El arte cubano es una mezcla cultural excepcionalmente diversa de elementos africanos, sudamericanos, europeos y norteamericanos, que refleja la diversa composición demográfica de la isla. Los artistas cubanos abrazaron el modernismo europeo y la primera parte del siglo XX vio un crecimiento de los movimientos de vanguardia cubanos , que se caracterizaron por la mezcla de géneros artísticos modernos. Algunos de los artistas cubanos más célebres del siglo XX incluyen Amelia Peláez (1896–1968), mejor conocida por una serie de proyectos murales , y el pintor Wifredo Lam (8 de diciembre de 1902 a 11 de septiembre de 1982), quien creó una versión muy personal. del primitivismo moderno . El pintor nacido en CubaFederico Beltran Masses (1885-1949), fue reconocido como un colorista cuyas seductoras representaciones de mujeres a veces hacían referencias abiertas a los escenarios tropicales de su infancia.
Más conocida internacionalmente es la obra del fotógrafo Alberto Korda , cuyas fotografías posteriores a los primeros días de la Revolución Cubana incluían una imagen del Che Guevara que se convertiría en una de las imágenes más reconocibles del siglo XX.
Existe un floreciente movimiento de arte callejero influenciado por los artistas latinoamericanos José Guadalupe Posada y el muralista Diego Rivera .
Después de la Revolución Cubana de 1959, algunos artistas sintieron que lo mejor para ellos era salir de Cuba y producir su arte, mientras que otros se quedaron atrás, felices o simplemente contentos de estar creando arte en Cuba, que fue patrocinado por el gobierno. Debido a que fue patrocinado por el estado, se produjo una censura implícita, ya que los artistas no querrían hacer arte que estuviera en contra del movimiento revolucionario, ya que esa era la fuente de su financiación. Fue durante la década de 1980 cuando el arte comenzó a reflejar una verdadera expresión sin influencias. El "renacimiento" de la expresión en el arte cubano se vio muy afectado por el surgimiento de una nueva generación de cubanos, que no recordaba directamente la revolución. [1]
En 1981, los cubanos vieron la introducción de "Volumen Uno", una serie de exposiciones individuales de artistas cubanos contemporáneos. Tres años más tarde, la introducción de la "Bienal de La Habana" contribuyó a una mayor progresión de la liberación del arte y la libertad de expresión en el mismo. [2]
Época colonial
Durante la mayor parte de sus 400 años bajo el dominio español, Cuba y específicamente La Habana funcionó como el principal centro del imperio español en las Américas, con una población de comerciantes, administradores y profesionales interesados en apoyar las artes. En el siglo XVI comenzaron a llegar pintores y escultores de Europa para decorar iglesias y edificios públicos cubanos. A mediados de la década de 1700, los artistas nativos que trabajaban en la tradición europea estaban activos en Cuba. [3] [4]
El primero de ellos en dejar una obra sustancial e identificable fue José Nicolás de la Escalera (1734 - 1804). Aunque en su mayoría carecen de originalidad, sus escenas religiosas, particularmente las que decoran la cúpula y el altar de la Iglesia de Santa María del Rosario cerca de La Habana, son espectaculares e incluyen las primeras representaciones de bellas artes de esclavos cubanos negros. [5] [3]
Vicente Escobar (1762-1834) fue un mestizo cuya habilidad como retratista lo hizo popular entre la élite cubana. [6] Aunque no tenía educación artística formal, abrió lo que posiblemente fue el primer taller / estudio de pintura de Cuba, y luego se graduó con honores de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Su retrato estaba firmemente en el estilo clásico europeo, pero tenía una frescura y una energía distintivas. [7]
Una revuelta de esclavos que culminó con la declaración de independencia del vecino Haití en 1804 resultó ser algo inesperado para Cuba, ya que los propietarios de plantaciones de refugiados y sus esclavos se trasladaron a la parte oriental subdesarrollada y subpoblada de la isla. Sin embargo, el éxito del levantamiento de esclavos de Toussaint y Dessalines sembró una intensa ansiedad en todo el Caribe, y una respuesta fue el crecimiento del costumbrismo (visiones realistas pero romantizadas de la vida cotidiana) en el arte cubano. [4]
Uno de los primeros artistas destacados de este género fue el español Víctor Patricio de Landaluze ( 1830-1889 ), cuyas pinturas describían la vida en las plantaciones como tosca pero esencialmente natural y armoniosa. Sus caricaturas políticas para la revista El Almendares adoptaron una visión más satírica de la urbanizada "aristocracia criolla". En oposición a la independencia cubana, Landaluze finalmente perdió el favor del público, pero su trabajo sigue siendo valorado por capturar la atmósfera y las actitudes de su tiempo. [8] [3] [4]
El 11 de enero de 1818 se estableció en La Habana la Escuela Nacional de Bellas Artes (conocida como la "Academia San Alejandro", en honor a un importante fundador / benefactor), bajo la dirección del francés Jean Baptiste Vermay (1786-1833). La academia de arte más antigua de América Latina, es la segunda institución de educación superior más antigua de Cuba, después de la Universidad de La Habana . Continuando hasta la actualidad, ha producido muchos de los artistas más importantes de Cuba. [9]
A finales del siglo XIX, la pintura de paisajes se había vuelto popular, con artistas como Miguel Arias Bardou , Guillermo Collazo , José Abreu Morell y José Joaquín Tejada creando escenas que presentaban el exuberante entorno natural de Cuba. A pesar del contenido benigno de su trabajo, muchos artistas (quizás el más destacado, Collazo) fueron fuertes partidarios de la independencia cubana, y algunos se vieron obligados a exiliarse.
