La cinematografía (del griego antiguo κίνημα, kìnema "movimiento" y γράφειν, gràphein "escribir") es el arte de la fotografía cinematográfica y la filmación, ya sea electrónicamente mediante un sensor de imagen o químicamente mediante un material sensible a la luz como como material de película . [1] Los directores de fotografía utilizan una lente para enfocar la luz reflejada de los objetos en una imagen real que se transfiere a algún sensor de imagen o material sensible a la luz dentro de una cámara de cine . Estas exposicionesse crean secuencialmente y se conservan para su posterior procesamiento y visualización como una película . La captura de imágenes con un sensor de imagen electrónico produce una carga eléctrica por cada píxel de la imagen, que se procesa electrónicamente y se almacena en un archivo de video para su posterior procesamiento o visualización. Las imágenes capturadas con emulsión fotográfica resultado de una serie de invisibles imágenes latentes en la acción de la película, que son químicamente " desarrollaron " en una imagen visible . Las imágenes de la película se proyectan para ver la película.
La cinematografía encuentra usos en muchos campos de la ciencia y los negocios , así como con fines de entretenimiento y comunicación masiva .
Historia
Precursores
En la década de 1830, se inventaron tres soluciones diferentes para imágenes en movimiento sobre el concepto de tambores y discos giratorios, el estroboscopio de Simon von Stampfer en Austria, el fenaquistoscopio de Joseph Plateau en Bélgica y el zoótropo de William Horner en Gran Bretaña.
En 1845, Francis Ronalds inventó la primera cámara exitosa capaz de realizar grabaciones continuas de las diferentes indicaciones de los instrumentos meteorológicos y geomagnéticos a lo largo del tiempo. Las cámaras se suministraron a numerosos observatorios de todo el mundo y algunas permanecieron en uso hasta bien entrado el siglo XX. [2] [3] [4]
William Lincoln patentó un dispositivo, en 1867, que mostraba imágenes animadas llamadas "rueda de la vida" o " zoopraxiscopio ". En él se observaban dibujos en movimiento o fotografías a través de una rendija.
El 19 de junio de 1878, Eadweard Muybridge fotografió con éxito un caballo llamado " Sallie Gardner " en cámara rápida utilizando una serie de 24 cámaras estereoscópicas. Las cámaras estaban dispuestas a lo largo de una pista paralela a la del caballo, y cada obturador de la cámara estaba controlado por un cable disparador activado por los cascos del caballo. Estaban a 21 pulgadas de distancia para cubrir los 20 pies tomados por el paso del caballo, tomando fotografías a una milésima de segundo. [5] Al final de la década, Muybridge había adaptado secuencias de sus fotografías a un zoopraxiscopio para "películas" proyectadas, cortas y primitivas, que fueron sensaciones en sus giras de conferencias en 1879 o 1880.
Cuatro años después, en 1882, el científico francés Étienne-Jules Marey inventó una pistola cronofotográfica, que era capaz de tomar 12 fotogramas consecutivos por segundo, registrando todos los fotogramas de la misma imagen.
El final del siglo XIX y principios del XX trajo consigo el uso de películas no solo con fines de entretenimiento, sino también para la exploración científica. El biólogo y cineasta francés Jean Painleve presionó fuertemente por el uso de la película en el campo científico, ya que el nuevo medio era más eficiente para capturar y documentar el comportamiento, el movimiento y el entorno de microorganismos, células y bacterias que a simple vista. [6] La introducción de la película en los campos científicos permitió no solo visualizar "nuevas imágenes y objetos, como células y objetos naturales, sino también visualizarlos en tiempo real", [6] mientras que antes de la invención del movimiento imágenes, tanto los científicos como los médicos tenían que confiar en bocetos hechos a mano de la anatomía humana y sus microorganismos. Esto supuso un gran inconveniente en el mundo de la ciencia y la medicina. El desarrollo de películas y un mayor uso de cámaras permitió a los médicos y científicos comprender y conocer mejor sus proyectos. [ cita requerida ]
Cinematografía cinematográfica
La película experimental Roundhay Garden Scene , filmada por Louis Le Prince el 14 de octubre de 1888 en Roundhay , Leeds , Inglaterra, es la película más antigua que se conserva. [7] Esta película se rodó en papel. [8]
Una cámara de película experimental fue desarrollada por el inventor británico William Friese Greene y patentada en 1889. [9] WKL Dickson , bajo la dirección de Thomas Alva Edison , fue la primera en diseñar un aparato exitoso, el Kinetograph , [10] patentado en 1891 . [11] Esta cámara tomó una serie de fotografías instantáneas en emulsión fotográfica estándar Eastman Kodak recubiertas sobre una transparente tira de celuloide de 35 mm de ancho. Los resultados de este trabajo se mostraron por primera vez en público en 1893, utilizando el aparato de visualización también diseñado por Dickson, el Kinetoscopio . Contenida dentro de una caja grande, solo una persona a la vez que mirara a través de una mirilla podía ver la película.
Al año siguiente, Charles Francis Jenkins y su proyector, el Phantoscope , [12] lograron una audiencia exitosa mientras Louis y Auguste Lumière perfeccionaban el Cinématographe , un aparato que tomó, imprimió y proyectó películas en París en diciembre de 1895. [ 13] Los hermanos Lumière fueron los primeros en presentar imágenes proyectadas, en movimiento, fotográficas, a una audiencia de pago de más de una persona.
