Instrumento musical electronico
Un instrumento musical electrónico o electrófono es un instrumento musical que produce sonido mediante circuitos electrónicos . Un instrumento de este tipo suena emitiendo una señal de audio eléctrica, electrónica o digital que finalmente se conecta a un amplificador de potencia que impulsa un altavoz , creando el sonido que escuchan el intérprete y el oyente.
Un instrumento electrónico puede incluir una interfaz de usuario para controlar su sonido, a menudo ajustando el tono , la frecuencia o la duración de cada nota . Una interfaz de usuario común es el teclado musical , que funciona de manera similar al teclado de un piano acústico , excepto que con un teclado electrónico, el teclado en sí no emite ningún sonido. Un teclado electrónico envía una señal a un módulo de sintetizador , computadora u otro generador de sonido electrónico o digital, que luego crea un sonido. Sin embargo, es cada vez más común separar la interfaz de usuario y las funciones de generación de sonido en un controlador de música (dispositivo de entrada ) y un sintetizador de música , respectivamente, con los dos dispositivos comunicándose a través de un lenguaje de descripción de interpretación musical como MIDI o Open Sound Control .
Todos los instrumentos musicales electrónicos pueden verse como un subconjunto de aplicaciones de procesamiento de señales de audio . Los instrumentos musicales electrónicos simples a veces se denominan efectos de sonido ; la frontera entre los efectos de sonido y los instrumentos musicales reales a menudo no está clara.
En el siglo XXI, los instrumentos musicales electrónicos se utilizan ampliamente en la mayoría de los estilos musicales. En los estilos musicales populares, como la música electrónica de baile , casi todos los sonidos de instrumentos utilizados en las grabaciones son instrumentos electrónicos (por ejemplo, sintetizador de bajo , sintetizador , caja de ritmos ). El desarrollo de nuevos instrumentos musicales electrónicos, controladores y sintetizadores sigue siendo un campo de investigación muy activo e interdisciplinario. Conferencias especializadas, en particular la Conferencia Internacional sobre Nuevas Interfaces para la Expresión Musical, se han organizado para informar sobre el trabajo de vanguardia, así como para proporcionar un escaparate para los artistas que interpretan o crean música con nuevos instrumentos de música electrónica, controladores y sintetizadores.
Clasificación
En musicología, los instrumentos musicales electrónicos se conocen como electrófonos. Los electrófonos son la quinta categoría de instrumentos musicales bajo el sistema Hornbostel-Sachs . Los musicólogos generalmente solo clasifican la música como electrófonos si el sonido se produce inicialmente con electricidad, excluyendo los instrumentos acústicos controlados electrónicamente, como los órganos de tubos y los instrumentos amplificados , como las guitarras eléctricas .
La categoría fue agregada al sistema de clasificación de instrumentos musicales Hornbostel-Sachs por Sachs en 1940, en su libro de 1940 La historia de los instrumentos musicales ; [1] la versión original de 1914 del sistema no lo incluía. Sachs dividió los electrófonos en tres subcategorías:
- 51 = instrumentos acústicos accionados eléctricamente (p. Ej., Órgano de tubos con seguimiento electrónico )
- 52 = instrumentos acústicos amplificados eléctricamente (p. Ej., Guitarra acústica con pastilla )
- 53 = instrumentos que emiten sonido principalmente por medio de osciladores accionados eléctricamente
La última categoría incluía instrumentos como theremins o sintetizadores , a los que llamó instrumentos radioeléctricos .
Francis William Galpin proporcionó un grupo de este tipo en su propio sistema de clasificación, que está más cerca de Mahillon que de Sachs-Hornbostel. Por ejemplo, en el libro de Galpin de 1937 A Textbook of European Musical Instruments , enumera electrófonos con tres divisiones de segundo nivel para la generación de sonido ("por oscilación", "electromagnético" y "electrostático"), así como una tercera -Categorías de nivel y cuarto nivel basadas en el método de control. [2]
Los etnomusicólogos actuales , como Margaret Kartomi [3] y Terry Ellingson, [4] sugieren que, de acuerdo con el espíritu del esquema de clasificación original de Hornbostel Sachs, si uno categoriza los instrumentos por lo que primero produce el sonido inicial en el instrumento, que solo la subcategoría 53 debe permanecer en la categoría de electrófonos. Así, se ha propuesto más recientemente, por ejemplo, que el órgano de tubos (incluso si utiliza la acción de una llave eléctrica para controlar las válvulas solenoides ) permanezca en la categoría de aerófonos , y que la guitarra eléctrica permanezca en la categoría de cordófonos , etc.