En 1898, los cuatro siglos de dominio español sobre Cuba llegaron a su fin cuando las tropas estadounidenses intervinieron del lado de los combatientes rebeldes. La independencia, sin embargo, resultó ilusoria, con Estados Unidos controlando la política exterior de Cuba y gran parte de su economía, [10] mientras que los presidentes hombres fuertes hicieron poco para fomentar la libertad y la democracia. Los artistas de la era republicana temprana continuaron como antes, pintando paisajes y escenas de la vida cubana al estilo tradicional europeo, algunos de ellos con ligeros toques de impresionismo . Muchos, como Antonio Sánchez Araujo , Armando Menocal , Antonio Rodríguez Morey , Domingo Ramos Enríquez y Leopoldo Romañach , pasaron a ser instructores o administradores en la Academia San Alejandro y otras instituciones artísticas. Los movimientos modernistas que convulsionaron el arte europeo a principios del siglo XX inicialmente tuvieron poco impacto en el cerrado mundo académico del arte cubano contemporáneo. [3]
Artistas de vanguardia
A fines del siglo XIX, los paisajes dominaban el arte cubano y el clasicismo seguía siendo el género preferido. [11] Los movimientos artísticos radicales que transformaron el arte europeo en las primeras décadas del siglo llegaron a América Latina en la década de 1920 para formar parte de una vigorosa corriente de innovación artística, cultural y social. [3]
A fines de la década de 1920, los artistas de Vanguardia habían rechazado las convenciones de la Academia Nacional de Arte de Cuba, la Escuela Nacional de Bellas Artes “San Alejandro” , en La Habana , a la que había asistido la mayoría de ellos. En sus años de formación, muchos habían vivido en París , donde estudiaron y asimilaron los principios del surrealismo , el cubismo y el primitivismo modernista . El modernismo irrumpió en la escena cubana como parte del movimiento crítico de regeneración nacional que surgió en oposición a la dictadura de Gerardo Machado , el control neocolonial estadounidense y la consecuente crisis económica. [12] Regresaron a Cuba comprometidos con las nuevas innovaciones artísticas y deseosos de abrazar la herencia de su isla. Estos artistas se volvieron cada vez más políticos en su ideología, viendo a los pobres de las zonas rurales como símbolos de identidad nacional en contraste con la élite gobernante de la Cuba posterior a la independencia. El líder de vanguardia Eduardo Abela , pintor que estudió en París, fue típico del movimiento. Descubrió su tierra natal Cuba desde el exterior, aparentemente motivado por una combinación de distancia y nostalgia. A su regreso, Abela entró en un período de trabajo muy productivo. Sus murales de la vida cubana se complementaron con caricaturas que se convirtieron en críticas sociales de la vida cubana bajo el régimen autoritario de Machado. [13]
Los pioneros del movimiento incluyeron a Abela, Antonio Gattorno , Víctor Manuel , Fidelio Ponce de León y Carlos Enríquez Gómez . Nacidos alrededor del cambio de siglo, estos artistas crecieron en medio de la agitación de la construcción de una nueva nación y alcanzaron la madurez cuando los cubanos se dedicaron a descubrir e inventar una identidad nacional. Compartían plenamente el sentido de confianza, renovación y nacionalismo que caracterizó a los intelectuales progresistas cubanos en el segundo cuarto del siglo XX.
