El art rock es un subgénero de la música rock que generalmente refleja un enfoque desafiante o vanguardista del rock, o que hace uso de elementos modernistas , experimentales o no convencionales. Art rock aspira a elevar el rock del entretenimiento a una declaración artística, [8] optando por una perspectiva más experimental y conceptual de la música. [3] Las influencias pueden provenir de géneros como el rock experimental , la música de vanguardia , la música clásica y el jazz . [1]
Arte rock | |
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Orígenes estilísticos | |
Origen cultural | 1960, Estados Unidos y Reino Unido |
Formas derivadas | |
Otros temas | |
Su música fue creada con la intención de escuchar y contemplar más que para bailar , [3] y a menudo se distingue por el uso de efectos electrónicos y texturas de fácil escucha muy alejadas de los ritmos propulsores del rock temprano. [8] El término a veces se puede usar indistintamente con " rock progresivo ", aunque este último se caracteriza en particular por el empleo de técnicas instrumentales de formación clásica y texturas sinfónicas .
El mayor nivel de popularidad del género fue a principios de la década de 1970 a través de artistas británicos. La música, así como la naturaleza teatral de las representaciones asociadas con el género, fue capaz de atraer a adolescentes y adultos jóvenes con inclinaciones artísticas, especialmente debido a su virtuosismo y complejidad musical / lírica. [3] El art rock está más asociado con un cierto período de la música rock, que comienza en 1966-67 y termina con la llegada del punk a mediados de la década de 1970. [9] Después, el género se infundiría dentro de los géneros musicales populares posteriores de las décadas de 1970 y 1990. [3]
Definiciones
El crítico John Rockwell dice que el art rock es uno de los géneros más amplios y eclécticos del rock, con su sentido manifiesto de desapego creativo, pretensiones de música clásica y tendencias experimentales y vanguardistas . [10] En la música rock de la década de 1970, el descriptor de "arte" se entendía generalmente como "agresivamente vanguardista" o "pretenciosamente progresista". [11] "Art rock" se utiliza a menudo como sinónimo de rock progresivo . [12] [10] [1] [3] Históricamente, el término se ha utilizado para describir al menos dos tipos de música rock relacionados, pero distintos. [13] El primero es rock progresivo, mientras que el segundo uso se refiere a grupos que rechazaron la psicodelia y la contracultura hippie en favor de un enfoque modernista y vanguardista definido por Velvet Underground . [13] La ensayista Ellen Willis comparó estos dos tipos:
Desde principios de los sesenta… había una contratradición en el rock and roll que tenía mucho más en común con el arte elevado, en particular con el arte de vanguardia, que con la exaltada síntesis art-rock [rock progresivo]; implicó usar más o menos conscientemente los cánones formales básicos del rock and roll como material (tanto como los artistas pop usaron el arte de masas en general) y refinar, elaborar, reproducir ese material para producir… arte rock and roll. Si bien el art rock se basaba implícitamente en la afirmación de que el rock and roll era o podría ser tan valioso como formas de arte más establecidas, el arte del rock and roll surgió de un compromiso obsesivo con el lenguaje del rock and roll y un desdén igualmente obsesivo por los que rechazaron ese lenguaje o quisieron diluirlo, hacerlo más fácil… la nueva ola ha heredado la contratradición. [14]
El art rock enfatiza las tradiciones románticas y autónomas, a diferencia de la estética de lo cotidiano y lo desechable encarnado por el arte pop . [15] La música popular estadounidense de Larry Starr y Christopher Waterman define el art rock como una "forma de música rock que mezcla elementos del rock y la música clásica europea", citando a las bandas de rock inglesas King Crimson , Emerson, Lake & Palmer y Pink Floyd como ejemplos. [16] Las características comunes incluyen música orientada a álbumes dividida en composiciones en lugar de canciones, con secciones instrumentales generalmente complicadas y largas, orquestación sinfónica. [3] Su música se usó tradicionalmente en el contexto de los discos conceptuales , y sus temas líricos tendían a ser "imaginativos" y de orientación política. [3]
