Bridget Louise Riley CH CBE (nacida el 24 de abril de 1931) es una pintora inglesa conocida por sus singulares pinturas de op art . [1] Vive y trabaja en Londres, Cornwall y Vaucluse en Francia. [2]
Bridget Riley CH , CBE | |
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Nació | Bridget Louise Riley 24 de abril de 1931 |
Nacionalidad | británico |
Educación | Goldsmiths College , Royal College of Art |
Conocido por | Pintando y dibujando |
Movimiento | Arte abstracto |
Temprana edad y educación
Riley nació el 24 de abril de 1931 [3] en Norwood , Londres. [1] Su padre, John Fisher Riley, originario de Yorkshire , había sido oficial del ejército. Era impresor de oficio y era dueño de su propio negocio. En 1938 trasladó el negocio de la impresión, junto con su familia, a Lincolnshire . [4]
Al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, su padre, un miembro del Ejército Territorial, se movilizó, y Riley, junto con su madre y su hermana Sally, se trasladaron a una casa de campo en Cornualles . [5] La cabaña, no lejos del mar cerca de Padstow , se compartía con una tía que era una ex alumna del Goldsmiths 'College de Londres. La educación primaria llegó en forma de charlas y conferencias irregulares a cargo de maestros no calificados o jubilados. [6] Asistió al Cheltenham Ladies 'College (1946-1948) y luego estudió arte en Goldsmiths' College (1949-1952) y más tarde en el Royal College of Art (1952-1955). [7]
Entre 1956 y 1958, cuidó a su padre, que había estado involucrado en un grave accidente automovilístico. Sufrió una crisis nerviosa debido al deterioro de la salud de su padre. Después de esto, trabajó en una cristalería. Finalmente se incorporó a la agencia de publicidad J. Walter Thompson , como ilustradora, donde trabajó a tiempo parcial hasta 1962. La exposición de Jackson Pollock en Whitechapel Gallery en el invierno de 1958 la impactó. [6]
Su obra temprana fue figurativa y semiimpresionista. Entre 1958 y 1959, su trabajo en la agencia de publicidad mostró su adopción de un estilo de pintura basado en la técnica puntillista . [8] Alrededor de 1960, comenzó a desarrollar su estilo característico de Op Art que consiste en patrones geométricos en blanco y negro que exploran el dinamismo de la vista y producen un efecto desorientador en el ojo y produce movimiento y color. [7] En el verano de 1960, realizó una gira por Italia con su mentor Maurice de Sausmarez, y los dos amigos visitaron la Bienal de Venecia con su gran exposición de obras futuristas . [6]
Al principio de su carrera, Riley trabajó como maestra de arte para niños desde 1957 hasta 1958 en el Convento del Sagrado Corazón, Harrow (ahora conocido como Sacred Heart Language College ). En el Convento del Sagrado Corazón, inició un curso básico de diseño. Más tarde trabajó en la Escuela de Arte de Loughborough (1959), Hornsey College of Art , y Croydon College of Art (1962-1964). [9]
En 1961, ella y su socio Peter Sedgley visitaron la meseta de Vaucluse en el sur de Francia y adquirieron una granja abandonada que finalmente transformaron en un estudio. De vuelta en Londres, en la primavera de 1962, Victor Musgrave de Gallery One realizó su primera exposición individual. [6]
En 1968, Riley, con Sedgley y el periodista Peter Townsend, creó la organización de artistas SPACE (Space Provision Artistic Cultural and Educational), con el objetivo de proporcionar a los artistas un espacio de estudio grande y asequible. [10] [11]
La forma de ver de Seurat
