Película de arte

Género cinematográfico

Carl Theodor Dreyer , fotografiado aquí en 1965, dirigió la película de 1928 La pasión de Juana de Arco .

Una película de arte (o película de casa de arte ) es típicamente una película independiente , dirigida a un nicho de mercado en lugar de una audiencia de mercado masivo . ^[1] Está "destinado a ser un trabajo artístico serio, a menudo experimental y no diseñado para un atractivo masivo", ^[2] "realizado principalmente por razones estéticas más que por lucro comercial", ^[3] y contiene "poco convencional o altamente simbólico contenido". ^[4]

Los críticos de cine y los estudiosos de estudios cinematográficos típicamente definen una película de arte como que posee "cualidades formales que los distinguen de las películas convencionales de Hollywood". ^[5] Estas cualidades pueden incluir (entre otros elementos): un sentido de realismo social ; un énfasis en la expresividad autoral del director; y un enfoque en los pensamientos, sueños o motivaciones de los personajes, en contraposición al desarrollo de una historia clara y orientada a objetivos. El estudioso del cine David Bordwell describe el cine de arte como "un género cinematográfico , con sus propias convenciones distintas". ^[6]

Los productores de películas de arte suelen presentar sus películas en salas especiales ( salas de cine de repertorio o, en los Estados Unidos, salas de cine de autor) y en festivales de cine . El término película artística se utiliza mucho más en América del Norte, el Reino Unido y Australia, en comparación con la Europa continental, donde en su lugar se utilizan los términos películas de autor y cine nacional (por ejemplo, cine nacional alemán). Dado que están dirigidas a audiencias pequeñas y de nicho de mercado, las películas artísticas rara vez obtienen el respaldo financiero que permitiría grandes presupuestos de producción asociados con un éxito de taquilla ampliamente difundido.Película (s. Los directores de cine artístico compensan estas limitaciones creando un tipo de película diferente, una que normalmente utiliza actores de cine menos conocidos (o incluso actores aficionados), y decorados modestos para hacer películas que se centran mucho más en desarrollar ideas y explorar nuevas técnicas narrativas. e intentar nuevas convenciones cinematográficas.

Estas películas contrastan marcadamente con las películas más taquilleras, que suelen estar más orientadas hacia la narración lineal y el entretenimiento convencional. El crítico de cine Roger Ebert llamó a Chungking Express , una película de arte de 1994 aclamada por la crítica, "en gran parte una experiencia cerebral" que uno disfruta "por lo que sabe sobre el cine". ^[7] Dicho esto, algunas películas de arte pueden ampliar su atractivo al ofrecer ciertos elementos de géneros más familiares, como el documental o la biografía.. Para su promoción, las películas de arte se basan en la publicidad generada a partir de las reseñas de los críticos de cine; discusión de la película por columnistas de arte, comentaristas y blogueros; y promoción de boca en boca por parte de la audiencia. Dado que las películas artísticas tienen pequeños costos de inversión inicial, solo necesitan atraer a una pequeña parte de las audiencias principales para ser financieramente viables.

Historia

Antecedentes: 1910-1920

Carteles teatrales de L'Inferno e Intolerance , a menudo acreditados por los historiadores del cine como las primeras películas de arte.

Los precursores de películas de arte incluyen cine mudo italiano L'Inferno (1911), de DW Griffith 's Intolerancia (1916) y las obras de cineasta ruso Sergei Eisenstein , que influyeron en el desarrollo de los movimientos cinematográficos europeos durante décadas. ^{[8] [9] [10]} La película de Eisenstein Battleship Potemkin (1925) fue una película de propaganda revolucionaria que usó para probar sus teorías sobre el uso de la edición de películas para producir la mayor respuesta emocional de la audiencia. El reconocimiento de la crítica internacional que Eisenstein obtuvo de esta película le permitió dirigir Octubre como parte de una gran celebración del décimo aniversario de la Revolución de Octubre.de 1917. Más tarde dirigió The General Line en 1929.

Las películas de arte también estuvieron influenciadas por películas de creadores de vanguardia españoles , como Luis Buñuel y Salvador Dalí (que hizo L'Age d'Or en 1930), y por el dramaturgo y cineasta francés Jean Cocteau , cuya película de vanguardia de 1930 The Blood of a Poet utiliza imágenes oníricas en todas partes, incluidos modelos de alambre giratorio de una cabeza humana y máscaras giratorias de doble cara. En la década de 1920, las sociedades cinematográficas comenzaron a defender la noción de que las películas podían dividirse en "cine de entretenimiento dirigido a una audiencia masiva y un cine de arte serio dirigido a una audiencia intelectual". En Inglaterra, Alfred Hitchcock e Ivor Montaguformó una sociedad cinematográfica e importó películas que pensaban que eran "logros artísticos", como "películas soviéticas de montaje dialéctico y las películas expresionistas de los estudios Universum Film AG (UFA) en Alemania". ^[8]

Cinéma pur , un movimiento cinematográfico de vanguardia francés de las décadas de 1920 y 1930, también influyó en el desarrollo de la idea del cine artístico. Elmovimiento cinematográfico del cine pur incluyó a variosartistas dadá notables. Los dadaístas utilizaron el cine para trascender las convenciones narrativas de la narración, las tradiciones burguesas y las nociones aristotélicas convencionales de tiempo y espacio mediante la creación de un montaje flexible de tiempo y espacio.

El fotógrafo y cineasta estadounidense Man Ray (fotografiado aquí en 1934) fue parte del movimiento cinematográfico dadaísta "cinéma pur" , que influyó en el desarrollo del cine artístico.

El movimiento del cine pur fue influenciado por cineastas "absolutos" alemanes como Hans Richter , Walter Ruttmann y Viking Eggeling . Richter afirmó falsamente que su película de 1921 Rhythmus 21 fue la primera película abstracta jamás creada. De hecho, fue precedido por los futuristas italianos Bruno Corra y Arnaldo Ginna entre 1911 y 1912 ^[11] (como se informa en el Manifiesto futurista del cine ^[11] ), así como por el artista alemán Walter Ruttmann, que produjo Lichtspiel Opus. 1 en 1920. Sin embargo, la película de Richter Rhythmus 21 se considera una importante película abstracta temprana.