Primeros ejemplos
En el siglo XVIII, los músicos y compositores adaptaron varios instrumentos acústicos para aprovechar la novedad de la electricidad. Así, en el sentido más amplio, el primer instrumento musical electrificado fue el teclado Denis d'or , que data de 1753, seguido en breve por la clavecin électrique del francés Jean-Baptiste de Laborde en 1761. El Denis d'or consistía en un teclado instrumento de más de 700 cuerdas, electrificado temporalmente para mejorar las cualidades sonoras. La clavecin électrique era un instrumento de teclado con plectra (púas) activadas eléctricamente. Sin embargo, ninguno de los instrumentos utilizó electricidad como fuente de sonido.
El primer sintetizador eléctrico fue inventado en 1876 por Elisha Gray . [5] [6] El "Musical Telegraph" fue un subproducto casual de su tecnología telefónica cuando Gray descubrió accidentalmente que podía controlar el sonido de un circuito electromagnético auto-vibrante y así inventó un oscilador básico . El Musical Telegraph usaba lengüetas de acero osciladas por electroimanes y transmitidas a través de una línea telefónica. Gray también construyó un dispositivo de altavoz simple en modelos posteriores, que consistía en un diafragma que vibraba en un campo magnético.
Un invento significativo, que luego tuvo un profundo efecto en la música electrónica, fue el audion en 1906. Esta fue la primera válvula termoiónica o tubo de vacío y que condujo a la generación y amplificación de señales eléctricas, radiodifusión y computación electrónica, entre otros. otras cosas. Otros sintetizadores tempranos incluyen la Telharmonium (1897), el Theremin (1919), de Jörg Mager electrofón (1924) y Partiturophone, similar de Taubmann Electronde (1933), Maurice Martenot 's ondas Martenot ( "ondas Martenot", 1928), de Trautwein Trautonium(1930). El Mellertion (1933) usó una escala no estándar, el Dynaphone de Bertrand podía producir octavas y quintas perfectas, mientras que el Emicon era un instrumento estadounidense controlado por teclado construido en 1930 y el Hellertion alemán combinó cuatro instrumentos para producir acordes. También aparecieron tres instrumentos rusos, Croix Sonore de Oubouhof (1934), el microtonal 'Electronic Keyboard Oboe' de Ivor Darreg (1937) y el sintetizador ANS , construido por el científico ruso Evgeny Murzin de 1937 a 1958. Solo dos modelos de este último fueron construido y el único ejemplo sobreviviente se almacena actualmente en la Universidad Lomonosov en Moscú . Se ha utilizado en muchas películas rusas, comoSolaris: para producir sonidos "cósmicos" inusuales. [7] [8]
Hugh Le Caine , John Hanert, Raymond Scott , el compositor Percy Grainger (con Burnett Cross) y otros construyeron una variedad de controladores automatizados de música electrónica a finales de los años cuarenta y cincuenta. En 1959 Daphne Oram produjo un nuevo método de síntesis, su técnica " Oramics ", impulsada por dibujos en una tira de película de 35 mm; se utilizó durante varios años en el Taller Radiofónico de la BBC . [9] Este taller también fue responsable del tema de la serie de televisión Doctor Who, una pieza, en gran parte creada por Delia Derbyshire , que más que ningún otro aseguró la popularidad de la música electrónica en el Reino Unido.
Telharmonium
de Thaddeus Cahill 1897
En 1897 Thaddeus Cahill patentó un instrumento llamado Telharmonium (o Teleharmonium, también conocido como Dynamaphone). Utilizando ruedas tonales para generar sonidos musicales como señales eléctricas mediante síntesis aditiva , fue capaz de producir cualquier combinación de notas y armónicos, en cualquier nivel dinámico. Esta tecnología se utilizó más tarde para diseñar el órgano Hammond . Entre 1901 y 1910, Cahill hizo tres versiones progresivamente más grandes y complejas, la primera con un peso de siete toneladas y la última con más de 200 toneladas. La portabilidad se gestionó únicamente por ferrocarril y con el uso de treinta furgones. En 1912, el interés público se había desvanecido y la empresa de Cahill estaba en quiebra. [10]
Theremin
Otro acontecimiento, que despertó el interés de muchos compositores, ocurrió en 1919-1920. En Leningrado, Leon Theremin construyó y demostró su Etherophone, que luego fue rebautizado como Theremin . Esto dio lugar a las primeras composiciones para instrumentos electrónicos, en contraposición a los matracas y las máquinas reutilizadas. El Theremin se destacó por ser el primer instrumento musical que se toca sin tocarlo. En 1929, Joseph Schillinger compuso First Airphonic Suite para Theremin y Orchestra , estrenada con la Orquesta de Cleveland con Leon Theremin como solista. El próximo año Henry Cowellencargó a Theremin que creara la primera máquina de ritmo electrónica, llamada Rhythmicon . Cowell escribió algunas composiciones para él, que él y Schillinger estrenaron en 1932.
