Edward Hopper (22 de julio de 1882-15 de mayo de 1967) fue un pintor y grabador realista estadounidense . Si bien es ampliamente conocido por sus pinturas al óleo , fue igualmente competente como acuarelista y grabador en el grabado . Su carrera se benefició decisivamente de su matrimonio con la también artista Josephine Nivison , quien contribuyó mucho a su trabajo, como modelo de vida y como socia creativa. Hopper era un artista de tonalidad menor, que creaba un drama tenue a partir de temas comunes "con capas de un significado poético", que invitaba a interpretaciones narrativas, a menudo involuntarias. Fue elogiado por su "total veracidad" en la América que retrató.
Edward Hopper | |
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Nació | Nyack, Nueva York , Estados Unidos | 22 de julio de 1882
Fallecido | 15 de mayo de 1967 Manhattan , Nueva York, Estados Unidos | (84 años)
Nacionalidad | americano |
Conocido por | Cuadro |
Trabajo notable | Automat (1927) Chop Suey (1929) Nighthawks (1942) Oficina en una ciudad pequeña (1953) |
Esposos) |
Biografía
Vida temprana
Hopper nació en 1882 en Nyack , Nueva York, un centro de construcción de yates en el río Hudson al norte de la ciudad de Nueva York. [1] [2] Era uno de los dos hijos de una familia acomodada. Sus padres, de ascendencia mayoritariamente holandesa , eran Elizabeth Griffiths Smith y Garret Henry Hopper, un comerciante de productos secos. [3] Aunque no fue tan exitoso como sus antepasados, Garrett proveyó bien a sus dos hijos con una ayuda considerable de la herencia de su esposa. Se jubiló a los cuarenta y nueve años. [4] Edward y su única hermana Marion asistieron a escuelas públicas y privadas. Fueron criados en un estricto hogar bautista . [5] Su padre tenía un carácter apacible y la casa estaba dominada por mujeres: la madre, la abuela, la hermana y la criada de Hopper. [6]
Su lugar de nacimiento y la casa de su niñez fueron incluidos en el Registro Nacional de Lugares Históricos en 2000. Ahora funciona como Edward Hopper House Art Center. [7] Sirve como un centro cultural comunitario sin fines de lucro que ofrece exhibiciones, talleres, conferencias, presentaciones y eventos especiales. [8]
Hopper era un buen estudiante en la escuela primaria y mostró talento para dibujar a los cinco años. Absorbió fácilmente las tendencias intelectuales de su padre y el amor por las culturas francesa y rusa . También demostró la herencia artística de su madre. [9] Los padres de Hopper alentaron su arte y lo mantuvieron ampliamente provisto de materiales, revistas instructivas y libros ilustrados. Hopper comenzó a firmar y fechar sus dibujos a la edad de diez años. Los primeros de estos dibujos incluyen bocetos al carboncillo de formas geométricas, que incluyen un jarrón, un cuenco, una taza y cajas. [10] El examen detallado de la luz y la sombra que continuó durante el resto de su carrera ya se puede encontrar en estas primeras obras. [10] En su adolescencia, trabajaba con pluma y tinta, carboncillo, acuarela y óleo, dibujando de la naturaleza y haciendo caricaturas políticas. [11] En 1895, creó su primera pintura al óleo firmada, Rowboat in Rocky Cove , que copió de una reproducción en The Art Interchange , una revista popular para artistas aficionados. Los otros óleos más antiguos de Hopper, como Old ice pond at Nyack y su pintura de alrededor de 1898, Ships han sido identificados como copias de pinturas de artistas como Bruce Crane y Edward Moran . [12] [13]
En sus primeros autorretratos, Hopper tendía a representarse a sí mismo como flaco, ingrato y hogareño. Aunque era un adolescente alto y tranquilo, su bromista sentido del humor encontró salida en su arte, a veces en representaciones de inmigrantes o de mujeres dominando a los hombres en situaciones cómicas. Más adelante en la vida, representó principalmente a mujeres como figuras en sus pinturas. [14] En la escuela secundaria (se graduó de Nyack High School en 1899), [15] soñaba con ser arquitecto naval , pero después de graduarse declaró su intención de seguir una carrera artística. Los padres de Hopper insistieron en que estudiara arte comercial para tener un medio de ingresos confiable. [16] Al desarrollar su imagen de sí mismo y su filosofía de vida individualista, Hopper fue influenciado por los escritos de Ralph Waldo Emerson . Más tarde dijo: "Lo admiro mucho ... lo leo una y otra vez". [17]
Hopper comenzó sus estudios de arte con un curso por correspondencia en 1899. Pronto se trasladó a la Escuela de Arte y Diseño de Nueva York, precursora de Parsons The New School for Design . Allí estudió durante seis años, con maestros como William Merritt Chase , quien lo instruyó en pintura al óleo. [16] Al principio, Hopper modeló su estilo a partir de Chase y los maestros impresionistas franceses Édouard Manet y Edgar Degas . [18] Dibujar a partir de modelos en vivo resultó ser un desafío y un shock para el conservador Hopper.
