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Perdido en la traducción
El personaje de Bill Murray se sienta en la cama de un hotel con Tokio visible en una ventana detrás de él.
Cartel de estreno teatral.
Dirigido porSofia Coppola
Producido por
Escrito porSofia Coppola
Protagonizada
Musica porVer § Banda sonora
CinematografíaLance Acord
Editado porSarah Flack
producción empresas
Distribuido por
Fecha de lanzamiento
  • 29 de agosto de 2003 ( Festival de Cine de Telluride ) ( 2003-08-29 )
  • 12 de septiembre de 2003 (Estados Unidos) ( 12 de septiembre de 2003 )
  • 17 de abril de 2004 (Japón) [1] ( 17 de abril de 2004 )
Tiempo de ejecución102 minutos [2]
Países
IdiomaInglés [2]
Presupuesto$ 4 millones
Taquilla$ 118,7 millones

Lost in Translation es un 2,003 romántica comedia dramática película [nota 1] escrita y dirigida por Sofia Coppola . Bill Murray interpreta a Bob Harris, una estrella de cine estadounidense en decadencia que atraviesa una crisis de la mediana edad cuando viaja a Tokio para promocionar elwhisky Suntory . Allí, se hace amigo de otra estadounidense separada llamada Charlotte, una mujer joven y recién graduada de la universidad interpretada por Scarlett Johansson . Giovanni Ribisi y Anna Faristambién cuentan. La película explora temas de alienación y desconexión en un contexto de desplazamiento cultural en Japón. El análisis adicional realizado por críticos y académicos se ha centrado en el desafío de la película a las convenciones narrativas dominantes y su descripción atípica del romance.

Coppola comenzó a escribir la película después de pasar un tiempo en Tokio y encariñarse con la ciudad. Comenzó a formar una historia sobre dos personajes que experimentan una "melancolía romántica" [4] en el Park Hyatt de Tokio , donde se quedó mientras promocionaba su primer largometraje, el drama de 1999 The Virgin Suicides . Coppola imaginó a Murray interpretando el papel de Bob Harris desde el principio y trató de reclutarlo hasta por un año, enviándole sin descanso mensajes telefónicos y cartas. Si bien Murray finalmente accedió a interpretar el papel, no firmó un contrato; Coppola gastó una cuarta parte del presupuesto de $ 4 millones de la película sin saber si aparecería en Tokio para el rodaje. Cuando finalmente llegó Murray, Coppola describió sentimientos de alivio significativo.

La fotografía principal comenzó el 29 de septiembre de 2002 y tuvo una duración de 27 días. Coppola mantuvo un horario flexible durante el rodaje con un equipo pequeño y un equipo mínimo. El guión era corto y Coppola a menudo permitía una cantidad significativa de improvisación durante el rodaje. El director de fotografía de la película , Lance Acord , utilizó la luz disponible con la mayor frecuencia posible y se utilizaron muchos lugares de negocios y áreas públicas japonesas como lugares para filmar. Después de 10 semanas de edición, Coppola vendió los derechos de distribución para los Estados Unidos y Canadá a Focus Features , y la compañía promovió la película generando un boca a boca positivo antes de su estreno en cines.

La película se estrenó el 29 de agosto de 2003 en el Festival de Cine de Telluride y fue un gran éxito comercial y de crítica. Los críticos elogiaron las actuaciones de Murray y Johansson, así como la escritura y dirección de Coppola; Se dieron críticas limitadas a la descripción de la película de Japón. En la 76ª entrega de los Premios de la Academia , Lost in Translation ganó Coppola como Mejor Guión Original , y la película también fue nominada a Mejor Película , Mejor Director (Coppola) y Mejor Actor (Murray). Otros galardones ganados incluyen tres Globos de Oro y tres Premios de Cine de la Academia Británica .

Trama [ editar ]

Bob Harris es una estrella de cine estadounidense en decadencia que llega a Tokio para aparecer en lucrativos anuncios de whisky Suntory . Se queda en el exclusivo Park Hyatt Tokyo y sufre tensiones en su matrimonio de 25 años y una crisis de la mediana edad. Charlotte, otra estadounidense que se hospeda en el hotel, es una joven graduada de la Universidad de Yale que acompaña a su esposo John mientras él trabaja como fotógrafo de celebridades en Japón. Charlotte se siente igualmente desorientada mientras cuestiona su reciente matrimonio y no está segura de su futuro. Ambos lidian con sentimientos adicionales de desfase horario y choque cultural en Tokio y, a menudo, pasan el tiempo descansando en el hotel.

Charlotte siente repugnancia por una actriz de Hollywood vacía llamada Kelly, que está en el Park Hyatt Tokyo promocionando una película de acción y se entusiasma con las sesiones de fotografía que había hecho anteriormente con John. Bob y Charlotte se encuentran con frecuencia en el hotel y finalmente se conocen en el bar del hotel. Después de varios encuentros, cuando John está asignado a las afueras de Tokio, Charlotte invita a Bob a la ciudad para encontrarse con algunos amigos locales. Los dos se unen a través de una noche divertida en Tokio, donde experimentan juntos la vida nocturna de la ciudad. En los días siguientes, Bob y Charlotte pasan más tiempo juntos y su amistad se fortalece. Una noche, mientras no pueden dormir, los dos comparten una conversación íntima sobre las incertidumbres personales de Charlotte y sus vidas matrimoniales.

Bob pasa la noche con un cantante de salón del bar del hotel en la penúltima noche de su estadía. Charlotte escucha a la mujer cantar en la habitación de Bob a la mañana siguiente, lo que genera tensión entre Bob y Charlotte durante el almuerzo juntos ese mismo día. La pareja se reencuentra por la noche cuando Bob revela que dejará Tokio al día siguiente. Bob y Charlotte se reconcilian y expresan cómo se extrañarán, haciendo una última visita al bar del hotel. A la mañana siguiente, cuando Bob se va del hotel, él y Charlotte comparten una sincera pero insatisfactoria despedida. Bob toma un taxi hasta el aeropuerto. Ve a Charlotte en una calle concurrida, detiene el coche y camina hacia ella. Luego abraza a Charlotte y le susurra algo al oído. Los dos comparten un beso, se despiden y Bob se marcha.