Ondes Martenot
modelo de séptima generación)
La década de 1920 ha sido llamada la cúspide de la Era Mecánica y el amanecer de la Era Eléctrica. En 1922, en París, Darius Milhaud comenzó a experimentar con la "transformación vocal mediante el cambio de velocidad del fonógrafo". [11] Estos continuaron hasta 1927. Esta década trajo una gran cantidad de instrumentos electrónicos tempranos; junto con el Theremin, está la presentación de Ondes Martenot , que fue diseñada para reproducir los sonidos microtonales que se encuentran en la música hindú, y el Trautonium . Maurice Martenot inventó las Ondes Martenot en 1928 y pronto lo demostró en París. Los compositores que utilizan el instrumento en última instancia incluyen a Boulez , Honegger , Jolivet , Koechlin, Messiaen , Milhaud , Tremblay y Varèse . El guitarrista y multiinstrumentista de Radiohead Jonny Greenwood también lo usa en sus composiciones y en una gran cantidad de canciones de Radiohead. En 1937, Messiaen escribió Fête des belles eaux para 6 ondes Martenot, y escribió partes individuales para ella en Trois petites Liturgies de la Présence Divine (1943–44) y Turangalîla-Symphonie (1946–48 / 90).
Trautonio
El Trautonium se inventó en 1928. Se basaba en la escala subarmónica , y los sonidos resultantes se usaban a menudo para emular los sonidos de campanas o gong, como en las producciones de Bayreuth de Parsifal en la década de 1950 . En 1942, Richard Strauss lo usó para la parte de campana y gong en el estreno en Dresde de su Festival de Música Japonesa . Esta nueva clase de instrumentos, microtonales por naturaleza, fue adoptada lentamente por los compositores al principio, pero a principios de la década de 1930 hubo una explosión de nuevas obras que incorporaron estos y otros instrumentos electrónicos.
Órgano Hammond y Novachord
En 1929 Laurens Hammond estableció su empresa para la fabricación de instrumentos electrónicos. Continuó produciendo el órgano Hammond , que se basó en los principios del Telharmonium , junto con otros desarrollos, incluidas las primeras unidades de reverberación. [12] El órgano Hammond es un instrumento electromecánico, ya que utiliza tanto elementos mecánicos como componentes electrónicos. Un órgano Hammond utiliza ruedas tonales de metal giratorias para producir diferentes sonidos. Una pastilla magnética de diseño similar a las pastillas de una guitarra eléctrica se utiliza para transmitir los tonos de las ruedas de tono a un amplificador y caja de altavoz. Si bien el órgano Hammond fue diseñado para ser una alternativa de menor costo a unórgano de tubos para música de iglesia, los músicos pronto descubrieron que el Hammond era un excelente instrumento para blues y jazz ; de hecho, todo un género de música se desarrolló alrededor de este instrumento, conocido como trío de órgano (típicamente órgano Hammond, batería y un tercer instrumento, ya sea saxofón o guitarra).
El primer sintetizador fabricado comercialmente fue el Novachord , construido por Hammond Organ Company de 1938 a 1942, que ofrecía polifonía de 72 notas utilizando 12 osciladores que manejaban circuitos de división descendente basados en monoestable , control de envolvente básico y filtros de paso bajo resonantes . El instrumento contaba con 163 tubos de vacío y pesaba 500 libras. El uso del control de envolvente por parte del instrumento es significativo, ya que esta es quizás la distinción más significativa entre el sintetizador moderno y otros instrumentos electrónicos.
Síntesis analógica 1950-1980
Los instrumentos electrónicos más utilizados son los sintetizadores , llamados así porque generan sonido artificialmente utilizando una variedad de técnicas. Todas las primeras síntesis basadas en circuitos implicaban el uso de circuitos analógicos, en particular amplificadores, osciladores y filtros controlados por voltaje. Un desarrollo tecnológico importante fue la invención del sintetizador Clavivox en 1956 por Raymond Scott con subconjunto de Robert Moog . El compositor e ingeniero francés Edgard Varèse creó una variedad de composiciones utilizando cuernos electrónicos , silbidos y cintas. En particular, escribió Poème électroniquepara el pabellón Phillips en la Feria Mundial de Bruselas en 1958.