En 1896 se abren salas de cine en Francia ( París , Lyon , Burdeos , Niza , Marsella ); Italia ( Roma , Milán , Nápoles , Génova , Venecia , Bolonia , Forlì ); Bruselas ; y Londres . Las mejoras cronológicas en el medio pueden enumerarse de forma concisa. En 1896, Edison mostró su proyector Vitascope mejorado, el primer proyector comercialmente exitoso en los EE. UU. Cooper Hewitt inventó las lámparas de mercurio que hicieron práctico filmar películas en interiores sin luz solar en 1905. La primera caricatura animada se produjo en 1906. Los créditos comenzaron a aparecer en el comienzo de las películas cinematográficas en 1911. La cámara de cine Bell and Howell 2709, inventada en 1915, permitió a los directores hacer primeros planos sin mover físicamente la cámara. A finales de la década de 1920, la mayoría de las películas producidas eran películas sonoras. Los formatos de pantalla ancha se experimentaron por primera vez en la década de 1950. En la década de 1970, la mayoría de las películas eran películas en color. IMAX y otros formatos de 70 mm ganaron popularidad. La amplia distribución de películas se convirtió en algo común, lo que sentó las bases para los "éxitos de taquilla". La cinematografía cinematográfica dominó la industria cinematográfica desde sus inicios hasta la década de 2010, cuando la cinematografía digital se volvió dominante. La cinematografía cinematográfica todavía es utilizada por algunos directores, especialmente en aplicaciones específicas o por afición al formato. [ cita requerida ]
En blanco y negro
Desde su nacimiento en la década de 1880, las películas fueron predominantemente monocromas. Contrariamente a la creencia popular, monocromo no siempre significa blanco y negro; significa una película filmada en un solo tono o color. Dado que el costo de las bases de película tintadas era sustancialmente más alto, la mayoría de las películas se produjeron en monocromo en blanco y negro. Incluso con la llegada de los primeros experimentos de color, el mayor gasto en color significó que las películas se hicieran principalmente en blanco y negro hasta la década de 1950, cuando se introdujeron procesos de color más baratos y, en algunos años, el porcentaje de películas filmadas en color superó el 51%. En la década de 1960, el color se convirtió, con mucho, en el material cinematográfico dominante. En las próximas décadas, el uso de películas en color aumentó considerablemente, mientras que las películas monocromáticas se volvieron escasas.
Color
Después de la llegada de las películas cinematográficas, se invirtió una enorme cantidad de energía en la producción de fotografías en color natural. [14] La invención de la imagen hablada aumentó aún más la demanda del uso de la fotografía en color. Sin embargo, en comparación con otros avances tecnológicos de la época, la llegada de la fotografía en color fue un proceso relativamente lento. [15]
Las primeras películas no eran en realidad películas en color, ya que se filmaron en monocromo y posteriormente coloreadas a mano o coloreadas a máquina. (Estas películas se denominan en color y no en color ). El primer ejemplo de este tipo es Annabelle Serpentine Dance teñida a mano en 1895 por Edison Manufacturing Company . El teñido a máquina más tarde se hizo popular. El teñido continuó hasta el advenimiento de la cinematografía de color natural en la década de 1910. Muchas películas en blanco y negro se han coloreado recientemente con tintado digital. Esto incluye metraje de las dos guerras mundiales, eventos deportivos y propaganda política. [ cita requerida ]
En 1902, Edward Raymond Turner produjo las primeras películas con un proceso de color natural en lugar de utilizar técnicas de coloración. [16] En 1908, se introdujo kinemacolor . Ese mismo año, el cortometraje A Visit to the Seaside se convirtió en la primera película en color natural que se presentó públicamente. [ cita requerida ]
En 1917, se introdujo la primera versión de Technicolor . Kodachrome se introdujo en 1935. Eastmancolor se introdujo en 1950 y se convirtió en el estándar de color durante el resto del siglo. [ cita requerida ]
En la década de 2010, las películas en color fueron reemplazadas en gran medida por la cinematografía digital en color. [ cita requerida ]
Cinematografía digital
En la cinematografía digital, la película se graba en medios digitales , como el almacenamiento flash , y se distribuye a través de un medio digital, como un disco duro .