El estilo maduro de Riley, desarrollado durante la década de 1960, fue influenciado por varias fuentes, [14] incluido el artista postimpresionista francés Georges Seurat . En 2015-6, la Courtauld Gallery , en su exposición Bridget Riley: Learning from Seurat , expuso cómo el puntillismo de Seurat influyó en ella hacia la pintura abstracta. [13] [15] Cuando era un artista joven en 1959, Riley vio The Bridge at Courbevoie , propiedad de Courtauld, y decidió pintar una copia. El trabajo resultante ha estado colgado en el estudio de Riley desde entonces, salvo su préstamo a la galería para la exposición, demostrando en opinión del crítico de arte Jonathan Jones "cuán crucial" fue Seurat para su enfoque del arte. [12] Riley describió su copia de la pintura de Seurat como una "herramienta", interpretada por Jones en el sentido de que ella, como Seurat, practicaba el arte "como una ciencia óptica"; en su opinión, Riley "realmente forjó su estilo óptico al estudiar Seurat", haciendo de la exposición un verdadero encuentro entre lo antiguo y lo nuevo. [12] Jones comenta que Riley investigó el puntillismo de Seurat pintando a partir de una ilustración de libro del Puente de Seurat a una escala ampliada para descubrir cómo su técnica hizo uso de colores complementarios , y pasó a crear paisajes puntillistas propios, como Pink Landscape. (1960), [12] pintado poco después de su estudio de Seurat [15] y retratando las "colinas soleadas de la Toscana " (y mostradas en el cartel de la exposición) que Jones escribe podría fácilmente tomarse por un original postimpresionista. [12] En su opinión, Riley comparte la "alegría por la vida" de Seurat, un placer simple pero radical en el color y la vista. [12]
Trabaja
Fue durante este período que Riley comenzó a pintar las obras en blanco y negro por las que se dio a conocer por primera vez. Presentan una gran variedad de formas geométricas que producen sensaciones de movimiento o color. A principios de la década de 1960, se decía que sus obras producían sensaciones en espectadores tan variados como el mareo y el paracaidismo . De 1961 a 1964, trabajó con el contraste de blanco y negro, introduciendo ocasionalmente escalas tonales de gris. Las obras de este estilo comprendieron su primera exposición individual de 1962 en la Galería Uno de Musgrave, así como numerosas exposiciones posteriores. Por ejemplo, en otoño , se repite una sola curva de perpendiculares para crear un campo de frecuencias ópticas variables. [16] Visualmente, estas obras se relacionan con muchas preocupaciones del período: una necesidad percibida de participación de la audiencia (esto los relaciona con los Acontecimientos , que eran comunes en esta época), desafíos a la noción de la dualidad mente-cuerpo que llevó a Aldous Huxley para experimentar con drogas alucinógenas ; [17] preocupaciones sobre la tensión entre un futuro científico que podría ser muy beneficioso o que podría conducir a una guerra nuclear ; y temores por la pérdida de una experiencia individual genuina en un mundo feliz. [18] Sus pinturas desde 1961 han sido ejecutadas por asistentes. [5] Planifica meticulosamente el diseño de su composición con dibujos preparatorios y técnicas de collage; sus ayudantes pintan los lienzos finales con gran precisión bajo sus instrucciones. [19]
Riley comenzó a investigar el color en 1967, año en el que realizó su primera pintura a rayas. [20] Después de una gran retrospectiva a principios de la década de 1970, Riley comenzó a viajar mucho. Después de un viaje a Egipto a principios de la década de 1980, donde se inspiró en la colorida decoración jeroglífica , Riley comenzó a explorar el color y el contraste. [21] En algunas obras, las líneas de color se utilizan para crear un efecto brillante, mientras que en otras el lienzo se llena con patrones de teselados . Típico de estos trabajos coloridos posteriores es Shadow Play .
