Un instrumento musical electrónico o electrófono es un instrumento musical que produce sonido mediante circuitos electrónicos . Un instrumento de este tipo suena emitiendo una señal de audio eléctrica, electrónica o digital que finalmente se conecta a un amplificador de potencia que impulsa un altavoz , creando el sonido que escuchan el intérprete y el oyente.
Un instrumento electrónico puede incluir una interfaz de usuario para controlar su sonido, a menudo ajustando el tono , la frecuencia o la duración de cada nota . Una interfaz de usuario común es el teclado musical , que funciona de manera similar al teclado de un piano acústico , excepto que con un teclado electrónico, el teclado en sí no emite ningún sonido. Un teclado electrónico envía una señal a un módulo de sintetizador , computadora u otro generador de sonido electrónico o digital, que luego crea un sonido. Sin embargo, es cada vez más común separar la interfaz de usuario y las funciones de generación de sonido en un controlador de música (dispositivo de entrada ) y un sintetizador de música , respectivamente, con los dos dispositivos comunicándose a través de un lenguaje de descripción de interpretación musical como MIDI o Open Sound Control .
Todos los instrumentos musicales electrónicos pueden verse como un subconjunto de aplicaciones de procesamiento de señales de audio . Los instrumentos musicales electrónicos simples a veces se denominan efectos de sonido ; la frontera entre los efectos de sonido y los instrumentos musicales reales a menudo no está clara.
En el siglo XXI, los instrumentos musicales electrónicos se utilizan ampliamente en la mayoría de los estilos musicales. En los estilos musicales populares, como la música electrónica de baile , casi todos los sonidos de instrumentos utilizados en las grabaciones son instrumentos electrónicos (por ejemplo, sintetizador de bajo , sintetizador , caja de ritmos ). El desarrollo de nuevos instrumentos musicales electrónicos, controladores y sintetizadores sigue siendo un campo de investigación muy activo e interdisciplinario. Conferencias especializadas, en particular la Conferencia Internacional sobre Nuevas Interfaces para la Expresión Musical, se han organizado para informar sobre el trabajo de vanguardia, así como para proporcionar un escaparate para los artistas que interpretan o crean música con nuevos instrumentos de música electrónica, controladores y sintetizadores.
Clasificación [ editar ]
En musicología, los instrumentos musicales electrónicos se conocen como electrófonos. Los electrófonos son la quinta categoría de instrumentos musicales bajo el sistema Hornbostel-Sachs . Los musicólogos generalmente solo clasifican la música como electrófonos si el sonido se produce inicialmente con electricidad, excluyendo los instrumentos acústicos controlados electrónicamente, como los órganos de tubos y los instrumentos amplificados , como las guitarras eléctricas .
La categoría fue agregada al sistema de clasificación de instrumentos musicales Hornbostel-Sachs por Sachs en 1940, en su libro de 1940 La historia de los instrumentos musicales ; [1] la versión original de 1914 del sistema no lo incluía. Sachs dividió los electrófonos en tres subcategorías:
- 51 = instrumentos acústicos accionados eléctricamente (p. Ej., Órgano de tubos con seguimiento electrónico )
- 52 = instrumentos acústicos amplificados eléctricamente (p. Ej., Guitarra acústica con pastilla )
- 53 = instrumentos que emiten sonido principalmente por medio de osciladores accionados eléctricamente
La última categoría incluía instrumentos como theremins o sintetizadores , a los que llamó instrumentos radioeléctricos .
Francis William Galpin proporcionó un grupo de este tipo en su propio sistema de clasificación, que está más cerca de Mahillon que de Sachs-Hornbostel. Por ejemplo, en el libro de Galpin de 1937 A Textbook of European Musical Instruments , enumera los electrófonos con tres divisiones de segundo nivel para la generación de sonido ("por oscilación", "electromagnético" y "electrostático"), así como una tercera -Categorías de nivel y cuarto nivel basadas en el método de control. [2]
Los etnomusicólogos actuales , como Margaret Kartomi [3] y Terry Ellingson, [4] sugieren que, de acuerdo con el espíritu del esquema de clasificación original de Hornbostel Sachs, si uno categoriza los instrumentos por lo que primero produce el sonido inicial en el instrumento, que solo la subcategoría 53 debe permanecer en la categoría de electrófonos. Así, se ha propuesto más recientemente, por ejemplo, que el órgano de tubos (incluso si utiliza la acción de una tecla eléctrica para controlar las válvulas solenoides ) permanezca en la categoría de aerófonos , y que la guitarra eléctrica permanezca en la categoría de cordófonos , etc.
Así, en la etnomusicología actual, se considera que un electrófono son solo instrumentos musicales que producen sonido principalmente por medios eléctricos . Por lo general, se considera que constituye una de las cinco categorías principales en el esquema de clasificación de instrumentos musicales de Hornbostel-Sachs , a pesar de no estar en el esquema original publicado en 1914.
Ejemplos tempranos [ editar ]
En el siglo XVIII, los músicos y compositores adaptaron varios instrumentos acústicos para aprovechar la novedad de la electricidad. Así, en el sentido más amplio, el primer instrumento musical electrificado fue el teclado Denis d'or , que data de 1753, seguido en breve por el clavecin électrique del francés Jean-Baptiste de Laborde en 1761. El Denis d'or consistía en un teclado instrumento de más de 700 cuerdas, electrificado temporalmente para mejorar las cualidades sonoras. La clavecin électrique era un instrumento de teclado con plectra (púas) activadas eléctricamente. Sin embargo, ninguno de los instrumentos utilizó electricidad como fuente de sonido.