La base de las cámaras digitales son los sensores de imagen de semiconductores de óxido metálico (MOS) . [17] El primer sensor de imagen de semiconductores práctico fue el dispositivo de carga acoplada (CCD), [18] basado en la tecnología de condensadores MOS . [17] Tras la comercialización de los sensores CCD a finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, la industria del entretenimiento comenzó lentamente a realizar una transición hacia la imagen digital y el video digital durante las siguientes dos décadas. [19] El CCD fue seguido por el sensor CMOS de píxeles activos ( sensor CMOS ), [20] desarrollado en la década de 1990. [21] [22]
A fines de la década de 1980, Sony comenzó a comercializar el concepto de " cinematografía electrónica ", utilizando sus cámaras de video profesionales analógicas Sony HDVS . El esfuerzo tuvo muy poco éxito. Sin embargo, esto llevó a uno de los primeros largometrajes filmados digitalmente, Julia y Julia (1987). [ cita requerida ] En 1998, con la introducción de grabadoras HDCAM y cámaras de video profesionales digitales de 1920 × 1080 píxeles basadas en tecnología CCD, la idea, ahora rebautizada como "cinematografía digital", comenzó a ganar terreno. [ cita requerida ]
Filmado y lanzado en 1998, algunos creen que The Last Broadcast es el primer video de largometraje filmado y editado completamente en equipos digitales de nivel de consumidor. [23] En mayo de 1999, George Lucas desafió la supremacía del medio cinematográfico por primera vez al incluir metraje filmado con cámaras digitales de alta definición en Star Wars: Episodio I - La amenaza fantasma . A finales de 2013, Paramount se convirtió en el primer estudio importante en distribuir películas a los cines en formato digital, eliminando por completo las películas de 35 mm. Desde entonces, la demanda de películas que se desarrollen en formato digital en lugar de 35 mm ha aumentado significativamente. [ cita requerida ]
A medida que mejoraba la tecnología digital, los estudios cinematográficos comenzaron a cambiar cada vez más hacia la cinematografía digital. Desde la década de 2010, la cinematografía digital se ha convertido en la forma dominante de cinematografía después de superar en gran medida a la cinematografía cinematográfica. [ cita requerida ]
Aspectos
Numerosos aspectos contribuyen al arte de la cinematografía, entre ellos:
Técnica de cine
Las primeras cámaras de película se sujetaron directamente a la cabeza de un trípode u otro soporte, con solo el tipo más tosco de dispositivos de nivelación proporcionados, a la manera de los cabezales de trípode de cámara fija de la época. Por tanto, las primeras cámaras de película se fijaron de forma eficaz durante la toma y, por tanto, los primeros movimientos de la cámara fueron el resultado de montar una cámara en un vehículo en movimiento. La primera conocida de ellas fue una película filmada por un camarógrafo de Lumière desde la plataforma trasera de un tren que salía de Jerusalén en 1896, y para 1898, había varias películas filmadas desde trenes en movimiento. Aunque se enumeran bajo el título general de "panoramas" en los catálogos de ventas de la época, las películas filmadas directamente frente a una locomotora de ferrocarril se conocían específicamente como " paseos fantasmas ".
En 1897, Robert W. Paul hizo que se hiciera el primer cabezal de cámara giratorio real para colocarlo en un trípode, de modo que pudiera seguir las procesiones que pasaban del Jubileo de Diamante de la reina Victoria en una toma ininterrumpida. Este dispositivo tenía la cámara montada en un eje vertical que podía ser girado por un engranaje helicoidal accionado girando una manivela, y Paul lo puso a la venta general el año siguiente. En los catálogos de películas de la primera década del cine también se hacía referencia a las tomas tomadas con un cabezal "panorámico" como "panoramas". Esto finalmente llevó a la creación de una foto panorámica también.
El patrón estándar para los primeros estudios cinematográficos lo proporcionó el estudio que Georges Méliès había construido en 1897. Este tenía un techo de vidrio y tres paredes de vidrio construidas según el modelo de los grandes estudios de fotografía fija, y estaba equipado con telas finas de algodón que podían ser estirado por debajo del techo para difundir el rayo de sol directo en los días soleados. La suave luz general sin sombras reales que producía esta disposición, y que también existe de forma natural en los días ligeramente nublados, se convertiría en la base de la iluminación cinematográfica en los estudios cinematográficos durante la próxima década.
Sensor de imagen y material de película
La cinematografía puede comenzar con un sensor de imagen digital o rollos de película. Los avances en la emulsión de la película y la estructura del grano proporcionaron una amplia gama de materiales de película disponibles . La selección de una película es una de las primeras decisiones que se toman al preparar una producción cinematográfica típica.
Aparte de la selección del calibre de la película ( 8 mm (aficionado), 16 mm (semiprofesional), 35 mm (profesional) y 65 mm (fotografía épica, rara vez utilizada excepto en lugares para eventos especiales), el director de fotografía tiene una selección de acciones en reversión (que, cuando se revela, crea una imagen positiva) y formatos negativos junto con una amplia gama de velocidades de película (sensibilidad variable a la luz) desde ISO 50 (lento, menos sensible a la luz) a 800 (muy rápido, extremadamente sensible a la luz) ) y respuesta diferente al color (baja saturación , alta saturación) y contraste (niveles variables entre negro puro (sin exposición) y blanco puro (sobreexposición completa). Los avances y ajustes en casi todos los calibres de película crean los formatos "super" en los que El área de la película utilizada para capturar un solo fotograma de una imagen se expande, aunque el calibre físico de la película sigue siendo el mismo. Super 8 mm , Super 16 mm y Super 35 mm utilizan una mayor parte del área total de la película para la imagen que su recuento "regular" de no super erparts. Cuanto mayor sea el calibre de la película, mayor será la claridad de la resolución general de la imagen y la calidad técnica. Las técnicas utilizadas por el laboratorio de películas para procesar la película también pueden ofrecer una variación considerable en la imagen producida. Controlando la temperatura y variando la duración de la inmersión de la película en los productos químicos de revelado, y omitiendo ciertos procesos químicos (o saltándolos parcialmente todos), los directores de fotografía pueden lograr un aspecto muy diferente con una sola película en el laboratorio. Algunas técnicas que se pueden utilizar son el procesamiento por presión , la derivación del blanqueador y el procesamiento cruzado .