Algunas obras se titulan según fechas particulares, otras según ubicaciones específicas (por ejemplo, Les Bassacs, el pueblo cerca de Saint-Saturnin-lès-Apt en el sur de Francia donde Riley tiene un estudio). [22]
Después de una visita a Egipto en 1980-81, Riley creó colores en lo que llamó su 'paleta egipcia' [23] y produjo obras como las series Ka y Ra , que capturan el espíritu del país, antiguo y moderno, y reflejan los colores del paisaje egipcio. [8] Invocando la memoria sensorial de sus viajes, las pinturas realizadas entre 1980 y 1985 exhiben la reconstrucción libre de Riley de la paleta cromática restringida descubierta en el extranjero. En 1983, por primera vez en quince años, Riley regresó a Venecia para estudiar una vez más las pinturas que forman la base del colorismo europeo. Hacia fines de la década de 1980, el trabajo de Riley experimentó un cambio dramático con la reintroducción de la diagonal en forma de una secuencia de paralelogramos utilizados para interrumpir y animar las rayas verticales que habían caracterizado sus pinturas anteriores. [24] En Delos (1983), por ejemplo, los tonos azul, turquesa y esmeralda se alternan con amarillos intensos, rojos y blancos. [25]
Murales
Riley ha pintado murales temporales para la Tate , el Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris y la National Gallery . En 2014, la Colección de Arte de Caridad del Imperial College Healthcare le encargó la realización de un mural permanente de 56 metros para el St Mary's Hospital de Londres ; la obra se instaló en el décimo piso del ala Reina Madre Reina Isabel del hospital, uniéndose a otras dos que había pintado más de 20 años antes. [26] En 2017, instaló un mural a rayas que circunnavegaba un antiguo cuartel del ejército en forma de U en la Fundación Chinati en Marfa, Texas , que amplía un trabajo ejecutado para el Royal Liverpool Hospital en 1983. [27]
Entre 2017 y 2019, la pintura mural de Riley para la Fundación Chinati , Marfa, Texas, fue la obra más grande del artista hasta la fecha y abarcó seis de las ocho paredes del edificio. El mural hizo referencia a la pintura mural Bolt of Color (1983) del Royal Liverpool University Hospital y revisó la paleta egipcia del artista. [28]
Sobre la naturaleza y el papel del artista.
Riley hizo los siguientes comentarios sobre el trabajo artístico en su conferencia Painting Now , 23rd William Townsend Memorial Lecture, Slade School of Fine Art , Londres, 26 de noviembre de 1996:
Beckett interpreta a Proust como si estuviera convencido de que tal texto no puede crearse ni inventarse, sino que sólo puede descubrirse dentro del propio artista, y que es, por así decirlo, casi una ley de su propia naturaleza. Es su posesión más preciada y, como explica Proust, la fuente de su felicidad más íntima. Sin embargo, como puede verse en la práctica de los grandes artistas, aunque el texto puede ser fuerte y duradero y capaz de soportar el trabajo de toda una vida, no puede darse por sentado y no hay garantía de posesión permanente. Puede extraviarse o incluso perderse, y su recuperación es muy difícil. Puede permanecer inactivo y descubrirse tarde en la vida después de una larga lucha, como con Mondrian o el propio Proust. Por qué debería ser que algunas personas tengan este tipo de texto mientras que otras no, y qué "significado" tiene, no es algo que se preste a discusión. Tampoco depende del artista decidir qué tan importante es o qué valor tiene para otras personas. Determinar esto tal vez esté más allá de las capacidades del propio tiempo de un artista. [29] [30]
Escritor y comisario
Riley ha escrito sobre artistas desde Nicolas Poussin hasta Bruce Nauman . Fue co-curadora de Piet Mondrian: De la naturaleza a la abstracción (con Sean Rainbird ) en la Tate Gallery en 1996. [31] Junto con el historiador de arte Robert Kudielka, Riley también se desempeñó como curadora de la exposición de 2002 " Paul Klee : La naturaleza de la creación" , una exposición en la Hayward Gallery de Londres en 2002. [32] En 2010, fue curadora de una muestra de artistas elegidos en la National Gallery de Londres, eligiendo pinturas de grandes figuras de Tiziano , Veronés , El Greco , Rubens , Poussin y Paul Cézanne . [33] [34]
Exposiciones
En 1965, Riley exhibió en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York, The Responsive Eye (creado por el curador William C. Seitz); la exposición que llamó por primera vez la atención mundial sobre su trabajo y el movimiento Op Art. Su cuadro Current , 1964, fue reproducido en la portada del catálogo de la muestra. Sin embargo, Riley se desilusionó cada vez más con la explotación de su arte con fines comerciales y descubrió que en los EE. UU. No había protección de derechos de autor para los artistas. La primera legislación estadounidense sobre derechos de autor finalmente se aprobó, siguiendo una iniciativa independiente de artistas de Nueva York, en 1967 [6].