El primer sintetizador eléctrico fue inventado en 1876 por Elisha Gray . [5] [6] El "Musical Telegraph" fue un subproducto casual de su tecnología telefónica cuando Gray descubrió accidentalmente que podía controlar el sonido de un circuito electromagnético auto-vibrante y así inventó un oscilador básico . El Musical Telegraph usaba lengüetas de acero osciladas por electroimanes y transmitidas a través de una línea telefónica. Gray también construyó un dispositivo de altavoz simple en modelos posteriores, que consistía en un diafragma que vibraba en un campo magnético.
Un invento significativo, que luego tuvo un profundo efecto en la música electrónica, fue el audion en 1906. Esta fue la primera válvula termoiónica o tubo de vacío y que condujo a la generación y amplificación de señales eléctricas, radiodifusión y computación electrónica, entre otros. otras cosas. Otros sintetizadores tempranos incluyen la Telharmonium (1897), el Theremin (1919), de Jörg Mager electrofón (1924) y Partiturophone, similar de Taubmann Electronde (1933), Maurice Martenot 's ondas Martenot ( "ondas Martenot", 1928), de Trautwein Trautonium(1930). El Mellertion (1933) usó una escala no estándar, el Dynaphone de Bertrand podía producir octavas y quintas perfectas, mientras que el Emicon era un instrumento estadounidense controlado por teclado construido en 1930 y el Hellertion alemán combinó cuatro instrumentos para producir acordes. También aparecieron tres instrumentos rusos, Croix Sonore de Oubouhof (1934), el microtonal 'Electronic Keyboard Oboe' de Ivor Darreg (1937) y el sintetizador ANS , construido por el científico ruso Evgeny Murzin de 1937 a 1958. Solo dos modelos de este último fueron construido y el único ejemplo sobreviviente se almacena actualmente en la Universidad Lomonosov en Moscú . Se ha utilizado en muchas películas rusas, comoSolaris: para producir sonidos "cósmicos" inusuales. [7] [8]
Hugh Le Caine , John Hanert, Raymond Scott , el compositor Percy Grainger (con Burnett Cross) y otros construyeron una variedad de controladores automatizados de música electrónica a finales de los años cuarenta y cincuenta. En 1959 Daphne Oram produjo un nuevo método de síntesis, su técnica " Oramics ", impulsada por dibujos en una tira de película de 35 mm; se utilizó durante varios años en el Taller Radiofónico de la BBC . [9] Este taller también fue responsable del tema de la serie de televisión Doctor Who, una pieza, en gran parte creada por Delia Derbyshire , que más que ningún otro aseguró la popularidad de la música electrónica en el Reino Unido.
Telharmonium [ editar ]
de Thaddeus Cahill 1897
En 1897 Thaddeus Cahill patentó un instrumento llamado Telharmonium (o Teleharmonium, también conocido como Dynamaphone). Utilizando ruedas tonales para generar sonidos musicales como señales eléctricas mediante síntesis aditiva , fue capaz de producir cualquier combinación de notas y armónicos, en cualquier nivel dinámico. Esta tecnología se utilizó más tarde para diseñar el órgano Hammond . Entre 1901 y 1910, Cahill hizo tres versiones progresivamente más grandes y complejas, la primera con un peso de siete toneladas y la última con más de 200 toneladas. La portabilidad se gestionó únicamente por ferrocarril y con el uso de treinta furgones. En 1912, el interés público había decaído y la empresa de Cahill estaba en quiebra. [10]
Theremin [ editar ]
Otro acontecimiento, que despertó el interés de muchos compositores, ocurrió en 1919-1920. En Leningrado, Leon Theremin (en realidad Lev Termen ) construyó y demostró su Etherophone, que luego fue rebautizado como Theremin . Esto dio lugar a las primeras composiciones para instrumentos electrónicos, en contraposición a los matracas y las máquinas reutilizadas. El Theremin se destacó por ser el primer instrumento musical que se toca sin tocarlo. En 1929, Joseph Schillinger compuso First Airphonic Suite para Theremin y Orchestra , estrenada con la Orquesta de Cleveland con Leon Theremin como solista. El próximo año Henry Cowellencargó a Theremin que creara la primera máquina de ritmo electrónica, llamada Rhythmicon . Cowell escribió algunas composiciones para él, y él y Schillinger lo estrenaron en 1932.
Ondes Martenot [ editar ]
modelo de séptima generación)
La década de 1920 ha sido llamada la cúspide de la Era Mecánica y el amanecer de la Era Eléctrica. En 1922, en París, Darius Milhaud comenzó a experimentar con la "transformación vocal mediante el cambio de velocidad del fonógrafo". [11] Estos continuaron hasta 1927. Esta década trajo una gran cantidad de instrumentos electrónicos tempranos; junto con el Theremin, está la presentación de Ondes Martenot , que fue diseñada para reproducir los sonidos microtonales que se encuentran en la música hindú, y el Trautonium . Maurice Martenot inventó las Ondes Martenot en 1928 y pronto lo demostró en París. Los compositores que utilizan el instrumento en última instancia incluyen a Boulez , Honegger , Jolivet , Koechlin, Messiaen , Milhaud , Tremblay y Varèse . El guitarrista y multiinstrumentista de Radiohead Jonny Greenwood también lo usa en sus composiciones y en una gran cantidad de canciones de Radiohead. En 1937, Messiaen escribió Fête des belles eaux para 6 ondes Martenot, y escribió partes individuales para ella en Trois petites Liturgies de la Présence Divine (1943–44) y Turangalîla-Symphonie (1946–48 / 90).