La mayor parte del cine moderno utiliza cinematografía digital y no tiene existencias de películas [ cita requerida ] , pero las cámaras en sí pueden ajustarse de maneras que van mucho más allá de las capacidades de una película en particular. Pueden proporcionar diversos grados de sensibilidad al color, contraste de imagen, sensibilidad a la luz, etc. Una cámara puede lograr todos los aspectos de diferentes emulsiones. Los ajustes de imagen digital, como ISO y contraste, se ejecutan estimando los mismos ajustes que tendrían lugar si se estuviera usando una película real y, por lo tanto, son vulnerables a las percepciones de los diseñadores de sensores de la cámara sobre varias películas y parámetros de ajuste de imagen.
Filtros
Los filtros , como los filtros de difusión o los filtros de efectos de color, también se utilizan ampliamente para mejorar el estado de ánimo o los efectos dramáticos. La mayoría de los filtros fotográficos se componen de dos piezas de vidrio óptico pegadas con algún tipo de material de manipulación de imagen o luz entre el vidrio. En el caso de los filtros de color, a menudo hay un medio de color translúcido presionado entre dos planos de vidrio óptico. Los filtros de color funcionan bloqueando ciertas longitudes de onda de luz de color para que no lleguen a la película. Con la película en color, esto funciona de manera muy intuitiva en el que un filtro azul reducirá el paso de la luz roja, naranja y amarilla y creará un tinte azul en la película. En la fotografía en blanco y negro, los filtros de color se utilizan de forma algo contraria a la intuición; por ejemplo, se puede utilizar un filtro amarillo, que reduce las longitudes de onda de la luz azul, para oscurecer un cielo diurno (eliminando la luz azul que incide en la película, lo que subexponiendo en gran medida el cielo mayoritariamente azul) sin sesgar la mayor parte del tono de la piel humana. Los filtros se pueden utilizar delante de la lente o, en algunos casos, detrás de la lente para diferentes efectos.
Algunos directores de fotografía, como Christopher Doyle , son bien conocidos por su uso innovador de filtros; Doyle fue un pionero en el aumento del uso de filtros en las películas y es muy respetado en todo el mundo del cine.
Lente
Las lentes se pueden acoplar a la cámara para dar un cierto aspecto, sensación o efecto mediante el enfoque, el color, etc. Al igual que el ojo humano , la cámara crea relaciones de perspectiva y espaciales con el resto del mundo. Sin embargo, a diferencia del ojo de uno, un director de fotografía puede seleccionar diferentes lentes para diferentes propósitos. La variación en la distancia focal es uno de los principales beneficios. La distancia focal del objetivo determina el ángulo de visión y, por tanto, el campo de visión . Los directores de fotografía pueden elegir entre una gama de lentes gran angular , lentes "normales" y lentes de enfoque largo , así como lentes macro y otros sistemas de lentes de efectos especiales como lentes de boroscopio . Las lentes gran angular tienen distancias focales cortas y hacen que las distancias espaciales sean más obvias. Una persona en la distancia se muestra mucho más pequeña, mientras que alguien en el frente se verá más grande. Por otro lado, las lentes de enfoque largo reducen tales exageraciones, representando objetos lejanos aparentemente juntos y aplanando la perspectiva. Las diferencias entre la representación en perspectiva no se deben en realidad a la distancia focal en sí misma, sino a la distancia entre los sujetos y la cámara. Por lo tanto, el uso de diferentes distancias focales en combinación con diferentes distancias de la cámara al sujeto crea estos diferentes renderizados. Cambiar la distancia focal solo mientras se mantiene la misma posición de la cámara no afecta la perspectiva, sino solo el ángulo de visión de la cámara .
Una lente de zoom permite al operador de la cámara cambiar su distancia focal dentro de una toma o rápidamente entre configuraciones para tomas. Como las lentes de focal fija ofrecen una mayor calidad óptica y son "más rápidas" (aberturas de mayor apertura, utilizables con menos luz) que las lentes con zoom, a menudo se emplean en la cinematografía profesional sobre las lentes con zoom. Ciertas escenas o incluso tipos de filmación, sin embargo, pueden requerir el uso de zooms para mayor velocidad o facilidad de uso, así como tomas que involucran un movimiento de zoom.
Como en otras fotografías, el control de la imagen expuesta se realiza en la lente con el control de la apertura del diafragma . Para una selección adecuada, el director de fotografía necesita que todos los lentes estén grabados con T-stop , no f-stop para que la eventual pérdida de luz debido al vidrio no afecte el control de exposición al configurarlo usando los medidores habituales. La elección de la apertura también afecta la calidad de la imagen (aberraciones) y la profundidad de campo.