Transmitir [ editar ]

  • Bill Murray como Bob Harris, una estrella de cine que se desvanece
  • Scarlett Johansson como Charlotte, una recién graduada de la universidad
  • Giovanni Ribisi como John, el esposo de Charlotte, un fotógrafo famoso
  • Anna Faris como Kelly, una actriz de Hollywood
  • Fumihiro Hayashi como Charlie, el amigo de Charlotte.
  • Catherine Lambert como cantante de salón [nota 2]

Análisis [ editar ]

Temas [ editar ]

Estaba atrapado.  ... Cuando vas a un país extranjero, verdaderamente extranjero, hay una gran conmoción de conciencia que te sobreviene cuando ves eso, "Oh Dios, solo soy yo aquí". No hay nadie, ni vecinos, ni amigos, ni llamadas telefónicas, solo servicio de habitaciones.

—Bill Murray, hablando de Bob Harris [6]

La guionista y directora de la película, Sofia Coppola , ha descrito Lost in Translation como una historia sobre "cosas que se desconectan y buscan momentos de conexión", [7] una perspectiva que ha sido compartida por críticos y académicos. En un sentido cultural, Bob y Charlotte están desorientados por la sensación de desfase horario y el choque cultural como resultado de un viaje al extranjero a Japón. Bob está desconcertado por sus interacciones con un director comercial japonés a quien no puede entender, y se da cuenta de que el significado de su comunicación está "perdido en la traducción" por un intérprete. [8] [nota 3]Además, ambos no pueden dormir debido a un cambio de huso horario, y optan por hacer frente a su vigilia haciendo visitas nocturnas al bar del hotel. Tales sentimientos provocan una sensación de alejamiento de su entorno, pero también exacerban experiencias más profundas de alienación y desconexión en sus vidas. [10] Bob y Charlotte están ambos en matrimonios problemáticos y enfrentan crisis de identidad similares; Charlotte no está segura de qué hacer con su vida y se pregunta qué papel debería asumir en el mundo, mientras que a Bob siempre se le recuerda su desvanecida estatura como estrella de cine y se siente disociado de la identidad por la que ya está definido. [11]

Estas experiencias se ven reforzadas por el contacto de los personajes con el entorno de la ciudad de Tokio; Bob se siente alienado al ver su imagen utilizada en un anuncio mientras lo conducen del aeropuerto a su hotel, y el colorido paisaje urbano se presenta como un entorno frenético que lo abruma. [12] [nota 4] Charlotte se siente a la deriva mientras intenta encontrar un significado mientras deambula por Tokio, [13] y se siente aislada mientras mira la ciudad desde la ventana de su habitación de hotel. [14] El Park Hyatt Tokyo ofrece cualidades herméticas que aíslan a los personajes de la ciudad y es el sitio que Bob elige para refugiarse de sus males. [15]Estas impresiones compartidas de alienación crean un terreno común para que Bob y Charlotte cultiven una conexión personal. [10] Cuando Charlotte invita a Bob a experimentar la vida nocturna de Tokio, ella reduce su sentido de distancia de la ciudad [10] y los dos desarrollan una conexión basada en pequeños momentos juntos. En el poco tiempo que tienen juntos, todos se dan cuenta de que no están solos en la búsqueda de un sentido de algo más profundo en sus vidas. [16] Coppola, hablando de la brevedad de su encuentro, comentó: "Para todos, existen esos momentos en los que pasas buenos días con alguien que no esperarías tener. Luego tienes que volver a tu vida real, pero te impresiona. Es lo que lo hace tan grandioso y agradable ". [17]

Geoff King, un erudito que escribió un libro sobre la película, comenta que las experiencias de los personajes centrales son un factor que presta Lost in Translation a variadas interpretaciones por parte de los académicos. [18] Todd McGowan lee la película desde una perspectiva psicoanalítica lacaniana , argumentando que la película fomenta la aceptación de la "ausencia" en la vida y las relaciones de uno. [19] Describe la descripción de Coppola de Tokio "como una ciudad rebosante de excesos", que ofrece una promesa vacía de gratificación. [20] En su opinión, tanto Bob como Charlotte reconocen que no pueden encontrar significado en las atracciones de Tokio, por lo que se unen por la sensación de vacío que comparten en ellos. [20]Lucy Bolton ofrece una lectura feminista, argumentando que Lost in Translation evoca el pensamiento de la filósofa feminista Luce Irigaray al resaltar temas de la juventud femenina. Ella sostiene que la película ofrece un retrato complejo de la subjetividad femenina de Charlotte y una interpretación optimista de la búsqueda del personaje por la expresión individual. [21]

Narrativa [ editar ]

Lost in Translation ha sido ampliamente examinado en términos de su estructura narrativa, y los comentaristas señalan que contiene pocos eventos de la trama en comparación con las películas de la corriente principal de Hollywood. Los eventos narrativos se centran principalmente en el desarrollo de la relación de Bob y Charlotte, [22] con pocos obstáculos "externos" que impactan a los personajes centrales. [23] King señala: "Se toma más tiempo para evocar las impresiones, sentimientos y experiencias de los personajes centrales", [24] lo que representa "un cambio en la disposición jerárquica de [elementos de la película]" que prioriza las experiencias de los personajes sobre la trama. . [25]El crítico literario Steve Vineberg sostiene que "los vínculos de la historia están ahí, solo que no son conexiones típicas de causa y efecto. Están formados por las emociones que se acumulan al final de un episodio y se vierten en el siguiente ". [26] King sostiene que, si bien la trama avanza de acuerdo con una causalidad lineal básica, [22] "Si la calidad episódica a menudo parece ser un tema destacado, esto es en parte una cuestión del ritmo de las secuencias individuales que a menudo son pausadas y dedicadas al establecimiento o desarrollo del estado de ánimo y la atmósfera ". [24] Coppola dijo que quería que la historia enfatizara las cualidades de un momento íntimo y que no quería imponer grandiosos recursos narrativos a los personajes como "una guerra que los separa ".[27] [nota 5]

Coppola dijo sobre la toma de apertura de la película: "No tengo una muy buena razón para ello  ... Es solo como quería comenzar la película. Me gustó tener una pista del personaje: una dulce y joven niña esperando en su habitación de hotel, y luego entrar en la historia ". [29] [nota 6]