El primer "cine de arte" británico fue inaugurado temporalmente en el Palais de Luxe de Londres en 1929 por Elsie Cohen . Luego estableció una ubicación permanente en el Academy Cinema en Oxford Street en 1931. ^[12]

1930-1950

En los años 1930 y 1940, las películas de Hollywood podrían dividirse en las aspiraciones artísticas de adaptaciones literarias como John Ford 's El delator (1935) y Eugene O'Neill ' s Hombres intrépidos (1940), y el dinero de decisiones "populares -películas de género ”como thrillers de gángsters. William Siska sostiene que las películas neorrealistas italianas de mediados a finales de la década de 1940, como Open City (1945), Paisa (1946) y Bicycle Thieves pueden considerarse como otro "movimiento cinematográfico de arte consciente". ^[8]

A fines de la década de 1940, la percepción del público estadounidense de que las películas neorrealistas italianas y otros platos europeos serios eran diferentes de las películas de Hollywood se vio reforzada por el desarrollo de "cines de autor" en las principales ciudades y pueblos universitarios de Estados Unidos. Después de la Segunda Guerra Mundial, "... un segmento cada vez mayor del cine estadounidense que se hizo público estaba cansado de las películas convencionales de Hollywood", y fueron a los cines de cine de arte recién creados para ver "alternativas a las películas que se proyectaban en la calle principal palacios de cine ". ^{[5] Las} películas que se exhibieron en estos cines de arte incluyeron "películas británicas, extranjeras y estadounidenses independientes, así como documentales y resurgimientos de clásicos de Hollywood". Películas como Open City de Rossellini y Mackendrick 's Tight Little Island (¡Whisky en abundancia! ), Ladrones de bicicletas y Los zapatos rojos se mostraron a un público sustancial de Estados Unidos. ^[5]

A finales de la década de 1950, los cineastas franceses comenzaron a producir películas influenciadas por el neorrealismo italiano ^[13] y el cine clásico de Hollywood , ^[13] un estilo que los críticos denominaron la Nueva Ola Francesa . Aunque nunca fue un movimiento formalmente organizado, los cineastas de la Nueva Ola estaban vinculados por su rechazo consciente de la forma cinematográfica clásica y su espíritu de iconoclastia juvenil , y sus películas son un ejemplo del cine de arte europeo . ^[14]Muchos también se involucraron en su trabajo con los trastornos sociales y políticos de la época, haciendo de sus experimentos radicales con la edición, el estilo visual y la narrativa parte de una ruptura general con el paradigma conservador. Algunos de los pioneros más destacados del grupo, incluidos François Truffaut , Jean-Luc Godard , Éric Rohmer , Claude Chabrol y Jacques Rivette , comenzaron como críticos de la revista de cine Cahiers du cinéma . La teoría del autor sostiene que el director es el "autor" de sus películas, con una firma personal visible de película en película.

1960-1970

Actriz Lena Nyman de la película sueca Soy curioso (amarillo)

El movimiento de la Nueva Ola francesa continuó en la década de 1960. Durante la década de 1960, el término "película artística" comenzó a usarse mucho más en los Estados Unidos que en Europa. En los EE. UU., El término a menudo se define de manera muy amplia para incluir películas de "autor" en idiomas extranjeros (no inglés) , películas independientes , películas experimentales , documentales y cortometrajes. En la década de 1960, "cine de arte" se convirtió en un eufemismo en los Estados Unidos para las películas B italianas y francesas picantes . En la década de 1970, el término se utilizó para describir películas europeas sexualmente explícitas con estructura artística como la película sueca I Am Curious (Yellow).. En los EE. UU., El término "película artística" puede referirse a películas de artistas estadounidenses modernos, incluido Andy Warhol con su película de 1969 Blue Movie , ^{[15] [16] [17],} pero a veces se usa de manera muy vaga para referirse a la amplia gama de películas proyectadas en teatros de repertorio o "cines art house". Con este enfoque, una amplia gama de películas, como una película de Hitchcock de la década de 1960 , una película underground experimental de la década de 1970, una película de autor europea, una película "independiente" estadounidense e incluso una película convencional en lengua extranjera (con subtítulos), podrían caer. bajo la rúbrica de "películas de la casa de arte".

Década de 1980 a 2000

En las décadas de 1980 y 1990, el término "película artística" se fusionó con "película independiente" en los Estados Unidos, que comparte muchos de los mismos rasgos estilísticos. Empresas como Miramax Films distribuyeron películas independientes que se consideraron comercialmente viables. Cuando los principales estudios cinematográficos notaron el atractivo de nicho de las películas independientes, crearon divisiones especiales dedicadas a las tarifas no convencionales, como la división Fox Searchlight Pictures de Twentieth Century Fox , la división Focus Features de Universal , la división Sony Pictures Classics de Sony Pictures Entertainment y la división Paramount Vantage deParamount . Los críticos de cine han debatido si las películas de estas divisiones pueden considerarse "películas independientes", dado que cuentan con el respaldo financiero de los principales estudios.

En 2007, el profesor Camille Paglia argumentó en su artículo "Las películas de arte: RIP" que "lado [a] de Francis Ford Coppola 's padrino serie, con sus retrocesos hábiles y el realismo social arenosa, ... [no hay] .. . una sola película producida en los últimos 35 años que es sin duda de peso igual o filosófica virtuosismo de la ejecución de Bergman 's El séptimo sello o Persona ". Paglia afirma que los jóvenes de la década de 2000 no "tienen paciencia para la toma larga y lenta en la que los directores europeos de pensamiento profundo una vez se especializaron", un enfoque que dio "un escrutinio lujoso de las expresiones faciales más pequeñas o el barrido frío de una habitación estéril". o paisaje desolado ".^[18]

Según el director, productor y distribuidor Roger Corman, "las décadas de 1950 y 1960 fue la época de mayor influencia del cine artístico. Después de eso, la influencia disminuyó. Hollywood absorbió las lecciones de las películas europeas e incorporó esas lecciones a sus películas". Corman afirma que "los espectadores podían ver algo de la esencia del cine de arte europeo en las películas de Hollywood de los años setenta ... [y así], el cine de arte, que nunca fue solo una cuestión de cine europeo, se convirtió cada vez más en un cine mundial real —Aunque uno que luchó por ganar un amplio reconocimiento ”. Corman señala que, "Hollywood mismo ha expandido, radicalmente, su rango estético ... porque el rango de temas en cuestión se ha expandido para incluir las condiciones mismas de la creación de imágenes, de la producción de películas, de la nueva y prismática experiencia mediada por los medios. de la modernidad. Allí 'una nueva audiencia que ha aprendido sobre películas de arte en la tienda de videos ". Corman afirma que" actualmente existe la posibilidad de un renacimiento "del cine de arte estadounidense.^[19]

Desviaciones de las normas cinematográficas convencionales

El estudioso del cine David Bordwell esbozó la definición académica de "cine artístico" en un artículo de 1979 titulado "El cine artístico como modo de práctica cinematográfica", que contrasta las películas artísticas con las películas convencionales del cine clásico de Hollywood. Las películas convencionales al estilo de Hollywood utilizan una forma narrativa clara para organizar la película en una serie de "eventos relacionados causalmente que tienen lugar en el espacio y el tiempo", con cada escena conduciendo hacia un objetivo. La trama de las películas convencionales está impulsada por un protagonista bien definido, desarrollada con personajes claros y reforzada con "lógica de preguntas y respuestas, rutinas de resolución de problemas y estructuras de trama con fechas límite". Luego, la película se une con un ritmo rápido, una banda sonora musical para indicar las emociones apropiadas de la audiencia y una edición ajustada y perfecta. ^[20]