Trautonio [ editar ]
El Trautonium se inventó en 1928. Se basaba en la escala subarmónica , y los sonidos resultantes se usaban a menudo para emular los sonidos de campanas o gong, como en las producciones de Bayreuth de Parsifal en la década de 1950 . En 1942, Richard Strauss lo usó para la parte de campana y gong en el estreno en Dresde de su Festival de Música Japonesa . Esta nueva clase de instrumentos, microtonales por naturaleza, fue adoptada lentamente por los compositores al principio, pero a principios de la década de 1930 hubo una explosión de nuevas obras que incorporaron estos y otros instrumentos electrónicos.
Órgano Hammond y Novachord [ editar ]
En 1929 Laurens Hammond estableció su empresa para la fabricación de instrumentos electrónicos. Continuó produciendo el órgano Hammond , que se basó en los principios del Telharmonium , junto con otros desarrollos, incluidas las primeras unidades de reverberación. [12] El órgano Hammond es un instrumento electromecánico, ya que utiliza tanto elementos mecánicos como componentes electrónicos. Un órgano Hammond utiliza ruedas tonales de metal giratorias para producir diferentes sonidos. Una pastilla magnética de diseño similar a las pastillas de una guitarra eléctrica se utiliza para transmitir los tonos de las ruedas de tono a un amplificador y caja de altavoz. Si bien el órgano Hammond fue diseñado para ser una alternativa de menor costo a unórgano de tubos para música de iglesia, los músicos pronto descubrieron que el Hammond era un excelente instrumento para blues y jazz ; de hecho, todo un género de música se desarrolló alrededor de este instrumento, conocido como trío de órgano (típicamente órgano Hammond, batería y un tercer instrumento, ya sea saxofón o guitarra).
El primer sintetizador fabricado comercialmente fue el Novachord , construido por Hammond Organ Company de 1938 a 1942, que ofrecía polifonía de 72 notas utilizando 12 osciladores que manejaban circuitos de división descendente basados en monoestable , control de envolvente básico y filtros de paso bajo resonantes . El instrumento contaba con 163 tubos de vacío y pesaba 500 libras. El uso del control de envolvente por parte del instrumento es significativo, ya que esta es quizás la distinción más significativa entre el sintetizador moderno y otros instrumentos electrónicos.
Síntesis analógica 1950-1980 [ editar ]
Los instrumentos electrónicos más utilizados son los sintetizadores , llamados así porque generan sonido artificialmente utilizando una variedad de técnicas. Todas las primeras síntesis basadas en circuitos implicaban el uso de circuitos analógicos, en particular amplificadores, osciladores y filtros controlados por voltaje. Un desarrollo tecnológico importante fue la invención del sintetizador Clavivox en 1956 por Raymond Scott con subconjunto de Robert Moog . El compositor e ingeniero francés Edgard Varèse creó una variedad de composiciones utilizando cuernos electrónicos , silbidos y cintas. En particular, escribió Poème électroniquepara el pabellón Phillips en la Feria Mundial de Bruselas en 1958.
Sintetizadores modulares [ editar ]
RCA produjo dispositivos experimentales para sintetizar voz y música en la década de 1950. El sintetizador musical Mark II , ubicado en el Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton en la ciudad de Nueva York . Diseñado por Herbert Belar y Harry Olson en RCA, con contribuciones de Vladimir Ussachevsky y Peter Mauzey , fue instalado en la Universidad de Columbia en 1957. Consiste en un conjunto de componentes de síntesis de sonido interconectados del tamaño de una habitación, solo era capaz de producir música mediante programación , [6] utilizando un secuenciador de cinta de papel perforado con orificios para controlar las fuentes de tono y los filtros, similar a un piano reproductor mecánicopero capaz de generar una amplia variedad de sonidos. El sistema de tubos de vacío tuvo que parchearse para crear timbres.
En la década de 1960, los sintetizadores todavía estaban confinados a los estudios debido a su tamaño. Por lo general, tenían un diseño modular, sus fuentes de señal independientes y procesadores conectados con cables de conexión o por otros medios y controlados por un dispositivo de control común. Harald Bode , Don Buchla , Hugh Le Caine , Raymond Scott y Paul Ketoff fueron de los primeros en construir tales instrumentos, a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960. Más tarde, Buchla produjo un sintetizador modular comercial, el Buchla Music Easel . [13] Robert Moog , que había sido alumno de Peter Mauzeyy uno de los ingenieros de RCA Mark II, crearon un sintetizador que los músicos podían utilizar razonablemente, diseñando los circuitos mientras estaba en Columbia-Princeton. El sintetizador Moog se exhibió por primera vez en la convención de la Audio Engineering Society en 1964. [14] Se requería experiencia para configurar los sonidos, pero era más pequeño e intuitivo que lo que había venido antes, menos como una máquina y más como un instrumento musical. Moog estableció estándares para la interfaz de control, utilizando un logarítmico de 1 voltio por octava para el control de tono y una señal de activación separada. Esta estandarización permitió que sintetizadores de diferentes fabricantes funcionaran simultáneamente. El control de tono generalmente se realizaba con un teclado estilo órgano o un secuenciador de música.produciendo una serie cronometrada de voltajes de control. A finales de la década de 1960, cientos de grabaciones populares utilizaron sintetizadores Moog. Otros fabricantes de sintetizadores comerciales tempranos fueron ARP , que también comenzó con sintetizadores modulares antes de producir instrumentos todo en uno, y la firma británica EMS .