La toma de apertura de la película ha sido otro punto de discusión entre críticos y académicos. La toma de 36 segundos, que muestra el trasero de Charlotte mientras yace en una cama con bragas rosas transparentes, se basa en las pinturas fotorrealistas de John Kacere [32] y a menudo se ha comparado con la aparición inicial de Brigitte Bardot en la película Desprecio de 1963. . [nota 7] Si bien algunos lo han descrito como un presagio de un romance entre Bob y Charlotte, [nota 8]la historiadora de cine Wendy Haslem sostiene que "la intención de Coppola con este primer plano parece ser desafiar los tabúes y socavar las expectativas en torno a lo que podría considerarse el 'tiro del dinero' en el cine más tradicionalmente explotador". [10] En consecuencia, la académica Maria San Filippo sostiene que "[Coppola] no parece estar haciendo una declaración en absoluto más allá de una especie de respaldo a la belleza por el bien de la belleza". [33] King notas que contiene la imagen y el atractivo tanto "sutil" "obvia" en su combinación de cualidades estéticas y eróticas, lo que significa Lost in Translation ' posición de s entre la corriente principal y la película independiente . [34]El estudioso del cine Todd Kennedy lo interpreta en términos de la concepción de la mirada masculina de la teórica del cine feminista Laura Mulvey , argumentando que la toma "dura tanto como para volverse incómoda, lo que obliga a la audiencia a tomar conciencia de (y potencialmente incluso cuestionar) su participación en la mirada ". [35]

Lost in Translation también se ha destacado por desafiar las convenciones de las películas románticas convencionales. Haslem escribe que la clásica comedia romántica asegura a la audiencia que la pareja tiene un futuro, pero Coppola desafía las expectativas al negarse a unir a los personajes centrales. [10] Señala elementos como la falta de consumación sexual de Bob y Charlotte como un factor que oscurece si su pareja es más romántica o platónica. Al escribir sobre la secuencia final en la que los personajes se despiden por última vez, Haslem argumenta: "Convencionalmente en el cine convencional, el beso  ... significa resolución al reforzar el mito del amor romántico. Pero en esta nueva ola de romance antirromántico contemporáneo, el beso significa ambigüedad ". [10]El académico Nicholas YB Wong sostiene que la falta de "conexiones que derriten el corazón y (re) uniones melodramáticas entre personajes" en la película representa un retrato posmoderno del amor, y escribe que Lost in Translation es "sobre el no amor, el predominio de las aventuras amorosas y la complejidades de la intimidad. Los personajes vacilan entre enamorarse y desenamorarse. No están comprometidos con alguien ni desapegados emocionalmente ". [12] Coppola dijo que la relación de Bob y Charlotte "se supone que es romántica pero al límite.  ... [Un poco más que amigos, pero no un romance real.  ... Para mí, es bastante poco sexual entre ellos". —Innocente y romántico, y una amistad ". [36]

Producción [ editar ]

Escribiendo [ editar ]

Sofia Coppola promocionando Lost in Translation en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2003

Después de abandonar la universidad cuando tenía poco más de veinte años, [37] Coppola viajaba a menudo a Tokio, probando una variedad de trabajos en moda y fotografía. [38] Insegura de qué hacer para una carrera, describió este período como una "especie de crisis" [37] en la que deambulaba por la ciudad contemplando su futuro. [29] Llegó a sentir cariño por Tokio, notando una cualidad de otro mundo provocada cuando una extranjera lidiaba con sentimientos de desfase horario en un entorno desconocido. [39] Después de muchos años, se instaló en una carrera cinematográfica y regresó a la ciudad, quedándose en el Park Hyatt Tokyo para promocionar su primer largometraje, el drama de 1999 The Virgin Suicides . [17] [nota 9]

Coppola comenzó a escribir Lost in Translation después de regresar a casa de esta gira de prensa. [7] Habiendo sido influenciada por su experiencia en Tokio, decidió escribir un guión ambientado allí [17] [nota 10] y comenzó a formar una historia sobre dos personajes que experimentan una "melancolía romántica" en el Park Hyatt Tokyo. [4] Coppola se sintió atraída durante mucho tiempo por los letreros de neón de la ciudad y pensó que Tokio adquiriera un "sentimiento de ensueño" en la película. [38] Reclutó a su amigo Brian Reitzell , quien finalmente se desempeñó como productor musical de la película, para crear mezclas de recopilaciones de pop de ensueño que escuchó mientras escribía para ayudar a establecer este estado de ánimo.[41]

Coppola no escribió inicialmente el guión en forma de guión tradicional, citando la dificultad de trazar una trama completa. [4] En cambio, optó por escribir "pequeños párrafos" basados ​​en gran parte en impresiones y experiencias dispares de su vida en Tokio, que luego adaptó a un guión. [4] Entre las primeras imágenes que incluyó fue la de su amigo Fumihiro Hayashi interpretando una interpretación de karaoke de " God Save the Queen " de los Sex Pistols , que Coppola lo vio interpretar durante el tiempo que trabajó en Tokio. [29] Después de escribir las primeras 20 páginas con la ayuda de su hermano, Roman Coppola , regresó a Tokio en busca de más inspiración. [7]Allí, grabó en video cualquier cosa que pudiera usar como ayuda adicional para escribir. [36]

Coppola imaginó a Murray interpretando el papel de Bob desde el principio, queriendo mostrar "su lado más sensible" [36] y sintiéndose divertido con la imagen de él vestido con un kimono . [17] Describió sus imágenes mentales de Murray como una importante fuente de inspiración para la historia. [5] Para el personaje de Charlotte, Coppola se basó en sus propios sentimientos de desorientación de principios de los veinte, citando la tensión en su relación con su entonces esposo Spike Jonze como una influencia para la relación entre Charlotte y John. [42] También se inspiró en el personaje de JD Salinger , Franny, en Franny and Zooey., encontrando atractivo en "la idea de que una chica de muy buen gusto sufra una crisis nerviosa". [37]

Mientras desarrollaba la relación entre Bob y Charlotte, Coppola se vio obligada por la yuxtaposición de los personajes que tenían crisis internas similares en diferentes etapas de sus vidas. [43] Citó la dinámica entre Humphrey Bogart y Lauren Bacall en The Big Sleep como fuente de inspiración para su relación. [7] Coppola informó haber reescrito poco el guión, [16] que tardó seis meses en completarse [7] y culminó en 75 páginas, mucho más corto que el guión promedio de un largometraje. [44] [nota 11]A pesar de preocuparse de que el guión fuera demasiado corto y "indulgente" para incluir una variedad de sus experiencias personales, decidió comenzar la producción de la película. [37]