Sintetizadores modulares
RCA produjo dispositivos experimentales para sintetizar voz y música en la década de 1950. El sintetizador musical Mark II , ubicado en el Centro de Música Electrónica Columbia-Princeton en la ciudad de Nueva York . Diseñado por Herbert Belar y Harry Olson en RCA, con contribuciones de Vladimir Ussachevsky y Peter Mauzey , se instaló en la Universidad de Columbia en 1957. Consiste en una matriz del tamaño de una habitación de componentes de síntesis de sonido interconectados, solo era capaz de producir música mediante programación , [6] utilizando un secuenciador de cinta de papel perforado con orificios para controlar las fuentes de tono y los filtros, similar a un piano reproductor mecánicopero capaz de generar una amplia variedad de sonidos. El sistema de tubos de vacío tuvo que parchearse para crear timbres.
En la década de 1960, los sintetizadores todavía estaban confinados a los estudios debido a su tamaño. Por lo general, tenían un diseño modular, sus fuentes de señal independientes y procesadores conectados con cables de conexión o por otros medios y controlados por un dispositivo de control común. Harald Bode , Don Buchla , Hugh Le Caine , Raymond Scott y Paul Ketoff fueron de los primeros en construir tales instrumentos, a fines de la década de 1950 y principios de la de 1960. Más tarde, Buchla produjo un sintetizador modular comercial, el Buchla Music Easel . [13] Robert Moog , que había sido alumno de Peter Mauzeyy uno de los ingenieros de RCA Mark II, crearon un sintetizador que los músicos podían utilizar razonablemente, diseñando los circuitos mientras estaba en Columbia-Princeton. El sintetizador Moog se mostró por primera vez en la convención de la Audio Engineering Society en 1964. [14] Se requería experiencia para configurar los sonidos, pero era más pequeño e intuitivo que lo que había venido antes, menos como una máquina y más como un instrumento musical. Moog estableció estándares para la interfaz de control, utilizando un logarítmico de 1 voltio por octava para el control de tono y una señal de activación separada. Esta estandarización permitió que sintetizadores de diferentes fabricantes funcionaran simultáneamente. El control de tono generalmente se realizaba con un teclado estilo órgano o un secuenciador de música.produciendo una serie cronometrada de voltajes de control. A finales de la década de 1960, cientos de grabaciones populares utilizaron sintetizadores Moog. Otros fabricantes de sintetizadores comerciales tempranos fueron ARP , que también comenzó con sintetizadores modulares antes de producir instrumentos todo en uno, y la firma británica EMS .
Sintetizadores integrados
En 1970, Moog diseñó el Minimoog , un sintetizador no modular con un teclado integrado. Los circuitos analógicos se interconectaron con interruptores en una disposición simplificada llamada "normalización". Aunque menos flexible que un diseño modular, la normalización hizo que el instrumento fuera más portátil y más fácil de usar. El Minimoog vendió 12.000 unidades. [15]Estandarizó aún más el diseño de los sintetizadores posteriores con su teclado integrado, ruedas de tono y modulación y flujo de señal VCO-> VCF-> VCA. Se ha hecho famoso por su sonido "gordo" y sus problemas de afinación. Los componentes de estado sólido miniaturizados permitieron que los sintetizadores se convirtieran en instrumentos autónomos y portátiles que pronto aparecieron en presentaciones en vivo y rápidamente se utilizaron ampliamente en la música popular y la música de arte electrónico. [dieciséis]
Polifonía
Muchos de los primeros sintetizadores analógicos eran monofónicos y producían solo un tono a la vez. Los sintetizadores monofónicos populares incluyen el Moog Minimoog . Algunos, como Moog Sonic Six, ARP Odyssey y EML 101, podían producir dos tonos diferentes a la vez cuando se pulsaban dos teclas. La polifonía (múltiples tonos simultáneos, que habilita acordes ) solo se podía obtener al principio con diseños de órganos electrónicos. Los teclados electrónicos populares que combinan circuitos de órganos con procesamiento de sintetizadores incluyen ARP Omni y Polymoog y Opus 3 de Moog.
En 1976 comenzaron a aparecer sintetizadores polifónicos asequibles, en particular el Yamaha CS-50, CS-60 y CS-80 , el Sequential Circuits Prophet-5 y el Oberheim Four-Voice. Estos siguieron siendo complejos, pesados y relativamente costosos. La grabación de ajustes en la memoria digital permitió el almacenamiento y la recuperación de sonidos. El primer sintetizador polifónico práctico, y el primero en utilizar un microprocesador como controlador, fue el Sequential Circuits Prophet-5 introducido a finales de 1977. [17]Por primera vez, los músicos tenían un práctico sintetizador polifónico que podía guardar todos los ajustes de las perillas en la memoria de la computadora y recuperarlos con solo tocar un botón. El paradigma de diseño del Prophet-5 se convirtió en un nuevo estándar, impulsando lentamente diseños modulares más complejos y recónditos.