Otro de sus maestros, el artista Robert Henri , impartió clases de vida. Henri animó a sus estudiantes a utilizar su arte para "causar revuelo en el mundo". También aconsejó a sus alumnos: "No es el tema lo que cuenta, sino lo que sientes al respecto" y "Olvídate del arte y pinta lo que te interesa en la vida". [16] De esta manera, Henri influyó en Hopper, así como en los futuros artistas George Bellows y Rockwell Kent . Los animó a imbuir un espíritu moderno en su trabajo. Algunos artistas del círculo de Henri, incluido John Sloan , se convirtieron en miembros de "The Eight", también conocida como Ashcan School of American Art . [19] La primera pintura al óleo sobreviviente de Hopper que insinúa su uso de interiores como tema fue Figura solitaria en un teatro (c.1904). [20] Durante sus años de estudiante, también pintó decenas de desnudos, estudios de naturaleza muerta, paisajes y retratos, incluidos sus autorretratos. [21]
En 1905, Hopper consiguió un trabajo a tiempo parcial en una agencia de publicidad, donde creó diseños de portadas para revistas especializadas. [22] Hopper llegó a detestar la ilustración. Estuvo atado a él por necesidad económica hasta mediados de la década de 1920. [23] Se escapó temporalmente haciendo tres viajes a Europa, cada uno con centro en París, aparentemente para estudiar la escena artística allí. De hecho, sin embargo, estudió solo y parecía no verse afectado por las nuevas corrientes del arte. Más tarde dijo que "no recordaba haber oído hablar de Picasso en absoluto". [19] Quedó muy impresionado por Rembrandt , en particular su Night Watch , que dijo que era "la cosa más maravillosa que he visto; es más allá de creer en su realidad". [24]
Hopper comenzó a pintar escenas urbanas y arquitectónicas en una paleta oscura. Luego pasó a la paleta más clara de los impresionistas antes de volver a la paleta más oscura con la que se sentía cómodo. Hopper dijo más tarde: "Lo superé y las cosas que se hicieron después en París fueron más el tipo de cosas que hago ahora". [25] Hopper pasó gran parte de su tiempo dibujando escenas de calles y cafés, y yendo al teatro y la ópera. A diferencia de muchos de sus contemporáneos que imitaron los experimentos cubistas abstractos , Hopper se sintió atraído por el arte realista . Más tarde, no admitió otras influencias europeas más que el grabador francés Charles Meryon , cuyas melancólicas escenas de París imitaba Hopper. [26]
Años de lucha
Después de regresar de su último viaje por Europa, Hopper alquiló un estudio en la ciudad de Nueva York, donde luchó por definir su propio estilo. De mala gana, volvió a la ilustración para mantenerse. Como trabajador independiente, Hopper se vio obligado a solicitar proyectos y tuvo que llamar a las puertas de las oficinas de revistas y agencias para encontrar negocios. [27] Su cuadro languideció: "Me cuesta decidir qué quiero pintar. A veces paso meses sin encontrarlo. Viene lentamente". [28] Su colega ilustrador Walter Tittle describió el estado emocional depresivo de Hopper en términos más agudos, al ver a su amigo "sufrir ... de largos períodos de inercia invencible, sentado durante días ante su caballete en una desamparada infelicidad, incapaz de levantar una mano para romper el hechizo ". [29]
En 1912, Hopper viajó a Gloucester, Massachusetts , para buscar inspiración e hizo sus primeras pinturas al aire libre en Estados Unidos. [28] Pintó Squam Light , la primera de muchas pinturas de faros por venir. [30]
En 1913, en el Armory Show , Hopper ganó 250 dólares cuando vendió su primer cuadro, Vela (1911), que había pintado sobre un autorretrato anterior. [31] Hopper tenía treinta y un años, y aunque esperaba que su primera venta lo llevara a otras en poco tiempo, su carrera no se pondría de moda en muchos años más. [32] Continuó participando en exposiciones colectivas en lugares más pequeños, como el MacDowell Club de Nueva York. [33] Poco después de la muerte de su padre ese mismo año, Hopper se mudó al apartamento 3 de Washington Square North en la sección de Greenwich Village de Manhattan , donde viviría por el resto de su vida.
Al año siguiente recibió el encargo de crear algunos carteles de películas y gestionar la publicidad de una empresa cinematográfica. [34] Aunque no le gustaba el trabajo de ilustración, Hopper fue un devoto de toda la vida del cine y el teatro, los cuales trató como temas para sus pinturas. Cada forma influyó en sus métodos de composición. [35]
En un punto muerto sobre sus pinturas al óleo, en 1915 Hopper se dedicó al grabado . En 1923 había producido la mayoría de sus aproximadamente 70 obras en este medio, muchas de las cuales eran escenas urbanas tanto de París como de Nueva York. [36] [37] También produjo algunos carteles para el esfuerzo bélico, además de continuar con proyectos comerciales ocasionales. [38] Cuando pudo, Hopper hizo algunas acuarelas al aire libre en visitas a Nueva Inglaterra, especialmente en las colonias de arte en Ogunquit y la isla Monhegan .
A principios de la década de 1920, sus grabados comenzaron a recibir reconocimiento público. Expresaron algunos de sus temas posteriores, como en Night on the El Train (parejas en silencio), Evening Wind (mujer solitaria) y The Catboat (simple escena náutica). [39] Dos pinturas al óleo notables de esta época fueron Interior de Nueva York (1921) y Restaurante de Nueva York (1922). [40] También pintó dos de sus muchas pinturas de "ventanas" por venir: Girl at Sewing Machine y Moonlight Interior , las cuales muestran una figura (vestida o desnuda) cerca de una ventana de un apartamento visto como mirando hacia afuera o desde el punto. de vista desde el exterior mirando hacia adentro. [41]
Aunque fueron años frustrantes, Hopper ganó cierto reconocimiento. En 1918, Hopper recibió el premio US Shipping Board por su cartel de guerra, "Smash the Hun". Participó en tres exposiciones: en 1917 con la Society of Independent Artists, en enero de 1920 (una exposición individual en el Whitney Studio Club, que fue el precursor del Whitney Museum), y en 1922 (nuevamente con el Whitney Studio Club ). En 1923, Hopper recibió dos premios por sus grabados : el Premio Logan de la Sociedad de Grabadoras de Chicago y el Premio W. A. Bryan. [42]
Matrimonio y avance
En 1923, el lento ascenso de Hopper finalmente produjo un gran avance. Se reencontró con Josephine Nivison , una artista y ex alumna de Robert Henri , durante un viaje de pintura de verano en Gloucester, Massachusetts. Eran opuestos: ella era baja, abierta, sociable, sociable y liberal, mientras que él era alto, reservado, tímido, tranquilo, introspectivo y conservador. [38] Se casaron un año después. Ella comentó: "A veces hablar con Eddie es como dejar caer una piedra en un pozo, excepto que no golpea cuando toca fondo". [43] Ella subordinó su carrera a la de él y compartió su estilo de vida solitario. El resto de sus vidas giraba en torno a su apartamento sin ascensor en la ciudad y sus veranos en South Truro en Cape Cod . Ella manejó su carrera y sus entrevistas, fue su modelo principal y fue su compañera de vida. [43]
Con la ayuda de Nivison, seis de las acuarelas Gloucester de Hopper fueron admitidas en una exhibición en el Museo de Brooklyn en 1923. Una de ellas, The Mansard Roof , fue comprada por el museo para su colección permanente por la suma de $ 100. [44] Los críticos en general elogiaron su trabajo; uno dijo: "¡Qué vitalidad, fuerza y franqueza! Observa lo que se puede hacer con el tema más sencillo". [44] Hopper vendió todas sus acuarelas en una exposición individual al año siguiente y finalmente decidió dejar atrás la ilustración.