Sintetizadores integrados [ editar ]
En 1970, Moog diseñó el Minimoog , un sintetizador no modular con un teclado integrado. Los circuitos analógicos se interconectaron con interruptores en una disposición simplificada llamada "normalización". Aunque menos flexible que un diseño modular, la normalización hizo que el instrumento fuera más portátil y más fácil de usar. El Minimoog vendió 12.000 unidades. [15]Estandarizó aún más el diseño de los sintetizadores posteriores con su teclado integrado, ruedas de tono y modulación y flujo de señal VCO-> VCF-> VCA. Se ha hecho famoso por su sonido "gordo" y sus problemas de afinación. Los componentes de estado sólido miniaturizados permitieron que los sintetizadores se convirtieran en instrumentos autónomos y portátiles que pronto aparecieron en presentaciones en vivo y rápidamente se utilizaron ampliamente en la música popular y la música de arte electrónico. [dieciséis]
Polifonía [ editar ]
Muchos de los primeros sintetizadores analógicos eran monofónicos y producían solo un tono a la vez. Los sintetizadores monofónicos populares incluyen el Moog Minimoog . Algunos, como Moog Sonic Six, ARP Odyssey y EML 101, podían producir dos tonos diferentes a la vez cuando se pulsaban dos teclas. La polifonía (múltiples tonos simultáneos, que habilita acordes ) solo se podía obtener al principio con diseños de órganos electrónicos. Los teclados electrónicos populares que combinan circuitos de órganos con procesamiento de sintetizadores incluyen ARP Omni y Polymoog y Opus 3 de Moog.
En 1976 comenzaron a aparecer sintetizadores polifónicos asequibles, en particular el Yamaha CS-50, CS-60 y CS-80 , el Sequential Circuits Prophet-5 y el Oberheim Four-Voice. Estos siguieron siendo complejos, pesados y relativamente costosos. La grabación de ajustes en la memoria digital permitió el almacenamiento y la recuperación de sonidos. El primer sintetizador polifónico práctico, y el primero en utilizar un microprocesador como controlador, fue el Sequential Circuits Prophet-5 introducido a finales de 1977. [17]Por primera vez, los músicos tenían un práctico sintetizador polifónico que podía guardar todos los ajustes de las perillas en la memoria de la computadora y recuperarlos con solo tocar un botón. El paradigma de diseño del Prophet-5 se convirtió en un nuevo estándar, impulsando lentamente diseños modulares más complejos y recónditos.
Grabación en cinta [ editar ]
para musique concrète
En 1935, se realizó otro desarrollo significativo en Alemania. Allgemeine Elektricitäts Gesellschaft (AEG) demostró la primera grabadora de cinta magnética producida comercialmente , llamada Magnetophon . La cinta de audio , que tenía la ventaja de ser bastante liviana además de tener una buena fidelidad de audio, finalmente reemplazó a las grabadoras de cable más voluminosas.
El término "música electrónica" (que entró en uso durante la década de 1930) pasó a incluir la grabadora como un elemento esencial: "sonidos producidos electrónicamente grabados en cinta y arreglados por el compositor para formar una composición musical". [21] También era indispensable para Musique concrète .
La cinta también dio lugar a los primeros teclados analógicos con reproducción de muestras, el Chamberlin y su sucesor más famoso, el Mellotron , un teclado polifónico electromecánico desarrollado y construido originalmente en Birmingham, Inglaterra, a principios de la década de 1960.
Secuenciador de sonido [ editar ]
Durante las décadas de 1940 y 1960, Raymond Scott , un compositor estadounidense de música electrónica, inventó varios tipos de secuenciadores de música para sus composiciones eléctricas. Los secuenciadores de pasos reproducían patrones rígidos de notas usando una cuadrícula de (generalmente) 16 botones, o pasos, cada paso era 1/16 de un compás . Estos patrones de notas se encadenaron para formar composiciones más largas. Los secuenciadores de software se utilizaron continuamente desde la década de 1950 en el contexto de la música por computadora , incluida la música reproducida por computadora (secuenciador de software), la música compuesta por computadora ( síntesis de música ) y la generación de sonido por computadora ( síntesis de sonido ).
