofriante de vampiros que había filmado en 1927: London After Midnight ". - ^ Rosenthal, 1975 p. 63: Ver la sinopsis de London After Midnight en Filmografía
- ^ Sobchack, 2006 p. 31: "Barrymore" se parece a ... Dr. Van Helsing ( Edward Van Sloan ) en Drácula (1931)
- ^ Evans y Banks, 2020: "Definitivamente sería London After Midnight, una película de 1927 con Lon Chaney y dirigida por Tod Browning. Esa fue realmente la plantilla para Mark of the Vampire ..."
Conterio, 2018: "Mark of the Vampire de 1935 , un remake atmosférico de Londres después de la medianoche, volvió a unir a Browning con Bela Lugosi. - ^ Charles, 2006 p. 83: "... El conde Moro no es un vampiro en absoluto, sino un actor contratado para asustar a un sospechoso de asesinato ..."
Eaker, 2013: "Browning terminó su colaboración con Lugosi con esta película. Su trabajo juntos comenzó con The Thirteenth Chair (1929) . " - ^ Wood, 2006 TCM: "Con la intención de superar su propia película de vampiros definitiva, Browning cargó Mark of the Vampire con iconografía de películas de terror ..."
Eaker, 2016: "... Mark of the Vampire está saturado con una textura gótica sensacional (que incluye zarigüeyas que habitan el castillo).
Sweney, 2006 p. 203-204: "Mark of the Vampire no es una película típica de vampiros. La secuencia de apertura indica un mundo de diferentes tradiciones, uno con un idioma y creencias diferentes que tal vez no compartamos ni entendamos ... los aldeanos y sirvientes de la película hablan checo ... el mundo está dividido entre lo que es 'real' y lo que es es 'moderno' ". - ^ Herzogenrath, 2006 p. 16-17: "La exposición de los vampiros falsificada por una compañía de teatro coloca la película en las imágenes de Browning sobre el carnaval ..."
- ^ Sweney, 2006 p. 206: La imagen está "en el ámbito de las películas de carnaval de Browning ... mostrando al público lo fácil que es engañarlos ... En los últimos cinco minutos de la película, se revela que los vampiros son actores" contratados por el profesor Zelen.
- ^ Sweney, 2006 p. 204: Vea aquílos comentarios deldirector de fotografía James Wong Howe sobre la dirección de la película Browning. Las citas son de Sweney, no de Howe.
Sweney, 2006 pág. 204-205: Aunque Howe fue "acreditado como el único director de fotografía de la película", fue destituido por el gerente de producción JJ Cohn debido al manejo de los efectos de iluminación por parte de Howe. Ver pág. 205 por denuncia registrada por la estrella Elizabeth Allan sobre: Howe.
Conterio, 2018: "El uso espectral de la luz por parte de James Wong Howe baña los decorados góticos con un brillo espeluznante".
Eaker, 2016: "Para Mark of the Vampire, Browning trabajó con el director de fotografía James Wong Howe. El trabajo de Howe en la película fue elogiado, pero a Howe no le importó trabajar con Browning, quien dijo que 'no conocía un extremo de la cámara de el otro'" - ^ Rosenthal, 1975 p. 54
- ^ Sweney, 2006 p. 205-206: "De lejos, la parte más interesante de la película es su famosa toma de seguimiento que ocurre aproximadamente a los 17 minutos de la película ... Esta secuencia de un minuto es una de las mayores fiestas visuales en el cine de lo macabro ... . "
- ^ Rosenthal, 1975 p. 54-55
Sweney, 2006 pág. 206: "El movimiento de los dos Nightwalkers, el movimiento de los murciélagos y el movimiento de la cámara se combinan en un viaje fluido que lleva al espectador al sótano del castillo y a través de sus paredes ... conducido sin diálogo, su silencio presta una tensión adicional a la película ". - ^ Sweney, 2006 p. 206: "El aspecto sexual, aquí una escena lésbica con un voyeur masculino, en innegable ... inherente al vampirismo mismo. Sweney elogia a Ben Lewis por la edición" exquisita ".