Por el contrario, Bordwell afirma que "el cine de arte motiva su narrativa por dos principios: el realismo y la expresividad del autor". Las películas de arte se desvían de las principales normas "clásicas" de la realización cinematográfica en el sentido de que normalmente se ocupan de estructuras narrativas más episódicas con un "aflojamiento de la cadena de causa y efecto". ^[20]

Las películas convencionales también se ocupan de dilemas morales o crisis de identidad, pero estos problemas suelen resolverse al final de la película. En las películas de arte, los dilemas se sondean e investigan de manera pensativa, pero generalmente sin una resolución clara al final de la película. ^[21]

La historia en una película de arte a menudo tiene un papel secundario en el desarrollo del personaje y la exploración de ideas a través de largas secuencias de diálogo. Si una película de arte tiene una historia, suele ser una secuencia a la deriva de episodios ambiguos o vagamente definidos. Puede haber lagunas inexplicables en la película, secuencias deliberadamente poco claras o secuencias extrañas que no están relacionadas con escenas anteriores, que obligan al espectador a realizar subjetivamente su propia interpretación del mensaje de la película. Las películas de arte a menudo "llevan las marcas de un estilo visual distintivo" y el enfoque de autor del director. ^[22] Una película de cine de arte a menudo se niega a proporcionar una "conclusión fácil de responder", en lugar de poner al espectador de cine la tarea de pensar "¿Cómo se cuenta la historia? ¿Por qué contar la historia de esta manera? "^[23]

Bordwell afirma que "el cine de arte en sí mismo es un género [cinematográfico], con sus propias convenciones distintas". ^[6] El teórico del cine Robert Stam también sostiene que el "cine artístico" es un género cinematográfico. Afirma que una película se considera una película de arte basada en el estatus artístico de la misma manera que los géneros cinematográficos pueden basarse en aspectos de películas como sus presupuestos ( películas de gran éxito o películas de serie B ) o sus intérpretes estrella ( películas de Adam Sandler ). . ^[24]

Cine de arte y crítica cinematográfica

Hay estudiosos que señalan que las películas de mercado masivo como las producidas en Hollywood atraen a un público menos exigente. ^[25] Este grupo luego recurre a los críticos de cine como una élite cultural que puede ayudarlos a orientarlos hacia películas más reflexivas y de mayor calidad. Para salvar la desconexión entre el gusto popular y la alta cultura, se espera que estos críticos de cine expliquen conceptos desconocidos y los hagan atractivos para cultivar un público cinematográfico más exigente. Por ejemplo, un crítico de cine puede ayudar a la audiencia, a través de sus reseñas, a pensar seriamente en las películas proporcionando los términos de análisis de estas películas artísticas. ^[26]Adoptando un marco artístico de análisis y revisión de películas, estos críticos de cine brindan a los espectadores una forma diferente de apreciar lo que están viendo. Entonces, cuando se exploran temas controvertidos, el público no descartará o atacará inmediatamente la película cuando los críticos lo informen sobre el valor de la película, como la forma en que representa el realismo. Aquí, los teatros de arte o las casas de arte que exhiben películas de arte se consideran "sitios de iluminación cultural" que atraen tanto a críticos como a audiencias intelectuales. Sirve como un lugar donde estos críticos pueden experimentar la cultura y una atmósfera artística donde pueden extraer ideas y material.

Cronología de películas notables

La siguiente lista es una pequeña muestra parcial de películas con cualidades de "película artística", compilada para dar una idea general de qué directores y películas se consideran que tienen características de "película artística". Las películas de esta lista demuestran una o más de las características de las películas artísticas: una película seria, no comercial o realizada de forma independiente que no está dirigida a una audiencia masiva. Algunas de las películas de esta lista también se consideran películas de "autor", películas independientes o películas experimentales . En algunos casos, los críticos no están de acuerdo sobre si una película es convencional o no. Por ejemplo, mientras que algunos críticos llaman Gus Van Sant Es Mi Idaho privado (1991) un 'ejercicio de experimentación película' de 'alta calidad artística',^[27] The Washington Postlo llamó una película ambiciosa convencional. ^[28] Algunas películas de esta lista tienen la mayoría de estas características; otras películas son películas comerciales, producidas por estudios de la corriente principal, que, no obstante, llevan el sello distintivo del estilo de "autor" de un director, o que tienen un carácter experimental. Las películas de esta lista son notables porque ganaron premios importantes o elogios de la crítica de influyentes críticos de cine, o porque introdujeron una narrativa innovadora o una técnica cinematográfica.

Década de 1920 a 1940

En las décadas de 1920 y 1930, los cineastas no se propusieron hacer "películas de arte" y los críticos de cine no utilizaron el término "película de arte". Sin embargo, hubo películas que tienen objetivos estéticos sofisticados, como Carl Theodor Dreyer 's La pasión de Juana de Arco (1928) y Vampyr (1932), películas surrealistas como el de Luis Buñuel Un perro andaluz (1929) y L'Âge d O (1930), o incluso películas que tratan sobre la relevancia política y de actualidad, como la famosa e influyente obra maestra de Sergei Eisenstein , El acorazado Potemkin . La película estadounidense Sunrise: A Song of Two Humans (1927) del director expresionista alemánFW Murnau utiliza un diseño artístico distorsionado y una cinematografía innovadora para crear un mundo exagerado, parecido a un cuento de hadas, rico en simbolismo e imágenes. La película de Jean Renoir Las reglas del juego (1939) es una comedia de modales que trasciende las convenciones de su género al crear una sátira mordaz y trágica de la sociedad de clase alta francesa en los años previos a la Segunda Guerra Mundial; una encuesta de críticos de Sight & Sound la clasificó como la cuarta mejor película de la historia, colocándola detrás de Vertigo , Citizen Kane y Tokyo Story . ^[29]

El cartel de La pasión de Juana de Arco de Dreyer

Algunas de estas primeras películas de orientación artística fueron financiadas por personas adineradas en lugar de compañías cinematográficas, particularmente en los casos en que el contenido de la película era controvertido o no atraía a una audiencia. A finales de la década de 1940, el director británico Michael Powell y Emeric Pressburger hicieron The Red Shoes (1948), una película sobre ballet que se destacó entre las películas de género de la época. En 1945, David Lean dirigió Brief Encounter , una adaptación de la obra Still Life de Noël Coward , que observa una apasionada historia de amor entre un hombre de clase alta y una mujer de clase media en medio de los problemas sociales y económicos que enfrentaba Gran Bretaña en ese momento. .