Era digital 1980-2000 [ editar ]
Síntesis digital [ editar ]
Los primeros sintetizadores digitales fueron experimentos académicos en síntesis de sonido utilizando computadoras digitales. La síntesis de FM se desarrolló para este propósito; como una forma de generar sonidos complejos digitalmente con el menor número de operaciones computacionales por muestra de sonido. En 1983, Yamaha presentó el primer sintetizador digital autónomo, el DX-7 . Utilizaba la síntesis de modulación de frecuencia (síntesis FM), desarrollada por primera vez por John Chowning en la Universidad de Stanford a finales de los sesenta. [22] Chowning obtuvo la licencia exclusiva de su patente de síntesis FM a Yamaha en 1975. [23]Posteriormente, Yamaha lanzó sus primeros sintetizadores FM, el GS-1 y GS-2 , que eran costosos y pesados. Siguieron un par de versiones preestablecidas más pequeñas, los conjuntos combinados CE20 y CE25, dirigidos principalmente al mercado de órganos domésticos y con teclados de cuatro octavas. [24] La tercera generación de sintetizadores digitales de Yamaha fue un éxito comercial; consistía en DX7 y DX9 (1983). Ambos modelos eran compactos, tenían un precio razonable y dependían de circuitos integrados digitales personalizados para producir tonalidades de FM. El DX7 fue el primer sintetizador totalmente digital del mercado masivo. [25] Se volvió indispensable para muchos artistas musicales de la década de 1980, y la demanda pronto superó la oferta. [26]El DX7 vendió más de 200.000 unidades en tres años. [27]
La serie DX no fue fácil de programar, pero ofreció un sonido de percusión detallado que llevó a la desaparición del piano electromecánico Rhodes , que era más pesado y más grande que un sintetizador DX. Tras el éxito de la síntesis de FM, Yamaha firmó un contrato con la Universidad de Stanford en 1989 para desarrollar la síntesis de guía de ondas digital , lo que dio lugar al primer sintetizador comercial de modelado físico , el VL-1 de Yamaha , en 1994. [28] El DX-7 era bastante asequible para aficionados y bandas jóvenes, a diferencia de los costosos sintetizadores de generaciones anteriores, que eran principalmente utilizados por los mejores profesionales.
Muestreo [ editar ]
El Fairlight CMI (Computer Musical Instrument), el primer sampler digital polifónico , fue el presagio de los sintetizadores basados en samples. [29] Diseñado en 1978 por Peter Vogel y Kim Ryrie y basado en una computadora con microprocesador dual diseñada por Tony Furse en Sydney, Australia, Fairlight CMI dio a los músicos la capacidad de modificar el volumen, atacar, decaer y usar efectos especiales como vibrato. Las formas de onda de muestra se pueden mostrar en la pantalla y modificar con un lápiz óptico . [30] El Synclavier de New England Digital era un sistema similar. [31] Jon Appleton(con Jones y Alonso) inventó el sintetizador digital Dartmouth, luego se convertiría en el de Nueva Inglaterra Digital Corp synclavier . El Kurzweil K250 , producido por primera vez en 1983, también fue un exitoso sintetizador de música digital polifónica, [32] conocido por su capacidad para reproducir varios instrumentos sincrónicamente y por tener un teclado sensible a la velocidad. [33]
Música de computadora [ editar ]
Un nuevo desarrollo importante fue el advenimiento de las computadoras con el propósito de componer música, en lugar de manipular o crear sonidos. Iannis Xenakis comenzó lo que se llama musique stochastique, o música estocástica , que es un método de composición que emplea sistemas matemáticos de probabilidad. Se utilizaron diferentes algoritmos de probabilidad para crear una pieza bajo un conjunto de parámetros. Xenakis usó papel cuadriculado y una regla para ayudar a calcular las trayectorias de velocidad de glissando para su composición orquestal Metastasis (1953–54), pero luego recurrió al uso de computadoras para componer piezas como ST / 4 para cuarteto de cuerdas y ST / 48 para orquesta (ambos de 1962).
El impacto de las computadoras continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Issacson compusieron Illiac Suite para cuarteto de cuerdas , el primer trabajo completo de composición asistida por computadora utilizando composición algorítmica . [34]
En 1957, Max Mathews en Bell Lab escribió la serie MUSIC-N , una primera familia de programas de computadora para generar formas de onda de audio digital a través de síntesis directa. Luego, Barry Vercoe escribió MUSIC 11 basado en MUSIC IV-BF , un programa de síntesis de música de próxima generación (que luego evolucionó a csound , que todavía se usa ampliamente).
A mediados de los 80, Miller Puckette en IRCAM desarrolló un software de procesamiento de señales gráficas para 4X llamado Max (después de Max Mathews ), y luego lo transfirió a Macintosh (con Dave Zicarelli extendiéndolo para Opcode [35] ) para control MIDI en tiempo real , trayendo disponibilidad de composición algorítmica para la mayoría de los compositores con una experiencia modesta en programación de computadoras.
MIDI [ editar ]
En 1980, un grupo de músicos y comerciantes de música se reunieron para estandarizar una interfaz mediante la cual los nuevos instrumentos pudieran comunicar instrucciones de control con otros instrumentos y el microordenador predominante. Este estándar se denominó MIDI ( Interfaz digital de instrumentos musicales ). Dave Smith, de Sequential Circuits, escribió un artículo y lo propuso a la Audio Engineering Society en 1981. Luego, en agosto de 1983, se finalizó la Especificación MIDI 1.0.
El advenimiento de la tecnología MIDI permite que una sola pulsación de tecla, controle el movimiento de la rueda, el movimiento del pedal o el comando de una microcomputadora para activar cada dispositivo en el estudio de forma remota y en sincronía, con cada dispositivo respondiendo de acuerdo con las condiciones predeterminadas por el compositor.
Los instrumentos y el software MIDI hicieron que el control poderoso de instrumentos sofisticados fuera fácilmente asequible para muchos estudios e individuos. Los sonidos acústicos se reintegraron en los estudios a través del muestreo y los instrumentos basados en ROM muestreados.