Eaker, 2016:" La edición visceral de alguna manera se suma a la atractivo ... sumado a una película escandalosa y alucinante con una personalidad genuinamente perversa y un estilo surrealista y ominoso ... "Y:" ... Borland es igualmente impresionante. Su Luna ... inspiró aMorticia de Charles Addams en The Addams Family (serie de televisión de 1964) - ^ Sweney, 2006 p. 204: "... no hay música orquestal en la película, a excepción de los créditos de apertura y cierre (es una película de MGM) ..." Y: "La banda sonora de Mark of the Vampire contribuye en gran parte a la atmósfera en general ... Douglas Shearer , 12 veces ganador del Oscar y hermano de Norma Shearer , se acredita como director de grabación ".
- ^ Sweney, 2006 p. 204: "... la única música melódica dentro de la película la hacen los intérpretes: el canto y el violín de los aldeanos, y el órgano melodramático (interpretado por un hombre muerto ...)"
- ^ Sweney, 2006 p. 204:
- ^ Sweney, 2006 p. 206-207: "... una gran pieza de cinematografía" con la "transformación extraordinariamente convincente de Luna de monstruo a humano ... convierte al Barón Otto [asesino] en un creyente" en los vampiros.
- ^ Diekmann y Knörer, 2006 p. 74: "... sólo en los últimos cinco minutos de Mark of the Vampire (1935), el público aprenderá que todo lo que ha presenciado durante los últimos 50 o 60 minutos no era más que una trampa: una trampa teatral diseñada para atraer a un sospechoso en una recreación de un crimen ".
Wood, 2006 TCM: "Pero el mayor logro de la película es el final elaboradamente retorcido que Browning lanza sobre el espectador como un diabólico jack-in-the-box".
Sweney, 2006 pág. 201: "... su trama melodramática sólo realza el final sorpresa; su final sorpresa, tan evidentemente falso, no niega lo que ha venido antes, sino que afirma la lógica onírica de la película en sí". Y P. 207: Cita de Lugosi. - ^ Sobchack, 2006 p. 28: "The Devil Doll, 1936, el último melodrama bizarro de Browning y su penúltima película, recuerda a The Unholy Three, 1925". Y P. 36: "... The Devil Doll ... fuertemente influenciado, tal vez, por la antigua asociación de Browning con Chaney".
Toole, 2003 TCM: "Por extraño que parezca The Devil Doll (fue coescrito por Erich Von Stroheim) , encaja bien dentro del canon de Browning de historias extrañas". - ^ Herzogenrath, 2006 p. 11: "The Devil-Doll, con guión de Erich von Stroheim ..."
Eaker, 2016: "The Devil Doll (1936) se basa en la novela de Abraham Merritt" Burn, Witch, Burn "con el guión de Guy Endore, Erich von Stroheim, y Browning. "
Sobchack, 2006 p. 29: Consulte aquí para obtener una cotización. - ^ Rosenthal, 1975 p. 25: "... The Devil-Doll sigue el mismo patrón que en The Unholy Three de Browning (1925)".
- ^ Rosenthal, 1975 p. 25: "... Lionel Barrymore escapa de la prisión para destruir a los tres banqueros que lo incriminaron por la malversación que cometieron". Y P. 14: "Los instrumentos de venganza de Barrymore en The Devil-Doll son muñecos vivientes diminutos, mortales que no tienen voluntad propia y responden a sus órdenes telepáticas. Por extensión, a través de estas miniaturas, es capaz de dominar a sus enemigos ..."
Eaker , 2016: "Malita (Rafaela Ottiano), que también es, convenientemente, un científico loco. Muere Marcel, no sin antes mostrarle a Lavond el descubrimiento científico en el que él y Malita llevan años trabajando. Son capaces de encoger animales y personas a una sexta parte de su tamaño normal ". - ^ Sobchack, 2006 p. 28-29
Toole, 2003 TCM: "... parte del atractivo de culto de la película es el retorcido sentido del humor de Browning, que es más evidente en las escenas con Malita, que se vuelve adicta a la miniaturización de humanos". - ^ Rosenthal, 1975 p. 25: "Browning saca el maquillaje de anciana de Chaney de The Unholy Three (1925) como un disfraz para Barrymore mientras realiza su trabajo de destrucción furiosa ... Echo [Chaney] se maquilló como la abuela [Granny O'Grady] lleva un parecido notable con Barrymore disfrazado de la anciana [Madame Mandilip] que vende muñecos en el Devil-Doll ".