Antonio Gattorno (1904 - 1980) y Eduardo Abela (1889 - 1965) fueron los primeros pintores de su generación en adaptar el arte moderno europeo y mexicano a la interpretación de sus temas cubanos. También encontraron en la franqueza e idealización de la pintura del Renacimiento temprano un modelo eficaz para su expresión de los temas cubanos. Las imágenes criollas de estos pintores, a pesar de todas sus diferencias, compartían una visión primitivista moderna de Cuba como una tierra rural exótica, atemporal, habitada por gente sencilla y sensual, aunque también triste y melancólica. Aunque arraigada en el entorno natural y cultural de Cuba, la visión de lo Cubano estaba muy alejada de la realidad histórica contemporánea. En cambio, se basó en una concepción ideal de Patria que había sido un componente del nacionalismo y el arte cubanos desde el siglo XIX. [3]
Esta visión idealizada apareció con fuerza en los retratos y paisajes de Victor Manuel (1897 - 1969), quien quedó particularmente impresionado por las obras de Paul Cézanne y Paul Gauguin durante sus dos estancias relativamente breves en París. Egresado de San Alejandro con gran habilidad en dibujo y composición, Manuel optó por aplicar la sencillez primitivista a sus temas cubanos - uno de los favoritos es el rostro femenino - y resaltó cualidades de melancolía y fuerza, como se refleja en La Gitana Tropical ( The Tropical Gipsy , 1929). ), considerada por la crítica como una de las piezas definitorias del arte cubano de vanguardia. [3] [14]
El énfasis que Carlos Enríquez (1900 - 1957) y Fidelio Ponce (1895 - 1949) pusieron en los temas del cambio, la transformación y la muerte ha tenido un impacto duradero en el arte cubano. [15] Enríquez y Ponce representan dos acercamientos a la muerte: el primero marcado por el vuelo exuberante y la emoción; el segundo por la melancólica contemplación. Si Enríquez pintó el delirio tras el triunfo del cerco, Ponce pintó la antesala del dolor. Enríquez era un pintor autodidacta de una familia adinerada, mientras que Ponce, aunque había asistido a la Academia San Alejandro, pasó su vida en la pobreza. Lo que tenían en común estos dos pintores más originales y distintivos de Vanguardia -aparte de los graves problemas con el alcoholismo- era el hecho de que ninguno había estudiado en Europa. [3]
A principios de 1927, se realizaron exposiciones individuales para Víctor Manuel y Antonio Gattorno en la Asociación de Pintores y Escultores de La Habana, seguidas en mayo por la Primera Exposición de Arte Nuevo , una muestra colectiva en la que participaron en su mayoría modernistas cubanos. Pregonados por la revista de vanguardia Revista de Avance , estos espectáculos bien recibidos fueron pasos importantes hacia la aceptación del arte moderno en Cuba. [3]
Los maestros de la primera generación del modernismo cubano prepararon el escenario para el predominio de ciertos temas que regirían el arte cubano después de 1930, y que tendrían distintos grados de impacto en aquellas generaciones que luego emergerían íntegramente en el exilio después de 1960. Entre 1934 y 1940, y aún tambaleándose por el derrocamiento de Machado, Cuba buscaba su identidad cultural en sus raíces europeas y africanas. El paisaje, la flora, la fauna y la tradición de la isla, así como sus campesinos, la base a menudo descuidada del alma y la economía de Cuba, surgieron en su arte. [dieciséis]
Wifredo Lam (1902-1982), cubano de ascendencia china, española y africana, tenía poca relación directa con la Vanguardia de La Habana, pero pertenecía a la misma generación y tenía motivaciones y experiencias similares con su arte. Después de asistir a la Academia San Alejandro, inicialmente tomó la ruta más tradicional de estudiar en Madrid , y vivió y trabajó en España durante muchos años. Después de servir en la Guerra Civil española , huyó a París, donde quedó bajo el ala de Pablo Picasso , quien despertó el interés de Lam por la escultura africana. Lam también se hizo amigo del poeta y filósofo surrealista André Breton . Al regresar a Cuba en 1941 después de dos décadas en el extranjero, Lam estaba encantado, consternado y poderosamente inspirado por su tierra natal. Desarrolló rápidamente su estilo maduro, que incorporó elementos del cubismo, el surrealismo y el arte africano , junto con imágenes de los rituales de la santería en los que había crecido. En 1943 pintó La jungla , considerada una de las obras maestras del arte cubano. [17] [4] [3]
Amelia Peláez (1896 - 1968) fue la única gran artista femenina de la Vanguardia. Graduada en San Alejandro, estudió y trabajó durante varios años en París, donde, antes de su regreso a La Habana en 1934, absorbió la influencia de Henri Matisse y, especialmente, el cubismo de Pablo Picasso y Georges Braque . Durante su larga carrera, trabajó en una variedad de medios, incluida la pintura, la cerámica y el mosaico, y exploró una variedad de temas y temas, pero ya sea que creara sus bodegones abstractos o sus famosos murales públicos a gran escala, su trabajo empleó constantemente colores vivos y composición elaborada, así como representaciones de la flora tropical de Cuba y los omnipresentes motivos arquitectónicos coloniales españoles de La Habana. Sin embargo, a pesar de toda su colorida energía, el crítico francés Francis de Miomandre percibió en su obra "un mundo cerrado, completamente enigmático, perseguido por un enigmático silencio". Ella, Lam y Enriquez han llegado a ser considerados los estilistas más distintivos y definitivos del arte cubano. [3] [18] [4]
