Irene Rice Pereira (5 de agosto de 1902 - 11 de enero de 1971) fue una artista abstracta , poeta y filósofa estadounidense [1] que desempeñó un papel importante en el desarrollo del modernismo en los Estados Unidos. [2] Es conocida por su trabajo en los géneros de abstracción geométrica , expresionismo abstracto y abstracción lírica , así como por su uso de los principios de la escuela Bauhaus . Sus pinturas y escritos fueron influenciados significativamente por las complejas corrientes intelectuales del siglo XX. [3]
I. Rice Pereira | |
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Nació | Irene Rice 5 de agosto de 1902 Chelsea, Massachusetts , Estados Unidos |
Fallecido | 11 de enero de 1971 Marbella , España | (68 años)
Nacionalidad | americano |
Educación | Art Students League of New York , Traphagen School of Fashion |
Conocido por | Pintura, escritura, poesía, filosofía |
Movimiento | Bauhaus |
Vida temprana
Pereira nació Irene Rice [4] el 5 de agosto de 1902 en Chelsea, Massachusetts , un suburbio de Boston, la mayor de tres hermanas y un hermano. [2] Durante su carrera, a menudo dio su año de nacimiento como 1907, que aparece en algunos documentos legales. [2] Pasó su infancia en Great Barrington, Massachusetts , donde pasó tiempo leyendo y escribiendo poesía. [2]
Después de la muerte de su padre en 1918, ella y su familia se mudaron a Brooklyn , Nueva York. En 1922 comenzó a trabajar como taquígrafa en la oficina de un contador para ayudar a mantener a su familia tras la muerte de su padre. [2] [3] Asistió brevemente a cursos de diseño de moda en la Escuela de Moda Traphagen y cursos nocturnos de literatura en la Universidad de Nueva York , y comenzó a tomar clases de arte nocturnas en la Escuela Secundaria Washington Irving de Manhattan. Se sumergió en el mundo bohemio de Greenwich Village y tuvo un breve romance con el poeta y novelista Maxwell Bodenheim . [2]
Inicios como artista
En 1927, se inscribió en clases nocturnas de arte en la Art Students League de la ciudad de Nueva York. Entre sus instructores en la Art Students League estaban Jan Matulka y Richard Lahey . En su clase de 1929, Matulka le brindó a Pereira su primera exposición a los principios artísticos de la vanguardia europea que darían forma a su obra; más notablemente los de la Bauhaus , el cubismo y el constructivismo (arte) . [2] En 1931, viajó a Europa y África del Norte para continuar sus estudios de pintura, asistiendo a sesiones en la Académie Moderne y estudiando con Amédée Ozenfant en París. [5] [6] También pasó un tiempo en Suiza e Italia. [2]
Después de regresar a Nueva York, estudió brevemente con Hans Hofmann en la Art Students League. [2] Sus amigos y colegas fueron Burgoyne Diller , Dorothy Dehner , David Smith , Hilla Rebay , Arshile Gorky , John D. Graham y Frederick Kiesler .
El laboratorio de diseño
En 1935, Pereira ayudó a fundar el Laboratorio de Diseño , una escuela cooperativa de diseño industrial establecida bajo los auspicios de la Administración de Progreso de Obras . El plan de estudios del Laboratorio de Diseño era similar al de la Bauhaus . Todos los estudiantes debían tomar un curso básico que incluía una introducción a la química, la física y los materiales de arte. [6] Los estudiantes experimentaron con materiales en laboratorios para comprender sus propiedades físicas. Se hizo hincapié en las consideraciones sociales y se les enseñó a los estudiantes las implicaciones sociales de los desarrollos tecnológicos junto con las clases de arte, música y literatura. [6] Pereira impartió clases de pintura, composición y síntesis de diseño. [3]
Continuó enseñando en el Laboratorio de Diseño cuando perdió el apoyo financiero de Works Progress Administration el 27 de junio de 1937. El 1 de julio de 1937, el Laboratorio de Diseño pasó a formar parte de la Escuela FAECT, ubicada en 114 E. 16th St. New York. [2] Cuando se reanudaron las clases el 27 de septiembre de 1937, la escuela se conocía como la Escuela Laboratorio de Diseño Industrial. Ella renunció a su cargo en octubre de 1939 [2].
