Dona Nelson (nacida en 1947) es una pintora estadounidense, más conocida por sus obras inmersivas, gestuales y principalmente abstractas que emplean materiales, procesos y formatos poco ortodoxos para romper las nociones convencionales de pintura y espectadores. [1] [2] Una revisión del New Yorker de 2014 observó, "Nelson da aviso de que hará cualquier cosa, menos quemar su casa para intimidar a la pintura con una elocuencia recién balbuceante". [3] Desde 2002, mucho antes de que se convirtiera en una práctica más común, [4] [5] Nelson ha producido pinturas independientes de doble cara que crean una experiencia visual más compleja y consciente. [6] [7] Según el crítico del New York TimesRoberta Smith , Nelson ha esquivado el peso de un "estilo superficialmente consistente", sostenido por "un énfasis aventurero en los materiales" y un enfoque atlético del proceso que se basa en el trabajo de Jackson Pollock . [2] Writers in Art in America y Artforum atribuyen su experimentación a influir en una generación más joven de pintores que exploran técnicas no convencionales con renovado interés. [8] [9] Al hablar de una de las obras viscerales y basadas en procesos de Nelson, escribió el curador Klaus Kertess , la "muselina empapada de pintura es a la vez la herramienta, el medio y lo hecho". [1]
Doña nelson | |
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Nació | 1947 (73 a 74 años de edad) Grand Island, Nebraska , Estados Unidos |
Educación | Programa de estudios independientes del Museo Whitney , Universidad Estatal de Ohio |
Ocupación | Pintora, profesora académica |
Organización | Escuela de arte de Tyler |
Premios | Anonymous Was a Woman , Fundación para las Artes Contemporáneas , Beca Conmemorativa Guggenheim |
Sitio web | Doña nelson |
![](http://wikiimg.tojsiabtv.com/wikipedia/en/c/c7/Dona_Nelson_Coins-in-a-Fountain_2015.jpg)
Nelson ha exhibido a nivel nacional e internacional, incluidas exposiciones individuales en el Weatherspoon Art Museum y Tang Museum (encuesta, 2018), y exposiciones colectivas en Aldrich Contemporary Art Museum , Rose Art Museum , Mary Boone Gallery y Marlborough Fine Art . [10] [11] [12] [13] Sus pinturas de dos caras presentadas en la Bienal de Whitney 2014 fueron ampliamente reconocidas [14] [15] y consideradas algunas de las "obras más desvanecidas" de Art in America . [16] Nelson recibió una beca Guggenheim (1994) [17] y su trabajo se encuentra en numerosas colecciones públicas, incluyendo el Museo Metropolitano de Arte , [18] Museo Solomon R. Guggenheim [19] y Museo de Bellas Artes de Boston . [20] Vive en Lansdale, Pensilvania , y es profesora de pintura y dibujo en la Tyler School of Art en Temple University , donde enseña desde 1991. [21]
Vida y carrera
Nelson nació en 1947 en Grand Island, Nebraska y asistió a la Universidad Estatal de Ohio . En el otoño de 1967, se mudó a la ciudad de Nueva York para participar en el recién formado Programa de Estudios Independientes del Museo Whitney . [22] Después de regresar a Ohio para completar su BFA en 1968, se mudó al Bajo Manhattan, alquilando un loft en lo que ahora es SoHo ; cinco años después, se mudaría a otro en el futuro barrio de Tribeca . En 1971, apareció en espectáculos destacados como "Veintiséis mujeres artistas contemporáneas", comisariada por Lucy Lippard en el Museo Aldrich, [23] y "Diez artistas jóvenes" en el Museo Guggenheim . [24] Los críticos Grace Glueck y Hilton Kramer destacaron su trabajo en las reseñas del New York Times de los dos programas, respectivamente. [11] [25] En 1974, el Museo Whitney la incluyó en su exposición "Continuing Abstraction in American Art"; [26] Su primera exposición individual siguió en la Galería Rosa Esman en la calle 57, en 1975.
En las décadas de 1980 y 1990, Nelson expuso en museos, universidades y las galerías Hamilton y Michael Klein de Nueva York. [10] Se mudó a Filadelfia en 1996 para continuar enseñando en la Tyler School of Art. Nelson ha seguido exponiendo activamente en Nueva York, en Cheim and Read y en la Thomas Erben Gallery, que la ha representado desde 2006. [10]
Trabaja
Aunque Nelson ha creado imágenes representativas, ha trabajado principalmente en una vena fluida y abstracta que, según los escritores, confronta las tradiciones del expresionismo abstracto de frente y se basa en las antipinturas de Joan Miró , que utilizaban materiales y procesos no tradicionales para romper las convenciones de la pintura. . [27] [8] [28] Artforum comparó su "estimulante" disposición a correr riesgos con la de Sigmar Polke . [29] Los críticos notan especialmente su "enfoque aventurero y duro del proceso", que "coquetea con la destrucción de la pintura" [8] al rechazar el "congraciador convencional" [30] en favor de técnicas, superficies y colores disonantes. Al observar la negativa anárquica de Nelson a adherirse a un estilo fácilmente identificable, los escritores han observado que sus exposiciones pueden aparecer como compendios del pensamiento de la pintura moderna y contemporánea. [31]
Nelson se considera a sí misma una artista de proceso más que una expresionista , enfatizando la primacía del azar, la improvisación y el tacto en su proceso. [7] Emplea diversos métodos: verter, teñir, salpicar, coser y más [32] [27], trabajando en lienzos sin imprimar con una variedad de pinturas, materiales no tradicionales y, a veces, camillas de pintura para crear superficies inesperadas. texturas, relieves y patrones (a veces haciendo referencia a la cuadrícula modernista ). [6] [8]
Trabajos iniciales: 1968-1990