En 1935, la Vanguardia fue reconocida en Cuba como una fuerza cultural importante y comenzó a ganar una atención considerable a nivel internacional. Se realizaron importantes exposiciones de arte moderno cubano en los Estados Unidos y en toda América Latina a finales de los años treinta y cuarenta. Escribió Albert H. Barr, Jr., organizador de la exposición de Pintura Moderna Cubana en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1944, "Podemos estar agradecidos por esa imprudente exuberancia, alegría, franqueza y amor a la vida que tal vez muestran los pintores cubanos más que los artistas de cualquier otra escuela ". [3]
El arte cubano moderno fue visto por fin en París, Francia, en una exposición en el Musée National d'Art Moderne en 1951. [3]
Los propios artistas vieron pocos beneficios materiales del aumento del interés por el arte moderno cubano. Se repartieron premios de compra ocasional, como en el Primer Salón Nacional de Pintura y Escultura en 1935, pero no existía un sistema de mecenazgo consistente y las comisiones para los vanguardistas cubanos eran raras. La mayoría subsistía con trabajos docentes y trabajos comerciales mal pagados; unos pocos, como Enríquez y Peláez, tenían medios de sustento a través de sus familias, y algunos, como Ponce y Manuel, vivían en la pobreza. [3] El único de ellos que finalmente consiguió altos precios por su trabajo mientras aún vivía fue Wifredo Lam. [17]
Otros artistas notables de la vanguardia original fueron Jorge Arche, Marcelo Pogolotti , Aristides Fernandez, Rafael Blanco, Domingo Ravenet, Alberto Peña y Lorenzo Romero Arciaga. El Segundo Salón Nacional de Pintura y Escultura de 1938 puso en escena una segunda generación de artistas modernos que incluía a Cundo Bermúdez , Mario Carreño , Rita Longa , Alfredo Lozano, Luis Martínez-Pedro y René Portocarrero [3]
A fines de la década de 1940, la primera generación de artistas de vanguardia se había dispersado, siguiendo sus carreras individuales. Lam tuvo un gran éxito, viviendo principalmente en París después de 1952. [17] Arche, Fernández y Peña murieron jóvenes; Enríquez y Ponce lograron cierto reconocimiento internacional antes de morir en la mediana edad. Otros, como Gattorno y Pogolotti, dejaron Cuba y llevaron su arte en direcciones completamente nuevas; aún más emigraron después de la Revolución Cubana de 1959, que dejó a los artistas cubanos aislados de los desarrollos artísticos y los mercados en Estados Unidos y Europa. Varios, como Peláez, Abela y Manuel, continuaron produciendo obra en Cuba. [3]
Los artistas de Vanguardia recibieron reconocimiento internacional en 2003 con la exposición Pintura Cubana Moderna en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, que posteriormente se muestra en París. [19] Los artistas cubanos modernos continúan realizando un trabajo significativo en esta tradición, incluidos Juan Ramón Valdés Gómez (llamado Yiki) y José Toirac .
Arte ingenuo
Según los críticos de arte europeos y norteamericanos, el arte naif suele ser reconocido por su frescura infantil y cualidades de aficionado, [20] como la falta de perspectiva precisa, poco o ningún modelado y coloración atrevida. [21] Los artistas que trabajan en este estilo son generalmente reconocidos por favorecer un estilo de arte más "primitivo" o "popular". [22] El término ingenuo en sí mismo puede ser problemático; Por lo general, lo que significa que un artista es autodidacta, ha sido utilizado en el pasado por artistas académicos o críticos como un término despectivo, ya que los artistas ingenuos tienden a ignorar las reglas básicas del arte. A pesar de su desprecio por las convenciones académicas, los artistas ingenuos suelen ser bastante sofisticados en sus formas personales de expresión artística.
Los colores utilizados en el arte naif cubano son especialmente vívidos, con artistas que utilizan los tonos vibrantes de su hogar tropical para presentar una visión idealizada de la vida rural, con referencias espirituales al catolicismo y las orichas (deidades) de la santería , leyendas y otros aspectos de la cultura afro. Cultura cubana, pasado y presente. Este ingenuo estilo de arte retrata la típica cosmovisión cubana del disfrute de la vida a pesar de sus dificultades [23]
En la década de 1950, el turismo estadounidense en Cuba creó una gran demanda de arte folclórico y pintoresco, lo que llevó a una mayor producción de lo que se conoció como "arte turístico", la mayor parte del cual se clasificó como ingenuo. [24] En ese momento, este arte se veía como una "forma de expresión atrasada, bárbara y cruda que debe ser barrida", más que como una representación auténtica de una cultura viva. [25] Después de la Revolución Cubana de 1959, se fomentaron las actividades educativas, culturales y artísticas, con artistas que pudieron asistir a las escuelas de arte de libre acceso de la nación ( Escuelas Nacionales de Arte, ahora conocido como Instituto Superior de Arte ). Aun así, ya sea por aislamiento físico o por desinterés por el mundo de la pintura académica, quedó un gran número de pintores Ingenuos o Espontáneos autodidactas . Muchos de estos artistas se unieron para formar el Movimiento de Artistas Populares a principios de la década de 1960. Aunque este y otros esfuerzos cooperativos se desvanecieron durante las décadas siguientes, los propios artistas continuaron pintando. [26]
Debido al orgullo nacional cubano por los logros académicos y la formación artística, se había considerado degradante ser llamado un artista ingenuo en los primeros años posteriores a la Revolución. Dado que los artistas ingenuos no eran generalmente reconocidos por el gobierno como artistas profesionales, la comunidad artística en general no los tomaba en serio y, en ocasiones, eran acosados, ya que el gobierno cubano afirmaba que sus ventas de arte eran actividades ilegales. [27] A finales del siglo XX, sin embargo, esta actitud empezó a cambiar.