El artista había demostrado su capacidad para trasladar su atracción por la arquitectura parisina a la arquitectura urbana y rural estadounidense. Según la curadora del Museo de Bellas Artes de Boston, Carol Troyen, "A Hopper realmente le gustaba la forma en que estas casas, con sus torreones y torres y porches y techos abuhardillados y adornos proyectaban maravillosas sombras. Siempre decía que su cosa favorita era pintar la luz del sol en el costado de una casa." [45]
A los cuarenta y un años, Hopper recibió más reconocimiento por su trabajo. Continuó albergando amargura por su carrera, y luego rechazó apariciones y premios. [43] Con su estabilidad financiera asegurada por ventas constantes, Hopper viviría una vida simple y estable y continuaría creando arte con su estilo personal durante cuatro décadas más.
Su Two on the Aisle (1927) se vendió por un récord personal de $ 1,500, lo que le permitió a Hopper comprar un automóvil, que usó para hacer excursiones a áreas remotas de Nueva Inglaterra. [46] En 1929, produjo Chop Suey y Railroad Sunset . Al año siguiente, el mecenas de arte Stephen Clark donó House by the Railroad (1925) al Museo de Arte Moderno , la primera pintura al óleo que adquirió para su colección. [47] Hopper pintó su último autorretrato al óleo alrededor de 1930. Aunque Josephine posó para muchas de sus pinturas, solo participó en un retrato formal al óleo de su marido, Jo Painting (1936). [48]
A Hopper le fue mejor que a muchos otros artistas durante la Gran Depresión . Su estatura tomó un fuerte aumento en 1931 cuando los principales museos, incluidos el Whitney Museum of American Art y el Metropolitan Museum of Art , pagaron miles de dólares por sus obras. Vendió 30 pinturas ese año, incluidas 13 acuarelas. [46] Al año siguiente participó en el primer Whitney Annual , y continuó exponiendo en todos los anuales en el museo durante el resto de su vida. [46] En 1933, el Museo de Arte Moderno le dio a Hopper su primera retrospectiva a gran escala. [49]
En 1930, los Hoppers alquilaron una cabaña en South Truro, en Cape Cod. Regresaron todos los veranos por el resto de sus vidas, construyendo una casa de verano allí en 1934. [50] Desde allí, realizaban viajes en automóvil a otras áreas cuando Hopper necesitaba buscar material nuevo para pintar. En los veranos de 1937 y 1938, la pareja pasó largas estancias en Wagon Wheels Farm en South Royalton, Vermont , donde Hopper pintó una serie de acuarelas a lo largo del río White. Estas escenas son atípicas entre las obras maduras de Hopper, ya que la mayoría son paisajes "puros", desprovistos de arquitectura o figuras humanas. First Branch of the White River (1938), ahora en el Museo de Bellas Artes de Boston, es el más conocido de los paisajes de Hopper en Vermont. [51]
Hopper fue muy productivo durante la década de 1930 y principios de la de 1940, produciendo entre muchas obras importantes New York Movie (1939), Girlie Show (1941), Nighthawks (1942), Hotel Lobby (1943) y Morning in a City (1944). Sin embargo, a fines de la década de 1940, sufrió un período de relativa inactividad. Admitió: "Ojalá pudiera pintar más. Me canso de leer e ir al cine". [52] Durante las siguientes dos décadas, su salud se deterioró y tuvo varias cirugías de próstata y otros problemas médicos. [52] Pero, en la década de 1950 y principios de la de 1960, creó varias obras importantes más, entre ellas First Row Orchestra (1951); así como Morning Sun y Hotel by a Railroad , ambos en 1952; e intermedio en 1963. [53]
Muerte
Hopper murió de causas naturales en su estudio cerca de Washington Square en la ciudad de Nueva York el 15 de mayo de 1967. Fue enterrado dos días después en la parcela familiar en el cementerio de Oak Hill en Nyack, Nueva York , su lugar de nacimiento. [54] Su esposa murió diez meses después y está enterrada con él.
Su esposa legó su colección conjunta de más de tres mil obras al Museo Whitney de Arte Americano . [55] Otras pinturas importantes de Hopper se encuentran en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Centro de Arte de Des Moines y el Instituto de Arte de Chicago .
Arte
Personalidad y visión
Siempre reacio a hablar de sí mismo y de su arte, Hopper simplemente dijo: "Toda la respuesta está en el lienzo". [49] Hopper era estoico y fatalista: un hombre tranquilo e introvertido con un suave sentido del humor y una actitud franca. Hopper fue alguien atraído por un simbolismo emblemático, antinarrativo , [56] que "pintó breves momentos aislados de configuración, saturados de sugerencia". [57] Sus espacios silenciosos y encuentros incómodos "nos tocan donde somos más vulnerables", [58] y tienen "una sugerencia de melancolía, esa melancolía que se representa". [59] Su sentido del color lo reveló como un pintor puro [60] cuando "convirtió al puritano en purista, en sus lienzos tranquilos donde se equilibran las imperfecciones y las bendiciones". [61] Según el crítico Lloyd Goodrich , era "un pintor eminentemente nativo, que más que ningún otro estaba incorporando más de la calidad de Estados Unidos a sus lienzos". [62] [63]
Conservador en política y asuntos sociales (Hopper afirmó, por ejemplo, que "la vida de los artistas debería ser escrita por personas muy cercanas a ellos"), [64] aceptó las cosas como eran y mostró una falta de idealismo. Culto y sofisticado, era culto y muchas de sus pinturas muestran figuras leyendo. [65] En general, era una buena compañía y no le molestaban los silencios, aunque a veces era taciturno, gruñón o distante. Siempre se tomaba en serio su arte y el arte de los demás, y cuando se le preguntaba respondía opiniones francas. [66]
La declaración más sistemática de Hopper de su filosofía como artista se dio en una nota manuscrita, titulada "Declaración", enviada en 1953 a la revista Reality :
El gran arte es la expresión exterior de una vida interior en el artista, y esta vida interior resultará en su visión personal del mundo. Ninguna cantidad de invención hábil puede reemplazar el elemento esencial de la imaginación. Una de las debilidades de gran parte de la pintura abstracta es el intento de sustituir las invenciones del intelecto humano por una concepción imaginativa privada.
La vida interior de un ser humano es un reino vasto y variado y no se preocupa solo por estimulantes arreglos de color, forma y diseño.
El término vida utilizado en el arte es algo que no debe despreciarse, ya que implica toda la existencia y la provincia del arte es reaccionar ante ella y no rehuirla.