1950

En la década de 1950, algunas de las películas conocidas con sensibilidad artística incluyen La Strada (1954), una película sobre una joven que se ve obligada a trabajar para un artista de circo cruel e inhumano para mantener a su familia, y finalmente llega a términos con su situación; Ordet de Carl Theodor Dreyer (1955), centrada en una familia con falta de fe, pero con un hijo que cree que es Jesucristo y está convencido de que es capaz de hacer milagros; Federico Fellini 's noches de Cabiria (1957), que trata de intentos fallidos de una prostituta para encontrar el amor, su sufrimiento y rechazo; Fresas silvestres(1957), de Ingmar Bergman, cuya narrativa se refiere a un médico anciano, también profesor, cuyas pesadillas lo llevan a reevaluar su vida; y Los 400 golpes (1959) de François Truffaut, cuyo personaje principal es un joven que intenta alcanzar la mayoría de edad a pesar de los abusos de sus padres, maestros y la sociedad, esta película es el primer gran paso de la Nueva Ola y el cine francés , mostró. que las películas pueden hacer con poco dinero, actor aficionado, algunas personas en equipo de trabajo. En Polonia, el deshielo de Jruschov permitió cierta relajación de las políticas culturales del régimen y producciones como A Generation , Kanal , Ashes and Diamonds , Lotna(1954-1959), toda dirigida por Andrzej Wajda , mostró el estilo de la escuela de cine polaca .

Asia

En la India , hubo un movimiento artístico-cinematográfico en el cine bengalí conocido como " Cine paralelo " o "Nueva ola india". Esta fue una alternativa al cine comercial convencional conocido por su contenido serio, realismo y naturalismo, con un ojo atento al clima sociopolítico de la época. Este movimiento es distinto del cine convencional de Bollywood y comenzó casi al mismo tiempo que la Nueva Ola francesa y japonesa . Los cineastas más influyentes involucrados en este movimiento fueron Satyajit Ray , Mrinal Sen y Ritwik Ghatak.. Algunas de las películas más reconocidos internacionalmente realizadas en el periodo fueron La Trilogía de Apu (1955-1959), un trío de películas que cuentan la historia de un pobre crecimiento del niño del campo a la edad adulta, y Satyajit Ray 's Distant Thunder (1973), que cuenta la historia de un granjero durante una hambruna en Bengala . ^{[30] [31]} Otros aclamados cineastas bengalíes involucrados en este movimiento incluyen a Rituparno Ghosh , Aparna Sen y Goutam Ghose .

Los cineastas japoneses produjeron una serie de películas que rompieron con las convenciones. Akira Kurosawa 's Rashomon (1950), la primera película japonesa que se proyectará ampliamente en Occidente, representa cuatro testigos versiones contradictorias de una violación y asesinato. En 1952, Kurosawa dirigió Ikiru , una película sobre un burócrata de Tokio que lucha por encontrar un sentido a su vida. Tokyo Story (1953), de Yasujirō Ozu , explora los cambios sociales de la época al contar la historia de una pareja anciana que viaja a Tokio para visitar a sus hijos adultos, pero descubre que los niños están demasiado ensimismados para pasar mucho tiempo con ellos. Siete samuráis(1954), de Kurosawa, cuenta la historia de una aldea agrícola que contrata a siete samuráis sin amo para combatir a los bandidos. Fires on the Plain (1959), de Kon Ichikawa , explora la experiencia japonesa en la Segunda Guerra Mundial al representar a un soldado japonés enfermo que lucha por mantenerse con vida. Ugetsu (1953), de Kenji Mizoguchi , es una historia de fantasmas ambientada a finales del siglo XVI, que cuenta la historia de unos campesinos cuya aldea se encuentra en el camino de un ejército que avanza. Un año después, Mizoguchi dirigió Sansho the Bailiff (1954), que cuenta la historia de dos niños aristocráticos vendidos como esclavos; Además de tratar temas serios como la pérdida de libertad, la película presenta bellas imágenes y tomas largas y complicadas.

1960

La década de 1960 fue un período importante en el cine de arte, con el lanzamiento de una serie de películas innovadoras que dieron lugar al cine de arte europeo. À bout de souffle ( Breathless ) (1960) de Jean-Luc Godard utilizó técnicas visuales y de edición innovadoras, como cortes de salto y trabajo de cámara manual . Godard, una figura destacada de la nueva ola francesa, continuaría haciendo películas innovadoras a lo largo de la década, proponiendo un estilo completamente nuevo de realización cinematográfica. Tras el éxito de Breathless , Godard hizo dos películas más muy influyentes, Desprecio en 1963, en la que mostró su punto de vista sobre el sistema de filmación de estudio, la hermosa toma larga y la película dentro de la película, y Pierrot le fouen 1965, que es una mezcla de películas de crimen y romance y su estilo anti hollywood. Jules et Jim , de François Truffaut, deconstruyó una relación compleja de tres individuos a través de técnicas innovadoras de escritura de guiones, edición y cámara. El director italiano Michelangelo Antonioni ayudó a revolucionar el cine con películas como L'Avventura (1960), una persona que quiere encontrar un sentido a su rica y aburrida vida desaparecer hace que su amigo cercano y su pareja necesiten encontrarla; La Notte (1961), un examen complejo de un matrimonio fallido que trataba temas como la anomia y la esterilidad; Eclipse(1962), sobre una joven que es incapaz de entablar una relación sólida con su novio debido a su naturaleza materialista; Red Desert (1964), su primera película en color, que trata sobre la necesidad de adaptarse al mundo moderno; y Blowup (1966), su primera película en inglés, que examina cuestiones de percepción y realidad a medida que sigue el intento de un joven fotógrafo de descubrir si había fotografiado un asesinato.

El director sueco Ingmar Bergman comenzó la década de 1960 con piezas de cámara como Winter Light (1963) y The Silence (1963), que tratan temas como el aislamiento emocional y la falta de comunicación. Sus películas de la segunda mitad de la década, como Persona (1966), Vergüenza (1968) y Una pasión (1969), abordan la idea del cine como artificio. Las películas intelectuales y visualmente expresivas de Tadeusz Konwicki , como All Souls 'Day ( Zaduszki , 1961) y Salto (1962), inspiraron discusiones sobre la guerra y plantearon preguntas existenciales en nombre de sus protagonistas.

El director italiano Federico Fellini

La Dolce Vita (1960) de Federico Fellini describe una sucesión de noches y amaneceres en Roma como lo atestigua un periodista cínico, esta película es un puente entre su estilo neorrealista italiano anterior y su estilo surrealista posterior . En 1963, Fellini realizó 8½ , una exploración de las dificultades creativas, matrimoniales y espirituales, filmada en blanco y negro por el director de fotografía Gianni di Venanzo . La película de 1961 El año pasado en Marienbad del director Alain Resnais examina la percepción y la realidad, utilizando grandes tomas de seguimiento que se hicieron muy influyentes. Robert Bresson 's Al azar de Baltasar (1966) y Mouchette(1967) destacan por su estilo naturalista y elíptico. El director español Luis Buñuel también contribuyó en gran medida al arte del cine con sátiras impactantes y surrealistas como Viridiana (1961) y El ángel exterminador (1962).