Instrumentos musicales electrónicos modernos [ editar ]
El poder cada vez mayor y el costo decreciente de la electrónica generadora de sonido (y especialmente de la computadora personal), combinados con la estandarización de los lenguajes de descripción de ejecución musical MIDI y Open Sound Control , han facilitado la separación de instrumentos musicales en controladores de música y sintetizadores de música.
Con mucho, el controlador musical más común es el teclado musical . Otros controladores incluyen el tambor de radio, los controladores de viento EWI de Akai y WX de Yamah , el SynthAxe similar a una guitarra , el BodySynth , el Buchla Thunder , el diapasón Continuum , el Octapad de Roland , varios teclados isomórficos, incluidos el Thummer y Kaossilator Pro , y kits como I -CubeX .
Reactable [ editar ]
Reactable es una mesa redonda translúcida con una pantalla interactiva retroiluminada . Al colocar y manipular bloques llamados tangibles en la superficie de la mesa, mientras interactúa con la pantalla visual a través de gestos con los dedos, se opera un sintetizador modular virtual , creando música o efectos de sonido.
Percussa AudioCubes [ editar ]
Los AudioCubes son cubos inalámbricos autónomos que funcionan con un sistema informático interno y una batería recargable. Tienen iluminación RGB interna y son capaces de detectar la ubicación, la orientación y la distancia de los demás. Los cubos también pueden detectar distancias a las manos y dedos del usuario. Mediante la interacción con los cubos, se puede operar una variedad de software de sonido y música. AudioCubes tiene aplicaciones en diseño de sonido, producción musical, DJ y presentaciones en vivo.
Kaossilator [ editar ]
El Kaossilator y Kaossilator Pro son instrumentos compactos donde la posición de un dedo en el panel táctil controla dos características de nota; por lo general, el tono se cambia con un movimiento de izquierda a derecha y la propiedad tonal, filtro u otro parámetro cambia con un movimiento de arriba a abajo. El panel táctil se puede configurar para diferentes escalas y teclas musicales. El instrumento puede grabar un bucle repetido de duración ajustable, ajustado a cualquier tempo, y se pueden superponer nuevos bucles de sonido sobre los existentes. Esto se presta a la música electrónica de baile, pero es más limitado para secuencias controladas de notas, ya que el pad de un Kaossilator normal no tiene características.
Eigenharp [ editar ]
El Eigenharp es un instrumento grande que se asemeja a un fagot , con el que se puede interactuar a través de botones grandes, un secuenciador de batería y una boquilla. El procesamiento de sonido se realiza en una computadora separada.
Sentido XTH [ editar ]
Esta sección no cita ninguna fuente . ( Octubre de 2016 ) ( Obtenga información sobre cómo y cuándo eliminar este mensaje de plantilla ) |
El XTH Sense es un instrumento portátil que utiliza sonidos musculares del cuerpo humano (conocido como mecanomiograma ) para producir música y efectos de sonido. A medida que un artista se mueve, el cuerpo produce sonidos musculares que son capturados por un micrófono con chip que se coloca en el brazo o las piernas. Luego, los sonidos musculares se muestrean en vivo utilizando un programa de software dedicado y una biblioteca de efectos de audio modulares. El intérprete controla los parámetros de muestreo en vivo sopesando la fuerza, la velocidad y la articulación del movimiento.
AlphaSphere [ editar ]
El AlphaSphere es un instrumento esférico que consta de 48 almohadillas táctiles que responden tanto a la presión como al tacto. El software personalizado permite que los pads se programen indefinidamente individualmente o por grupos en términos de función, nota y parámetro de presión, entre muchos otros ajustes. El concepto principal de AlphaSphere es aumentar el nivel de expresión disponible para los músicos electrónicos, al permitir el estilo de ejecución de un instrumento musical.
Chip de música [ editar ]
Chiptune , chipmusic o chip music es música escrita en formatos de sonido en los que muchas de las texturas de sonido se sintetizan o secuencian en tiempo real mediante un chip de sonido de computadora o consola de videojuegos , que a veces incluye síntesis basada en muestras y reproducción de muestras de bits bajos. Muchos dispositivos de música con chip incluían sintetizadores junto con una reproducción de muestras de baja velocidad.
Cultura de bricolaje [ editar ]
A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, los diseños de bricolaje (hágalo usted mismo) se publicaron en revistas de electrónica de pasatiempos (en particular, el sintetizador modular Formant, un clon de bricolaje del sistema Moog, publicado por Elektor ) y los kits fueron suministrados por compañías como Paia en Estados Unidos y Maplin Electronics en el Reino Unido.
Flexión de circuito [ editar ]
En 1966, Reed Ghazala descubrió y comenzó a enseñar matemáticas " flexión de circuitos ": la aplicación del cortocircuito creativo, un proceso de cortocircuito al azar, la creación de instrumentos electrónicos experimentales, la exploración de elementos sónicos principalmente del timbre y con menos consideración del tono o ritmo, e influenciado por John Cage ‘s música aleatoria concepto. [36]
Gran parte de esta manipulación de circuitos directamente, especialmente hasta el punto de la destrucción, fue iniciada por Louis y Bebe Barron a principios de la década de 1950, como su trabajo con John Cage en Williams Mix y especialmente en la banda sonora de Forbidden Planet .
