Michael Max Asher (15 de julio de 1943 - 15 de octubre de 2012) fue un artista conceptual , descrito por The New York Times como "uno de los santos patrones del filo del arte conceptual conocido como crítica institucional , una disección a menudo esotérica de los supuestos que gobiernan cómo percibimos el arte ". [1] En lugar de diseñar nuevos objetos de arte, Asher normalmente alteraba el entorno existente, al reposicionar o eliminar obras de arte, paredes, fachadas, etc.
Michael Asher | |
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Nació | |
Fallecido | 15 de octubre de 2012 Los Angeles, California | (69 años)
Nacionalidad | americano |
Conocido por | Artista conceptual |
Asher también fue un profesor de arte de gran prestigio, que pasó décadas en la facultad del Instituto de Artes de California . [2] Citado por numerosos artistas de éxito como una influencia importante en su desarrollo, la enseñanza de Asher ha sido descrita por la periodista británica Sarah Thornton como su trabajo "más influyente". [3]
Temprana edad y educación
Nacido en Los Ángeles , California, Asher es hijo de la galerista Betty Asher y el Dr. Leonard Asher. [4] Estudió en la Universidad de California, Irvine , [5] donde recibió su licenciatura en bellas artes en 1966. [6]
Vida y carrera
Comenzó a enseñar en el Instituto de Artes de California en 1973, [6] junto con otros artistas-profesores influyentes como John Baldessari , Judy Chicago y Allan Kaprow . [5] Su curso de "arte posterior al estudio" consistió en críticas grupales intensivas que pueden enfocarse en un solo trabajo durante ocho horas o más. Sus Escritos, 1973-1983, sobre obras 1969-1979, en coautoría del historiador del arte Benjamin HD Buchloh , fue publicado por The Press del Nova Scotia College of Art and Design.
El capítulo 2 de Siete días en el mundo del arte [3] de Sarah Thornton se desarrolla en la clase Post-Studio Crit de Asher. Thornton describe el Crit como un "rito de iniciación" para los estudiantes y como el trabajo "más influyente" del artista: "una crítica institucional que revela los límites del resto del plan de estudios".
Habiendo estado de baja médica de CalArts desde 2008, [6] Asher murió el domingo 14 de octubre de 2012 después de una larga enfermedad. Tenía 69 años. [7] [8]
Obras
El trabajo de Asher toma la forma de "intervenciones sutiles pero deliberadas - adiciones, sustracciones o alteraciones - en entornos particulares". [9] Sus piezas siempre fueron específicas del sitio; siempre eran temporales, y todo lo que se hacía o movía para ellos era destruido o devuelto después de las exposiciones. [5]
Gran parte del trabajo de Asher, especialmente en los años 70, se centró en las idiosincrasias específicas de la galería como espacio artístico. Asher concibió las elecciones espaciales y curatoriales de la galería como sus propias obras minimalistas, centradas conceptualmente en torno a la percepción del espectador.
Su trabajo a finales de los sesenta y principios de los setenta consistió en dividir los espacios de las galerías mediante tabiques y cortinas, y diseñar ambientes que reflejaran o absorbieran el sonido. Para su primera exposición individual en el Museo de Arte de La Jolla , Asher instaló un generador de tonos en una de las paredes de la galería que efectivamente canceló todas las ondas de sonido en la habitación, creando una zona muerta en el centro de la galería. [10] En 1969, para la exposición colectiva "Anti-Illusion: Procedimientos / Materiales" en el Museo Whitney de Arte Americano , ocultó un ventilador sobre una puerta para crear una losa de aire por la que pasaban los visitantes cuando salían de una galería. a la siguiente. [5] En la década de 1970 comenzó a eliminar elementos de los espacios, por ejemplo, puliendo con chorro de arena capas de pintura (en Galleria Toselli, Milán, en 1973) o quitando las paredes divisorias que separaban un espacio de exposición de la oficina de la galería. Más dramáticamente, en su pieza Instalación (1970) en Pomona College , creó una obra reconfigurando el espacio interior de una galería y luego dejando la galería abierta, sin puerta, las 24 horas del día, introduciendo la luz y el ruido de la calle. en la galería como elementos experienciales. [5] Para