Grabación en cinta
para musique concrète
In 1935, another significant development was made in Germany. Allgemeine Elektricitäts Gesellschaft (AEG) demonstrated the first commercially produced magnetic tape recorder, called the Magnetophon. Audio tape, which had the advantage of being fairly light as well as having good audio fidelity, ultimately replaced the bulkier wire recorders.
The term "electronic music" (which first came into use during the 1930s) came to include the tape recorder as an essential element: "electronically produced sounds recorded on tape and arranged by the composer to form a musical composition".[21] It was also indispensable to Musique concrète.
Tape also gave rise to the first, analogue, sample-playback keyboards, the Chamberlin and its more famous successor the Mellotron, an electro-mechanical, polyphonic keyboard originally developed and built in Birmingham, England in the early 1960s.
Sound sequencer
During the 1940s–1960s, Raymond Scott, an American composer of electronic music, invented various kind of music sequencers for his electric compositions. Step sequencers played rigid patterns of notes using a grid of (usually) 16 buttons, or steps, each step being 1/16 of a measure. These patterns of notes were then chained together to form longer compositions. Software sequencers were continuously utilized since the 1950s in the context of computer music, including computer-played music (software sequencer), computer-composed music (music synthesis), and computer sound generation (sound synthesis).
Digital era 1980–2000
Digital synthesis
The first digital synthesizers were academic experiments in sound synthesis using digital computers. FM synthesis was developed for this purpose; as a way of generating complex sounds digitally with the smallest number of computational operations per sound sample. In 1983 Yamaha introduced the first stand-alone digital synthesizer, the DX-7. It used frequency modulation synthesis (FM synthesis), first developed by John Chowning at Stanford University during the late sixties.[22] Chowning exclusively licensed his FM synthesis patent to Yamaha in 1975.[23] Yamaha subsequently released their first FM synthesizers, the GS-1 and GS-2, which were costly and heavy. There followed a pair of smaller, preset versions, the CE20 and CE25 Combo Ensembles, targeted primarily at the home organ market and featuring four-octave keyboards.[24] Yamaha's third generation of digital synthesizers was a commercial success; it consisted of the DX7 and DX9 (1983). Both models were compact, reasonably priced, and dependent on custom digital integrated circuits to produce FM tonalities. The DX7 was the first mass market all-digital synthesizer.[25] It became indispensable to many music artists of the 1980s, and demand soon exceeded supply.[26] The DX7 sold over 200,000 units within three years.[27]
The DX series was not easy to program but offered a detailed, percussive sound that led to the demise of the electro-mechanical Rhodes piano, which was heavier and larger than a DX synth. Following the success of FM synthesis Yamaha signed a contract with Stanford University in 1989 to develop digital waveguide synthesis, leading to the first commercial physical modeling synthesizer, Yamaha's VL-1, in 1994.[28] The DX-7 was affordable enough for amateurs and young bands to buy, unlike the costly synthesizers of previous generations, which were mainly used by top professionals.
Sampling
The Fairlight CMI (Computer Musical Instrument), the first polyphonic digital sampler, was the harbinger of sample-based synthesizers.[29] Designed in 1978 by Peter Vogel and Kim Ryrie and based on a dual microprocessor computer designed by Tony Furse in Sydney, Australia, the Fairlight CMI gave musicians the ability to modify volume, attack, decay, and use special effects like vibrato. Sample waveforms could be displayed on-screen and modified using a light pen.[30] The Synclavier from New England Digital was a similar system.[31] Jon Appleton (with Jones and Alonso) invented the Dartmouth Digital Synthesizer, later to become the New England Digital Corp's Synclavier. The Kurzweil K250, first produced in 1983, was also a successful polyphonic digital music synthesizer,[32] noted for its ability to reproduce several instruments synchronously and having a velocity-sensitive keyboard.[33]
Computer music
An important new development was the advent of computers for the purpose of composing music, as opposed to manipulating or creating sounds. Iannis Xenakis began what is called musique stochastique, or stochastic music, which is a method of composing that employs mathematical probability systems. Different probability algorithms were used to create a piece under a set of parameters. Xenakis used graph paper and a ruler to aid in calculating the velocity trajectories of glissando for his orchestral composition Metastasis (1953–54), but later turned to the use of computers to compose pieces like ST/4 for string quartet and ST/48 for orchestra (both 1962).
The impact of computers continued in 1956. Lejaren Hiller and Leonard Issacson composed Illiac Suite for string quartet, the first complete work of computer-assisted composition using algorithmic composition.[34]
In 1957, Max Mathews at Bell Lab wrote MUSIC-N series, a first computer program family for generating digital audio waveforms through direct synthesis. Then Barry Vercoe wrote MUSIC 11 based on MUSIC IV-BF, a next-generation music synthesis program (later evolving into csound, which is still widely used).