La flexión de circuitos moderna es la personalización creativa de los circuitos dentro de dispositivos electrónicos como bajo voltaje , efectos de guitarra a batería , juguetes para niños y pequeños sintetizadores digitales para crear nuevos instrumentos musicales o visuales y generadores de sonido. Haciendo hincapié en la espontaneidad y la aleatoriedad, las técnicas de flexión de circuitos se han asociado comúnmente con la música de ruido , aunque se sabe que muchos músicos y grupos musicales contemporáneos más convencionales experimentan con instrumentos "doblados". La flexión de circuitos generalmente implica desmantelar la máquina y agregar componentes como interruptores y potenciómetrosque alteran el circuito. Con el renovado interés por los circuitos de sintetizadores analógicos, la flexión se convirtió en una solución barata para que muchos músicos experimentales crearan sus propios generadores de sonido analógicos individuales. Hoy en día se pueden encontrar muchos esquemas para construir generadores de ruido como la Consola Atari Punk o la Dub Siren , así como modificaciones simples para juguetes infantiles como el famoso Speak & Spell que a menudo son modificados por dobladores de circuitos.
Sintetizadores modulares [ editar ]
El sintetizador modular es un tipo de sintetizador que consta de módulos intercambiables separados. Estos también están disponibles como kits para constructores de bricolaje aficionados. Muchos diseñadores aficionados también ponen a disposición placas de circuito impreso y paneles frontales desnudos para la venta a otros aficionados.
Década de 2010 [ editar ]
Esta sección necesita expansión . Puede ayudar agregando más . ( Diciembre de 2010 ) |
Según una publicación del foro en diciembre de 2010, Sixense Entertainment está trabajando en el control musical con el controlador de movimiento Sixense TrueMotion . Los instrumentos musicales virtuales inmersivos o los instrumentos virtuales inmersivos para música y sonido tienen como objetivo representar eventos musicales y parámetros de sonido en una realidad virtual para que puedan ser percibidos no solo a través de la retroalimentación auditiva sino también visualmente en 3D y posiblemente a través de la retroalimentación táctil y háptica. , permitiendo el desarrollo de metáforas de interacción novedosas más allá de la manipulación, como la prensión.
Ver también [ editar ]
- Música electrónica
- Instrumento musical experimental
- Música electrónica en vivo
- Música visual
- Organizaciones
- STEIM
- Tecnologias
- Osciloscopio
- Sonido estereofónico
- Técnicas individuales
- Chiptune
- Flexión de circuito
- Familias de instrumentos
- Maquina de tambor
- Sintetizador
- Sintetizador analógico
- Codificador de voz
- Instrumentos individuales (históricos)
- Sackbut electrónico
- Diapasón continuo
- Spharophon
- Instrumentos individuales (modernos)
- Consola Atari Punk
- Kraakdoos
- Metrónomo
- Razer Hydra
- Instrumentos musicales electrónicos en música tradicional india y asiática
- Tanpura electrónica
- Caja Shruti
Referencias [ editar ]
- ^ Galpin, Francis William (1940), La historia de los instrumentos musicales CS1 maint: parámetro desalentado ( enlace )
- ^ Galpin, Francis William (1937), Un libro de texto de instrumentos musicales europeos CS1 maint: discouraged parameter (link)
- ↑ Kartomi, Margaret, Falta o vacío
|title=( ayuda ) - ^ Ellingson, Terry (1979), disertación de doctorado
- ^ Instrumento Musical Electrónico 1870 - 1990 , 2005, archivada desde el original en 2007-05-02 , recuperado 2007-04-09
- ^ Un b Chadabe, Joel (febrero de 2000), The Century electrónico Parte I: Principios ., Electronic Musician, pp 74-89, Archivado desde el original en 2011-04-07 , recuperada 2011-03-02
- ^ Vail, Mark (1 de noviembre de 2002), ANS de Eugeniy Murzin - Sintetizador ruso aditivo , Revista Keyboard , p. 120
- ↑ Todos los instrumentos anteriores, excepto los de Darreg y Murzin descritos en P. Scholes, The Oxford Companion to Music , 10ª Ed. OUP, p. 322
- ^ Manning, Peter (2004), Música electrónica y por computadora , Oxford University Press EE. UU., Págs. 129-132, ISBN 0-19-514484-8
- ^ Weidenaar, Reynold (1995). Música mágica del Telharmonium . Metuchen, Nueva Jersey: Scarecrow Press. ISBN 9780810826922.
- ^ Herbert Russcol, La liberación del sonido: una introducción a la música electrónica (Englewood Cliffs, Nueva Jersey: Prentice-Hall, 1972): 68.
- ^ Russcol 1972, 70.
- ^ Vail, Mark (1 de octubre de 2003), Buchla Music Easel - Sintetizador de rendimiento portátil , Keyboard Magazine , p. 108
- ^ Glinsky, Albert (2000), Theremin: Ether Music and Espionage , University of Illinois Press , p. 293, ISBN 0-252-02582-2
- ^ 1970 Robert Moog Moog Music Minimoog Synthesizer , Mix Magazine, 1 de septiembre de 2006, archivado desde el original el 27 de julio de 2018
- ^ Montanaro, Larisa Katherine (mayo de 2004). "Guía del cantante para la interpretación de obras de voz y electrónica, tesis doctoral Doctora en artes musicales" (PDF) . La Universidad de Texas en Austin. Archivado desde el original (PDF) el 11 de septiembre de 2008 . Consultado el 28 de junio de 2008 .
En 1969, una versión portátil del estudio Moog, llamada Minimoog, se convirtió en el sintetizador más utilizado tanto en música popular como en música de arte electrónico.