El arte temprano de Nelson exploró la abstracción geométrica basada en cuadrículas a través de modos intuitivos y sistemáticos de construcción pictórica; los críticos lo destacaron por su comprensión del estilo, [25] el color sutil y las afinidades con el arte de Agnes Martin y Ellsworth Kelly . [11] [19] Considerando este trabajo de desarrollo, eventualmente lo destruyó. En la década de 1980, Nelson pasó al trabajo de representación pictórica (por ejemplo, Daily News , 1983) que presentaba interiores, paisajes y paisajes urbanos ordinarios, retratados con un realismo emocional y un físico sencillo. [33] [34] [35] Las pinturas figurativas, como Summer Man (1983), [36] ofrecían temas cotidianos centralizados y de tamaño natural que The New York Times escribió, muestran una "solidez satisfactoria" hablada con sencillez como esas de Philip Guston ; obras posteriores, como California Landscape o The Man Who Needs Everything (1988), [37] presagiaron direcciones futuras con piezas de muselina pegadas como prendas de vestir, colores saturados y una abstracción creciente. [38] [34]
Trabajo maduro (1990-2002)
Muchos críticos (y la propia Nelson) consideran que su obra madura comenzó después de un largo período de desarrollo, cuando regresó a la abstracción en la década de 1990. [34] [39] En este período, incorporó regularmente materiales no convencionales como estopilla, muselina, geles y pasta de modelar. [40] [41] También comenzó a emplear técnicas poco ortodoxas que combinaban el control y el accidente para "alterar" sus pinturas, como verter pintura de látex esmaltada sobre campos cuadriculados (la serie "12 estaciones del metro", 1997-8), haciendo calcos de carbón de pinturas existentes de alta textura (sus fantasmales "Calcos", 2002), [42] o adherir muselina acolchada y empapada de pintura en lienzos. [43] [44] [30] Los revisores comentaron sobre la colisión del nuevo trabajo de "orden formal y caos procesal", [13] y crudo y terminado, que encontraron tanto dislocante como atractivo, su poder derivado de un "marco congelado "del proceso de pintura que reveló una serie de actos y decisiones discretos, no lineales. [30] [43] [45] Al describir este pasaje en el trabajo de Nelson a través de la pintura Octopus Blue (1990), Klaus Kertess escribió: "Nos enfrentamos a un organismo que lucha con su autoformación: complejo, misterioso, feroz, juguetón, sensual." [1]
Pinturas de dos caras y construcciones "Box" (2002–)
En 2002, Nelson comenzó a crear obras de dos caras que un escritor llamó un "impulso nervioso" de "pintura pictórica en el ámbito de la escultura". [5] [22] Los críticos notaron obras como Gaucho Groucho (2005), String Turn (2015) y Coins in a Fountain (2015) por su creciente inventiva y sentido de la interpretación, [46] [6] "belleza inflexible y difícil" y "narrativas elaboradas del proceso", [4] que incluían perforar agujeros en el lienzo y trabajar de un lado a otro entre los lados, teñir los lados, quitar y volver a estirar los lienzos, y más. [7] [2] David Pagel sostiene que este trabajo "construye memoria en el proceso, creando experiencias que son más grandes que la suma de sus partes, y mucho más misteriosas". [6] El New York Times escribió: "Las pinturas ... exigen que se ocupe de cómo llegaron a ser de esa manera ... los misterios se acumulan, se resuelven y se vuelven a montar". [27] Nelson explica que sus construcciones expositivas, utilizando soportes de acero, plataformas, ladrillos y cables, buscan un proceso de visualización más consciente e íntimo que contrarreste la artificialidad de los típicos espacios de arte contemporáneo de "estilo de caja blanca grande", que privilegian la reificación de arte sobre el compromiso y la complejidad de la superficie. [47] [48]
![](http://wikiimg.tojsiabtv.com/wikipedia/en/d/de/Dona_Nelson_Models_Stand_Close_to_the_Paintings_2017_Installation_view.jpg)
En 2016, Nelson volvió a la figura en sus obras "Box" de dos caras construidas de forma diversa [49]: paneles pintados independientes del tamaño de una puerta que rozan la arquitectura y continúan empleando materiales y procesos no convencionales. [4] [22] Los críticos describen instalaciones de la obra, como su espectáculo de 2017 "Los modelos están cerca de las pinturas", [50] como un "laberinto caleidoscópico y suelto de puntos de vista contrastantes" y obras que interactúan, un sentido fomentado por la figuras centrales y abstractas que Nelson retrata en ellos. [4] [22] [51] Críticos como Dan Cameron notaron la ruptura de Nelson de la frontalidad de la pintura convencional, así como la evolución de la presencia física de sus obras de dos caras a un nuevo nivel metafórico. [52] [53]
Premios y colecciones
Nelson ha sido reconocida con premios y subvenciones de Anonymous Was a Woman (2015), [54] Artist Legacy Foundation (2013), Foundation for Contemporary Arts (2011), [55] Tesuque Foundation (nominado por pares, 2000) y John Beca en memoria de Simon Guggenheim (1994). [17] Su trabajo se encuentra en muchas colecciones públicas, incluyendo el Museo Metropolitano de Arte, [18] Museo Solomon R. Guggenheim, [19] Museo de Bellas Artes de Boston, [20] Galería de Arte de Nueva Gales del Sur , [56] Albright –Knox Art Gallery , [57] Academia de Bellas Artes de Pennsylvania, [36] Weatherspoon Art Museum, [58] Rose Museum, [59] entre otros, y varias colecciones corporativas.
Referencias
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enlaces externos
- Sitio web de Dona Nelson
- Entrevista de Dona Nelson con Leeza Meksin , The Brooklyn Rail , 2018