Se han identificado diferencias entre el rock artístico y el rock progresivo, con el arte rock enfatizando las influencias de vanguardia o experimentales y la "estructura sonora novedosa", mientras que el rock progresivo se ha caracterizado por poner un mayor énfasis en la técnica instrumental de formación clásica, el contenido literario y sinfónico. características. [1] Comparado con el rock progresivo, el art rock es "más desafiante, ruidoso y poco convencional" y "menos influenciado por el clásico", con más énfasis en la música de vanguardia . [1] Las similitudes son que ambos describen un intento mayoritariamente británico de elevar la música rock a nuevos niveles de credibilidad artística, [1] y se convirtieron en el análogo instrumental de los álbumes conceptuales y las óperas rock , que por lo general estaban más orientadas a las voces. [17]
El art rock también puede referirse al rock de estilo clásico oa una fusión de rock progresivo y folk . [3] El ensayo de Bruce Eder The Early History of Art-Rock / Prog Rock afirma que "'rock progresivo', también conocido como 'rock artístico' o 'rock clásico'" es música en la que las "bandas [están] tocando suites, no canciones; tomando prestados riffs de Bach, Beethoven y Wagner en lugar de Chuck Berry y Bo Diddley ; y usando un lenguaje más cercano a William Blake o TS Eliot que a Carl Perkins o Willie Dixon ". [18]
Historia
1960
Fondo
—Michael Campbell, Música popular en Estados Unidos , 2012 [12]
Los límites entre el arte y la música pop se volvieron cada vez más difusos durante la segunda mitad del siglo XX. [19] El primer uso del término "art rock", según el Diccionario en línea Merriam-Webster , fue en 1968. [4] A medida que el formato dominante de la música pop pasó de los sencillos a los álbumes , [nb 1] muchas bandas de rock crearon obras que Aspiraba a hacer grandes declaraciones artísticas, donde florecería el art rock. [21] A medida que avanzaba a finales de la década de 1960, junto con el desarrollo del rock progresivo, el rock adquirió notoriedad junto con el rock experimental. [22]
Proponentes
Se ha asumido que la primera figura del art rock fue el productor de discos y compositor Phil Spector , quien se hizo conocido como autor por sus producciones Wall of Sound que aspiraban a una "grandiosidad clásica". [23] Según el biógrafo Richard Williams : "[Spector] creó un nuevo concepto: el productor como director general del proceso creativo, de principio a fin. Él tomó el control de todo, eligió a los artistas, escribió o eligió el material, supervisó los arreglos, les dijo a los cantantes cómo expresar, dirigió todas las fases del proceso de grabación con la más dolorosa atención al detalle y publicó el resultado en su propio sello ". [24] Williams también dice que Spector transformó la música rock como un arte escénico en un arte que solo podía existir en el estudio de grabación, lo que "allanó el camino para el arte rock". [25]
El líder de los Beach Boys , Brian Wilson, también se cita como uno de los primeros ejemplos del productor de música de autor. [26] [nb 2] Al igual que Spector, Wilson era conocido como un obsesivo obsesivo del estudio que laboriosamente producía paisajes sonoros fantásticos a través de su dominio de la tecnología de grabación. [28] El biógrafo Peter Ames Carlin escribió que Wilson fue el precursor de "un nuevo tipo de art-rock que combinaría las posibilidades trascendentes del arte con la accesibilidad convencional de la música pop". [29] A partir de la influencia del trabajo de Wilson y el trabajo del productor de los Beatles , George Martin , los productores de música después de mediados de la década de 1960 comenzaron a ver el estudio de grabación como un instrumento musical utilizado para ayudar en el proceso de composición. [26] El crítico Stephen Holden dice que las grabaciones de los Beatles, Spector y Wilson a mediados de los sesenta a menudo se identifican como el comienzo del art pop, que precedió al art rock "grandilocuente y con inflexiones clásicas" que comenzó a finales de los sesenta. [21]