La película Andrei Rublev (1966) del director ruso Andrei Tarkovsky es un retrato del pintor de iconos medieval ruso del mismo nombre. La película también trata sobre la libertad artística y la posibilidad y necesidad de hacer arte para y frente a una autoridad represiva. Una versión cortada de la película se mostró en el Festival de Cine de Cannes de 1969 , donde ganó el premio FIPRESCI . ^[32] Al final de la década, Stanley Kubrick 's 2001: Una odisea del espacio (1968) cautivó al público con su realismo científico, pionero en el uso de los efectos especiales y las imágenes visuales inusual. En 1969, Andy Warhol lanzó Blue Movie, la primera película de arte para adultos que representa sexo explícito en recibir un gran estreno en los cines de los Estados Unidos. ^{[15] [16] [17]} Según Warhol, Blue Movie fue una gran influencia en la realización de Last Tango in Paris , una película de arte erótico controvertida internacionalmente, dirigida por Bernardo Bertolucci y lanzada unos años después de que se hiciera Blue Movie . ^[17] En Soviética de Armenia , Sergei Parajanov 's El color de la granada , en la que Georgia actriz Sofiko Chiaureliinterpreta a cinco personajes diferentes, fue prohibido por las autoridades soviéticas, no estuvo disponible en Occidente durante un largo período, y el crítico Mikhail Vartanov elogió como "revolucionario"; ^[33] ya principios de la década de 1980, Les Cahiers du Cinéma colocó la película en su lista de los 10 primeros. ^[34] En 1967, en la Georgia soviética , el influyente director de cine georgiano Tengiz Abuladze dirigió Vedreba (Entreaty), que se basó en los motivos de las obras literarias de Vaja-Pshavela , donde la historia se cuenta en un estilo narrativo poético, lleno de simbolismo escenas con significados filosóficos. En Irán, Dariush Mehrjui Es La Vaca(1969), sobre un hombre que se vuelve loco tras la muerte de su amada vaca, desató la nueva ola del cine iraní .

1970

A principios de la década de 1970, los directores sorprendieron al público con películas violentas como A Clockwork Orange (1971), La brutal exploración de Stanley Kubrick de las bandas juveniles futuristas y El último tango en París (1972), la ruptura de tabúes, sexualmente explícita y sexualmente explícita de Bernardo Bertolucci . película controvertida. Al mismo tiempo, otros directores hicieron películas más introspectivas, como Solaris (1972), la película de ciencia ficción meditativa de Andrei Tarkovsky , supuestamente pensada como una réplica soviética a 2001 . En 1975 y 1979, respectivamente, Tarkovsky dirigió otras dos películas, que obtuvieron elogios de la crítica en el extranjero: The Mirror y Stalker . Terrence Malick, quien dirigió Badlands (1973) y Days of Heaven (1978) compartió muchos rasgos con Tarkovsky, como sus largas y persistentes tomas de belleza natural, imágenes evocadoras y estilo narrativo poético.

Otra característica de la década de 1970 películas de arte fue el regreso a la prominencia de los personajes extraños y las imágenes, que abundan en el atormentado personaje obsesionado en la German New Wave director Werner Herzog 's Aguirre, la ira de Dios (1973), y en películas de culto tales como la psicodélica La montaña sagrada (1973) de Alejandro Jodorowsky sobre un ladrón y un alquimista que buscan la mítica Isla del Loto . ^[35] La película Taxi Driver (1976), de Martin Scorsese , continúa los temas que A Clockwork Orangeexplorado: una población alienada que vive en una sociedad violenta y en decadencia. La cruda violencia y la furia hirviente de la película de Scorsese contrasta con otras películas estrenadas en el mismo período, como el clásico de ensueño, surrealista e industrial en blanco y negro de David Lynch , Eraserhead (1977). ^[36] En 1974, John Cassavetes ofreció un comentario agudo sobre la vida de los obreros estadounidenses en A Woman Under the Influence , que presenta a una ama de casa excéntrica descendiendo lentamente hacia la locura. ^[37]

También en la década de 1970, Radley Metzger dirigió varias películas de arte para adultos , como Barbara Broadcast (1977), que presentaba una atmósfera surrealista "buñelliana", ^[38] y The Opening of Misty Beethoven (1976), basada en la obra Pygmalion de George Bernard Shaw (y su derivado, My Fair Lady ), que fue considerada, según el galardonado autor Toni Bentley , como la "joya de la corona" de la Edad de Oro de la pornografía , ^{[39] [40]} una era en la América moderna cultura que fue inaugurada por el lanzamiento de Andy WarholBlue Movie (1969) y presentó el fenómeno de " porno chic " ^{[41] [42]} en el que las películas eróticas para adultos comenzaron a obtener un amplio lanzamiento, fueron discutidas públicamente por celebridades (como Johnny Carson y Bob Hope ) ^[43] y tomadas seriamente por críticos de cine (como Roger Ebert ). ^{[44] [45]}

Decenio de 1980

En 1980, el director Martin Scorsese le dio al público, que se había acostumbrado a las aventuras escapistas del éxito de taquilla de Steven Spielberg y George Lucas , el realismo áspero y duro de su película Raging Bull . En esta película, el actor Robert De Niro llevó el método de actuación al extremo para retratar el declive de un boxeador de un joven luchador premiado a un dueño de club nocturno con sobrepeso. Ridley Scott 's Blade Runner (1982) también podría ser visto como una película de arte y la ciencia ficción, junto con 2001: Una odisea del espacio (1968). Blade Runner explora temas del existencialismo, o lo que significa ser humano. Un fracaso de taquilla, la película se hizo popular en el circuito de las casas de arte como una rareza de culto después de que el lanzamiento de un "corte del director" se convirtió en un éxito a través del video casero VHS . A mediados de la década, el director japonés Akira Kurosawa utilizó el realismo para retratar la violencia brutal y sangrienta de la guerra de samuráis japoneses del siglo XVI en Ran (1985). Ran siguió la trama del Rey Lear , en la que un rey anciano es traicionado por sus hijos. Sergio Leone también contrastó la violencia brutal con la sustancia emocional en su épica historia de la vida de un mafioso en Once Upon a Time in America .

Si bien los decorados extensos se asocian más con la corriente principal que con las películas de arte, el director japonés Akira Kurosawa hizo construir muchos decorados para su película Ran de 1985 , incluida esta recreación de una puerta medieval.