Años intermedios y posteriores
Pereira pintó durante toda su vida. Sus pinturas obtuvieron reconocimiento por primera vez a principios de la década de 1930, cuando expuso en las ACA Galleries y el Whitney Museum of American Art en Nueva York. Con la exhibición en el Whitney, se convirtió en una de las primeras mujeres (junto con Loren MacIver y Georgia O'Keeffe ) en recibir una retrospectiva en un importante museo de Nueva York. [1] A fines de la década de 1930, comenzó a alejarse del trabajo realista hacia la abstracción y experimentó con la pintura sobre vidrio estratificado. [3] En 1943, Pereira fue incluida en la muestra de Peggy Guggenheim Exposición de 31 mujeres en la galería Art of This Century en Nueva York. [7] En 1946, Pereira se incluyó en la exposición 1946 del Museo de Arte Moderno : Catorce estadounidenses . [3]
Durante la última parte de su carrera, Pereira rechazó el expresionismo abstracto y tuvo dificultades con los galeristas y directores de museos. [3] Ella creía que el arte y la literatura estaban siendo absorbidos por "un caótico vacío de inconsciencia". [3] Finalmente, dejó Nueva York de forma permanente y se mudó a España. Murió de enfisema el 11 de enero de 1971 en Marbella , España. [3]
Estilo
Pereira estaba interesado en explorar el papel del artista en la sociedad, creyendo que los artistas estaban a la par de los industriales. Creó "pinturas de máquinas" que incorporaban imágenes de componentes tecnológicos, incluidos ventiladores de barcos, generadores y embudos, así como bisagras, palancas y engranajes. [2] Boat Composite de 1932, en la colección del Whitney Museum of American Art es un ejemplo de sus "pinturas mecánicas".
Pereira comenzó a explorar la abstracción a fines de la década de 1930 y su trabajo incluía menos referencias a las máquinas. [2] Se hizo conocida por las pinturas geométricas y rectilíneas creadas durante este período. [1] Abstracción de 1940, en la colección del Museo de Arte de Honolulu , demuestra su enfoque de la abstracción geométrica . Estaba interesada en encontrar una manera de traer luz a su trabajo y comenzó a incorporar materiales como vidrio, plástico, pan de oro y otros materiales reflectantes en sus pinturas. Experimentó con pintura con radio, capas de vidrio pintado y pintura sobre pergamino. [3] [6]
En una declaración de 1950, dijo: "Mi filosofía es la realidad de la luz y el espacio; una continuidad siempre fluida, sin cesar, sin restricciones por la maquinaria hecha por el hombre, el peso y las semejanzas externas. Utilizo símbolos geométricos porque representan esencias estructurales y contienen infinitas posibilidades de cambio y dinámica ". [3]
Pereira firmó su trabajo como "I. Rice Pereira", lo que hizo que mucha gente asumiera que era un hombre. [3]
La catalogación de sus obras puede ser problemática ya que con frecuencia dejaba obras sin título y títulos reutilizados. [2]
Vida personal
El primer marido de Irene Rice Pereira fue el artista comercial Humberto Pereira, [4] pintor, con quien se casó en 1929. [3] Se divorciaron en 1938 y en 1941 se casó con George Wellington Brown, un arquitecto naval que compartía su interés en postularse. nuevos materiales al arte. [3] Cuando este matrimonio terminó en divorcio, se casó con el poeta irlandés George Reavey en 1950; ese matrimonio también terminó en divorcio en 1959. [3]