Desarrollo [ editar ]

Bill Murray en 2014 ( izquierda ) y Scarlett Johansson en 2008 ( derecha )

Coppola sostuvo que no habría hecho Lost in Translation sin Murray. [32] El actor tenía un número 800 para posibles clientes interesados ​​en elegirlo, pero tenía la reputación de ser un recluso con el que era difícil contactar. [46] Coppola lo persiguió sin descanso y le envió mensajes telefónicos y cartas durante meses. [43] También buscó personas en su red profesional que pudieran ayudarla a establecer contacto. [31] Reclutó al guionista Mitch Glazer , quien era un viejo amigo de Murray, para que aceptara una versión inicial del guión y tratara de persuadirlo. [42]Glazer quedó impresionado con la historia y dijo que llamaba al actor con frecuencia y le decía: "Tienes que leer esto", [46] pero no dio una respuesta. [42] Después de hasta un año de engatusar, Murray finalmente acordó reunirse con Coppola en un restaurante para discutir la película. [42] Luego aceptó el papel, diciendo "ella pasó mucho tiempo haciendo que yo fuera el chico. Al final, sentí que no podía defraudarla". [31]

A pesar del acuerdo de Murray, Coppola tuvo que tomarle la palabra, ya que no firmó un contrato formal. [7] Ella describió esto como "estresante", y se preguntó si él se presentaría para filmar en Tokio. [7] Discutió el tema con el director Wes Anderson , quien había trabajado anteriormente con el actor y la animó diciendo: "Si él dice que lo hará, aparecerá". [7] Para la coprotagonista de Murray, a Coppola le gustó la actuación de Johansson en Manny & Lo , recordándola "como una niña linda con esa voz ronca". [17] Luego invitó a Johansson a un restaurante para discutir el papel. [30]Inicialmente preocupado de que Johansson, de 17 años, pudiera ser demasiado joven para interpretar a un personaje de veintitantos, el director concluyó que parecía mayor y podía interpretar el papel de manera convincente. [47] Coppola le ofreció a Johansson el papel sin una audición, que ella aceptó. [30]

Sintiendo una sensación de inversión personal en el proyecto, Coppola quería mantener el privilegio del corte final y temía que un acuerdo de distribución con un estudio norteamericano amenazara su influencia. [7] También era poco probable que un estudio proporcionara tal respaldo, dada la corta duración del guión y la falta de participación formal de Murray. [48] En cambio, ella y su agente optaron por vender derechos de distribución en el extranjero a una variedad de empresas para financiar costos de producción de $ 4 millones. [7] Primero llegó a un acuerdo con la japonesa Tohokushinsha Film , luego con distribuidores en Francia e Italia y, finalmente, con la rama internacional de Focus Features para el resto del mercado extranjero.[7] Al reunir los fondos de múltiples distribuidores, Coppola redujo la influencia de un solo financista. [48] Aún sin saber si Murray aparecería en Tokio, Coppola gastó $ 1 millón del presupuesto, [7] sabiendo que su ausencia condenaría la producción. Cuando finalmente llegó, días antes de la filmación, ella describió sentimientos de alivio significativo. [49]

Filmando [ editar ]

La producción utilizó a transeúntes como extras en áreas públicas como Shibuya Crossing .

La fotografía principal comenzó el 29 de septiembre de 2002 [50] y tuvo una duración de 27 días. [17] Con una agenda apretada y un presupuesto limitado de $ 4 millones, la filmación se realizó seis días a la semana y estuvo marcada por un enfoque de "correr y disparar": Coppola deseaba mantenerse en movimiento con un equipo pequeño y un equipo mínimo. [36] Realizó pocos ensayos y mantuvo un horario flexible, a veces descartando planes de filmación para filmar algo que notó en el lugar si pensaba que era mejor para la historia. [9] [nota 12] Dado que el guión era escaso, los detalles faltantes a menudo se abordaron durante el rodaje, y Coppola permitió una cantidad significativa de improvisación en los diálogos, especialmente de Murray. [dieciséis]Un ejemplo incluye la escena en la que se está fotografiando a Bob para el whisky Suntory; Coppola animó a Murray a reaccionar ante el fotógrafo de forma espontánea mientras susurraba nombres para que el hombre se los repitiera a Murray como un diálogo no ensayado, como " Roger Moore ". [16] [5] [nota 13]

Si bien los miembros clave de la tripulación eran estadounidenses que Coppola invitó a Tokio, la mayoría de la tripulación fue contratada localmente. [9] Esto resultó ser un reto para la producción, ya que la mayoría de los tripulantes japoneses no podían comunicarse con Coppola en Inglés, por lo que ambas partes confiaron en traducciones de un bilingüe ayudante de dirección y un capataz . [36] La producción encontró retrasos frecuentes mientras se realizaban las traducciones y sufrió malentendidos culturales ocasionales; En un ejemplo, Coppola describió una sesión en un restaurante que se retrasó entre 10 y 15 minutos, algo que dijo que era normal en una sesión estadounidense [17].pero provocó que el dueño del restaurante no se sintiera respetado; Posteriormente, desconectó las luces del equipo y el director de locación japonés de la película dimitió. [7] A pesar de esto, Coppola dijo que trabajó para adaptarse al estilo japonés de realización de películas, sin querer imponer un enfoque al que su equipo no estaba acostumbrado. [36]

Coppola trabajó de cerca para visualizar la película con su director de fotografía , Lance Acord. Ella le mostró a él y a otros miembros clave del equipo un libro de fotografías que creó y que representaba el estilo visual que quería transmitir en la película. [16] Para evocar una sensación de aislamiento en Bob, Coppola y Acord utilizaron tomas estáticas en el hotel y evitaron movimientos de cámara llamativos. [51] También tuvieron numerosas discusiones sobre la filmación en video , pero finalmente decidieron que la película se adaptaba mejor a los matices románticos de la historia. [36] Coppola comentó: "La película da un poco de distancia, lo que me parece más un recuerdo. El video es más tiempo presente". [36]Acord creía que las nuevas películas reducirían la necesidad de iluminación excesiva y, en última instancia, utilizarían las películas Kodak Vision 500T 5263 de 35 mm para exteriores nocturnos y las películas Kodak Vision 320T 5277 a la luz del día. [52] La mayor parte de la película se filmó en un Aaton 35-III, mientras que se utilizó una Moviecam Compact más pequeña en lugares reducidos. [52]