- ^ Wells, Peter (2004), Guía para principiantes de video digital , AVA Books (Reino Unido), p. 10, ISBN 2-88479-037-3
- ^ "Imágenes de Mellotron Mark VI (1999-)" . Mellotron (Canadá). - Nota: Tiene un selector de velocidad en el logo rojo.
- ^ "Streetly Mellotron M4000" . Sound on Sound (octubre de 2007).
El panel de control del Mellotron M4000 es idéntico al del M400, además de la adición de cuatro botones y una pantalla LED para operar el mecanismo de ciclo.
- ^ "Mellotron digital M4000D" . Mellotron (Canadá).
La interfaz de usuario del panel frontal tiene 2 pantallas TFT de alta calidad y son capaces de mostrar imágenes de los instrumentos reales.
- ^ "Música electrónica": Dictionary.com Integral (v 1.1). Random House, Inc. (consultado: 19 de agosto de 2007)
- ^ Chowning, John M. (septiembre de 1973). "La síntesis de espectros de audio complejos mediante modulación de frecuencia" (PDF) . Revista de la Sociedad de Ingeniería de Audio . 21 (7): 526–534.
- ^ Petzold, Charles (29 de noviembre de 1988). "Montando la onda de la síntesis de sonido: los orígenes de la síntesis de FM". Revista de PC . pag. 232.
- ^ "Yamaha GS1 y DX1" . Sonido sobre sonido . Junio de 2001. Archivado desde el original el 29 de septiembre de 2007 . Consultado el 10 de abril de 2008 .
- ^ Le Heron, Richard B .; Harrington, James W. (2005), Nuevos espacios económicos: Nuevas geografías económicas , Ashgate Publishing, p. 41, ISBN 0-7546-4450-2
- ^ Tres productos de Yamaha que reformaron la industria celebran el vigésimo aniversario , Music Trades, febrero de 2004, págs. 70–74, archivado desde el original el 19 de octubre de 2008
- ^ Colbeck, Julian (junio de 1997), Keyfax The Omnibus Edition , Hal Leonard Corporation, p. 208, ISBN 0-918371-08-2
- ^ Aikin, Jim (2003), Sintetizadores de software: la guía definitiva de instrumentos musicales virtuales , Backbeat Books, p. 4, ISBN 0-87930-752-8
- ^ Holloway, David (1 de julio de 2006), Peter Vogel de Fairlight , Keyboard Magazine , p. 104
- ^ Scott, David (mayo de 1984), Music computer - you dibuja los sonidos que desea escuchar , Popular Science , p. 154
- ^ 1979 Fairlight CMI , Mix Magazine, 1 de septiembre de 2006, Archivado desde el original el 3 de mayo, 2008 , recuperado 2008-05-30
- ^ Battino, David; Richards, Kelli (2005), El arte de la música digital , Backbeat Books, p. 58, ISBN 0-87930-830-3
- ^ Porter, Martin (julio de 1984). "El impacto del Kurzweil 250". Informática y Electrónica . Ziff Davis . págs. 42–43.
- ^ Schwartz, Elliot (1975). Música electrónica: una guía para el oyente . Praeger. pag. 88. ISBN 9780275537302.
- ^ Ozab, David (2000). "Más allá del Barline" . ATPM .
- ↑ Yabsley, Alex (8 de agosto de 2007). "Volver al 8 bit: un estudio de la contracultura de la música electrónica" . Game Music 4 All .
Este elemento de aceptar errores está en el centro de Circuit Bending, se trata de crear sonidos que se supone que no deben suceder y que no deben ser escuchados (Gard, 2004).
En términos de musicalidad, al igual que con la música de arte electrónico, se preocupa principalmente por el timbre y tiene poco en cuenta el tono y el ritmo en un sentido clásico.
...
En una línea similar a la música aleatoria de Cage, el arte de Doblar depende del azar, cuando una persona se prepara para doblar no tiene idea del resultado final.
Enlaces externos [ editar ]
- 120 años de música electrónica
- Una cronología de la música electrónica y por computadora (incluidos los instrumentos)
- Historia de la Música Electrónica (Francés)
- ¡Toneladas de tonos! : Sitio con datos técnicos sobre modelado electrónico de tonos musicales. Archivado el 31 de agosto de 2011 en la Wayback Machine.
Bricolaje [ editar ]
- Foro de discusión de hardware y software de bricolaje en Electro-music.com
- La lista de correo electrónico Synth-DIY
- Página de hágalo usted mismo de Ken Stone
- Music From Outer Space Archivado el 11 de enero de 2006 en Wayback Machine. Información y piezas para autoconstruir un sintetizador.
- SDIY wiki un wiki sobre instrumentos musicales electrónicos de bricolaje
Museos y colecciones visitables [ editar ]
- Galería de música del Museo Horniman , Londres, Reino Unido. Tiene uno o dos sintetizadores detrás del cristal.
- Moogseum , Asheville, Carolina del Norte, EE. UU.
- Museo Musical , Brentford, Londres, Reino Unido. Mayormente instrumentos electromecánicos.
- Museo de Instrumentos Musicales , Phoenix, Arizona, EE.
- Staatliches Institut für Musikforschung , Berlín, Alemania
- Museo y centro suizo de instrumentos musicales electrónicos
- Colección del Centro Nacional de Música , Canadá
- Museo Vintage Synthesizer , California, EE. UU.
- Museo del Sintetizador de la Universidad de Washington y Lee , Washington, EE. UU.