Profundidad de campo y enfoque
La longitud focal y la apertura del diafragma afectan la profundidad de campo de una escena, es decir, cuánto se representarán el fondo, el medio y el primer plano con un "enfoque aceptable" (solo un plano exacto de la imagen tiene un enfoque preciso) en el objetivo de película o video. La profundidad de campo (que no debe confundirse con la profundidad de enfoque ) está determinada por el tamaño de apertura y la distancia focal. Se genera una profundidad de campo grande o profunda con una apertura de iris muy pequeña y enfocando un punto en la distancia, mientras que se logrará una profundidad de campo baja con una apertura de iris grande (abierta) y enfocando más cerca de la lente. La profundidad de campo también se rige por el tamaño del formato. Si se considera el campo de visión y el ángulo de visión, cuanto más pequeña es la imagen, más corta debe ser la distancia focal, para mantener el mismo campo de visión. Entonces, cuanto más pequeña es la imagen, más profundidad de campo se obtiene, para el mismo campo de visión. Por lo tanto, 70 mm tiene menos profundidad de campo que 35 mm para un campo de visión determinado, 16 mm más de 35 mm, y las primeras cámaras de video, así como la mayoría de las cámaras de video modernas para consumidores, tienen incluso más profundidad de campo que 16 mm.
En Citizen Kane (1941), el director de fotografía Gregg Toland y el director Orson Welles utilizaron aperturas más estrechas para crear cada detalle del primer plano y el fondo de los decorados con un enfoque nítido. Esta práctica se conoce como enfoque profundo . El enfoque profundo se convirtió en un dispositivo cinematográfico popular a partir de la década de 1940 en Hollywood. Hoy en día, la tendencia es un enfoque más superficial . Cambiar el plano de enfoque de un objeto o personaje a otro dentro de una toma se conoce comúnmente como enfoque de rack .
Al principio de la transición a la cinematografía digital, la incapacidad de las cámaras de video digitales para lograr fácilmente una profundidad de campo reducida, debido a sus pequeños sensores de imagen, fue inicialmente un problema de frustración para los cineastas que intentaban emular el aspecto de una película de 35 mm. Se idearon adaptadores ópticos que lograron esto montando una lente de formato más grande que proyectaba su imagen, en el tamaño del formato más grande, en una pantalla de vidrio esmerilado preservando la profundidad de campo. Luego, el adaptador y la lente se montaron en la cámara de video de formato pequeño que a su vez se enfocó en la pantalla de vidrio esmerilado.
Las cámaras digitales SLR tienen sensores de tamaños similares a los del fotograma de película de 35 mm y, por lo tanto, pueden producir imágenes con una profundidad de campo similar. El advenimiento de las funciones de video en estas cámaras provocó una revolución en la cinematografía digital, con más y más cineastas adoptando cámaras fijas para este propósito debido a las cualidades cinematográficas de sus imágenes. Más recientemente, se están equipando cada vez más cámaras de video dedicadas con sensores más grandes capaces de una profundidad de campo similar a una película de 35 mm.
Relación de aspecto y encuadre
La relación de aspecto de una imagen es la relación entre su ancho y su altura. Esto se puede expresar como una proporción de 2 números enteros, como 4: 3, o en formato decimal, como 1,33: 1 o simplemente 1,33. Diferentes proporciones proporcionan diferentes efectos estéticos. Los estándares de relación de aspecto han variado significativamente a lo largo del tiempo.
Durante la era del cine mudo, las relaciones de aspecto variaron ampliamente, desde el cuadrado 1: 1 hasta la pantalla panorámica extrema 4: 1 Polyvision . Sin embargo, a partir de la década de 1910, las películas mudas generalmente se establecieron en una proporción de 4: 3 (1,33). La introducción del sonido en la película redujo brevemente la relación de aspecto para dejar espacio para una banda de sonido. En 1932, se introdujo un nuevo estándar, el ratio Academy de 1,37, mediante el engrosamiento de la línea del marco .
Durante años, los directores de fotografía convencionales se limitaron a utilizar la proporción de la Academia, pero en la década de 1950, gracias a la popularidad de Cinerama , se introdujeron las proporciones de pantalla ancha en un esfuerzo por atraer al público al cine y alejarlo de sus televisores domésticos . Estos nuevos formatos de pantalla ancha proporcionaron a los directores de fotografía un marco más amplio para componer sus imágenes.
En la década de 1950 se inventaron y utilizaron muchos sistemas fotográficos patentados diferentes para crear películas de pantalla ancha, pero una película predominaba: el proceso anamórfico , que aprieta ópticamente la imagen para fotografiar dos veces el área horizontal al mismo tamaño vertical que las lentes "esféricas" estándar. El primer formato anamórfico comúnmente utilizado fue CinemaScope , que utilizaba una relación de aspecto de 2,35, aunque originalmente era de 2,55. CinemaScope se utilizó de 1953 a 1967, pero debido a fallas técnicas en el diseño y su propiedad por parte de Fox, varias compañías de terceros, lideradas por las mejoras técnicas de Panavision en la década de 1950, dominaron el mercado de lentes de cine anamórficos. Los cambios en los estándares de proyección SMPTE alteraron la proporción proyectada de 2,35 a 2,39 en 1970, aunque esto no cambió nada con respecto a los estándares anamórficos fotográficos; Todos los cambios con respecto a la relación de aspecto de la fotografía anamórfica de 35 mm son específicos del tamaño de la puerta de la cámara o del proyector, no del sistema óptico. Después de las "guerras de la pantalla panorámica" de la década de 1950, la industria cinematográfica se estableció en 1,85 como estándar para la proyección teatral en los Estados Unidos y el Reino Unido. Esta es una versión recortada de 1.37. Europa y Asia optaron por 1,66 al principio, aunque 1,85 ha permeado en gran medida estos mercados en las últimas décadas. Ciertas películas "épicas" o de aventuras utilizaron el 2.39 anamórfico (a menudo se denota incorrectamente como "2.40")
En la década de 1990, con el advenimiento del video de alta definición , los ingenieros de televisión crearon la relación 1.78 (16: 9) como un compromiso matemático entre el estándar teatral de 1.85 y el 1.33 de la televisión, ya que no era práctico producir un tubo de televisión CRT tradicional. con un ancho de 1,85. Hasta ese cambio, nunca se había originado nada en 1.78. Hoy en día, este es un estándar para video de alta definición y para televisión de pantalla ancha.