La pintura tendrá que ocuparse de manera más completa y menos indirecta de la vida y los fenómenos de la naturaleza antes de que pueda volver a ser grandiosa. [67]
Aunque Hopper afirmó que no incorporó conscientemente un significado psicológico en sus pinturas, estaba profundamente interesado en Freud y el poder de la mente subconsciente. Escribió en 1939: "Gran parte de cada arte es una expresión del subconsciente que me parece que la mayoría de las cualidades importantes se ponen allí inconscientemente, y poca importancia para el intelecto consciente". [68]
Métodos
Aunque es mejor conocido por sus pinturas al óleo , Hopper inicialmente logró el reconocimiento por sus acuarelas y también produjo algunos grabados de éxito comercial. Además, sus cuadernos contienen bocetos a lápiz y bolígrafo de alta calidad, que nunca fueron pensados para el público.
Hopper prestó especial atención al diseño geométrico y la cuidadosa colocación de figuras humanas en el equilibrio adecuado con su entorno. Fue un artista lento y metódico; como él escribió: "Se necesita mucho tiempo para que surja una idea. Luego tengo que pensar en ello durante mucho tiempo. No empiezo a pintar hasta que lo tengo todo resuelto en mi mente. Estoy bien cuando llegue al caballete ". [69] A menudo hacía bocetos preparatorios para elaborar sus composiciones cuidadosamente calculadas. Él y su esposa mantuvieron un libro de contabilidad detallado de sus obras, señalando elementos tales como "rostro triste de mujer apagada", "luz eléctrica del techo" y "enfriador de muslos". [70]
Para New York Movie (1939), Hopper demuestra su minuciosa preparación con más de 53 bocetos del interior del teatro y la figura de la acomodadora pensativa. [71]
El uso efectivo de la luz y la sombra para crear un estado de ánimo también es fundamental para los métodos de Hopper. La luz del sol brillante (como un emblema de percepción o revelación), y las sombras que proyecta, también juegan papeles simbólicamente poderosos en pinturas de Hopper como Early Sunday Morning (1930), Summertime (1943), Seven AM (1948) y Sun in an Habitación vacía (1963). Su uso de efectos de luces y sombras se ha comparado con la cinematografía del cine negro . [72]
Aunque era un pintor realista, el realismo "suave" de Hopper simplificaba las formas y los detalles. Usó colores saturados para realzar el contraste y crear ambiente.
Asignaturas y temas
Hopper derivó su tema de dos fuentes principales: una, las características comunes de la vida estadounidense (gasolineras, moteles, restaurantes, teatros, ferrocarriles y escenas callejeras) y sus habitantes; y dos, paisajes marinos y paisajes rurales. En cuanto a su estilo, Hopper se definió a sí mismo como "una amalgama de muchas razas" y no miembro de ninguna escuela, particularmente la " Escuela Ashcan ". [73] Una vez que Hopper logró su estilo maduro, su arte se mantuvo consistente y autónomo, a pesar de las numerosas tendencias artísticas que aparecieron y desaparecieron durante su larga carrera. [73]
Los paisajes marinos de Hopper se dividen en tres grupos principales: paisajes puros de rocas, mar y césped de playa; faros y cortijos; y veleros. A veces combinó estos elementos. La mayoría de estas pinturas representan una luz intensa y un buen tiempo; Mostró poco interés en las escenas de nieve o lluvia, o en los cambios de color estacionales. Pintó la mayoría de los paisajes marinos puros en el período entre 1916 y 1919 en la isla Monhegan . [74] The Long Leg de Hopper (1935) es una imagen de navegación casi completamente azul con los elementos más simples, mientras que Ground Swell (1939) es más complejo y muestra a un grupo de jóvenes a navegar, un tema que recuerda a Winslow El icónico Breezing Up (1876) de Homero . [75]
La arquitectura urbana y los paisajes urbanos también fueron temas importantes para Hopper. Estaba fascinado con la escena urbana estadounidense, "nuestra arquitectura nativa con su espantosa belleza, sus techos fantásticos, pseudo-góticos, mansardas francesas , coloniales, mestizas o lo que no, con colores llamativos o delicadas armonías de pintura descolorida, cargando una otro a lo largo de calles interminables que se reducen a pantanos o vertederos ". [76]
En 1925, produjo House by the Railroad . Esta obra clásica representa una mansión de madera victoriana aislada , parcialmente oscurecida por el terraplén elevado de un ferrocarril. Marcó la madurez artística de Hopper. Lloyd Goodrich elogió la obra como "una de las piezas de realismo más conmovedoras y desoladoras". [77] La obra es la primera de una serie de escenas rurales y urbanas crudas que utiliza líneas nítidas y formas grandes, interpretadas por una iluminación inusual para capturar el estado de ánimo solitario de sus sujetos. Aunque los críticos y los espectadores interpretan el significado y el estado de ánimo de estos paisajes urbanos, Hopper insistió en que "me interesaba más la luz del sol en los edificios y las figuras que cualquier simbolismo". [78] Como para probar el punto, su pintura tardía Sol en una habitación vacía (1963) es un estudio puro de la luz solar. [79]
La mayoría de las pinturas de figuras de Hopper se centran en la interacción sutil de los seres humanos con su entorno, realizadas con figuras individuales, parejas o grupos. Sus principales temas emocionales son la soledad, la soledad, el arrepentimiento, el aburrimiento y la resignación. Expresa las emociones en varios entornos, incluida la oficina, en lugares públicos, en apartamentos, en la carretera o de vacaciones. [80] Como si estuviera creando imágenes fijas para una película o cuadros en una obra de teatro, Hopper posicionó a sus personajes como si fueran capturados justo antes o justo después del clímax de una escena. [81]
Las figuras solitarias de Hopper son en su mayoría mujeres, vestidas, semidesnudas y desnudas, a menudo leyendo o mirando por la ventana o en el lugar de trabajo. A principios de la década de 1920, Hopper pintó sus primeras imágenes de este tipo, Girl at Sewing Machine (1921), New York Interior (otra mujer cosiendo) (1921) y Moonlight Interior (un desnudo metiéndose en la cama) (1923). Automat (1927) y Hotel Room (1931), sin embargo, son más representativos de su estilo maduro, enfatizando más abiertamente la soledad. [82]
Como la erudita de Hopper, Gail Levin, escribió sobre Hotel Room :
Las bandas de color verticales y diagonales libres y las sombras eléctricas nítidas crean un drama conciso e intenso en la noche ... Combinando un tema conmovedor con un arreglo formal tan poderoso, la composición de Hopper es lo suficientemente pura como para acercarse a una sensibilidad casi abstracta, pero con capas de un significado poético para el observador. [83]
Hopper's Room en Nueva York (1932) y Cape Cod Evening (1939) son los mejores ejemplos de sus pinturas de "pareja". En el primero, una pareja joven aparece alienada y poco comunicativa: él lee el periódico mientras ella holgazanea junto al piano. El espectador asume el papel de mirón , como si mirara con un telescopio a través de la ventana del apartamento para espiar la falta de intimidad de la pareja. En este último cuadro, una pareja mayor que tiene poco que decirse, juega con su perro, cuya atención se desvía de sus amos. [84] Hopper lleva el tema de la pareja a un nivel más ambicioso con Excursion into Philosophy (1959). Un hombre de mediana edad se sienta abatido en el borde de una cama. Junto a él se encuentra un libro abierto y una mujer parcialmente vestida. Un rayo de luz ilumina el suelo frente a él. Jo Hopper señaló en su libro de registro, "[E] l libro abierto es Platón , releído demasiado tarde".