Muchos de los principales grupos británicos durante la década de 1960, incluidos los miembros de los Beatles, los Rolling Stones , los Kinks , The Who , 10cc , The Move , Yardbirds y Pink Floyd, llegaron a la música a través de la escuela de arte . [30] [31] Esta institución se diferenciaba de su contraparte estadounidense en términos de tener un plan de estudios menos aplicable a la industria y en su enfoque en promover el talento excéntrico. [32] A mediados de la década de 1960, varios de estos actos adoptaron un enfoque basado en el arte y la originalidad, donde anteriormente habían sido absorbidos únicamente en la interpretación auténtica de estilos musicales derivados de Estados Unidos, como el rock 'n' roll y el R&B . [33]
Según el periodista Richard Goldstein , muchos músicos populares de California (como Wilson) deseaban ser reconocidos como artistas y luchaban con esta aspiración. Goldstein explica que la línea divisoria entre violar las convenciones musicales y hacer "música verdaderamente popular" hizo que aquellos que no tenían "egos lo suficientemente fuertes" (en contraste con Bob Dylan y los Beatles) estuvieran "condenados a un rechazo respetuoso, y algunos álbumes con ventas decepcionantes por lo general significaban silencio ... Anhelaban la fama, como solo pueden hacerlo las personas necesitadas, pero también querían hacer arte, y cuando ambos impulsos no pudieron lograrse, retrocedieron en una bola de confusión frenética. " [34]
El autor Matthew Bannister rastrea "la estética camp más tímida del art rock" hasta el artista pop Andy Warhol y Velvet Underground, que emuló la síntesis de arte / pop de Warhol. [35] En consecuencia: "Warhol llevó la combinación de Spector de desencarnación, 'distancia' y refinamiento de la alta cultura con la 'inmediatez' de formas culturales de masas como el rock and roll varias etapas más allá ... Pero la estética de Warhol fue más elaborada que Spector's, que representó una fase de transición entre el autorismo anticuado y los principios completamente posmodernos y distantes del arte pop ... El enfoque de Warhol resuena en todo el art rock, más obviamente en su postura de distancia y desvinculación ". [36] En 1969, los Doors también exploraron el género art rock en su cuarto álbum, The Soft Parade . [37]
Álbumes influyentes
1965-1966
El lanzamiento en diciembre de 1965 de Rubber Soul de los Beatles marcó un hito para el álbum pop, [38] transformándolo en alcance de una colección de sencillos con pistas de menor calidad a una forma de arte distinta, llena de composiciones originales de alta calidad. [39] El álbum obtuvo el reconocimiento de los Beatles como artistas de la prensa convencional estadounidense, [40] anticipando la legitimación cultural de la música rock como forma de arte. [41] Escribiendo en 1968, Gene Sculatti de Jazz & Pop reconoció a Rubber Soul como "el álbum definitivo de 'rock como arte'" y "el prototipo necesario" que tenían artistas importantes como los Rolling Stones (con Aftermath ) y los Beach Boys. se sintió obligado a seguir. [42]
El período en el que la música rock se alineó más estrechamente con el arte comenzó en 1966 y continuó hasta mediados de la década de 1970. [43] El académico Michael Johnson asocia "los primeros momentos documentados de ascensión en la música rock" a Pet Sounds de los Beach Boys y Sgt. De los Beatles . Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967). Lanzado en mayo de 1966, Pet Sounds surgió del deseo de Wilson de hacer una "declaración completa", como creía que los Beatles habían hecho anteriormente con Rubber Soul . [44] [nb 3] En 1978, el biógrafo David Leaf escribió que el álbum anunciaba el arte rock, [46] mientras que según The New York Observer , " Pet Sounds demostró que un grupo de pop podía hacer una pieza de un álbum comparable con la las obras más grandes de formato largo de Bernstein , Copland , Ives y Rodgers y Hammerstein ". [47] Pet Sounds también se destaca como el primer álbum conceptual de rock. [48] [49] [nb 4] En 1971, la revista Cue describió a los Beach Boys como "entre la vanguardia" con respecto al art rock, entre muchos otros aspectos relacionados con la contracultura, durante el período hasta fines de 1967. [50]
La enciclopedia de Jacqueline Edmondson 2013 Music in American Life afirma que, aunque fue precedida por ejemplos anteriores, el álbum debut de Frank Zappa and the Mothers of Invention, Freak Out! (Junio de 1966) llegó a ser visto como "la primera incorporación exitosa de la música artística en un contexto pop". Con Los Ángeles como su base desde principios de la década de 1960, Zappa pudo trabajar en un entorno donde el radicalismo estudiantil estaba estrechamente alineado con una escena de vanguardia activa, un escenario que colocaba a la ciudad por delante de otros centros contraculturales en ese momento y continuaría. para informar su música. [19] El escritor y pianista Michael Campbell comenta que el álbum "contiene una larga lista no categorial de las influencias de Zappa, desde compositores clásicos de vanguardia hasta oscuros músicos folclóricos". [12]