Encendiendo
La luz es necesaria para crear una exposición de imagen en un fotograma de película o en un objetivo digital (CCD, etc.). Sin embargo, el arte de la iluminación para la cinematografía va más allá de la exposición básica a la esencia de la narración visual. La iluminación contribuye considerablemente a la respuesta emocional que tiene la audiencia al ver una película. El mayor uso de filtros puede tener un gran impacto en la imagen final y afectar la iluminación.
Movimiento de la cámara
La cinematografía no solo puede representar un sujeto en movimiento, sino que también puede usar una cámara, que representa el punto de vista o la perspectiva del público, que se mueve durante el transcurso de la filmación. Este movimiento juega un papel considerable en el lenguaje emocional de las imágenes cinematográficas y en la reacción emocional del público a la acción. Las técnicas van desde los movimientos más básicos de panorámica (desplazamiento horizontal del punto de vista desde una posición fija; como girar la cabeza de lado a lado) e inclinación (desplazamiento vertical del punto de vista desde una posición fija; como inclinar la cabeza hacia atrás para mirar el el cielo o hacia abajo para mirar al suelo) a dollying (colocando la cámara en una plataforma en movimiento para moverlo más cerca o más lejos del sujeto), seguimiento (la colocación de la cámara en una plataforma en movimiento para mover hacia la izquierda o hacia la derecha), estirando (mover la cámara en posición vertical; poder levantarla del suelo y balancearla de lado a lado desde una posición de base fija), y combinaciones de los anteriores. Los primeros directores de fotografía a menudo se enfrentaban a problemas que no eran comunes a otros artistas gráficos debido al elemento de movimiento. [24]
Se han montado cámaras en casi todos los medios de transporte imaginables. La mayoría de las cámaras también pueden ser portátiles , es decir, en manos del operador de la cámara, que se mueve de una posición a otra mientras filma la acción. Las plataformas estabilizadoras personales surgieron a fines de la década de 1970 mediante la invención de Garrett Brown , que se conoció como Steadicam . La Steadicam es un arnés para el cuerpo y un brazo de estabilización que se conecta a la cámara, sosteniendo la cámara mientras la aísla de los movimientos corporales del operador. Después de que expiró la patente de Steadicam a principios de la década de 1990, muchas otras empresas comenzaron a fabricar su concepto de estabilizador de cámara personal. Esta invención es mucho más común en el mundo cinematográfico de hoy. Desde largometrajes hasta noticias de la noche, cada vez más redes han comenzado a utilizar un estabilizador de cámara personal.
Efectos especiales
Los primeros efectos especiales en el cine se crearon mientras se rodaba la película. Estos se conocieron como efectos " en la cámara ". Más tarde, se desarrollaron efectos ópticos y digitales para que los editores y artistas de efectos visuales pudieran controlar más estrictamente el proceso manipulando la película en la postproducción .
La película de 1896 La ejecución de Mary Stuart muestra a un actor vestido como la reina colocando su cabeza en el bloque de ejecución frente a un pequeño grupo de transeúntes con vestidos isabelinos. El verdugo baja su hacha y la cabeza cortada de la reina cae al suelo. Este truco se trabajó deteniendo la cámara y reemplazando al actor con un muñeco, luego reiniciando la cámara antes de que caiga el hacha. Las dos piezas de la película se recortaron y pegaron juntas para que la acción pareciera continua cuando se mostró la película, creando así una ilusión general y sentando con éxito las bases para los efectos especiales.
Esta película fue una de las exportadas a Europa con las primeras máquinas de kinetoscopio en 1895 y fue vista por Georges Méliès, que en ese momento realizaba espectáculos de magia en su Théâtre Robert-Houdin de París. Se inició en el cine en 1896 y, tras imitar otras películas de Edison, Lumière y Robert Paul, realizó Escamotage d'un dame chez Robert-Houdin ( La dama desaparecida ) . Esta película muestra a una mujer a la que hacen desaparecer utilizando la misma técnica de stop motion que la película anterior de Edison. Después de esto, Georges Méliès hizo muchas películas de un solo plano utilizando este truco durante los próximos dos años.
Exposición doble
La otra técnica básica para la cinematografía engañosa implica la doble exposición de la película en la cámara, que fue realizada por primera vez por George Albert Smith en julio de 1898 en el Reino Unido. The Corsican Brothers (1898) de Smith se describió en el catálogo de la Warwick Trading Company , que se hizo cargo de la distribución de las películas de Smith en 1900, así:
"Uno de los hermanos gemelos regresa a casa después de disparar en las montañas de Córcega, y es visitado por el fantasma del otro gemelo. Mediante una fotografía extremadamente cuidadosa, el fantasma aparece * bastante transparente *. Después de indicar que ha sido asesinado por una estocada de espada , y pidiendo venganza, desaparece. Entonces aparece una 'visión' que muestra el duelo fatal en la nieve. Para el asombro del corso, el duelo y la muerte de su hermano están vívidamente representados en la visión, y vencido por sus sentimientos, cae al suelo justo cuando su madre entra en la habitación ".