otro trabajo temprano en la Galería Claire Copley en Los Ángeles, en 1974, eliminó una pared crucial que protegía el espacio de la oficina de la vista, enmarcando las operaciones comerciales detrás de escena de la galería de arte como algo que valía la pena verse en sí mismo. [6] En 1977 se llevó a cabo una exploración más profunda del funcionamiento de la galería como institución, donde realizó una exposición en las galerías Claire Copley y Morgan Thomas. La exposición asumió la función de transpositor, colocando a ambos galeristas en el espacio del otro, mostrando sus propias elecciones curatoriales únicas. [11] En 1979 comenzó a reposicionar objetos en colecciones de museos. [9] A veces, Asher recopila datos, como la lista que publicó de todas las obras de arte que el Museo de Arte Moderno haya desacreditado . [12] Para una exposición en el Museo de Arte de Santa Mónica en 2008, decidió recrear las 44 paredes de entramado que se han construido para cada exposición desde que el museo se trasladó a Bergamot Station en mayo de 1998. Planos arquitectónicos para aquellos 44 exposiciones, subtituladas con el título y las fechas de cada una, se muestran en una pequeña galería en la entrada de la muestra, proporcionando una clave de lo que los visitantes están a punto de ver. [13]
Su obra sin título de 1991, que presenta una fuente de agua de granito pulida y funcional yuxtapuesta con un asta de bandera, fue su primer trabajo público permanente al aire libre en los Estados Unidos. Parte de la Colección Stuart de arte público en el campus de la Universidad de California en San Diego , esta fuente para beber es una réplica exacta de las fuentes comerciales de metal que se encuentran típicamente en oficinas comerciales y edificios gubernamentales. En lugar de su contexto habitual como mobiliario de oficina interior, la fuente se coloca como monumento como en una isla de césped en el centro del campus. [14] Marca el sitio como el antiguo Camp Matthews , una instalación de entrenamiento militar de 1917 a 1964. [15] La pieza fue destruida por un vándalo empuñando un mazo el 13 de enero de 2015. [16]
Exposiciones y premios
Asher expuso en la documenta (1972, 1982), el MoMA (1979) y la Bienal de Venecia (1976), y sus exposiciones individuales en museos incluyen el Centro Pompidou (1991), el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (2003), el Instituto de Arte de Chicago (2005) y Museo de Arte de Santa Mónica (2008).
Asher ganó el premio Bucksbaum de 2010. El jurado estuvo integrado por: Adam D. Weinberg , el director Alice Pratt Brown de Whitney; Donna De Salvo, directora adjunta de programas y curadora en jefe de Whitney; los comisarios de 2010 Francesco Bonami y Gary Carrion-Murayari; y tres panelistas invitados, Hou Hanru ( San Francisco Art Institute ), Yasmil Raymond ( Dia Art Foundation ) y James Rondeau ( Art Institute of Chicago ). El ganador recibió $ 100,000 y una exposición individual en el Whitney Museum of American Art. [17] Su proyecto para la Bienal de Whitney 2010 implicó que el museo permaneciera abierto las 24 horas del día durante una semana (aunque el museo lo acortó a tres días debido a “limitaciones presupuestarias y de recursos humanos”). [18]
A mediados de la década de 1970, después de una disputa con el galerista Heiner Friedrich, Asher decidió utilizar acuerdos contractuales para controlar la producción, difusión y propiedad de sus proyectos de arte. [19] Utilizando el contrato de Seth Siegelaub y Robert Projanksy, el contrato de venta y transferencia de derechos reservados de los artistas , como modelo, Asher elaboró su propio contrato con la ayuda del abogado de Los Ángeles, Arthur Alef. [20]
Referencias
- ^ Roberta Smith, Cómo se enmarca el arte: planos de exposición como medio conceptual , 8 de marzo de 2008.
- ^ Lawson, Thomas (15 de octubre de 2012). "Michael Asher (1943 - 2012)" . Al este de Borneo . Archivado desde el original el 23 de septiembre de 2015.
- ^ a b Sarah Thornton. Siete días en el mundo del arte de Nueva York: WW Norton, 2009. ISBN 978-0-393-33712-9 )
- ^ "Entrevista de historia oral con Betty M. Asher, 30 de junio de 1980 y 7 de julio de 1980" . Archivos de Arte Americano, Institución Smithsonian . Consultado el 9 de marzo de 2012 .