Revolver de los Beatles (agosto de 1966) promovió la perspectiva del álbum como arte [51] y continuó la evolución de la música pop. [52] Liderado por el sencillo de art-rock " Eleanor Rigby ", [53] expandió el alcance del género en términos de la gama de estilos musicales, que incluían indio, vanguardista y clásico, y el contenido lírico del álbum, [54] y también en su desviación de las nociones anteriores de melodía y estructura en la composición de canciones pop. [55] Según Rolling Stone , " Revolver señaló que en la música popular, cualquier cosa, cualquier tema, cualquier idea musical, ahora se puede realizar". [56] Al igual que con Rubber Soul , el álbum inspiró a muchos de los artistas de rock progresivo de la década de 1970, [57] y cada una de sus canciones ha sido reconocida por anticipar un nuevo subgénero o estilo. [58]
1967
Clash Music nombra el álbum debut de Velvet Underground en marzo de 1967, The Velvet Underground & Nico, como "el disco original de art-rock". [59] [nb 5] Bannister escribe sobre Velvet Underground: "ninguna otra banda ejerció el mismo control sobre las mentes de los artistas, escritores y públicos de arte / rock alternativo de los años setenta y ochenta". [61] Su influencia podría volver a aparecer de la década de 1970 a diversas en todo el mundo indie escenas, [61] [nb 6] y en 2006, The Velvet Underground & Nico fue incluido en la Biblioteca del Congreso ' Registro de Grabación Nacional , quien comentó: "Para durante décadas ha proyectado una enorme sombra sobre casi todas las subvariedades del rock de vanguardia , desde el art-rock de los setenta hasta el no-wave , el new-wave y el punk ". [62] Sin embargo, cuando Velvet Underground apareció por primera vez a mediados de la década de 1960, se enfrentaron al rechazo y comúnmente fueron descartados como una banda "marica". [63] En 1982, el músico Brian Eno declaró que, si bien The Velvet Underground & Nico inicialmente vendieron sólo 30.000 copias, "todos los que compraron una de esas 30.000 copias formaron una banda". [64]
The Beatles' Paul McCartney deemed Pet Sounds "the record of the time", and in June 1967, the band responded with their own album: Sgt. Pepper's,[65][nb 7] which was also influenced by Freak Out![66] AllMusic states that the first wave of art rock musicians were inspired by Sgt. Pepper's and believed that for rock music to grow artistically, they should incorporate elements of European and classical music to the genre.[1][nb 8] Many British groups flowered in the album's wake; those who are listed in Music in American Life include the Moody Blues, the Strawbs, Genesis, and "most notably", Pink Floyd.[68][nb 9] The band's Roger Waters later stated that both Sgt. Pepper and Pet Sounds "completely changed everything about records" for him.[70]
Another watershed development of 1967 was Are You Experienced, the debut album by American rock guitarist Jimi Hendrix which used recording studio technology as an impressionist instrument, with backwards drums, harmonic feedback and new devices like the Octavia guitar effect, designed by Roger Mayer, to create new sonic textures heavily influenced by science-fiction and psychedelia, and featuring the heightened instrumental virtuosity which would become a hallmark of Progressive Rock. "Few debut albums have altered the course of rock to the extent that Are You Experienced, the full-length bow from the Jimi Hendrix Experience, did in the spring of 1967... the LP not only showcased Hendrix’s remarkably inventive guitar playing, but also combined R&B, blues, psychedelia, pop, heavy rock and even jazz in a way that no one had ever done (or even imagined) before. "[71]
1969
Another art rock album during the late 60s was Captain Beefheart's Trout Mask Replica, which was produced by Zappa and has influenced people from Tom Waits to PJ Harvey.[72][73][74]
Década de 1970 a 1990
Art rock's greatest level of popularity was in the early 1970s through British artists like King Crimson and Queen.[3]