Baxter, 1970 pág. 101-102: "The Devil Doll (1936) sigue siendo uno de los ejemplos más efectivos de fantasía atmosférica de los años treinta. Los elementos característicos de Browning -la codicia larga como motivo, el travestismo- reaparecen en la historia de un convicto fugitivo que se le da el secreto de reducir a los seres humanos a miniaturas y lo usa para vengarse de los hombres que lo pusieron en Devil 's Island ". - ^ Rosenthal, 1975 p. 25
- ^ Rosenthal, 1975 p. 25: Ver aquí la definición de "frustración indirecta", también p. 23.
- ^ Rosenthal, 1975 p. 27-28
Eaker, 2016: "Irónicamente, para demostrar su inocencia, Lavond debe volver a exiliarse al final de la película y debe abandonar para siempre a su hija ..." - ^ Rosenthal, 1975 p. 25: Ver aquí la definición de "frustración indirecta", también p. 23. Y: p. 39: "En las películas de Browning, el sufrimiento real saca a relucir las cualidades peligrosas de un hombre. Cualquier buena acción que eventualmente haga es el resultado de su fuerza inicial de carácter y a pesar del sufrimiento impuesto externamente que obliga a hombres como Paul Lavond culpa más profunda. Levond es un hombre odioso y gruñón ".
Eaker, 2016: "Como Lavond, Barrymore ofrece una interpretación tenue y controlada ... Aunque es un personaje comprensivo, Barrymore transmite escalofríos genuinos en las escenas de venganza ..." - ^ Toole, 2003 TCM: The Devil-Doll es una "pieza de cine muy suave y visualmente lograda ... Los efectos especiales son impresionantes para la época, en particular las escenas que presentan escenarios de gran tamaño y personas" en miniatura ".
Eaker, 2016: "En el momento de The Devil Doll , Browning se sentía cómodo con el medio de sonido y la película se beneficia de este trabajo de cámara fluido y el flx encantadoramente rudimentario para la gente increíblemente encogida".
Sobchack, 2006 p. 28-29: "Las escenas que involucran a las 'muñecas' (personas realmente miniaturizadas) mientras intentan llevar a cabo las órdenes telepáticas asesinas de un Lavond vengativo son a menudo escalofriantes,
Baxter, 1970 pág. 102: La idea de la miniaturización se usa con más dramatismo en esta película que en otras de este tipo, y los ataques que los ingenieros de Lionel Barrymore ... están dirigidos con una habilidad espeluznante ... " - ^ Sobchack, 2006 p. 31
- ^ Diekmann y Knörer, 2006 p. 73: "La única conexión directa que pudimos encontrar entre los mundos de Grand Guignol y Browning es la actriz Rafaela Ottiano quien, después de una distinguida carrera como intérprete de Grand Guignol, pasó a interpretar varios papeles secundarios en una varias películas de Hollywood, entre ellas The Devil Doll , deTod Browning, de 1936 ".
Eaker, 2016: "Lo que hace que The Devil Doll sea única es el ángulo de la ciencia ficción y una científica loca en Ottiano (que tiene unaracha similar a Elsa Lanchester en su cabello)". - ^ Eaker, 2015: "... El paraguas protector de Thalberg desapareció cuando el productor murió prematuramente, poco después del lanzamiento de The Devil Doll (1936)de Browning". Y: "... The Devil Doll (1936) ni siquiera recibió crédito en la pantalla ..." Y "... The Devil Doll. También fue el principio del fin de la incomparable marca de arte de Browning". Y: "Después de Devil Dolls, Browning permaneció inactivo durante dos años hasta que pudo dirigir Miracles for Sale (1939) ..."
- ^ Rosenthal, 1975 p. 8
- ^ Eaker, 2016: "La última película de Tod Browning, Milagros en venta (1939) ..."
- ^ Eaker, 2016: "Después de The Devil Dolls , Browning permaneció inactivo durante dos años hasta que pudo dirigir Miracles for Sale (1939) ..."
- ^ Eaker, 2016:
Rosenthal, 1975 p. 49: "El canto del cisne de Browning ... es un misterio bastante rutinario en un contexto de lo oculto". - ^ Salomón, 2006 p. 51: Miracles for Sale, 1939, un misterio de asesinato ambientado en el reino de la magia teatral ... "
Sobchack, 2006 p. 31:" La última película de Browning, Miracles for Sale, es un melodrama de misterio "que está inmerso en el ilusionismo secundario pero "El asesinato tiene una solución empírica". - ↑ Eaker, 2016: Miracles for Sale ... presentó otra representación de Browning de la mutilación por debajo de la cintura ". Y:" Miracles For Sale comienza con un escenario típico de Browning: mutilación ". Y:" "Browning ... conserva Continuidad temática hasta este, su último trabajo ".