Con películas de alta velocidad, Acord optó por utilizar la luz disponible con la mayor frecuencia posible, [53] solo completándola con luces artificiales cuando fuera necesario. [52] Informó que "nunca realmente" aparecieron luces para exteriores nocturnos, confiando en la luz natural de las calles de la ciudad de Tokio. [52] Para las secuencias de interiores en el Park Hyatt Tokyo, se basó principalmente en las prácticas fuentes de iluminación del hotel, filmando con un f-stop muy abierto y cortando fuertemente la luz para eliminar los reflejos en la ventana del hotel. [54]Acord dijo que escuchó objeciones sobre la iluminación de algunos de los electricistas japoneses, que no estaban acostumbrados a depender tanto de la luz disponible y les preocupaba que la exposición no fuera suficiente. [55] Acord, aseguró que la película resistiría contra una iluminación más baja, finalmente filmó gran parte de la película dos pasos subexpuesta. [53]

Muchos de los lugares de rodaje eran lugares de negocios y áreas públicas japonesas en el momento de la filmación, incluido el New York Bar en Park Hyatt Tokyo y Shibuya Crossing en Tokio. En las calles públicas y el metro, la producción no obtuvo permisos de filmación [32] y contó con los espectadores de la ciudad como extras ; [36] Coppola describió el tiroteo como "estilo documental" [17] y en ocasiones estaba preocupada por ser detenida por la policía, por lo que mantuvo un equipo mínimo. [36] En el hotel, la producción no podía filmar en áreas públicas hasta la 1 o 2 am para evitar molestar a los huéspedes. [56]En la secuencia final de la película en la que Bob y Charlotte se despiden por última vez, Coppola informó que no estaba contenta con el diálogo que había escrito, por lo que Murray improvisó el susurro en el oído de Johansson. [16] Demasiado silencioso para ser comprensible, Coppola consideró doblar el audio en la escena, pero finalmente decidió que era mejor que "se quedara entre los dos". [16] Una vez concluida la producción, Coppola supervisó 10 semanas de edición por Sarah Flack en la ciudad de Nueva York. [28]

Banda sonora [ editar ]

Artículo principal: Lost in Translation (banda sonora)

La banda sonora de la película fue lanzada por Emperor Norton Records el 9 de septiembre de 2003. [57] Contiene 15 pistas, en gran parte de los géneros shoegaze y dream pop del indie y rock alternativo . La banda sonora fue supervisada por Brian Reitzell y contiene canciones de artistas y grupos como Death in Vegas , Phoenix , Squarepusher , Sébastien Tellier y Happy End . La canción de Jesús y María Chain " Just Like Honey " y " A veces " deMy Bloody Valentine apareció, y cuatro pistas originales fueron escritas para Lost in Translation por el líder de esta última banda, Kevin Shields . [58] Otras pistas producidas para la película incluyen dos coescritas por Reitzell y Roger J. Manning Jr. , y una por Air . [58] Las canciones que aparecen en la película que no están en la banda sonora incluyen actuaciones de karaoke de la versión de Elvis Costello de " (What's So Funny 'Bout) Peace, Love, and Understanding " y " Brass in Pocket " de The Pretenders . Una nueva actuación de Murray de Roxy Music "Más que esto"se incluye como pista extra. [nota 14]

Durante la etapa de escritura de guiones, Coppola habló con Reitzell sobre las cualidades "temperamentales" y "melancólicas" que quería que la música transmitiera en la película, así como sobre lo que Reitzell entendía como la "rareza extraña, flotante y con desfase horario" que definir los personajes centrales. [41] Coppola dijo que quería que la banda sonora "fuera menos como una partitura" y más como las mezclas de dream-pop que Reitzell hizo para ayudarla a escribir la película. [17] Si bien Shields había lanzado poca música desde el lanzamiento de Loveless en 1991, [59] por sugerencia de Reitzell, él y Coppola lo reclutaron para ayudar a escribir la música original de la película; [60]Reitzell creía que Shields "podía capturar ese tipo de sentimiento monótono, oscilante y hermoso que queríamos". [41] Luego se unió a Shields en Londres durante unos dos meses [61] de sesiones de grabación durante la noche, y utilizaron el guión y los diarios de la producción como inspiración mientras trabajaban en las canciones de la película. [41] Shields comentó sobre el desafío que sintió al escribir canciones para una película, diciendo: "Apenas era consciente del lenguaje de la música que no es esencialmente solo para tus oídos ... Al final, solo el movimiento físico de la película, eso fue un manjar. Y supongo que por eso terminé haciendo cosas tan delicadas ". [58]

King sostiene que la música a menudo juega el papel más importante en el establecimiento del estado de ánimo y el tono de la película, y escribe que es sustancial "al evocar las impresiones soñadoras, narcotizadas y adosadas del jet-lag", así como sentimientos más amplios de alienación y desconexión. , "haciendo lo que probablemente sea la mayor contribución a la comprensión generalizada de la película como una 'pieza de estado de ánimo'". [62] Señala el uso de "Girls" por Death in Vegas, que aparece en la secuencia inicial en la que Bob es conducido del aeropuerto al hotel, argumentando que "juega un papel igual, si no dominante, al de las imágenes.  ..., creando una cualidad a la deriva, etérea y algo soñadora que captura con precisión las impresiones de la disyunción temporal y espacial ". [63]También señala que el uso de pistas "frías y distantes" como "Tommib", utilizadas en la secuencia extendida en la que Charlotte observa Tokio mientras está sentada en la ventana de su habitación de hotel, juegan un papel importante en el establecimiento de sentimientos de aislamiento y desorientación en el personaje. . [64] vista de En King, algunas secuencias tienen combinación de música y efectos visuales de manera que funcionen como "audiovisuales balón parado ", que ofrecen distintos puntos de la apelación en la película para su público objetivo. [sesenta y cinco]

Liberar [ editar ]

Marketing [ editar ]