Enthusiasm for art rock explorations waned in the mid 1970s.[12] From then to the 1990s, art rock was infused within various popular music genres.[3] Encyclopædia Britannica states that its genre's tendencies were continued by some British and American hard rock and pop rock artists, and that Brian Eno's late 1970s and early 1980s collaborations with David Bowie and Talking Heads are exemplary of "the successful infusion of art rock tendencies into other popular music genres".[3] Bowie and Eno collaborated on a series of consecutive albums called the "Berlin Trilogy", characterized as an "art rock trifecta" by Consequence of Sound, who noted that at the time of their release, "The experimental records weren’t connecting with audiences on the scale Bowie was used to. ... New Wave had exploded, and a generation of Bowie descendants had taken the stage."[75]
In the 1980s, a new generation of English art rockers took the place of 1970s bands such as Roxy Music,[76] Yes, Genesis, Jethro Tull and Emerson, Lake & Palmer. Journalist Roy Trakin explains: "Of course, these stalwarts can still fill Madison Square Garden and sell a great many records, as they always have, but their days of adventurous risk-taking and musical innovation are long gone – replaced by the smug satisfaction of commercial success."[77]
Trakin also identifies XTC as one of the more "accessible" new groups. When the band's Colin Moulding was asked whether he felt the band was closer to art rock or new wave, he responded; "We've always had the art-rock appeal rather than street credibility. ... I'd like to think we're the Vasco de Gamas [sic] of popular music, exploring new grounds. This band has never really been fashionable at all."[77]
The art punk group Sonic Youth came to be with their 1988 landmark album Daydream Nation.[78]
Notas
- ^ The Beatles, the Beach Boys, Phil Spector, and Frank Zappa all indicated a direction that transformed long-playing records into a creative format while variously reciprocating each others' creative developments throughout the 1960s.[20]
- ^ For an early example of the rock album format being used to make a cohesive artistic statement, author Scott Schinder refers to the album The Beach Boys Today! (1965) and its "suite-like structure", consisting of one side of uptempo songs and the other of ballads.[27]
- ^ In March 1966, Wilson called Pet Sounds "a more conscious, arty production ... it's like I'm right in the golden age of what it's all about. ... The folk thing has been important. I think it has opened up a whole new intellectual bag for the kids. They're making "thinking" records now. That's really what it is."[45]
- ^ Carys Wyn Jones observes that Pet Sounds, the Beatles' Revolver (1966) and Sgt. Pepper, and the Who's Tommy (1969) are variously cited as "the first concept album", usually for their "uniform excellence rather than some lyrical theme or underlying musical motif".[9]
- ^ In late 1966, the Velvet Underground's principal songwriter Lou Reed praised Spector, crowning his "You've Lost That Lovin' Feelin'" (1964) "the best record ever made". In addition, he wrote: "There is no God and Brian Wilson is his son."[60]
- ^ Bannister adds that indie rock musicians would be significantly influenced by the "pop" offshoots of psychedelia that includes the later Beatles, the later Beach Boys, the Byrds, early Pink Floyd, and Love.[13]
- ^ It is frequently cited for its Pet Sounds influence, as McCartney explains: "If records had a director within a band, I sort of directed Pepper ... and my influence was basically the Pet Sounds album."[65] The interplay between the Beach Boys and the Beatles' creative work thus inextricably links the two albums together.[65]
- ^ In the Encyclopedia of Popular Music, Colin Larkin wrote of Sgt. Pepper: "[It] turned out to be no mere pop album but a cultural icon, embracing the constituent elements of the 60s' youth culture: pop art, garish fashion, drugs, instant mysticism and freedom from parental control."[67]
- ^ Pink Floyd recorded their 1967 debut album Piper at the Gates of Dawn next door to the Sgt. Pepper's sessions at London's EMI Studios. Fans believe that the Piper track "Pow R. Toc H." would derive from Pepper's "Lovely Rita", whose sessions Pink Floyd were witness to.[69]
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Otras lecturas
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