Rosenthal, 1975 p. 49-50: Consulte aquí la cotización completa. - ^ Eaker, 2016: "... la más encuadernada de estudio de las películas de Browning ..."
Rosenthal, 1975 p. 49 - ^ Kalat, 2013 TCM: "Lanzada el 10 de agosto de 1939, Miracles for Sale, que se había presupuestado en $ 297,000, terminó perdiendo $ 39,000 en taquilla. La película recibió críticas decentes de publicaciones como Variety [y] The New York Times ... "
Eaker, 2016:" Tod Browning fue despedido sin ceremonias (e inevitablemente) después de esta película, a pesar de que Miracles for Sale lo hizo bastante bien en la taquilla y con la crítica ". - ^ Harvey, 2009: "La espantosa sensibilidad de Browning se salió de lugar cada vez más en medio del alcance de MGM por el glamour y el prestigio. A fines de 1941, su estatus en el estudio se redujo tanto que prefirió jubilarse".
- ^ Eaker, 2016: "La carrera de Browning llegó a un final quejumbroso en 1939". Y: "Fue despedido sin ceremonias por el productor de MGM Carey Wilson , cuya carrera inicial Browning había ayudado enormemente".
Towlson, 2012: "Después de Miracles for Sale (1942), nunca hizo otra película y se sintió 'rechazado' por Hollywood". - ^ Diekmann y Knörer, 2006 p. 76
- ^ Eaker, 2016
- ^ Herzogenrath, 2006 p. 11: "Después de su última película Miracles for Sale (1939) ... [hizo] algún guión ocasional para MGM. En 1942, Browning se retiró a Malibú, California".
- ^ Harvey, 2009: "Lamentablemente, poco después, su esposa Alice murió, también por complicaciones de una neumonía, dejándolo como un recluso en Malibú durante las dos décadas restantes de su vida.
- ^ Herzogenrath, 2006 p. 11: La "esposa Alice de Browning murió" en 1944.
- ^ Herzogenrath, 2006 p. 11: "Variety mezcló la muerte de su esposa con Browning y publicó su obituario en 1944".
- ^ Sobchack, 2006 p. 36: "En 1949, a Browning se le otorgó una membresía vitalicia en el guión del Gremio de Directores de América, un honor otorgado a solo otras cuatro personas en el momento de su muerte por cáncer en 1962".
- ^ Eaker, 2016: "Los veinticinco años restantes de Browning los pasó como viudo recluso en reclusión alcohólica".
- ↑ Alford, 1995: "A Browning se le diagnosticó cáncer de laringe en 1962 y se sometió a una operación. Mudo y mutilado, había llegado o retrocedido al estado silencioso de desfiguración sin palabras que había sido su obsesión y su avatar."
Eaker, 2016: "Al igual que su estrella principal Lon Chaney, Browning desarrolló cáncer de garganta, que lo dejó mudo". - ^ Herzogenrath, 2006 p. 11: "El 6 de octubre de 1962, Browning murió solo en el baño de su casa en Malibu Beach".
Eaker, 2016: "Browning murió como un oscuro recluso alcohólico en 1962 ... el perenne forastero, no podría haberle importado menos". - ^ Sobchack, 2006 p. 36
- ^ Eaker, 2016
- ^ Rosenthal, 1975 p. 9:
Fuentes generales
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Otras lecturas
- Dark Carnival (1995) ( ISBN 0-385-47406-7 ) de David J. Skal y Elias Savada .
- Las películas de Tod Browning (2006) ( ISBN 978-1-904772-51-4 ) editado por Bernd Herzogenrath.
enlaces externos
- Obras de Tod Browning en Internet Archive
- Tod Browning en IMDb
- Bibliografía de Tod Browning vía UC Berkeley Media Resources Center
- Tod Browning en AllMovie
- Tod Browning en Find a Grave
- Tod Browning en Historia virtual
- Actores de cine masculinos estadounidenses
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