Otros directores en la década de 1980 eligieron un camino más intelectual, explorando cuestiones filosóficas y éticas. El hombre de hierro de Andrzej Wajda (1981), una crítica del gobierno comunista polaco, ganó la Palma de Oro de 1981 en el Festival de Cine de Cannes . Otro director polaco, Krzysztof Kieślowski , hizo El decálogo para televisión en 1988, una serie de películas que explora cuestiones éticas y acertijos morales. Dos de estas películas se estrenaron en cines como Cortometraje sobre el amor y Cortometraje sobre matar . En 1989, Woody Allen hizo, en palabras del crítico del New York TimesVincent Canby , su película más "segura, seria y divertida hasta la fecha", Crimes and Misdemeanors , que involucra múltiples historias de personas que están tratando de encontrar la simplicidad moral y espiritual mientras enfrentan problemas y pensamientos espantosos en torno a las decisiones que toman. El director francés Louis Malle eligió otro camino moral para explorar con la dramatización de sus experiencias infantiles de la vida real en Au revoir, les enfants , que describe la deportación de judíos franceses a campos de concentración por parte del gobierno nazi ocupante durante la Segunda Guerra Mundial.

Otra película de arte de esta época alabada por la crítica, la road movie de Wim Wenders , Paris, Texas (1984), también ganó la Palma de Oro. ^{[46] [47]}

Kieślowski no fue el único director que trascendió la distinción entre cine y televisión. Ingmar Bergman realizó Fanny y Alexander (1982), que se mostró en televisión en una versión extendida de cinco horas. En el Reino Unido, Channel 4 , un nuevo canal de televisión, financió, total o parcialmente, muchas películas estrenadas en cines a través de su filial Film 4 . Wim Wenders ofreció otro enfoque de la vida desde un punto de vista espiritual en su película de 1987 Wings of Desire , una representación de un "ángel caído" que vive entre hombres, que ganó el premio al Mejor Director en el Festival de Cine de Cannes . En 1982, director experimentalGodfrey Reggio estrenó Koyaanisqatsi , una película sin diálogo, que enfatiza la cinematografía y la ideología filosófica. Consiste principalmente en la cinematografía en cámara lenta y time-lapse de ciudades y paisajes naturales, lo que da como resultado un poema de tono visual . ^[48]

Otro enfoque utilizado por los directores en la década de 1980 fue crear mundos alternativos extraños y surrealistas. After Hours (1985), de Martin Scorsese , es una comedia y suspenso que describe las desconcertantes aventuras de un hombre en un mundo nocturno surrealista de encuentros casuales con personajes misteriosos. David Lynch 's Terciopelo azul (1986), una película de cine negro al estilo de suspense-misterio lleno de simbolismo y metáforas sobre mundos polarizados y habitada por los caracteres distorsionados que están ocultos en los bajos fondos sórdido de una pequeña ciudad, se convirtió en un éxito sorprendente teniendo en cuenta su muy preocupante tema en cuestion. Peter Greenaway 's El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1989) es una fantasía /comedia negra sobre el canibalismo y la violencia extrema con un tema intelectual: una crítica de la "cultura de élite" en la Gran Bretaña thatcheriana .

De acuerdo con Raphaël Bassan , en su artículo " El Ángel : Un météore dans le ciel de l'animación", ^[49] Patrick Bokanowski 's El Ángel , que se muestra en el Festival de Cannes 1982 , se puede considerar el inicio de la animación contemporánea. Las máscaras de los personajes borran toda personalidad humana y dan la impresión de un control total sobre la "materia" de la imagen y su composición óptica, utilizando áreas distorsionadas, visiones oscuras, metamorfosis y objetos sintéticos.

En 1989, Hou Hsiao-hsien película Una ciudad de la tristeza es la primera película de Taiwan que consiguió el León de Oro del Festival de Venecia , que muestra la historia de Taiwan a través de una familia, es un paso más de los taiwaneses de la nueva ola, que es mostrar historias genuinas de personas que viven en Taiwán urbano o rural a través de representaciones realistas, sencillas y comprensivas de la vida taiwanesa.

Decenio de 1990

En la década de 1990, los directores se inspiraron en el éxito de David Lynch 's Terciopelo azul (1986) y Peter Greenaway ' s El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante (1989) y crearon películas con mundos alternativos extrañas y elementos del surrealismo . Dreams (1990), del director japonés Akira Kurosawa, describió sus imaginativos ensueños en una serie de viñetas que van desde idílicos paisajes campestres hasta visiones horribles de demonios atormentados y un paisaje devastado de la posguerra nuclear. Los hermanos Coen ' Barton Fink (1991), que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes, presenta varias alusiones literarias en una historia enigmática sobre un escritor que se encuentra con una variedad de personajes extraños, incluido un novelista alcohólico, abusivo y un asesino en serie. Lost Highway (1997), del mismo director que Blue Velvet , es un thriller psicológico que explora mundos de fantasía, extrañas transformaciones espacio-temporales y crisis mentales utilizando imágenes surrealistas.

Otros directores de la década de 1990 exploraron cuestiones filosóficas y temas como la identidad, el azar, la muerte y el existencialismo. Gus Van Sant Es Mi Idaho privado (1991) y Wong Kar-wai 's Chungking Express (1994) exploró el tema de la identidad. La primera es una road movie / película de amigos independiente sobre dos jóvenes estafadores callejeros, que explora el tema de la búsqueda de hogar e identidad. Se la denominó "marca de agua en el cine independiente de los noventa", ^[50] una "rumia poética y austera", ^[51] y un "ejercicio de experimentación cinematográfica" ^[52] de "alta calidad artística". ^[27] Chungking Express ^[53]explora temas de identidad, desconexión, soledad y aislamiento en la "jungla de cemento metafórica" ​​del Hong Kong moderno. Todd Haynes exploró la vida de un ama de casa suburbana y su eventual muerte por materiales tóxicos en la crítica favorita de 1995 Safe . ^[54]

En 1991, otra película importante de Edward Yang , un director taiwanés de la New Wave, A Brighter Summer Day es el retrato de una vida de adolescente normal que fue evacuada de China a Taiwán que se vio afectada por la situación política, la situación escolar y la situación familiar que la convierte en protagonista principal. asesina a una niña al final. En 1992, Rebels of the Neon God , primer largometraje de Tsai Ming-liang , segunda generación de la Nueva Ola taiwanesa, tiene su estilo único de hacer como alienación, movimiento lento del actor (su elenco recurrente , Lee Kang-sheng ), de ritmo lento y algunos diálogos.