Coppola no vendió los derechos de distribución para Estados Unidos y Canadá hasta que ella y Flack terminaron de editar la película. [44] En febrero de 2003, el director mostró la película a altos ejecutivos de la rama nacional de Focus Features, [44] la empresa a la que ya había vendido la mayor parte de la distribución extranjera. El contrato anterior resultó ser significativo para Focus, ya que recibió acceso privilegiado a la película, mientras que los compradores de la competencia se quejaron de que estaban restringidos a la visualización de un tráiler de tres minutos en las oficinas de Focus en el American Film Market . [66]Coppola inicialmente ofreció los derechos de distribución nacional por $ 5 millones, pero decidió venderlos a Focus por $ 4 millones, citando su aprecio por los acuerdos internacionales que la compañía había asegurado para la película. [44]

Una vez que Focus estuvo involucrado, comenzó a promocionar la película empleando una campaña de marketing convencional de " estilo indie ". [67] La estrategia consistió en generar un boca a boca positivo para la película mucho antes de su estreno en septiembre de 2003. [68] El distribuidor organizó proyecciones de prensa anticipadas durante el verano de 2003 y lo combinó con una campaña publicitaria en una revista. [68] [nota 15] Los carteles y avances enfatizaron la reconocible presencia estrella de Murray, destacando su actuación en las secuencias cómicas de la película, que favorecieron el atractivo de una audiencia más amplia. [69] Inmediatamente antes de su lanzamiento, Focus colocó Lost in Translation en festivales de cine.y organizó "proyecciones de medios íntimos" que incluyeron paneles de preguntas y respuestas con Coppola y Murray. [44] Muchas de estas tácticas de marketing se diseñaron para promocionar la película a un costo mínimo, una desviación de las estrategias más costosas que a menudo se emplean en la corriente principal de Hollywood, como la publicidad televisiva importante. [67]

Carrera teatral [ editar ]

Lost in Translation se estrenó el 29 de agosto de 2003 en el Festival de Cine de Telluride en Estados Unidos. [3] Dos días después, apareció en el Festival de Cine de Venecia en Italia, y el 5 de septiembre de 2003, se mostró en el Festival Internacional de Cine de Toronto en Canadá. [3] Se abrió al público en un lanzamiento limitado el 12 de septiembre de 2003, en 23 teatros en las principales ciudades de los Estados Unidos, incluyendo la ciudad de Nueva York, Los Ángeles y San Francisco. [70] La película ya había generado especulaciones sobre Oscar.contención de las proyecciones anticipadas y se destacó por estrenarse varias semanas antes de lo esperado para un indie que compite por los premios; el riesgo es que abrir demasiado temprano podría hacer que la película se olvidara cuando se hicieran las nominaciones para premios importantes como los Premios de la Academia. [68] [71] Los copresidentes de Focus Features, James Schamus y David Linde, comentaron que la compañía eligió una fecha de lanzamiento anticipada basándose en factores que incluyen la calidad de la película y la campaña de marketing temprana, así como la falta de competencia de otras películas. [68] La estrategia estaba destinada a dar a Lost in Translation más tiempo para dominar el mercado. [72]

Gráfico que muestra el número estimado de teatros en los que Lost in Translation actuó en los Estados Unidos, Canadá y Puerto Rico en 2003–2004. [73] Focus Features expandió su presencia en el teatro en enero después de recibir nominaciones para los 76º Premios de la Academia.

La película recaudó 925.000 dólares en su primer fin de semana y se amplió la semana siguiente de 23 salas a 183 [68] en los 25 principales mercados del país. [70] Allí, recaudó más de $ 2.62 millones durante el fin de semana [74] y casi pagó el presupuesto total de la película. Entró en un lanzamiento amplio el 3 de octubre [nota 16], su cuarto fin de semana, alcanzando un máximo de siete en la lista de taquilla; [73] una semana después, se expandió a un estimado de 882 salas de cine, el recuento de salas más alto de la película durante su ejecución. [73] Lost in Translation recaudó un total estimado hasta la fecha de $ 18,5 millones hasta el 13 de octubre [73] y fue señalado porThe Hollywood Reporter ha tenido un buen desempeño incluso "en mercados pequeños y medianos donde el público no siempre responde a este tipo de material exclusivo". [68] Después de esta actuación, Lost in Translation vio un declive gradual en la presencia en el teatro progresando hacia el nuevo año, [73] aunque se expandió nuevamente después de que la película recibió nominaciones para los 76º Premios de la Academia . [75] La película se amplió desde un mínimo de finales de diciembre de 117 salas de cine a un estimado de 632 a finales de enero, terminando finalmente su emisión en los Estados Unidos y Canadá el 25 de marzo y ganando $ 44,6 millones. [73]Su lanzamiento internacional ganó $ 74,1 millones, para un total mundial de $ 118,7 millones. [73]

Medios domésticos [ editar ]

El DVD de Lost in Translation se lanzó el 3 de febrero de 2004, [76] e incluye escenas eliminadas, un largometraje detrás de escena, una conversación sobre la película con Murray y Coppola, y un video musical de " City Girl ", [77] una de las canciones originales compuestas para la película por Kevin Shields. Querer sacar provecho de la publicidad que rodea Lost in Translation ' presencia s en los Oscar, Focus Features hizo el movimiento inusual de la liberación de la película en los medios de comunicación de origen, mientras que todavía se proyectará en los cines, inmediatamente después de sus nominaciones al Oscar fueron anunciadas. [75]La estrategia se consideró arriesgada, ya que a la industria en general le preocupaba que los ingresos de las salas de cine pudieran verse perjudicados por el lanzamiento temprano de videos caseros. [75] Lost in Translation finalmente ganó casi $ 5 millones de sus primeros cinco días de alquiler de videos y vendió un millón de copias minoristas durante su primera semana de lanzamiento. [78] Los primeros resultados mostraron que fue el segundo DVD más vendido durante este período [78] mientras que la película se proyectó en 600 salas y los ingresos de taquilla cayeron un 19% respecto a la semana anterior, lo que Variety describió como "relativamente modesto". [79]Focus atribuyó el rendimiento al boca a boca positivo y citó el marketing de la película en ambos medios como útil para cualquier plataforma que eligieran los consumidores. [79] Lost in Translation se publicó más tarde en el formato HD DVD ahora obsoleto el 29 de mayo de 2007, [80] y en Blu-ray el 7 de diciembre de 2010. [81]

Recepción [ editar ]

Respuesta crítica [ editar ]