Participó en documentas IV (1968) y VI (1977). En 1968, Riley representó a Gran Bretaña en la Bienal de Venecia , donde fue la primera pintora británica contemporánea y la primera mujer en recibir el Premio Internacional de Pintura. [20] Su trabajo disciplinado perdió terreno frente a los gestos asertivos de los neoexpresionistas en la década de 1980, pero una muestra de 1999 en la Serpentine Gallery de sus primeras pinturas provocó un resurgimiento del interés por sus experimentos ópticos. "Bridget Riley: Reconnaissance", una exposición de pinturas de las décadas de 1960 y 1970, se presentó en Dia: Chelsea en 2000. En 2001, participó en Site Santa Fe , [35] y en 2003 la Tate Britain organizó una importante retrospectiva de Riley. . En 2005, su trabajo apareció en Gallery Oldham . [36] Entre noviembre de 2010 y mayo de 2011, se presentó su exposición "Pinturas y trabajos relacionados" en la National Gallery de Londres. [37]
En junio y julio de 2014, se presentó la muestra retrospectiva "Bridget Riley: The Stripe Paintings 1961-2014" en la David Zwirner Gallery de Londres. [38] [39] En julio y agosto de 2015, la muestra retrospectiva "Bridget Riley: The Curve Paintings 1961-2014" se presentó en el Pabellón De La Warr en Bexhill-on-Sea . [40]
En noviembre de 2015, se inauguró la exposición Bridget Riley en David Zwirner en Nueva York. La muestra presenta pinturas y obras en papel del artista desde 1981 hasta la actualidad; el catálogo completamente ilustrado incluye un ensayo del historiador de arte Richard Shiff y notas biográficas compiladas por Robert Kudielka. [41]
Una exposición retrospectiva en la Scottish National Gallery , en asociación con la Hayward Gallery , se llevó a cabo de junio a septiembre de 2019. [42] Mostraba pinturas y dibujos tempranos, obras en blanco y negro de la década de 1960 y estudios que revelan sus métodos de trabajo. . [43] Esta importante exposición de su trabajo, que abarca sus 70 años de carrera, también se mostró en la Hayward Gallery desde octubre de 2019 hasta enero de 2020. [44]
Colecciones públicas
- Galería de arte Abbot Hall , Kendal [45]
- Colección del Arts Council , Londres [45]
- Colección del British Council , Londres [45]
- Galería de arte Ferens , Hull [45]
- Museo Fitzwilliam , Cambridge [45]
- Centro de recursos de los museos de Glasgow, Glasgow [45]
- Colección de arte del gobierno , Londres [45]
- Galería de arte de Leeds [45]
- Galería de arte Maclaurin en Rozelle House, Ayr [45]
- Galería de arte de Manchester [45]
- Morley College , Londres [45]
- Museo Boijmans Van Beuningen , Rotterdam [46]
- Museo de Bellas Artes de Boston [47]
- Museo de Arte Moderno de Nueva York [48]
- Museo Nacional de Cardiff , Museo Nacional de Gales [45]
- Museo de Arte Nelson-Atkins , Kansas City [49]
- Colección Ruth Borchard [45]
- Galería de arte de la ciudad de Southampton [45]
- Tate , Londres [45]
- Universidad de Warwick [45]
- Galería de arte Walker , Liverpool [45]
- Whitworth , Manchester [45]
Influencia
Los artistas Ross Bleckner y Philip Taaffe realizaron pinturas en homenaje a la obra de Riley en los años 80. [51] [52] En 2013, Riley afirmó que una obra de tablero de ajedrez en blanco y negro del tamaño de una pared de Tobias Rehberger plagió su pintura Movimiento en cuadrados y pidió que se quitara de la exhibición en la lectura de la Biblioteca Estatal de Berlín. habitación. [50] [53]
Reconocimiento