Escrituras
Pereira trabajó prolíficamente como escritora, pero nunca recibió el mismo reconocimiento en esta área que en la pintura. Publicó su primer artículo en 1944, titulado An Abstract Painter on Abstract Art. Sus escritos incluyeron temas como estructura, tiempo, óptica y espacio. Su libro autoeditado The Lapis habla de sus sueños sobre la piedra filosofal . [3] El manuscrito original de The Lapis , 1954-1955, se encuentra en la Biblioteca Houghton, de la Universidad de Harvard, y fue un regalo de la Sra. Irene Rice Pereira en 1958. [8] El Lapis se volvió a publicar en 1957 para un libro limitado de 1000 correr. [9] También escribió poesía [3] y en 1968 se convirtió en Poeta Laureada Honoraria de la United Poets 'Laureate International, que tiene su sede en Filipinas. [10] Publicó su último trabajo, La poética de la forma sobre el espacio, la luz y el infinito en 1969. [1]
Los escritos publicados por Pereira incluyen: Light and the New Reality (1951), The Transformation of Nothing (1952), The Paradox of Space (1952), The Nature of Space (1956), The Lapis (1957), Crystal of the Rose ( 1959), El espacio, la luz y el infinito (1961), El 'siempre-venir a ser' simultáneo (1961), El infinito versus lo finito (1962), La lógica formal trascendental del infinito (1966) y La poética de la forma del espacio, la luz y el infinito (1968). [3]
Colecciones
El Museo de Arte de Boca Raton , el Museo de Brooklyn , el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn , el Museo de Arte de Honolulu , la Galería Nacional de Arte (Washington DC), la Colección Phillips (Washington DC), el Museo Smithsonian de Arte Americano , la Universidad del Museo de Arte de Iowa , el Museo de Arte de Baltimore (Baltimore, Maryland), el Museo Metropolitano de Arte (Ciudad de Nueva York), la Galería de Arte Americano de Addison (Andover, Massachusetts), el Museo de Arte Moderno (Ciudad de Nueva York) , el Museo de Arte de Dallas (Dallas, Texas), el Instituto Munson-Williams-Proctor (Utica, Nueva York), el Centro de Arte Frances Lehman Loeb (Poughkeepsie, Nueva York), el Museo Whitney de Arte Americano (Ciudad de Nueva York) y el Museo de Arte de Filadelfia (Filadelfia, Pensilvania) se encuentran entre las colecciones públicas que albergan obras de I. Rice Pereira.
Obras de arte
Listado cronológicamente:
- (1932) Boat Composite Whitney Museum of American Art [Obras 1]
- (1932) Sin título (Barcos en Cape Cod) Smithsonian American Art Museum [Obras 2]
- (1936) Boceto para composición mecánica nº 2 Smithsonian American Art Museum [Obras 3]
- (1937) Composición de la máquina n.º 2 del Smithsonian American Art Museum [Obras 4]
- (c.1938) Composición abstracta Whitney Museum of American Art [Obras 5]
- (hacia 1938) Composición abstracta (II) Museo Whitney de Arte Americano [Obras 6]
- (1939) Rectángulos blancos, Museo Metropolitano de Arte número 3 [Obras 7]
- (1939-1940) Red Form Baltimore Museum of Art [Obras 8]
- (1940) Abstracción Museo de Arte de Honolulu [11]
- (1940) Sombras con pintura Museo de Arte Moderno [Obras 9]
- (1940) Colección privada Tres cuadrados blancos [Obras 10]
- (c.1940) Sin título (Dos triángulos) Museo de Arte de Filadelfia [Obras 11]
- (1941) Museo Metropolitano de Arte de las Líneas Blancas [Obras 12]
- (1942) Museo de Arte de Baltimore Rojo, Amarillo y Azul [Obras 13]
- (1942) Museo de Arte Moderno de las Líneas Blancas [Obras 14]