En 1997, Sandra Levinson, directora ejecutiva del Centro de Estudios Cubanos Art Space en la ciudad de Nueva York, organizó Naïve Art in Cuba , una exposición única en su tipo en el Metropolitan Arts Center que presenta el arte de catorce artistas cubanos ingenuos, además de los ocho integrantes del colectivo de artistas del Grupo Bayate de Mella , Santiago de Cuba . Estos artistas fueron descubiertos durante un viaje a Cuba en 1996 por Levinson, Olga Hirshhorn y otros, quienes recorrieron la isla en busca de ejemplos de este estilo de arte, del cual tan poco se había visto previamente en los Estados Unidos [28].
El titular extraoficial del Grupo Bayate es Luis Rodríguez Arias (nacido en 1950), panadero de profesión. Se le conoce como el maestro para diferenciarlo de su hijo, el artista Luis Rodríguez Ricardo (nacido en 1966), quien se hace llamar el Estudiante . Ambos estuvieron representados en la exposición Arte Naïve de Cuba , que se desarrolló del 11 de septiembre al 10 de octubre de 1997 [29].
Luis El estudiante Rodríguez se encuentra entre los pintores naif cubanos más destacados. Comenzó a pintar a los dieciocho años; ha descrito su primer cuadro, de la casa de una novia, como "horrible". [30] Después de servir en el ejército y trabajar en la construcción, fue asignado a labores agrícolas durante el "período especial" de Cuba. En esos años comenzó a trabajar con la escultura como una forma de complementar sus ingresos, volviéndose a pintar unos años después. [31] Como la mayoría de los artistas ingenuos, encuentra inspiración para su trabajo en las experiencias de su vida diaria: los rituales religiosos y los eventos y personas de su comunidad. Habiendo crecido en un vecindario de familias en su mayoría haitianas, está muy consciente de sus luchas; a veces describe su trabajo como "polémico". [32] En enero de 1997, el Estudiante realizó una muestra individual en la galería más grande y prestigiosa de Santiago de Cuba, Oriente, y continúa participando en exposiciones del Grupo Bayate . En junio de 2002 su trabajo fue descrito como "desenfrenado y colorido y apilado como un tren en hora punta" en un artículo del New York Times titulado "Los cubanos exaltados hacen mucho con un poco", [33] que también habla del mercado del arte. éxito de su estilo ingenuo.
Otro artista presentado en la exposición Arte Naïve de Cuba del Metropolitan Arts Center de 1997 fue Julián Espinoza Rebolledo, también conocido como Wayacón. Nacido en 1931 (aunque su nacimiento no se registró hasta 1941, lo que lo hace "oficialmente" 10 años más joven de lo que realmente es), Wayacón comenzó a pintar de niño. Asistiendo a la escuela solo hasta el tercer grado, este artista autodidacta se mantuvo como constructor, auditando cursos en la academia cubana cuando era mayor. En la década de 1950 se incorporó al grupo de artistas Signos y participó en sus primeras exposiciones en Japón y Suiza. [34] Aunque admirador de Miró , Chagall , Degas y Picasso , su mayor inspiración proviene de la observación de la práctica de la religión de la santería. [35] Muchas de sus pinturas muestran su influencia, conteniendo colores vivos e imágenes religiosas, con una calidad casi alucinógena. [36]
El artista más ingenuo de Cuba es José Rodríguez Fuster , conocido como Fuster. Además de sus pinturas y dibujos, a lo largo de los años ha transformado el suburbio pobre de Jaimanitas, La Habana, en un paisaje urbano mágico y onírico, aprovechando su experiencia como ceramista para crear un ambiente evocador del famoso Parque Güell de Antoni Gaudí en Barcelona . Hay un parque de ajedrez, con tableros y mesas gigantes, casas decoradas individualmente con murales y cúpulas ornamentadas, un tumulto de gallos gigantes, gauchos, figuras religiosas afrocubanas instaladas en la entrada de muchas casas, un teatro Fusterizado, plazas públicas y un gran mural.