Lost in Translation recibió elogios generalizados de la crítica, en particular por la interpretación de Murray y por la dirección y el guión de Coppola. [82] En Rotten Tomatoes , la película tiene un índice de aprobación del 95% basado en 233 reseñas, con una calificación promedio de 8.4 / 10. [83] El consenso crítico del sitio dice: "Equilibrando eficazmente el humor y el patetismo sutil, Sofia Coppola crea una historia conmovedora y melancólica que sirve de escaparate tanto para Bill Murray como para Scarlett Johansson". [83] En Metacritic , que asigna una calificación normalizada a las reseñas, la película tiene una puntuación promedio de 89 sobre 100 basada en 44 reseñas, lo que indica "aclamación universal".[84]

Los críticos elogiaron ampliamente la interpretación de Murray como Bob, y elogiaron su manejo de un papel más serio que se combinó con la personalidad cómica por la que ya era ampliamente conocido. Escribiendo para Slate , David Edelstein argumentó que era "la actuación de Bill Murray que estábamos esperando", y agregó que "sus dos mitades nunca se han unido como lo hacen aquí, de una manera que conecta ese hilarante desapego con lo profundo y duradera sensación de aislamiento que debe haberlo engendrado ". [85] Lisa Schwarzbaum de Entertainment Weeklyconsideró la actuación de Murray como digna de un Oscar y la elogió como la "más vulnerable y descortés" hasta la fecha; ella elogió su tratamiento de un papel más delicado, así como sus improvisaciones en las secuencias cómicas de la película. [86] El crítico del New York Times , Elvis Mitchell, tuvo un elogio similar, llamando a Lost in Translation "la película del Sr. Murray" y remarcando que el actor "ofrece el tipo de actuación que parece tan completamente realizada y sin esfuerzo que puede confundirse fácilmente con no actuando en absoluto ". [87] [nota 17]

Coppola recibió un nivel similar de aclamación por su guión y dirección. Kenneth Turan de Los Angeles Times comentó que Lost in Translation era "agrio y dulce, inconfundiblemente divertido y excepcionalmente bien observado, lo que marca  ... a Coppola como un talento maduro con una sensibilidad distintiva y los medios para expresarlo". [88] Gran parte de los elogios se dirigieron específicamente a su atención a las cualidades de sutileza y atmósfera; David Rooney de Variety elogió la película como "una pieza de estado de ánimo", y agregó que "su hábil equilibrio de humor y conmoción la convierte en una experiencia placentera y melancólica". [89] Asimismo, crítico de salónStephanie Zacharek elogió a Coppola como una "dramaturga sigilosa" cuyo estilo narrativo discreto creaba una representación ingeniosa de la emoción; elogió Lost in Translation como una historia íntima que marca a Coppola como un cineasta excepcional. [90]

También se elogió la interpretación de Johansson como Charlotte; Rooney comentó que ella "ofrece una actuación inteligentemente contenida como una mujer observadora e interrogativa con una rica vida interior", [89] y Turan agregó que Johansson "hace que lo que podría haber sido una caracterización demasiado familiar cobre completamente vida". [88] Lost in Translation fue catalogado como mejor película del año por más de 235 críticos [91] y ha aparecido en otras listas de "lo mejor de" en los años posteriores a su lanzamiento. Paste lo ubicó en el séptimo lugar en su lista de "Las 50 mejores películas de la década de 2000", [92] Entertainment Weekly lo ubicó en el número nueve en su lista de las diez mejores de la década, [93]y la película ocupó el puesto 22 en una lista de 2016 de las 100 mejores películas del siglo XXI de la BBC , según una encuesta de 177 críticos. [94]

Acusaciones de racismo [ editar ]

Si bien no es un tema de la mayoría de las reseñas, Lost in Translation recibió algunas acusaciones de estereotipos raciales orientalistas en su descripción de Japón. [95] El cineasta E. Koohan Paik argumentó que la comedia de la película "tiene sus raíces enteramente en la 'otredad' del pueblo japonés", y que la historia no ofrece caracterizaciones equilibradas de los japoneses, y agregó que "es  ... el eludir la responsabilidad de representarlos como seres humanos plenos, negativos o positivos, lo que constituye discriminación o racismo ". [96] De manera similar, el artista Kiku Day acusó en The Guardianque "[t] aquí no hay escena en la que los japoneses tengan una pizca de dignidad. El espectador se ríe a martillazos de esta gente pequeña y amarilla y sus formas divertidas". [97] Antes del lanzamiento de la película en Japón, se informó que los distribuidores locales estaban preocupados sobre cómo sería recibida allí, [98] y la película finalmente recibió críticas en algunas críticas japonesas; entre ellos, el crítico Yoshiro Tsuchiya de Yomiuri Shimbun escribió que la representación de Coppola de Japón era "escandalosamente parcial y banal". [99] Las percepciones de los estereotipos también llevaron a una campaña contra la película por parte de una organización asiático-estadounidense que instó a los miembros de la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficasvotar en contra en la 76ª entrega de los Premios de la Academia. [100]

El estudioso del cine Homay King sostiene que, si bien la película en última instancia hace poco para contrarrestar los estereotipos orientalistas, no logra establecer la perspectiva desde la cual se hacen las representaciones japonesas, y escribe que "la película [no] aclara lo suficiente que su tema real no es la propia Tokio , sino las percepciones occidentales de Tokio  ... Cuando Japón parece superficial, inapropiadamente erótico o ininteligible, nunca estamos completamente seguros de si esta visión pertenece a Coppola, a sus personajes o simplemente a un imaginario cinematográfico de Hollywood ”. [101] Además, Geoff King sostiene que si bien representaciones como la alienación de Charlotte de experiencias como ikebanason evidencia de que la película se abstiene de la "mitología orientalista de la tradición japonesa como fuente de consuelo", la película a menudo sitúa a Japón como una fuente de "diferencia" para los personajes basándose en bromas crudas y estereotipos de los japoneses como "locos" "extremo". [102] Coppola informó que se sorprendió por tales críticas, diciendo: "Creo que si todo se basa en la verdad, puedes reírte, reírte un poco, pero también ser respetuoso con una cultura. Me encanta Tokio y no soy mala ... enérgico". [39]

Reconocimientos [ editar ]

Artículo principal: Lista de elogios recibidos por Lost in Translation (película)