En 1963, Riley fue galardonado con el premio AICA Critics Prize, así como con el premio John Moores, Liverpool Open Section. Un año después, recibió una beca de viaje de la Fundación Peter Stuyvesant. En 1968 recibió un Premio Internacional de Pintura en la Bienal de Venecia . En 1974, fue nombrada Comandante de la Más Excelente Orden del Imperio Británico . [54] Riley ha recibido doctorados honoris causa por Oxford (1993) y Cambridge (1995). [55] En 2003, recibió el Praemium Imperiale , [56] y, en 1998, se convirtió en una de los 65 Compañeros de Honor en Gran Bretaña. [54] Como miembro de la junta de la National Gallery en la década de 1980, bloqueó el plan de Margaret Thatcher de dar una propiedad contigua a los desarrolladores y así ayudó a asegurar la eventual construcción del ala Sainsbury del museo . [5] Riley también recibió el Kaiserring de la ciudad de Goslar en 2009 y el 12º Premio Rubens de Siegen en 2012. [57] También en 2012, se convirtió en la primera mujer en recibir el Premio Sikkens
, el arte holandés premio que reconoce el uso del color. [58]Filantropía
Riley es Patrocinadora de Pinturas en Hospitales , una organización benéfica establecida en 1959 para proporcionar arte para la atención médica y social en Inglaterra, Gales e Irlanda del Norte. [59]
Entre 1987 y 2014, creó tres murales en los pisos octavo, noveno y décimo del ala Queen Elizabeth Queen Mother, St Mary's Hospital , Londres. [60]
En 2017, junto con Yoko Ono y Tracey Emin , Riley donó obras de arte a una subasta para recaudar fondos para Modern Art Oxford . [61]
Mercado del arte
En 2006, Jeffrey Deitch compró su Untitled (Diagonal Curve) (1966), un lienzo en blanco y negro de vertiginosas curvas, en Sotheby's por 2,1 millones de dólares, casi tres veces su estimación alta de 730.000 dólares y también un récord para el artista. [62] En febrero de 2008, el lienzo punteado Static 2 (1966) del artista recaudó £ 1,476,500 ($ 2,9 millones), superando con creces su alta estimación de £ 900,000 ($ 1,8 millones), en Christie's en Londres. [63] Chant 2 (1967), parte del trío mostrado en la Bienal de Venecia , fue a parar a un coleccionista estadounidense privado por £ 2.561.250 ($ 5,1 millones), en julio de 2008, en Sotheby's. [64]
Bibliografía
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- Bridget Riley: Cuadros de los años 60 y 70 (Londres: Serpentine Gallery, 1999). Con textos de Lisa Corrin, Robert Kudielka y Frances Spalding.
- Bridget Riley: Pinturas seleccionadas 1961–1999 (Düsseldorf: Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen; Ostfildern: Cantz Publishers, 1999). Con textos de Michael Krajewski, Robert Kudielka, Bridget Riley, Raimund Stecker y conversaciones con Ernst H. Gombrich y Michael Craig-Martin .
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enlaces externos
- 36 obras de arte de o después de Bridget Riley en el sitio de Art UK
- La Galería Pace
- Exposiciones en curso de Bridget Riley
- Exposición de Bridget Riley en Abbot Hall Art Gallery, 1998-9
- Jonathan Jones, The Life of Riley (entrevista) , The Guardian , 5 de julio de 2008
- Artículo "Al final de mi lápiz" de Bridget Riley, London Review of Books
- Presentación de pinturas en la retrospectiva del Museo de Bridget Riley für Gegenwartskunst, 2012
- Exposición del trabajo de Bridget Riley en Christchurch Art Gallery Te Puna o Waiwhetu, Christchurch, Nueva Zelanda, 2017