El arte primitivo-forastero de Corso de Palenzuela (n. La Habana, hacia 1960), un pintor autodidacta de ascendencia sefardí, aprovecha una rica veta de la memoria para su material original, representado en un paisaje cubano muy personal. Aunque emigró a los Estados Unidos con su familia a la edad de ocho años, sus lugares de trabajo vívidos y coloridos ponen un gran énfasis en sacar a relucir la rica herencia cultural de su tierra natal. [37]
Aunque técnicamente no es un artista ingenuo, Manuel Mendive es quizás el exponente más importante del afrocubanismo contemporáneo en las artes visuales. Nacido en 1944 en una familia practicante de la Santería, se graduó de la prestigiosa Academia de Artes Plásticas San Alejandro en La Habana en 1962 con honores en escultura y pintura.
Pocos artistas ingenuos han sido representados en Salones de Arte Contemporáneo o en la Bienal de La Habana. Sin embargo, con el creciente interés por el género, hay, a partir de 2015, un número creciente de artistas académicos que han comenzado a pintar en este estilo, con mayor representación para todos. [38]
Arte en la Cuba posrevolucionaria
En la década de 1960, las secuelas de la revolución cubana trajeron nuevas restricciones, provocando un éxodo de intelectuales y artistas. El nuevo régimen requería "una práctica de la cultura como propaganda ideológica, junto con un nacionalismo estereotipado". [39] Aunque las políticas gubernamentales, impulsadas por recursos limitados, limitaron la expresión artística, ampliaron, a través de la educación y los subsidios, el número de personas que podían practicar el arte, rompiendo barreras a través de la democratización y la socialización. La creciente influencia de la Unión Soviética en las décadas de 1960 y 1970 sí impactó en la cultura cubana, pero el gobierno cubano no igualaba a la URSS en su grado de control sobre las artes. [40]
En la década de 1960, agencias gubernamentales como la Comisión de Orientación Revolucionaria (la división editorial del Partido Comunista de Cuba, luego rebautizada como Editora Politica (EP)) y OSPAAAL comenzaron a producir carteles con fines propagandísticos. Muchos de ellos usaban características de diseño estereotipadas soviéticas, pero incluso algunas muestras tempranas mostraban indicios del estilo cubano por el diseño gráfico colorido e inventivo, y a finales de los 60, el arte gráfico cubano estaba en su apogeo. Aunque seguían produciendo esencialmente propaganda, artistas como René Mederos , Raúl Martínez , Alfredo Rostgaard y Félix Beltran estaban creando obras vívidas, poderosas y muy distintivas que tuvieron una influencia global en el diseño gráfico. [41] [42]
Una imagen comúnmente utilizada por los diseñadores gráficos cubanos fue "Guerillero Heroica", una fotografía del Ché Guevara tomada por Alberto Korda (n. La Habana, 1928 - m. París, 2001). La foto sincera de un Guevara agotado y de mal humor, tomada en marzo de 1960 en un funeral por las víctimas de la explosión de un barco de municiones en el puerto de La Habana , se convirtió en una de las imágenes más icónicas del mundo. Finalmente fue alterado y adaptado para todo, desde envoltorios de goma de mascar hasta una escultura de hierro conmemorativa de 90 pies de altura en la Plaza de la Revolución de La Habana . Korda fue un fotógrafo de moda popular que se convirtió en un devoto revolucionario y compañero cercano de Fidel Castro, tomando miles de fotos de los viajes de Castro y la transformación de Cuba. [43] [44]
Los cubanos siguieron decididos a reforzar una identidad cubana arraigada en su propia cultura, como lo ejemplifica el trabajo de Grupo Antillano . [45] La asimilación o síntesis simultánea de los principios del arte occidental moderno y el desarrollo de las escuelas y movimientos de arte afrocubano crearon una nueva cultura cubana. [ cita requerida ] El arte proliferó bajo los programas estatales de patrocinio y empleo durante este período posrevolucionario; los programas politizaron los contenidos artísticos e inspiraron confianza en el pueblo en el marco del nacionalismo reinventado de Cuba. Nelson Domínguez y Roberto Fabelo pasaron de la abstracción y el neoexpresionismo de la década de 1950 a inmortalizar al proletariado, agricultores, trabajadores y soldados, sin dejar de utilizar muchas de las técnicas que aprendieron bajo la tutela de Antonia Eiriz Vázquez. Al combinar el nacionalismo con la politización del arte, los artistas mantuvieron un nivel de libertad que continúa inspirando innovación. [ cita requerida ]
El Salón de Mayo fue una exposición de arte celebrada en La Habana en julio de 1967. Organizada por Carlos Franqui , presentó obras de más de un centenar de artistas y representó escuelas rivales del arte del siglo XX: los primeros modernistas (Picasso, Miró, Magritte); la próxima generación (Lam, Calder, Jacques Hérold, Stanley Hayter ); y posguerra ( Asger Jorn , Antonio Saura , Jorge Soto. [46] Representó el punto culminante de la libre expresión artística en la década posterior a la revolución [47].