Levin interpreta la pintura:
El filósofo de Platón, en busca de lo real y lo verdadero, debe apartarse de este reino transitorio y contemplar las Formas e Ideas eternas. El hombre pensativo del cuadro de Hopper se sitúa entre el atractivo del dominio terrenal, representado por la mujer, y la llamada del dominio espiritual superior, representado por la etérea caída de luz. El dolor de pensar en esta elección y sus consecuencias, después de leer a Platón toda la noche, es evidente. Está paralizado por la ferviente labor interior del melancólico . [85]
En Office at Night (1940), otra pintura de "pareja", Hopper crea un rompecabezas psicológico. La pintura muestra a un hombre concentrado en sus papeles de trabajo, mientras que cerca de su atractiva secretaria saca un archivo. Varios estudios para la pintura muestran cómo Hopper experimentó con el posicionamiento de las dos figuras, quizás para aumentar el erotismo y la tensión. Hopper presenta al espectador la posibilidad de que el hombre no esté realmente interesado en el atractivo de la mujer o que esté trabajando duro para ignorarla. Otro aspecto interesante de la pintura es cómo Hopper emplea tres fuentes de luz, [84] desde una lámpara de escritorio, a través de una ventana y luz indirecta desde arriba. Hopper pasó a hacer varias fotos de "oficina", pero ninguna otra con un trasfondo sensual.
La más conocida de las pinturas de Hopper, Nighthawks (1942), es una de sus pinturas de grupos. Muestra a los clientes sentados en el mostrador de un restaurante que permanece abierto toda la noche . Las formas y diagonales están cuidadosamente construidas. El mirador es cinematográfico, desde la acera, como si el espectador se acercara al restaurante. La fuerte luz eléctrica del comensal lo distingue de la noche oscura afuera, realzando el estado de ánimo y la emoción sutil. [86] Como en muchas pinturas de Hopper, la interacción es mínima. El restaurante representado se inspiró en uno de Greenwich Village. Tanto Hopper como su esposa posaron para las figuras, y Jo Hopper le dio el título a la pintura. La inspiración para la imagen puede haber venido del cuento " The Killers " de Ernest Hemingway , que Hopper admiraba mucho, [87] o del más filosófico " Un lugar limpio y bien iluminado ". [88] El estado de ánimo de la pintura a veces se ha interpretado como una expresión de ansiedad durante la guerra. [89] De acuerdo con el título de su pintura, Hopper dijo más tarde, Nighthawks tiene más que ver con la posibilidad de depredadores en la noche que con la soledad. [90]
Su segunda pintura más reconocible después de Nighthawks es otra pintura urbana, Early Sunday Morning (originalmente llamada Seventh Avenue Shops ), que muestra una escena de una calle vacía con una luz lateral nítida, con una boca de incendios y un poste de barbero como sustitutos de figuras humanas. Originalmente, Hopper tenía la intención de colocar figuras en las ventanas de arriba, pero las dejaba vacías para aumentar la sensación de desolación. [91]
Las escenas rurales de Nueva Inglaterra de Hopper , como Gas (1940), no son menos significativas. El gas representa "un refugio diferente, igualmente limpio y bien iluminado ... que [pt] está abierto para los necesitados mientras navegan por la noche, viajando sus propias millas antes de dormir". [92] La obra presenta una fusión de varios temas de Hopper: la figura solitaria, la melancolía del crepúsculo y el camino solitario. [93]
Hopper se acerca al surrealismo con Rooms by the Sea (1951), donde una puerta abierta da una vista del océano, sin una escalera o escalones aparentes y sin indicación de una playa. [94]
Después de sus años de estudiante, los desnudos de Hopper eran todos de mujeres. A diferencia de los artistas del pasado que pintaron el desnudo femenino para glorificar la forma femenina y resaltar el erotismo femenino, los desnudos de Hopper son mujeres solitarias que están psicológicamente expuestas. [95] Una audaz excepción es Girlie Show (1941), donde una reina pelirroja del strip-tease camina con confianza por un escenario con el acompañamiento de los músicos en el foso. Girlie Show se inspiró en la visita de Hopper a un espectáculo burlesco unos días antes. La esposa de Hopper, como de costumbre, posó para él para la pintura y anotó en su diario: "Ed comienza un nuevo lienzo, una reina burlesca haciendo un strip tease, y yo posando sin puntadas frente a la estufa, nada más que alto tacones en una pose de baile de lotería ". [96]
Los retratos y autorretratos de Hopper fueron relativamente pocos después de sus años de estudiante. [97] Hopper produjo un "retrato" encargado de una casa, The MacArthurs 'Home (1939), donde detalla fielmente la arquitectura victoriana de la casa de la actriz Helen Hayes . Ella informó más tarde: "Supongo que nunca conocí a un individuo más misántropo y gruñón en mi vida". Hopper refunfuñó durante todo el proyecto y nunca más aceptó un encargo. [98] Hopper también pintó Retrato de Orleans (1950), un "retrato" de la ciudad de Cape Cod desde su calle principal. [99]
Aunque muy interesado en las fotografías del campo de batalla de la Guerra Civil Estadounidense y de Mathew Brady , Hopper hizo solo dos pinturas históricas. Ambos representaron a soldados en su camino a Gettysburg . [100] También raros entre sus temas son las pinturas que muestran acción. El mejor ejemplo de pintura de acción es Bridle Path (1939), pero la lucha de Hopper con la anatomía adecuada de los caballos puede haberlo desanimado de intentos similares. [101]
La última pintura al óleo de Hopper, Two Comedians (1966), pintada un año antes de su muerte, se centra en su amor por el teatro. Dos actores de pantomima franceses , un hombre y una mujer, ambos vestidos con trajes blancos brillantes, hacen una reverencia frente a un escenario a oscuras. Jo Hopper confirmó que su esposo tenía la intención de que las cifras sugirieran que tomaran las últimas reverencias de su vida juntos como marido y mujer. [102]