In mid 80s, Miller Puckette at IRCAM developed graphic signal-processing software for 4X called Max (after Max Mathews), and later ported it to Macintosh (with Dave Zicarelli extending it for Opcode[35]) for real-time MIDI control, bringing algorithmic composition availability to most composers with modest computer programming background.
MIDI
In 1980, a group of musicians and music merchants met to standardize an interface by which new instruments could communicate control instructions with other instruments and the prevalent microcomputer. This standard was dubbed MIDI (Musical Instrument Digital Interface). A paper was authored by Dave Smith of Sequential Circuits and proposed to the Audio Engineering Society in 1981. Then, in August 1983, the MIDI Specification 1.0 was finalized.
The advent of MIDI technology allows a single keystroke, control wheel motion, pedal movement, or command from a microcomputer to activate every device in the studio remotely and in synchrony, with each device responding according to conditions predetermined by the composer.
MIDI instruments and software made powerful control of sophisticated instruments easily affordable by many studios and individuals. Acoustic sounds became reintegrated into studios via sampling and sampled-ROM-based instruments.
Modern electronic musical instruments
The increasing power and decreasing cost of sound-generating electronics (and especially of the personal computer), combined with the standardization of the MIDI and Open Sound Control musical performance description languages, has facilitated the separation of musical instruments into music controllers and music synthesizers.
By far the most common musical controller is the musical keyboard. Other controllers include the radiodrum, Akai's EWI and Yamah's WX wind controllers, the guitar-like SynthAxe, the BodySynth, the Buchla Thunder, the Continuum Fingerboard, the Roland Octapad, various isomorphic keyboards including the Thummer, and Kaossilator Pro, and kits like I-CubeX.
Reactable
The Reactable is a round translucent table with a backlit interactive display. By placing and manipulating blocks called tangibles on the table surface, while interacting with the visual display via finger gestures, a virtual modular synthesizer is operated, creating music or sound effects.
Percussa AudioCubes
AudioCubes are autonomous wireless cubes powered by an internal computer system and rechargeable battery. They have internal RGB lighting, and are capable of detecting each other's location, orientation and distance. The cubes can also detect distances to the user's hands and fingers. Through interaction with the cubes, a variety of music and sound software can be operated. AudioCubes have applications in sound design, music production, DJing and live performance.
Kaossilator
The Kaossilator and Kaossilator Pro are compact instruments where the position of a finger on the touch pad controls two note-characteristics; usually the pitch is changed with a left-right motion and the tonal property, filter or other parameter changes with an up-down motion. The touch pad can be set to different musical scales and keys. The instrument can record a repeating loop of adjustable length, set to any tempo, and new loops of sound can be layered on top of existing ones. This lends itself to electronic dance-music but is more limited for controlled sequences of notes, as the pad on a regular Kaossilator is featureless.
Eigenharp
The Eigenharp is a large instrument resembling a bassoon, which can be interacted with through big buttons, a drum sequencer and a mouthpiece. The sound processing is done on a separate computer.
XTH Sense
This section does not cite any sources. (October 2016) |
The XTH Sense is a wearable instrument that uses muscle sounds from the human body (known as mechanomyogram) to make music and sound effects. As a performer moves, the body produces muscle sounds that are captured by a chip microphone worn on arm or legs. The muscle sounds are then live sampled using a dedicated software program and a library of modular audio effects. The performer controls the live sampling parameters by weighing force, speed and articulation of the movement.
AlphaSphere
The AlphaSphere is a spherical instrument that consists of 48 tactile pads that respond to pressure as well as touch. Custom software allows the pads to be indefinitely programmed individually or by groups in terms of function, note, and pressure parameter among many other settings. The primary concept of the AlphaSphere is to increase the level of expression available to electronic musicians, by allowing for the playing style of a musical instrument.
Chip music
Chiptune, chipmusic, or chip music is music written in sound formats where many of the sound textures are synthesized or sequenced in real time by a computer or video game console sound chip, sometimes including sample-based synthesis and low bit sample playback. Many chip music devices featured synthesizers in tandem with low rate sample playback.
DIY culture
During the late 1970s and early 1980s, DIY (Do it yourself) designs were published in hobby electronics magazines (notably the Formant modular synth, a DIY clone of the Moog system, published by Elektor) and kits were supplied by companies such as Paia in the US, and Maplin Electronics in the UK.
Circuit bending
In 1966, Reed Ghazala discovered and began to teach math "circuit bending"—the application of the creative short circuit, a process of chance short-circuiting, creating experimental electronic instruments, exploring sonic elements mainly of timbre and with less regard to pitch or rhythm, and influenced by John Cage’s aleatoric music concept.[36]
Much of this manipulation of circuits directly, especially to the point of destruction, was pioneered by Louis and Bebe Barron in the early 1950s, such as their work with John Cage on the Williams Mix and especially in the soundtrack to Forbidden Planet.