- (1944) Museo de Arte Metropolitano de Green Depth [Obras 15]
- (1945) Rose Planes Walker Art Center [Obras 16]
- (1945) Cuadrángulos en Two Planes Art Institute of Chicago [Obras 17]
- (1946) Galería Nacional de Arte Transfluent Lines [Obras 18] [12]
- (1946) Transversion The Phillips Collection [Obras 19]
- (1948) Composition Walker Art Center [Obras 20]
- (1948) Progresión oblicua Whitney Museum of American Art [Obras 21]
- (1949) Progresión fluctuante Munson-Williams-Proctor Art Institute [Obras 22]
- (1950) Museo y jardín de esculturas Bright Depths Hirshhorn [Obras 23]
- (1950) Galería Nacional de Arte Green Mass [Obras 24]
- (1951) You Whitney Museum of American Art [Obras 25]
- (1951) Evaporating Night Dallas Museum of Art [Obras 26]
- (1951) Dos se convierte en uno Hirshhorn Museo y jardín de esculturas [Obras 27]
- (1952) Museo Metropolitano de Arte Shooting Stars [Obras 28]
- (1952) Daybreak Metropolitan Museum of Art [Obras 29]
- (1952) Somewhere Today Brooklyn Museum [Obras 30]
- (1953) Galería Nacional de Arte Zenith [Obras 31]
- (1953) Museo de Arte Americano Smithsonian de La Meca [Obras 32]
- (1953) Roselit Day Smithsonian American Art Museum [Obras 33]
- (1954) Museo y jardín de esculturas Threshold of Eternity Hirshhorn [Obras 34]
- (1954) Heart of Light Whitney Museum of American Art [Obras 35]
- (1955) Paisaje del Absolute Whitney Museum of American Art [Obras 36]
- (1959) Efflorescence Of Space Hirshhorn Museo y jardín de esculturas [Obras 37]
- (1960) Museo de Arte Omega de Baltimore [Obras 38]
- (1961) La puerta celestial se balancea en el Museo Smithsonian de Arte Americano de Ringing Swells [Obras 39]
- (1964) La luz se extiende a sí misma Museo de Brooklyn [Obras 40]
- (Sin fecha) Heart of Flame Smithsonian American Art Museum [Obras 41]
- Plates from The Lapis , 1954. Este libro se encuentra en las colecciones de muchos museos y universidades, entre ellos; el Museo de Arte de Baltimore , el Museo Metropolitano de Arte , la Galería Nacional de Arte , el Museo de Arte de Filadelfia , el Museo de Arte Moderno , la Biblioteca de la Universidad de Yale , la Biblioteca Houghton de la Universidad de Harvard y otros. [13]
- (1954) Versión No 2, 25/12/54, Imagen de Dream, 29/11/54 Galería Nacional de Arte [14]
- (1954) II. El lapislázuli en posición vertical, hombre - Dios, alma - espíritu Galería Nacional de Arte [Obras 42]
- (1954) III. Vista vertical del lapislázuli desde arriba, imagen medieval de la Galería Nacional de Arte World-View [Obras 43]
- (1954) IV. Imagen renacentista de la Galería Nacional de Arte World-View [Obras 44]
- (1954) V. La imagen en perspectiva National Gallery of Art [Obras 45]
Referencias
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enlaces externos
- Biografía del Smithsonian American Art Museum
- Obras en la colección del Smithsonian American Art Museum
- Artistas abstractos estadounidenses
- I. Papeles Rice Pereira. Biblioteca Schlesinger Archivado el 9 de mayo de 2012 en Wayback Machine , Radcliffe Institute, Harvard University.
- Artículos de Irene Rice Pereira en Archives of American Art , Smithsonian Institution
- Papeles de Irene Rice Pereira en el Museo Nacional de la Mujer en las Artes
- Colección del Museo de Arte de Baltimore
- Papeles de Irene Rice Pereira en el Museo Nacional de la Mujer en las Artes