El efecto fantasma se realizó cubriendo el escenario con terciopelo negro después de que se filmó la acción principal, y luego volviendo a exponer el negativo con el actor que interpreta al fantasma pasando por las acciones en la parte apropiada. Del mismo modo, la visión, que apareció dentro de una viñeta circular o mate , se superpuso de manera similar sobre un área negra en el fondo de la escena, en lugar de sobre una parte del decorado con detalles en él, de modo que nada apareció a través de la imagen, lo que parecía bastante sólido. Smith volvió a utilizar esta técnica en Santa Claus (1898).
Georges Méliès utilizó por primera vez la superposición sobre un fondo oscuro en La Caverne maudite (La cueva de los demonios), realizada un par de meses después en 1898, y la elaboró con muchas superposiciones en un solo plano en Un Homme de têtes ( Las cuatro cabezas problemáticas ) . Creó más variaciones en películas posteriores.
Selección de velocidad de fotogramas
Las imágenes cinematográficas se presentan a la audiencia a una velocidad constante. En el cine es de 24 cuadros por segundo , en la televisión NTSC (EE.UU.) es de 30 cuadros por segundo (29,97 para ser exactos), en la televisión PAL (Europa) es de 25 cuadros por segundo. Esta velocidad de presentación no varía.
Sin embargo, al variar la velocidad a la que se captura la imagen, se pueden crear varios efectos sabiendo que la imagen grabada más rápida o más lenta se reproducirá a una velocidad constante. Dando al director de fotografía aún más libertad para la creatividad y la expresión.
Por ejemplo, la fotografía de lapso de tiempo se crea exponiendo una imagen a una velocidad extremadamente lenta. Si un director de fotografía configura una cámara para exponer un fotograma cada minuto durante cuatro horas, y luego ese metraje se proyecta a 24 fotogramas por segundo, un evento de cuatro horas tardará 10 segundos en presentarse y se pueden presentar los eventos de un día completo. (24 horas) en solo un minuto.
A la inversa, si una imagen se captura a velocidades superiores a las que se presentarán, el efecto es ralentizar mucho la imagen ( cámara lenta ). Si un director de fotografía dispara a una persona que se zambulle en una piscina a 96 fotogramas por segundo y esa imagen se reproduce a 24 fotogramas por segundo, la presentación tardará 4 veces más que el evento real. La cámara extremadamente lenta, la captura de muchos miles de fotogramas por segundo, puede presentar cosas normalmente invisibles para el ojo humano , como balas en vuelo y ondas de choque que viajan a través de los medios, una técnica cinematográfica potencialmente poderosa.
En las imágenes en movimiento, la manipulación del tiempo y el espacio es un factor que contribuye considerablemente a las herramientas de narración narrativa. La edición de películas juega un papel mucho más importante en esta manipulación, pero la selección de la velocidad de fotogramas en la fotografía de la acción original también es un factor que contribuye a alterar el tiempo. Por ejemplo, Charlie Chaplin 's Tiempos modernos fue disparado a una 'velocidad silenciosa'(18 fps), pero proyecta en 'la velocidad del sonido'(24 fps), lo que hace que la acción slapstick parece aún más frenético.
La rampa de velocidad , o simplemente "rampa", es un proceso mediante el cual la velocidad de fotogramas de captura de la cámara cambia con el tiempo. Por ejemplo, si en el transcurso de 10 segundos de captura, la velocidad de fotogramas de captura se ajusta de 60 fotogramas por segundo a 24 fotogramas por segundo, cuando se reproduce a la velocidad de película estándar de 24 fotogramas por segundo, un efecto de manipulación del tiempo único. se consigue. Por ejemplo, alguien que empuja una puerta para abrirla y sale a la calle parecería comenzar a cámara lenta , pero unos segundos más tarde dentro de la misma toma, la persona parecería caminar en "tiempo real" (velocidad normal). La aceleración opuesta se realiza en The Matrix cuando Neo vuelve a ingresar a Matrix por primera vez para ver el Oráculo. Cuando sale del "punto de carga" del almacén, la cámara se acerca a Neo a velocidad normal pero a medida que se acerca a la cara de Neo, el tiempo parece ralentizarse, presagiando la manipulación del tiempo mismo dentro de Matrix más adelante en la película.
Otras técnicas especiales
GA Smith inició la técnica del movimiento inverso y también mejoró la calidad de las imágenes que se motivan a sí mismo. Esto lo hizo repitiendo la acción por segunda vez mientras la filmaba con una cámara invertida y luego uniendo la cola del segundo negativo a la del primero. Las primeras películas que usaron esto fueron Tipsy, Topsy, Turvy y The Awkward Sign Painter , la última que mostraba a un pintor de letreros escribiendo un letrero, y luego la pintura del letrero desapareciendo bajo el pincel del pintor. El primer ejemplo que se conserva de esta técnica es La casa que construyó Jack , de Smith , realizada antes de septiembre de 1901. Aquí, se muestra a un niño derribando un castillo recién construido por una niña con bloques de construcción para niños. A continuación, aparece un título que dice "Invertido", y la acción se repite al revés para que el castillo se vuelva a erigir bajo sus golpes.