Modern circuit bending is the creative customization of the circuits within electronic devices such as low voltage, battery-powered guitar effects, children's toys and small digital synthesizers to create new musical or visual instruments and sound generators. Emphasizing spontaneity and randomness, the techniques of circuit bending have been commonly associated with noise music, though many more conventional contemporary musicians and musical groups have been known to experiment with "bent" instruments. Circuit bending usually involves dismantling the machine and adding components such as switches and potentiometers that alter the circuit. With the revived interest for analogue synthesizer circuit bending became a cheap solution for many experimental musicians to create their own individual analogue sound generators. Nowadays many schematics can be found to build noise generators such as the Atari Punk Console or the Dub Siren as well as simple modifications for children toys such as the famous Speak & Spell that are often modified by circuit benders.
Modular synthesizers
The modular synthesizer is a type of synthesizer consisting of separate interchangeable modules. These are also available as kits for hobbyist DIY constructors. Many hobbyist designers also make available bare PCB boards and front panels for sale to other hobbyists.
2010s
This section needs expansion. You can help by adding to it. (December 2010) |
According to a forum post in December 2010, Sixense Entertainment is working on musical control with the Sixense TrueMotion motion controller. Immersive virtual musical instruments, or immersive virtual instruments for music and sound aim to represent musical events and sound parameters in a virtual reality so that they can be perceived not only through auditory feedback but also visually in 3D and possibly through tactile as well as haptic feedback, allowing the development of novel interaction metaphors beyond manipulation such as prehension.
See also
- Electronic music
- Experimental musical instrument
- Live electronic music
- Visual Music
- Organizations
- STEIM
- Technologies
- Oscilloscope
- Stereophonic sound
- Individual techniques
- Chiptune
- Circuit bending
- Instrument families
- Drum machine
- Synthesizer
- Analog synthesizer
- Vocoder
- Individual instruments (historical)
- Electronic Sackbut
- Continuum Fingerboard
- Spharophon
- Individual instruments (modern)
- Atari Punk Console
- Kraakdoos
- Metronome
- Razer Hydra
- Electronic music-instruments in Indian & Asian traditional music
- Electronic tanpura
- Shruti box
References
- ^ Galpin, Francis William (1940), The History of Musical Instruments
- ^ Galpin, Francis William (1937), A Textbook of European Musical Instruments
- ^ Kartomi, Margaret (1990), On Concepts and Classifications of Musical Instruments
- ^ Ellingson, Terry (1979), PhD dissertation
- ^ Electronic Musical Instrument 1870 - 1990, 2005, archived from the original on 2007-05-02, retrieved 2007-04-09
- ^ a b Chadabe, Joel (February 2000), The Electronic Century Part I: Beginnings, Electronic Musician, pp. 74–89, archived from the original on 2011-04-07, retrieved 2011-03-02
- ^ Vail, Mark (November 1, 2002), Eugeniy Murzin's ANS — Additive Russian synthesizer, Keyboard Magazine, p. 120
- ^ All the preceding instruments except those of Darreg and Murzin described in P. Scholes, The Oxford Companion to Music, 10th Ed. OUP, p.322
- ^ Manning, Peter (2004), Electronic and Computer Music, Oxford University Press US, pp. 129–132, ISBN 0-19-514484-8
- ^ Weidenaar, Reynold (1995). Magic Music from the Telharmonium. Metuchen, New Jersey: Scarecrow Press. ISBN 9780810826922.
- ^ Herbert Russcol, The Liberation of Sound: An Introduction to Electronic Music ( Englewood Cliffs, New Jersey: Prentice-Hall, 1972): 68.
- ^ Russcol 1972, 70.
- ^ Vail, Mark (October 1, 2003), Buchla Music Easel — Portable performance synthesizer, Keyboard Magazine, p. 108
- ^ Glinsky, Albert (2000), Theremin: Ether Music and Espionage, University of Illinois Press, p. 293, ISBN 0-252-02582-2
- ^ 1970 Robert Moog Moog Music Minimoog Synthesizer, Mix Magazine, September 1, 2006, archived from the original on 27 July 2018
- ^ Montanaro, Larisa Katherine (May 2004). "A Singer's Guide to Performing Works for Voice and Electronics, PhD thesis Doctor of Musical Arts" (PDF). The University of Texas at Austin. Archived from the original (PDF) on 2008-09-11. Retrieved 2008-06-28.