El nuevo arte
Las décadas de 1960 y 1970 vieron la introducción del arte conceptual , cambiando el énfasis de la artesanía a las ideas. Esto a menudo significó la eliminación de objetos en la producción de arte; sólo se expresaron o discutieron ideas. Requería un mayor nivel de participación por parte del patrocinador (participación interactiva o un conjunto de instrucciones a seguir). El arte conceptual, el minimalismo , el arte de la tierra y el arte de la performance se mezclaron para expandir la definición misma de arte. [48]
A fines de la década de 1970, muchos de los graduados de la escuela de artes en Cuba, "la Facultad de Artes Plásticas del Instituto Superior de Arte" (fundada en 1976) iban a trabajar como maestros de escuela, enseñando arte a jóvenes cubanos en todo el territorio. isla. Esto proporcionó una plataforma para que los graduados enseñaran a los estudiantes sobre la libertad de expresión en el medio, el mensaje y el estilo del arte. Fue este nuevo nivel de experimentación y expresión lo que permitiría el movimiento de los años ochenta. [49]
En Cuba, estos nuevos desarrollos se sintetizaron naturalmente a través de la sensibilidad afrocubana y surgieron como The New Art, un movimiento artístico ampliamente reconocido como claramente cubano. [ cita requerida ] Los artistas jóvenes nacidos después de la revolución se rebelaron contra el modernismo y abrazaron el arte conceptual, entre otros géneros. Muchos continuarían las tradiciones folclóricas y los motivos de la santería en sus expresiones individuales mientras infundían su mensaje con humor y burla. [50] El arte dio un salto cualitativo al crear arte internacional estructurado sobre visiones africanas, no desde el exterior como el surrealismo sino desde el interior, vivo con las complejidades culturales-espirituales de su propia existencia.
La exposición Volumen Uno, en 1981, abrió las puertas del Nuevo Arte. Los participantes, muchos de los cuales todavía estaban en la escuela, crearon una reacción generacional típica por parte de artistas de la generación anterior, incluidos Alberto Jorge Carol, Nelson Domínguez y César Leal, quienes atacaron a los advenedizos. El grupo Volumen Uno - integrado por José Bedia , Lucy Lippard , Ana Mendieta , Ricardo Brey , Leandro Soto, Juan Francisco Elso , Flavio Garciandia, Gustavo Pérez Monzón, Rubin Torres Lloret, Gory (Rogelio López Marín) y Tomás Sánchez - presentó una "mezcla ecléctica fresca filtrada a través del informalismo, pop, minimalismo, conceptualismo, performance, graffiti y Arte Povera reconfigurado y reactivado… para ser crítica, ética y orgánicamente cubana". [51]
Esta era de artistas estaba dedicada a personas que estaban dispuestas a arriesgarse en su arte y expresarse verdaderamente, en lugar de expresar cosas que apoyaban el movimiento político. Al observar el arte de la década de 1980, vemos una tendencia en el uso de la forma de Cuba como inspiración para el arte. Una pieza, Immediately Geographic del artista Florencio Gelabert Soto, es una escultura con forma de Cuba, pero está dividida en muchos pedazos. Una interpretación podría reflejar el trato aún desigual hacia los artistas y la represión que estaban sufriendo. Estaba en marcha un movimiento que reflejaba esta pieza artística en el que la forma de Cuba se convirtió en un símbolo en la obra de arte en una fase conocida como "tokenización". Esta obra de arte a menudo combinaba la forma de la isla de Cuba con otros atributos de la nación, como la bandera. Al combinar los diversos símbolos de Cuba, los artistas proclamaban orgullosos "esto es lo que somos". Sin embargo, algunos críticos de arte e historiadores argumentarán que esto se debió en parte a la naturaleza aislada de la isla, y que el uso de la isla en obras de arte representaba una sensación de estar solo; como ocurre con todo arte, la intención del artista puede tener muchas interpretaciones. [52]
A mediados de los 80, otro grupo de artistas buscaba una responsabilidad política más explícita para "revivir el desorden", "revivir la confusión", como Aldo Menéndez incorporó en su instalación de 1988. Acompañando la instalación de Menéndez había una nota: "Como pueden ver, este trabajo está casi en blanco. Solo pude comenzar por falta de materiales. Por favor ayúdenme". Aquí está el humor cubano, la foto , "quizás la expresión más cubana por excelencia". [51]
La risa se convirtió en el antídoto de la energía anarquista para y desde la revolución; "Un momento una resaca agresiva, luego una provocación de bufón, presionando las tensiones", escribió Rachel Weiss en Para y desde la utopía en el nuevo arte cubano . [51] “La foto es alérgica a la autoridad y al prestigio, enemiga del orden en todas sus manifestaciones… aflora el desencanto civil, la naturaleza interior incrédula y burlona del cubano”. [51] La foto , eliminando la exactitud, tiende a representar los límites extremos de un ejemplo. Este sardónico humor cubano se ha vuelto tan omnipresente en el arte cubano como los brillantes colores caribeños de su paleta. Eduardo Ponjuan , Glexis Novoa (del grupo ABTV ), Carlos Rodríguez Cárdenas , Carlos Garaicoa , René Francisco y Enrique Silvestre [53] son ejemplos de esta sensibilidad, mezclándola con el kitsch y remontando en el tiempo identificándose con las actitudes cubanas actuales, liberando arte en vísperas del ' período especial ' cubano , en el que la Unión Soviética retiró su ayuda financiera.