Los cuadros de Hopper a menudo han sido vistos por otros como teniendo un contenido narrativo o temático que el artista puede no haber tenido la intención. Se puede agregar mucho significado a una pintura por su título, pero los títulos de las pinturas de Hopper a veces fueron elegidos por otros, o fueron seleccionados por Hopper y su esposa de una manera que no está claro si tienen alguna conexión real con el significado del artista. Por ejemplo, Hopper le dijo una vez a un entrevistador que "le gustaba la madrugada del domingo ... pero no era necesariamente domingo. Esa palabra fue agregada más tarde por otra persona". [103]
La tendencia a leer contenido temático o narrativo en las pinturas de Hopper, que Hopper no había pretendido, se extendió incluso a su esposa. Cuando Jo Hopper comentó sobre la figura en Cape Cod Morning: "Es una mujer que mira hacia afuera para ver si el clima es lo suficientemente bueno para pasar su ropa", Hopper replicó: "¿Dije eso? Lo estás convirtiendo en Norman Rockwell. De mi punto de vista ella sólo está mirando por la ventana ". [104] Otro ejemplo del mismo fenómeno se registra en un artículo de 1948 en Time :
Hopper's Summer Evening , una pareja joven que habla a la luz del porche de una cabaña, es ineludiblemente romántica, pero Hopper se sintió herido por la sugerencia de un crítico de que serviría para una ilustración en "cualquier revista de mujeres". Hopper tuvo la pintura en la parte de atrás de su cabeza "durante 20 años y nunca pensé en poner las figuras hasta que comencé el verano pasado. Por qué cualquier director de arte rompería la imagen. Las figuras no eran lo que me interesaba; era la luz fluye hacia abajo y la noche alrededor ". [105]
Lugar en el arte estadounidense
Al centrarse principalmente en los momentos tranquilos, que rara vez muestran acción, Hopper empleó una forma de realismo adoptada por otro destacado realista estadounidense, Andrew Wyeth , pero la técnica de Hopper era completamente diferente del estilo hiperdetallado de Wyeth. [49] En alianza con algunos de sus contemporáneos, Hopper compartió su sensibilidad urbana con John Sloan y George Bellows , pero evitó su acción abierta y violencia. Donde Joseph Stella y Georgia O'Keeffe glamorizaron las estructuras monumentales de la ciudad, Hopper las redujo a la geometría cotidiana y describió el pulso de la ciudad como desolado y peligroso en lugar de "elegante o seductor". [106]
Charles Burchfield , a quien Hopper admiraba y con quien era comparado, dijo de Hopper, "logra una verdad tan completa que puedes leer en sus interpretaciones de las casas y concepciones de la vida de Nueva York cualquier implicación humana que desees". [107] También atribuyó el éxito de Hopper a su "individualismo audaz ... En él hemos recuperado esa sólida independencia estadounidense que Thomas Eakins nos dio, pero que durante un tiempo se perdió". [108] Hopper consideró esto un gran cumplido ya que consideraba a Eakins el mejor pintor estadounidense. [109]
La erudita de Hopper, Deborah Lyons, escribe: "Nuestros propios momentos de revelación a menudo se reflejan, son trascendentes, en su trabajo. Una vez vistas, las interpretaciones de Hopper existen en nuestra conciencia junto con nuestra propia experiencia. Siempre vemos un cierto tipo de casa como una casa de Hopper. , investido quizás con un misterio que Hopper implantó en nuestra propia visión ". Las pinturas de Hopper resaltan las escenas aparentemente mundanas y típicas de nuestra vida cotidiana y les dan motivo de epifanía. De esta manera, el arte de Hopper toma el áspero paisaje estadounidense y las estaciones de servicio solitarias y crea dentro de ellos una hermosa sensación de anticipación. [110]
Aunque comparado con su contemporáneo Norman Rockwell en términos de tema, a Hopper no le gustó la comparación. Hopper se consideraba a sí mismo más sutil, menos ilustrativo y ciertamente no sentimental. Hopper también rechazó las comparaciones con Grant Wood y Thomas Hart Benton al afirmar que "Creo que los pintores estadounidenses de Scene caricaturizaron a Estados Unidos. Yo siempre quise hacerlo yo mismo". [111]
Influencia
La influencia de Hopper en el mundo del arte y la cultura pop es innegable; ver § En cultura popular para numerosos ejemplos. Aunque no tuvo estudiantes formales, muchos artistas lo han citado como una influencia, incluidos Willem de Kooning , Jim Dine y Mark Rothko . [73] Una ilustración de la influencia de Hopper es el primer trabajo de Rothko Composition I (c. 1931), que es una paráfrasis directa del Chop Suey de Hopper . [112]
Las composiciones cinematográficas de Hopper y el uso dramático de la luz y la oscuridad lo han convertido en uno de los favoritos entre los cineastas. Por ejemplo, se informa que House by the Railroad influyó mucho en la casa icónica de la película Psycho de Alfred Hitchcock . [113] La misma pintura también ha sido citada como una influencia en el hogar en la película Days of Heaven de Terrence Malick . La película de 1981 Pennies from Heaven incluye un cuadro vivo de Nighthawks , con los actores principales en los lugares de los comensales. El director alemán Wim Wenders también cita la influencia de Hopper. [73] Su película de 1997 The End of Violence también incorpora un cuadro vivo de Nighthawks , recreado por actores. El célebre director de cine de terror surrealista Dario Argento llegó a recrear al comensal y a los clientes en Nighthawks como parte de un escenario para su película de 1976 Deep Red (también conocida como Profondo Rosso ). Ridley Scott ha citado la misma pintura como inspiración visual para Blade Runner . Para establecer la iluminación de las escenas de la película Road to Perdition de 2002 , el director Sam Mendes se basó en las pinturas de Hopper como fuente de inspiración, particularmente en la película de Nueva York . [114]