In 1969, a portable version of the studio Moog, called the Minimoog, became the most widely used synthesizer in both popular music and electronic art music
- ^ Wells, Peter (2004), A Beginner's Guide to Digital Video, AVA Books (UK), p. 10, ISBN 2-88479-037-3
- ^ "Mellotron Mark VI (1999-) Images". Mellotron (Canada). — Note: It has a speed selector switch on the red logo.
- ^ "Streetly Mellotron M4000". Sound on Sound (October 2007).
Mellotron M4000's control panel identical to the M400's, aside from the addition of four buttons and an LED display to operate the cycling mechanism.
- ^ "Digital Mellotron M4000D". Mellotron (Canada).
The front panel user interface has 2 TFT-displays of high quality and are capable of showing pictures of the actual instruments.
- ^ "Electronic music": Dictionary.com Unabridged (v 1.1). Random House, Inc. (accessed: August 19, 2007)
- ^ Chowning, John M. (September 1973). "The Synthesis of Complex Audio Spectra by Means of Frequency Modulation" (PDF). Journal of the Audio Engineering Society. 21 (7): 526–534.
- ^ Petzold, Charles (November 29, 1988). "Riding the Wave of Sound Synthesis: The Origins of FM Synthesis". PC Magazine. p. 232.
- ^ "Yamaha GS1 & DX1". Sound on Sound. June 2001. Archived from the original on 2007-09-29. Retrieved 2008-04-10.
- ^ Le Heron, Richard B.; Harrington, James W. (2005), New Economic Spaces: New Economic Geographies, Ashgate Publishing, p. 41, ISBN 0-7546-4450-2
- ^ Three Yamaha Products That Reshaped the Industry Mark 20th Anniversary, Music Trades, February 2004, pp. 70–74, archived from the original on 2008-10-19
- ^ Colbeck, Julian (June 1997), Keyfax The Omnibus Edition, Hal Leonard Corporation, p. 208, ISBN 0-918371-08-2
- ^ Aikin, Jim (2003), Software Synthesizers: The Definitive Guide to Virtual Musical Instruments, Backbeat Books, p. 4, ISBN 0-87930-752-8
- ^ Holloway, David (July 1, 2006), Fairlight's Peter Vogel, Keyboard Magazine, p. 104
- ^ Scott, David (May 1984), Music computer - you draw sounds you want to hear, Popular Science, p. 154
- ^ 1979 Fairlight CMI, Mix Magazine, September 1, 2006, archived from the original on May 3, 2008, retrieved 2008-05-30
- ^ Battino, David; Richards, Kelli (2005), The Art of Digital Music, Backbeat Books, p. 58, ISBN 0-87930-830-3
- ^ Porter, Martin (July 1984). "The Impact of the Kurzweil 250". Computers & Electronics. Ziff Davis. pp. 42–43.
- ^ Schwartz, Elliot (1975). Electronic Music: A Listener's Guide. Praeger. p. 88. ISBN 9780275537302.
- ^ Ozab, David (2000). "Beyond the Barline". ATPM.
- ^ Yabsley, Alex (2007-08-08). "Back to the 8 bit: A Study of Electronic Music Counter-culture". Game Music 4 All.
This element of embracing errors is at the centre of Circuit Bending, it is about creating sounds that are not supposed to happen and not supposed to be heard (Gard, 2004). In terms of musicality, as with electronic art music, it is primarily concerned with timbre and takes little regard of pitch and rhythm in a classical sense. ... . In a similar vein to Cage’s aleatoric music, the art of Bending is dependent on chance, when a person prepares to bend they have no idea of the final outcome.
External links
- 120 Years of Electronic Music
- A chronology of computer and electronic music (including instruments)
- History of Electronic Music (French)
- Tons of Tones !! : Site with technical data on Electronic Modelling of Musical Tones Archived 2011-08-31 at the Wayback Machine
DIY
- DIY Hardware and Software Discussion forum at Electro-music.com
- The Synth-DIY email list
- Ken Stone's Do-It-Yourself Page
- Music From Outer Space Archived 2006-01-11 at the Wayback Machine Information and parts to self-build a synthesizer.
- SDIY wiki a wiki about DIY electronic musical instruments
Visit-able museums and collections
- Horniman Museum's music gallery, London, UK. Has one or two synths behind glass.
- Moogseum, Asheville, North Carolina, USA
- Musical Museum, Brentford, London, UK. Mostly electro-mechanical instruments.
- Musical Instrument Museum, Phoenix, Arizona, USA
- Staatliches Institut für Musikforschung, Berlin, Germany
- Swiss Museum & Center for Electronic Music Instruments
- The National Music Centre Collection, Canada
- Vintage Synthesizer Museum, California, USA
- Washington And Lee University Synthesizer Museum Archived 2018-08-15 at the Wayback Machine, Washington, USA
- Electronic musical instruments
- Popular music
- Electronic dance music
- Audio engineering