- ^ a b c d e Randy Kennedy (17 de octubre de 2012), Michael Asher, titán del arte conceptual y profesor, muere en el 69 New York Times .
- ↑ a b c d Jori Finkel (17 de octubre de 2012), Michael Asher muere a los 69 años; artista conceptual pionero Los Angeles Times .
- ^ Finkel, Jori (16 de octubre de 2012). "El artista conceptual pionero Michael Asher muere a los 69 años" . Los Angeles Times .
- ^ Kennedy, Randy (17 de octubre de 2012). "Michael Asher, titán del arte conceptual y maestro, muere a los 69" . The New York Times .
- ↑ a b James Rondeau, Thinking Space Archivado el 12 de octubre de 2008 en la Wayback Machine , Frieze , marzo de 2008.
- ^ Michael Asher Archivado el 31 de enero de 2012 en el Wayback Machine Pomona College .
- ^ Mcfadden, Jane. "Aquí, aquí o allá: sobre el paradero del arte en los años setenta". Hora estándar del Pacífico: Arte de Los Ángeles 1945-1980 . Los Ángeles: Instituto de Investigación Getty y Museo J. Paul Getty, 2011. 254.
- ^ Roberta Smith (8 de marzo de 2008), Cómo se enmarca el arte: planos de exposición como medio conceptual New York Times .
- ^ Christopher Knight (13 de febrero de 2008), Laberinto de la mente del artista Los Angeles Times .
- ^ Michael Asher, Sin título (1991) Universidad de California, San Diego .
- ↑ Leah Ollman (14 de abril de 1992), UCSD Fountain Is a Drink of Cold Water: Esthetics: La suave adición de Michael Asher a la colección Stuart no causa sensación. Los Angeles Times .
- ^ Staahl, Derek. "Vándalo con mazo destruye obras de arte preciadas en UC San Diego" . CW News - San Diego Channel 6. Archivado desde el original el 19 de marzo de 2015 . Consultado el 2 de abril de 2015 .
- ^ "Nueva York Michael Asher gana el premio Bucksbaum" . Arte Flash. Archivado desde el original el 29 de febrero de 2012 . Consultado el 9 de marzo de 2012 .
- ↑ Michael Asher, el artista que mantuvo abierto el Whitney, murió. Archivado el19 de octubre de 2012 en el periódico Wayback Machine The Art , el 16 de octubre de 2012.
- ^ "Un documento de regulación y proceso reflexivo: Acuerdo contractual de Michael Asher encargando obras de arte (1975) | Arte y educación" . Arte y educación . Archivado desde el original el 22 de diciembre de 2015 . Consultado el 12 de diciembre de 2015 .
- ^ "Un documento de regulación y proceso reflexivo: Acuerdo contractual de Michael Asher encargando obras de arte (1975) | Arte y educación" . Arte y educación . Archivado desde el original el 22 de diciembre de 2015 . Consultado el 12 de diciembre de 2015 .
Otras lecturas
- Escritos de Asher , 1973-1983, sobre obras 1969-1979ISBN 978-0-919-61627-1 ha sido publicado por The Press of the Nova Scotia College of Art and Design , en coautoría del historiador de arte Benjamin HD Buchloh [1]
- Michael Asher, "George Washington" en el Art Institute of Chicago , 1979 y 2005, publicado por Art Institute of Chicago, 2006. [2]
- Estética de la situación: el trabajo de Michael Asher por MIT Press, 2010. ISBN 978-0262013680 [3]
- Michael Asher: Kunsthalle Bern 1992 publicado por Afterall, 2012. [4]
enlaces externos
- Medios relacionados con Michael Asher en Wikimedia Commons
- ^ Buchloh, Benjamin HD (1983). Michael Asher: Escritos 1973-1983 sobre Obras 1969-1979 . Facultad de Arte y Diseño de Nueva Escocia / Museo de Arte Contemporáneo. ISBN 978-0919616271.
- ^ Moller, Whitney (2006). George Washington en el Art Institute of Chicago 1979 y 2005 . Instituto de Arte de Chicago. ISBN 978-0300119428.
- ^ Peltomäki, Kirsi (2010). Estética de la situación: el trabajo de Michael Asher . Prensa del MIT. ISBN 978-0262013680.
- ^ Rorimer, Anne (2013). Michael Asher: Kunsthaller Bern 1992 . Después de todo. ISBN 978-1846380938.