Los homenajes a Nighthawks con personajes de dibujos animados o íconos famosos de la cultura pop como James Dean y Marilyn Monroe se encuentran a menudo en tiendas de carteles y tiendas de regalos. El canal de televisión por cable Turner Classic Movies a veces emite clips animados basados en pinturas de Hopper antes de transmitir sus películas. Las influencias musicales incluyen el álbum en vivo en el estudio de 1975 del cantante y compositor Tom Waits titulado Nighthawks at the Diner , después de la pintura. En 1993, Madonna se inspiró lo suficiente en el cuadro Girlie Show de Hopper de 1941 que le dio su nombre a su gira mundial e incorporó muchos de los elementos teatrales y el estado de ánimo de la pintura en el espectáculo. En 2004, el guitarrista británico John Squire (antes de The Stone Roses ) lanzó un álbum conceptual basado en el trabajo de Hopper titulado Marshall's House . Cada canción del álbum está inspirada y comparte su título con una pintura de Hopper. El grupo de rock canadiense The Weakerthans lanzó su álbum Reunion Tour en 2007 con dos canciones inspiradas en pinturas de Hopper y que llevan el nombre de ellas, "Sun in an Empty Room" y "Night Windows", y también han hecho referencia a él en canciones como "Hospital Vespers". . Hopper's Compartment C, Car 293 inspiró al compositor polaco Paweł Szymański 's Compartment 2, Car 7 para violín, viola , violonchelo y vibráfono (2003), así como la canción de Hubert-Félix Thiéfaine Compartiment C Voiture 293 Edward Hopper 1938 (2011) . El trabajo de Hopper ha influido en múltiples grabaciones de la banda británica Orchestral Maneuvers in the Dark . Early Sunday Morning fue la inspiración para la portada de Crush (1985). El sencillo " Night Café " de la misma banda en 2013 fue influenciado por Nighthawks y menciona a Hopper por su nombre. Siete de sus pinturas se mencionan en la letra. [115]
En poesía, numerosos poemas se han inspirado en las pinturas de Hopper, típicamente como descripciones y dramatizaciones vívidas; este género se conoce como ekphrasis . Además de numerosos poemas individuales inspirados en Hopper, varios poetas han escrito colecciones basadas en las pinturas de Hopper. El poeta francés Claude Esteban escribió una colección de poemas en prosa , Soleil dans une pièce vide ( Sol en una habitación vacía , 1991), basada en cuarenta y siete pinturas de Hopper de entre 1921 y 1963, que termina con Sol en una habitación vacía (1963). , de ahí el título. [116] Cada uno de los poemas dramatizaba una pintura de Hopper, imaginando una historia detrás de escena; el libro ganó el premio Prix France Culture en 1991. Ocho de los poemas: Ground Swell , Girl at Sewing Machine , Compartment C, Car 293 , Nighthawks , South Carolina Morning , House by the Railroad , People in the Sun y Roofs of Washington Square - posteriormente fueron musicalizados por la compositora Graciane Finzi , y grabados con la lectura de la cantante Natalie Dessay en su álbum Portraits of America (2016), donde se complementaron seleccionando diez pinturas adicionales de Hopper y canciones del cancionero estadounidense para llevar. con ellos. [117] Del mismo modo, el poeta español Ernest Farrés escribió una colección de cincuenta y un poemas en catalán , bajo el nombre de Edward Hopper (2006, traducción al inglés 2010 de Lawrence Venuti), y James Hoggard escribió Triangles of Light: The Edward Hopper Poems ( Prensa de alas, 2009). Se organizó una colección de varios poetas en The Poetry of Solitude: A Tribute to Edward Hopper 1995 (editora Gail Levin ). Los poemas individuales incluyen Byron Vazakas (1957) y John Stone (1985) inspirados en Early Sunday Morning , y Mary Leader inspirada en Girl at Sewing Machine .
Exposiciones
En 1980, la muestra Edward Hopper: The Art and the Artist se inauguró en el Whitney Museum of American Art y visitó Londres, Düsseldorf y Amsterdam, así como San Francisco y Chicago. Por primera vez, esta muestra presentó las pinturas al óleo de Hopper junto con los estudios preparatorios para esas obras. Este fue el comienzo de la popularidad de Hopper en Europa y su gran reputación mundial. [ cita requerida ]
En 2004, una gran selección de pinturas de Hopper realizó una gira por Europa, visitando el Museo Ludwig en Colonia , Alemania, y la Tate Modern en Londres. La exposición Tate se convirtió en la segunda más popular en la historia de la galería, con 420.000 visitantes en los tres meses que estuvo abierta.
En 2007, una exposición se centró en el período de los mayores logros de Hopper, desde aproximadamente 1925 hasta mediados de siglo, y se presentó en el Museo de Bellas Artes de Boston . La exhibición constaba de cincuenta óleos, treinta acuarelas y doce grabados, incluidos los favoritos Nighthawks , Chop Suey y Lighthouse and Buildings . La exposición fue organizada por el Museo de Bellas Artes de Boston, la Galería Nacional de Arte de Washington y el Instituto de Arte de Chicago y patrocinada por la consultora de gestión global Booz Allen Hamilton .
En 2010, el museo Fondation de l'Hermitage en Lausanne, Suiza, realizó una exposición que cubrió toda la carrera de Hopper, con obras extraídas en gran parte del Museo Whitney en la ciudad de Nueva York. Incluyó pinturas, acuarelas, aguafuertes, caricaturas, carteles, así como algunos de los estudios preparatorios para pinturas seleccionadas. La exposición se había visto anteriormente en Milán y Roma. En 2011, el Museo Whitney de Arte Americano celebró una exposición llamada Edward Hopper and His Times .
En 2012, se inauguró una exposición en el Grand Palais de París que buscaba arrojar luz sobre la complejidad de sus obras maestras, lo que es un indicio de la riqueza de la obra de Hopper. Se dividió cronológicamente en dos partes principales: la primera sección cubría los años de formación de Hopper (1900-1924), comparando su trabajo con el de sus contemporáneos y el arte que vio en París, que pudo haberlo influenciado. La segunda sección examinó el arte de su madurez, desde las primeras pinturas emblemáticas de su estilo personal, como La casa del ferrocarril (1924), hasta sus últimas obras.
En 2020, la Fondation Beyeler celebró una exposición que mostraba el arte de Hopper. La exposición se centró en las "representaciones icónicas de Hopper de la infinita extensión de paisajes urbanos y paisajísticos estadounidenses". [118] Este aspecto rara vez se ha mencionado en exposiciones, sin embargo, es un ingrediente clave para comprender el trabajo de Hopper.