En 1990, el gobierno cubano inició programas para estimular el comercio turístico como un medio para compensar la pérdida del apoyo soviético. En 1992 la constitución fue enmendada [¿ por quién? ] para permitir y proteger la propiedad de propiedad extranjera, y en 1993 se permitió que el dólar circulara legalmente. En 1994 se creó un departamento a nivel de gabinete, el Ministerio de Turismo, para mejorar aún más el turismo, que es la mayor fuente de ingresos de Cuba. [51] La reacción inicial de los artistas, así como de la población en general, fue la retirada; "Retirada de lo público a lo privado ... de lo colectivo a lo individual ... de lo épico a lo mundano ... de la sátira a la metáfora ... Retirada de la controversia ... retirada de la confrontación". [51] Pero fue el alejamiento del arte conceptual al figurativo lo que definió el cambio en la pintura. Debido en gran medida al interés de los turistas, el arte adquirió mayor visibilidad, además de volver a un modo de expresión más figurativo. El arte también funcionó como espacio donde los cubanos debatieron algunos de los problemas sociales magnificados por el " Período Especial ", como ilustra el proyecto de arte Queloides , que aborda temas de raza y discriminación. [54]
"Cada cubano es un artista y cada hogar es una galería de arte", escribió Rachel Weiss en To and from Utopia in the New Cuban Art . [51]
Influencias políticas en el arte cubano
"Una cuestión de gran importancia en la cultura cubana es el vínculo entre posiciones políticas y artísticas radicales ... donde la cultura lleva una marcada vertiente social en sintonía con las circunstancias en las que se produce y donde se ve obligada a construir una identidad nacional frente al colonialismo. y poderes neocoloniales ". [55]
En la década de 1980, cuando se estaba consolidando el Movimiento del Nuevo Arte Cubano, muchos aún esperaban establecer la utopía de justicia social del Tercer Mundo prometida por la revolución cubana. Si bien Cuba comparte muchas características con otros países latinoamericanos, tres factores le garantizan una ubicación única entre los países anteriormente colonizados de las Américas:
- España continuó emigrando a Cuba en gran número hasta mediados del siglo XX.
- La población nativa fue eliminada en el siglo XVII.
- Cuba posee las tradiciones culturales más variadas de toda la diáspora africana en América
"Si bien la libertad de expresión es inexistente en Cuba, se puede tolerar una cierta disonancia para artistas reconocidos, en el momento y el lugar adecuados, lo que básicamente significa ocasionalmente, en lugares oficialmente sancionados (y controlados), con muy poca (si es que) cualquier) desbordamiento en los medios. Esto mantiene a todos alerta y crea una tensión que es útil para el Estado. Al mercado global parece gustarle su arte cubano con una pizca de irreverencia política, aunque muchas grandes obras de artistas cubanos se venden en el exterior no presentan un contenido o estilo cubano, caribeño o latinoamericano obvio. Los artistas cubanos suelen ser maestros del doble sentido y el desapego (parodia, ironía, sarcasmo y pastiche). El régimen puede darse el lujo de parecer moderadamente abierto ya que este tipo de arte es mayoritariamente intrascendente en la isla. Puede ser censurado cuando parezca estar cruzando la línea, quizás dejando al artista libre para presentarlo en el extranjero y exhibir algunas otras obras en casa ". [56]
Influencias religiosas en el arte cubano
Además de la cristiana, predominantemente católica, cuatro religiones africanas continúan influyendo en la cultura que se practica en Cuba: Santería (Yoruba), Palo Monte (Kongo), Regla Arara (Ewe Fon), y la secreta, solo masculina, Abakua ( Calabar). Las religiones africanas operan de forma independiente y sintetizada entre sí y con las religiones cristianas ( sincretismo ). Estas visiones únicas de la realidad forman un núcleo de prácticas, creencias y costumbres que han dado forma a una distinción cultural etiquetada como afrocubana y conocida como la fuerza dominante en el arte cubano; una transracial, "híbrida, inventiva e influyente en la construcción de la cultura [cubana] contemporánea". [57]
Ver también
- Lista de artistas cubanos
Referencias
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enlaces externos
- Wealth-Of-Art encuentra obras de arte contemporáneas de artistas cubanos emergentes en Londres
- Galería de arte cubano contemporáneo en Miami de Luis Miguel Rodríguez
- Auténtico arte cubano
- Arte Contemporáneo de Cuba
- Colección de carteles cubanos , The Bancroft Library
- Arte cubano en Boston
- Colección Ediciones Vigía de la División de Libros Raros y Colecciones Especiales de la Biblioteca del Congreso