Lost in Translation recibió premios y nominaciones en una variedad de categorías, particularmente por la dirección y escritura de guiones de Coppola, así como por las interpretaciones de Murray y Johansson. En la 76ª entrega de los Premios de la Academia, ganó el premio al Mejor Guión Original (Coppola) y la película recibió otras tres nominaciones a Mejor Película , Mejor Director (Coppola) y Mejor Actor (Murray). [103] La película obtuvo tres Globos de Oro de cinco nominaciones: Mejor Película - Musical o Comedia , Mejor Actor - Película Musical o Comedia y Mejor Guión . [104] En elEn la 57ª edición de los Premios de Cine de la Academia Británica , Lost in Translation ganó tres premios: Mejor Actor en un Papel Protagónico , Mejor Actriz en un Papel Protagónico (Johansson) y Mejor Montaje . [105]

Lost in Translation también recibió premios de varias ceremonias de premiación, festivales de cine y organizaciones de críticos extranjeros. Estos incluyen Mejor Película Estadounidense en los Premios Bodil , [106] Mejor Película Extranjera en los Premios César , [107] y Mejor Película Extranjera en el Círculo de Críticos de Cine de Australia , [108] Sindicato Francés de Críticos de Cine , [109] y Deutscher Filmpreis , [110] así como el Nastro d'Argento al Mejor Director Extranjero. [111] La película también ganó el premio Independent Spirit.a Mejor Película , [112] Mejor Película - Comedia o Musical en los Satellite Awards , [113] y dos premios en el Festival Internacional de Cine de Venecia . [114] [3] De organizaciones de críticos, Lost in Translation recibió premios en la categoría de Mejor Película del Círculo de Críticos de Cine de San Francisco , [115] la Asociación de Críticos de Cine de Toronto , [116] y el Círculo de Críticos de Cine de Vancouver . [117]

Referencias [ editar ]

Anotaciones [ editar ]

  1. ↑ La película se ha destacado por su resistencia a cualquier clasificación de género singular. Si bien ha sido etiquetada en términos como " comedia romántica ", la película ha sido identificada por integrar elementos de múltiples géneros, incluidos el romance, la comedia y el drama. Por una discusión de Lost in Translation ' posición de s entre los géneros, véase Rey 2010 , pp. 60-75.
  2. ^ Lambert era un intérprete real en el bar del Park Hyatt Tokyo. Coppola la vio cantar " Scarborough Fair " en el hotel un año antes de la filmación y luego indujo a un gerente a ayudarla a identificarla para que Coppola pudiera elegirla. Lambert interpretó la misma canción en la película. [5]
  3. ↑ Esta escena es un homenaje al padre de Coppola de un comercial de Suntory, Francis Ford Coppola , filmado con Akira Kurosawa en la década de 1970. [9] Coppola dijo que, al igual que Bob, Murray no entendía lo que decía el hombre que interpretaba al director. Ella comentó que "me gusta el hecho de que los actores estadounidenses realmente no saben lo que está pasando, al igual que los personajes". [8]
  4. ↑ Algunos comentaristas han descrito a la propia Tokio como un tercer personaje principal de la película. Para ver ejemplos, vea San Filippo 2003 , p. 28, y Lámina 2004 , párr. 4.
  5. ↑ Coppola ha reconocido su aprecio por las "piezas serpenteantes del estado de ánimo" [16] y ha citado influencias para Lost in Translation de películas como L'Avventura , La Dolce Vita , [5] e In the Mood for Love . [28] Coppola presenta brevemente La Dolce Vita en una escena en la que Bob y Charlotte están viendo la película en la televisión mientras beben sake .
  6. ↑ Inicialmente, Johansson estaba preocupada por usar bragas transparentes para la toma, pero admitió después de que Coppola le mostró cómo se veían al modelarlas personalmente. [30] Johansson dijo que no los habría usado si el director de la película fuera un hombre. [31]
  7. ^ Para obtener ejemplos, consulte Kennedy 2010 , págs. 46–47, San Filippo 2003 , pág. 26 y Haslem 2004 .
  8. ^ Por ejemplo, consulte Smith, Paul Julian (2004). "Tokyo Drifters". Vista y sonido . Vol. 14 no. 1. p. 13.
  9. ^ Coppola ha hablado favorablemente sobre sus experiencias personales al alojarse en el hotel. Ella ha descrito el lugar como una "isla flotante silenciosa" dentro del entorno urbano "caótico" de Tokio, [36] y lo ha llamado uno de sus "lugares favoritos del mundo". [17]
  10. ↑ Después de su lanzamiento, Coppola llamó a Lost in Translation un "San Valentín" para Tokio [40] y citó el deseo de retratar lo que le gustaba de la ciudad como una de las razones para hacer la película. [36]
  11. ^ El guión de un largometraje suele tener entre 90 y 120 páginas. [45]
  12. ↑ Un ejemplo incluye la secuencia que muestra a Charlotte caminando por Shibuya Crossing . Cuando Coppola notó que la lluvia había hecho que el área pareciera nebulosa y atmosférica, descartó los planes de filmación en una sala de juegos cercana para filmar la secuencia. [7]
  13. ^ Otros ejemplos de improvisación significativa durante el rodaje incluyen las escenas que ocurren en la caja de karaoke [7] y el restaurante de sushi. [17]
  14. ↑ " (What's So Funny 'Bout) Peace, Love, and Understanding " fue elegido para Bob para resaltar su posición en una generación anterior, " Brass in Pocket " fue elegido para Charlotte para mostrar su lado juguetón y " More Than This " fue elegido extemporáneamente por Coppola y Murray durante el rodaje, después de que los dos descubrieron que tenían una afinidad mutua por Roxy Music . [dieciséis]
  15. ^ Para ver un ejemplo de un artículo de revista citado por Focus como parte de esta campaña, consulte Hirschberg 2003 . [68]
  16. ^ "Lanzamiento amplio" se define aquí como cruzar el umbral de 600 salas de cine.
  17. ↑ En las características adicionales del DVD de 2004 de la película, Murray dijo que Lost in Translation es su película favorita en la que ha aparecido.

Notas al pie [ editar ]

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Bibliografía [ editar ]

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Enlaces externos [ editar ]

  • Página web oficial
  • Lost in Translation en IMDb
  • Lost in Translation en AllMovie