Cecil Hepworth mejoró esta técnica imprimiendo el negativo del movimiento hacia adelante hacia atrás cuadro por cuadro, de modo que en la producción de la impresión la acción original se invirtió exactamente. Hepworth hizo The Bathers en 1900, en la que los bañistas que se desnudaron y saltaron al agua parecen saltar hacia atrás y hacer que sus ropas vuelen mágicamente de regreso a sus cuerpos.
El uso de diferentes velocidades de cámara también apareció alrededor de 1900. En un automóvil fugitivo a través de Piccadilly Circus (1899) de Robert Paul , la cámara giraba tan lentamente que cuando la película se proyectaba a los 16 cuadros por segundo habituales, el paisaje parecía ser pasando a gran velocidad. Cecil Hepworth usó el efecto opuesto en El jefe indio y el polvo Seidlitz (1901), en el que un indio rojo ingenuo ingiere una gran cantidad de la medicina gaseosa para el estómago, lo que hace que su estómago se expanda y luego salte como un globo. Esto se hizo girando la cámara más rápido que los 16 fotogramas por segundo normales, dando el primer efecto de " cámara lenta ".
Personal
En orden descendente de antigüedad, está involucrado el siguiente personal:
- Director de fotografía, también llamado director de fotografía
- Operador de cámara, también llamado camarógrafo
- Primer asistente de cámara, también llamado extractor de enfoque
- Segundo asistente de cámara, también llamado cargador de badajo
En la industria cinematográfica, el director de fotografía es responsable de los aspectos técnicos de las imágenes (iluminación, elección de lentes, composición, exposición, filtración, selección de películas), pero trabaja en estrecha colaboración con el director para garantizar que la estética artística respalde la visión del director de la historia que se cuenta. Los directores de fotografía son los jefes de cámara, el equipo de agarre e iluminación en un set y, por esta razón, a menudo se les llama directores de fotografía o directores de fotografía. La Sociedad Estadounidense de Cinematógrafos define la cinematografía como un proceso creativo e interpretativo que culmina en la autoría de una obra de arte original en lugar de la simple grabación de un evento físico. La cinematografía no es una subcategoría de la fotografía. Más bien, la fotografía no es más que un oficio que el director de fotografía utiliza además de otros físicos, organizativos, administrativos e interpretativos. y técnicas de manipulación de imágenes para efectuar un proceso coherente. [25] En la tradición británica, si el director de fotografía opera la cámara él mismo, se le llama director de fotografía . En producciones más pequeñas, es común que una persona realice todas estas funciones sola. La progresión de la carrera generalmente implica subir la escalera desde el segundo, el primero y, finalmente, el funcionamiento de la cámara.
Los directores de fotografía toman muchas decisiones creativas e interpretativas durante el curso de su trabajo, desde la preproducción hasta la postproducción, todo lo cual afecta la sensación y el aspecto general de la película. Muchas de estas decisiones son similares a lo que un fotógrafo debe tener en cuenta al tomar una foto: el director de fotografía controla la elección de la película en sí (de una variedad de papeles disponibles con diferentes sensibilidades a la luz y al color), la selección de distancias focales de lentes, exposición de apertura. y enfoque. La cinematografía, sin embargo, tiene un aspecto temporal (ver persistencia de la visión ), a diferencia de la fotografía fija, que es puramente una sola imagen fija. También es más voluminoso y agotador tratar con cámaras de cine, e implica una gama de opciones más compleja. Como tal, un director de fotografía a menudo necesita trabajar en cooperación con más personas que un fotógrafo, que con frecuencia podría funcionar como una sola persona. Como resultado, el trabajo del director de fotografía también incluye la gestión de personal y la organización logística. Dado el conocimiento profundo, un director de fotografía requiere no solo de su propio oficio sino también del de otro personal, la instrucción formal en la realización de películas analógicas o digitales puede ser ventajosa. [26]
Ver también
- Película 3-D
- Premio de la Academia a la mejor fotografía
- Director de fotografía
- Cinematography Mailing List , un foro de comunicación para directores de fotografía
- Cine digital
- Película de ficción
- Equipo de la película
- Cinematografía
- Técnica cinematográfica de Kurosawa
- Teoría del cine
- Películas sobre cinematografía:
- Visiones de luz (1992)
- Estilo de director de fotografía (2006)
- Glosario de términos cinematográficos
- Historia del cine
- Lista de formatos de película
- Lista de técnicas cinematográficas
- Lista de temas relacionados con películas cinematográficas (lista alfabética extensa y glosario).
- Lista de cine del mundo
- Lista de temas relacionados con videos
- Esquema de la película
- Film fotográfico
- Efecto especial
- Videografia
Referencias
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enlaces externos
Manual de creación de películas: sección de cinematografía en Wikilibros- La historia de la cinematografía en Kodak.
- Burns, Paul. La historia del descubrimiento de la cinematografía
Manual de creación de películas: sección de cinematografía en Wikilibros