La película Seven Servants (1996) de Daryush Shokof es una pieza original de cine de alto nivel sobre un hombre que se esfuerza por "unir" las razas del mundo hasta su último aliento. Un año después de Seven Servants , la película Taste of Cherry (1997) de Abbas Kiarostami , ^[55] que ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, cuenta una historia similar con un giro diferente; Ambas películas tratan sobre un hombre que intenta contratar a una persona para enterrarlo después de que se suicida. Siete sirvientesfue filmada en un estilo minimalista, con tomas largas, un ritmo pausado y largos períodos de silencio. La película también se destaca por el uso de planos generales y planos generales para crear una sensación de distancia entre el público y los personajes. Las obras de principios de los noventa de Zhang Yimou , como Ju Dou (1990), Levanta la linterna roja (1991), La historia de Qiu Ju (1992) y To Live (1994) exploran las emociones humanas a través de narrativas conmovedoras. To Live ganó el Gran Premio del Jurado.

Varias películas de los noventa exploraron temas de orientación existencialista relacionados con la vida, el azar y la muerte. Robert Altman 's Short Cuts (1993) explora los temas de azar, la muerte y la infidelidad mediante el trazado de 10 paralelas y entrelazadas historias. La película, que ganó el León de Oro y la Copa Volpi en el Festival de Cine de Venecia , fue descrita por el crítico de Chicago Tribune Michael Wilmington como un "mural de jazz ecléctico con muchas facetas, muchos temperamentos y una estructura deslumbrante" . Krzysztof Kieślowski ' La doble vida de Véronique(1991) es un drama sobre el tema de la identidad y una alegoría política sobre la división Este / Oeste en Europa; la película presenta una cinematografía estilizada, una atmósfera etérea y elementos sobrenaturales inexplicables.

La película Pi (1998) de Darren Aronofsky es una "película increíblemente compleja y ambigua llena de un estilo y una sustancia increíbles" sobre la "búsqueda de la paz" de un matemático paranoico. ^[56] La película crea un " mundo misterioso parecido a Eraserhead " inspirado en David Lynch ^[57] filmado en "blanco y negro, que da una atmósfera de ensueño a todos los procedimientos" y explora temas como "la metafísica y espiritualidad ". ^[58] Matthew Barney 's The Cremaster Cycle (1994-2002) es un ciclo de cinco películas simbólicas y alegóricas que crea un sistema estético encerrado en sí mismo, cuyo objetivo es explorar el proceso de creación. Las películas están llenas de alusiones a los órganos reproductivos y el desarrollo sexual, y utilizan modelos narrativos extraídos de la biografía, la mitología y la geología.

En 1997, Terrence Malick regresó de una ausencia de 20 años con The Thin Red Line , una película de guerra que utiliza la poesía y la naturaleza para diferenciarse de las típicas películas de guerra. Fue nominada a siete premios de la Academia , incluyendo Mejor Película y Mejor Director. ^[59]

Algunas películas de los noventa mezclan una atmósfera visual etérea o surrealista con la exploración de cuestiones filosóficas. Satantango (1994), de la directora húngara Bela Tarr , es una película de 7 + 1 ⁄ 2 horas de duración, rodada en blanco y negro, que trata sobre el tema favorito de Tarr, la insuficiencia, mientras el estafador Irimias regresa a un pueblo en un lugar no especificado en Hungría, presentándose a sí mismo como un líder y figura del Mesías a los aldeanos crédulos. Trilogía de tres colores de Kieslowski (1993-1994), particularmente azul (1993) y rojo(1994), tratan sobre las relaciones humanas y cómo las personas las afrontan en su día a día. La trilogía de películas se denominó "exploraciones de la espiritualidad y el existencialismo" ^[60] que creó una "experiencia verdaderamente trascendente". ^[61] The Guardian incluyó Breaking the Waves (1996) como una de sus 25 mejores películas de autor. El crítico afirmó que "[todos] los ingredientes que han llegado a definir la carrera de Lars von Trier (y, a su vez, gran parte del cine europeo moderno) están presentes aquí: actuación en la cuerda floja, técnicas visuales innovadoras, una heroína que sufre, drama de problemas y una gran controversia para hacer que todo sea imperdible ". ^[62]

2000

Lewis Beale de Film Journal International declaró que la película occidental del director australiano Andrew Dominik El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford (2007) es "una obra fascinante basada en la literatura que tiene éxito tanto como película de arte como de género". ^[63] A diferencia de las películas de Jesse James orientadas a la acción del pasado, la épica poco convencional de Dominik quizás detalla con mayor precisión la psique de abandono del forajido durante los últimos meses de su vida mientras sucumbe a la paranoia de ser capturado y desarrolla una amistad precaria con su eventual asesino, Robert Ford .

En 2009, el director Paul Thomas Anderson afirmó que su película de 2002 Punch-Drunk Love sobre un tímido y reprimido adicto a la rabia era "una película de la casa de arte de Adam Sandler ", una referencia a la improbable inclusión del cómic Sandler de "chico de fraternidad" en la película. ; El crítico Roger Ebert afirma que Punch Drunk Love "puede ser la clave de todas las películas de Adam Sandler y puede liberar a Sandler para que adopte una nueva dirección en su trabajo. No puede seguir haciendo esas comedias idiotas para siempre, ¿verdad? ¿Ha adivinado que tenía profundidades tan desconocidas? " ^[64]

2010

El tío Boonmee de Apichatpong Weerasethakul Who Can Recall His Past Lives , que ganó la Palma de Oro de Cannes 2010, "une lo que podría ser una serie de escenas bellamente filmadas con reflexiones conmovedoras y divertidas sobre la naturaleza de la muerte y la reencarnación, el amor , pérdida y karma ". ^[65] Weerasethakul es un director de cine, guionista y productor de cine independiente, que trabaja fuera de los estrictos límites del sistema de estudios de cine tailandés. Sus películas tratan sobre los sueños, la naturaleza, la sexualidad, incluida su propia homosexualidad, ^[66] y las percepciones occidentales de Tailandia.y Asia. Las películas de Weerasethakul muestran una preferencia por estructuras narrativas no convencionales (como colocar títulos / créditos en medio de una película) y por trabajar con no actores.

Terrence Malick 's El árbol de la vida (2011) fue puesto en libertad después de décadas de desarrollo y ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes 2011 ; fue muy elogiado por los críticos. En el Teatro Avon en Stamford, Connecticut , se publicó un mensaje sobre la política de no reembolso del teatro debido a "algunos comentarios de los clientes y una respuesta polarizada del público" a la película. El teatro declaró que "respalda esta ambiciosa obra de arte y otras películas desafiantes". ^[67] Drive (2011), dirigida por Nicolas Winding Refn , ^[68] se denomina comúnmente una película de acción de autor . ^[69] También en 2011, el director Lars von Trierlanzó Melancholia , una película que trata sobre la depresión y otros trastornos mentales y, al mismo tiempo, muestra la reacción de una familia a un planeta que se aproxima y que podría chocar con la Tierra. La película fue bien recibida, algunos afirmaron que era la obra maestra de Von Trier y otros destacaron la actuación de Kirsten Dunst , las imágenes y el realismo representado en la película.