Mercado del arte
Las obras de Hopper rara vez aparecen en el mercado. El artista no fue prolífico, pintó solo 366 lienzos; durante la década de 1950, cuando tenía más de 70 años, producía aproximadamente cinco pinturas al año. El comerciante de toda la vida de Hopper, Frank Rehn, quien le dio al artista su primera exposición individual en 1924, vendió Hotel Window (1956) a la coleccionista Olga Knoepke por $ 7,000 (equivalente a $ 63,722 en 2019) en 1957. En 1999, la Colección Forbes se la vendió al actor. Steve Martin en privado por alrededor de $ 10 millones. [119] En 2006, Martin lo vendió por $ 26,89 millones en Sotheby's New York, un récord de subasta para el artista. [120]
En 2013, la Academia de Bellas Artes de Pensilvania puso a la venta East Wind Over Weehawken (1934) de Hopper , con la esperanza de obtener los $ 22- $ 28 millones con los que se valora la pintura, [121] con el fin de establecer un fondo para adquirir "arte contemporáneo "Eso se agradecería en valor. [122] Es una escena callejera en tonos tierra oscuros que representa la casa a dos aguas en 1001 Boulevard East en la esquina de 49th Street en Weehawken, Nueva Jersey , y se considera una de las mejores obras de Hopper. [123] Fue adquirido directamente del marchante que manejaba las pinturas del artista en 1952, quince años antes de la muerte del pintor, a un precio muy bajo. La pintura se vendió por un récord de $ 36 millones en Christie's en Nueva York, [122] a un postor telefónico anónimo.
En 2018, después de la muerte del coleccionista de arte Barney A. Ebsworth y la posterior subasta de muchas de las piezas de su colección, Chop Suey (1929) se vendió por 92 millones de dólares, convirtiéndose en la obra de Hopper más cara jamás comprada en una subasta. [124] [125]
En la cultura popular
Además de su influencia (ver § Influencia ), Hopper es frecuentemente mencionado en la cultura popular.
En 1981, Hopper's Silence , un documental de Brian O'Doherty producido por el Whitney Museum of American Art , se mostró en el Festival de Cine de Nueva York en Alice Tully Hall . [126]
El director austriaco Gustav Deutsch creó la película de 2013 Shirley - Visions of Reality basada en 13 pinturas de Edward Hopper. [127] [128]
Otras obras basadas o inspiradas en las pinturas de Hopper incluyen el álbum Nighthawks at the Diner de Tom Waits de 1975 y una serie de fotografías de 2012 de Gail Albert Halaban . [128] [129]
En el libro (1985, 1998) y la exposición itinerante llamada Hopper's Places , Gail Levin localizó y fotografió los sitios de muchas de las pinturas de Hopper. En su reseña de 1985 de un programa relacionado organizado por Levin, Vivien Raynor escribió en el New York Times : "Las deducciones de la señorita Levin son invariablemente esclarecedoras, como cuando infiere que la tendencia de Hopper a alargar las estructuras era un reflejo de su propia gran altura". [130]
El álbum Crush de 1985 de Orchestral Maneuvers in the Dark de la banda new wave presenta ilustraciones inspiradas en varias pinturas de Hopper, incluyendo Early Sunday Morning , Nighthawks y Room en Nueva York . [131] El sencillo de la banda de 2013 "Night Cafe" fue influenciado por Nighthawks y menciona a Hopper por su nombre. Siete de sus pinturas se mencionan en la letra. [115]
La Ópera de Nueva York organizó el estreno en la costa este de "Hopper's Wife" de Stewart Wallace , una ópera de cámara de 1997 sobre un matrimonio imaginario entre Edward Hopper y la columnista de chismes Hedda Hopper , en Harlem Stage en 2016. [132]
La novelista irlandesa Christine Dwyer Hickey publicó una novela, The Narrow Land , en 2019 en la que Edward y Jo Hopper eran los personajes centrales. [133]
Paul Weller incluyó una canción llamada 'Hopper' en su álbum de 2017 A Kind Revolution .
Trabajos seleccionados
Título | Medio | Fecha | Colección | Dimensiones | Imagen |
---|---|---|---|---|---|
Chica en máquina de coser | óleo sobre lienzo | 1921 | Museo Thyssen-Bornemisza | 48 cm × 46 cm (19 pulg. × 18 pulg.) | |
Interior de Nueva York | óleo sobre lienzo | 1921 | Museo Whitney de Arte Americano | 62 × 75 cm (24 × 29 pulgadas) | |
Aparato mecánico | óleo sobre lienzo | 1927 | Centro de arte de Des Moines | 71,4 cm × 91,4 cm (28 pulg. × 36 pulg.) | |
Chop Suey | óleo sobre lienzo | 1929 | Colección Barney A. Ebsworth | 81,3 cm × 96,5 cm (32 pulgadas × 38 pulgadas) | |
Temprano en la mañana del domingo | óleo sobre lienzo | 1930 | Museo Whitney de Arte Americano | 89,4 cm × 153 cm (35,2 pulgadas × 60,3 pulgadas) | [1] |
Puente de la presa de Macomb | óleo sobre lienzo | 1935 | Museo de Brooklyn , Nueva York | 90 cm × 153 cm (35 pulgadas X 60 pulgadas) | [2] |
Oficina de noche | óleo sobre lienzo | 1940 | Walker Art Center (Minneapolis) | 56,356 cm × 63,82 cm (22,1875 pulgadas × 25,125 pulgadas) | [3] |
Nighthawks | óleo sobre lienzo | 1942 | Instituto de Arte de Chicago | 84,1 cm × 152,4 cm (33 1⁄8 pulgadas × 60 pulgadas) | |
Recibidor del Hotel | óleo sobre lienzo | 1943 | Museo de Arte de Indianápolis | 81,9 cm × 103,5 cm (32 1⁄4 pulgadas × 40 3⁄4 pulgadas) | |
Oficina en una ciudad pequeña | óleo sobre lienzo | 1953 | Museo Metropolitano de Arte | 71 cm × 102 cm (28 pulg. × 40 pulg.) |
Notas
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enlaces externos
- Edward Hopper en la Galería Nacional de Arte, Washington
- Un álbum de recortes de Edward Hopper compilado por el personal del Smithsonian
- Entrevista de historia oral con Edward Hopper, 17 de junio de 1959 del Smithsonian Archives of American Art
- Lista exhaustiva de obras de Hopper (en alemán)
- Galería de pinturas de Edward Hopper
- Archivos del Smithsonian de Arte Americano: carta de Edward Hopper a Agnes Albert (1955)
- "Edward Hopper en Gloucester, MA" : más de 100 pinturas, dibujos y grabados, con imágenes de antes y ahora .
- explorar Google Maps: ubicaciones de los sitios de "Edward Hopper en todo Gloucester"
- Gloucester MA HarborWalk Edward Hopper Story Moment, con enlaces adicionales, una parada a lo largo de la pasarela de acceso público gratuito.
- Biblioklept.org: Notas sobre la pintura 1933
- Sitio web de Edward Hopper House Art Center : centro de arte sin fines de lucro para exhibiciones de arte contemporáneo en el lugar de nacimiento / hogar de la infancia en Nyack