Under the Skin, de Jonathan Glazer , se proyectó en el Festival de Cine de Venecia de 2013 y se estrenó en cines a través del estudio independiente A24 al año siguiente. La película, protagonizada por Scarlett Johansson , sigue a un extraterrestre en forma humana mientras viaja por Glasgow , recogiendo hombres desprevenidos para el sexo, cosechando su carne y despojándolos de su humanidad. Al tratar temas como la sexualidad, la humanidad y la objetivación, la película recibió críticas positivas ^[70] y fue aclamada por algunos como una obra maestra; ^[71] crítico Richard Roeperdescribió la película como "de lo que hablamos cuando hablamos del cine como arte". ^[72]

Esta década también vio un resurgimiento del " arte de terror " con el éxito de películas como Beyond the Black Rainbow (2010), Black Swan (2010), Stoker (2013), Enemy (2013), The Babadook (2014), Only Lovers Left Alive (2014), A Girl Walks Home Alone at Night (2014), Goodnight Mommy (2014), Nightcrawler (2014), It Follows (2015), The Witch (2015), The Wailing (2016), Split (2016) ), el thriller social Get Out (2017), Mother!(2017), Annihilation (2018), A Quiet Place (2018), Hereditary (2018), Suspiria (2018; un remake de la película de 1977 del mismo nombre ), Mandy (2018), The Nightingale (2018), The House That Jack Built (2018), Us (2019), Midsommar (2019), The Lighthouse (2019), Color Out of Space (2019) y el Oscar a la mejor película , Parasite (2019). ^{[73] [74] [75] [76] [77]}

Roma (2018), es una película de Alfonso Cuarón inspirada en su infancia en el México de los 70. Rodada en blanco y negro, trata temas compartidos con películas pasadas de Cuarón, como la mortalidad y la clase. La película se distribuyó a través de Netflix , lo que le valió al gigante del streaming su primera nominación al Oscar a la Mejor Película . ^[78]

La animación de Arthouse (con títulos nominados al Oscar como Song of the Sea y Loving Vincent ) también estaba ganando impulso durante esta era como una alternativa a las películas animadas convencionales junto con las obras de los aclamados animadores Satoshi Kon , Don Hertzfeldt y Ari Folman de la década anterior. ^{[79] [80] [81]}

2020

La tarifa de arte y ensayo durante las primeras etapas de esta década incluyen Miranda July 's Kajillionaire ^[82] y Wes Anderson ' s The French Despacho . ^{[83] [84]}

Crítica

Las críticas a las películas de arte incluyen ser demasiado pretenciosas y autoindulgentes para el público general. ^{[85] [86] [87]}

El crítico de cine de LA Weekly Michael Nordine citó las películas Gummo (1997) como una " película de explotación de la casa de arte" y Amores Perros (2000) que ejemplifica "el estereotipo de la casa de arte de presentar más perros muertos que Where the Red Fern Grows y cualquier otra libro que tenías que leer en la escuela secundaria ". ^[88]

Conceptos relacionados

Televisión artística

Ver también: Televisión de calidad

Televisión artística de calidad , ^[89] un género televisivo o estilo que comparte algunas de las mismas características que las películas de arte, ha sido identificado. Los programas de televisión, como el de David Lynch Twin Peaks y la BBC 's El detective cantante , también tienen "un relajamiento de la causalidad, un mayor énfasis en el realismo psicológico o anecdótica, violaciónes de la claridad clásica de espacio y tiempo, comentario del autor explícita, y la ambigüedad ". ^[90]

Al igual que con gran parte del otro trabajo de Lynch (en particular, la película Blue Velvet ), Twin Peaks explora el abismo entre el barniz de la respetabilidad de un pueblo pequeño y las capas más sórdidas de la vida que acechan bajo su superficie. El programa es difícil de ubicar en un género televisivo definido; estilísticamente, toma prestado el tono inquietante y las premisas sobrenaturales de las películas de terror y, al mismo tiempo, ofrece una parodia extrañamente cómica de las telenovelas estadounidenses con una presentación melodramática y cursi de las actividades moralmente dudosas de sus extravagantes personajes. El espectáculo representa una seria investigación moral que se distingue por un humor extraño y una vena profunda de surrealismo., incorporando viñetas muy estilizadas, imágenes artísticas surrealistas y, a menudo, inaccesibles, junto con la narrativa comprensible de los eventos.

La serie de televisión Black Mirror, de Charlie Brooker , ganadora del premio Emmy en el Reino Unido, explora los temas oscuros y, a veces, satíricos de la sociedad moderna, en particular con respecto a las consecuencias imprevistas de las nuevas tecnologías; aunque clasificada como "ficción especulativa", en lugar de televisión de arte, recibió críticas entusiastas. The Wire de HBO también podría calificar como "televisión artística", ya que ha atraído una mayor cantidad de atención crítica por parte de los académicos que la que reciben la mayoría de los programas de televisión. Por ejemplo, la revista de teoría cinematográfica Film Quarterly ha incluido el programa en su portada. ^[91]

En los medios populares

Las películas artísticas han formado parte de la cultura popular, desde comedias de situación animadas como Los Simpson ^[92] y Clone High, que las suplantan y satirizan ^[93] hasta la serie web de reseñas de películas cómicas Brows Held High (presentada por Kyle Kallgren). ^{[94] [95]}

Ver también

• Película independiente
• Animación independiente
• Película experimental
• Cine extremo
• Cine excéntrico americano
• Anime
• Teoría del autor
• Festival de cine de cannes
• Cine de transgresión
• Cine clásico de Hollywood
• Colección de criterios
• Nueva ola checoslovaca
• Cine de arte europeo
• Crítica de cine
• Género cinematográfico
• FilmStruck
• Edad de oro de la televisión (2000-presente)
• Canal de cine independiente
• Premio Espíritu Independiente
• Torneo Internacional de Animación
• LA Rebellion
• Lista de directores asociados al cine artístico
• Cine minimalista y maximalista
• Video musical
• Nuevo Hollywood
• Sin cine de olas
• Cine paralelo
• Cine lento
• Souvenirs from Earth —emisora ​​de televisión artística
• Festival de Cine de Sundance
• Cine surrealista
• Festival de cine de Swansea Bay
• Estudios de televisión
• Festival Internacional de Cine de Toronto
• Películas clásicas de Turner
• Película subterránea
• Ensayo de video
• Autorismo vulgar

Referencias

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enlaces externos

• Cejas en alto en YouTube
• Las 100 mejores películas internacionales y de arte: Rotten Tomatoes
• Las 25 mejores películas de autor de todos los tiempos | The Guardian
• 10 grandes películas que son una introducción perfecta al cine de Arthouse - Taste of Cinema
• Las 10 mejores películas de autor de los últimos 10 años | Stark Insider