Niki de Saint Phalle (nacida como Catherine-Marie-Agnès Fal de Saint Phalle ; 29 de octubre de 1930 - 21 de mayo de 2002) fue una escultora , pintora y cineasta franco-estadounidense [3] [4] . Ampliamente conocida como una de las pocas escultoras monumentales , [5] Saint Phalle también era conocida por su compromiso social y su trabajo. [6]
Niki de Saint Phalle | |
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Nació | Catherine-Marie-Agnès Fal de Saint Phalle 29 de octubre de 1930 Neuilly-sur-Seine , Hauts-de-Seine , Francia |
Fallecido | 21 de mayo de 2002 La Jolla, California , Estados Unidos | (71 años)
Nacionalidad | Francés , americano , ( suizo ) |
Educación | Autodidacta en el arte [1] |
Conocido por | Escultura, pintura, cine |
Trabajo notable | Jardín del Tarot de Nanas |
Estilo | Nouveau réalisme , arte feminista |
Esposos) | [2] |
Premios | Prix Caran d'Ache (1994) Praemium Imperiale (2000) |
Patrón (s) | Familia Agnelli |
Sitio web | nikidesaintphalle |
Tuvo una infancia difícil y traumática y una educación muy interrumpida, sobre la que escribió muchas décadas después. Después de un matrimonio temprano y dos hijos, comenzó a crear arte con un estilo ingenuo y experimental. Ella recibió por primera vez la atención mundial por airadas y violentas conjuntos que habían sido disparados por armas de fuego. Estos evolucionaron a Nanas , esculturas de animales, monstruos y figuras femeninas alegres, caprichosas, coloridas y a gran escala. Su trabajo más completo fue el Tarot Garden , un gran jardín de esculturas que contiene numerosas obras que van hasta creaciones del tamaño de una casa. Su estilo idiosincrásico ha sido llamado " arte marginal "; no tenía una formación formal en arte, [1] pero se asoció libremente con muchos otros artistas, escritores y compositores contemporáneos. [7]
A lo largo de su carrera creativa, colaboró con otros artistas reconocidos como Jasper Johns , Robert Rauschenberg , Larry Rivers , el compositor John Cage y el arquitecto Mario Botta , así como con decenas de artistas y artesanos menos conocidos. Durante varias décadas, trabajó especialmente en estrecha colaboración con el artista cinético suizo Jean Tinguely , quien también se convirtió en su segundo marido. En sus últimos años, sufrió múltiples problemas de salud crónicos atribuidos a la exposición repetida a fibras de vidrio y vapores petroquímicos de los materiales experimentales que había utilizado en sus obras de arte pioneras, pero continuó creando prolíficamente hasta el final de su vida.
Un crítico ha observado que la "insistencia de Saint Phalle en la exuberancia, la emoción y la sensualidad, su búsqueda de lo figurativo y su atrevido uso del color no la han hecho querer a todos en una época minimalista". [8] Era muy conocida en Europa, [8] pero su trabajo fue poco visto en los Estados Unidos, hasta sus últimos años en San Diego. Otro crítico dijo: "La artista nacida en Francia y criada en Estados Unidos es una de las artistas femeninas y feministas más importantes del siglo XX, y una de las pocas en recibir reconocimiento en el mundo del arte dominado por los hombres durante su vida". [9]
Educación y vida temprana (1930-1948)
Marie-Agnès de Saint Phalle nació el 29 de octubre de 1930 en Neuilly-sur-Seine , Hauts-de-Seine , cerca de París . [10] [11] Su padre era el conde André-Marie Fal de Saint Phalle (1906-1967), un banquero francés, y su madre era una estadounidense, llamada Jeanne Jacqueline Harper (1908-1980). [12] [13] [Nota 1] Marie-Agnès fue la segunda de cinco hijos, [10] y su prima hermana doble fue la novelista francesa Thérèse de Saint Phalle (baronesa Jehan de Drouas). [ cita requerida ]
Su nacimiento fue un año después del Martes Negro , y la economía francesa también estaba sufriendo las secuelas del infame colapso del mercado de valores que inició la Gran Depresión . [14] A los pocos meses de su nacimiento, la compañía financiera de su padre cerró y sus padres se mudaron con su hermano mayor a los suburbios de la ciudad de Nueva York ; se quedó con sus abuelos maternos en Nièvre , cerca del centro geográfico de Francia. [14] Alrededor de 1933, se reunió con sus padres en Greenwich, Connecticut ; su padre había encontrado trabajo como gerente de la sucursal estadounidense del banco de la familia Saint Phalle. [7] En 1937, la familia se mudó a East 88th Street y Park Avenue [15] en el próspero barrio del Upper East Side de la ciudad de Nueva York. [8] [11] En ese momento, Marie-Agnès era conocida como "Niki", el nombre que usaría a partir de ese momento. [11]
Niki creció en un ambiente católico estricto , contra el cual se rebeló repetidamente. [16] Su madre era temperamental y violenta, golpeaba a los niños más pequeños y los obligaba a comer aunque no tuvieran hambre. [14] Sus dos hermanos menores, Elizabeth y Richard de Saint Phalle, se suicidarían más tarde cuando fueran adultos. [14] [17] La atmósfera en casa era tensa; el único lugar donde Niki se sentía cómoda y cálida era en la cocina, supervisada por una cocinera negra. [18] : 74 Décadas más tarde, Niki revelaría que había sufrido años de abuso sexual por parte de su padre, a partir de los 11 años. [16] [19] [8] [18] : 74 Más tarde se referiría a la ambiente donde ella creció como "infierno" ( enfer ). [20]
Pasó la mayor parte de su infancia y adolescencia en la ciudad de Nueva York y los veranos en Connecticut o Long Island. [15] Con frecuencia regresaba a Francia para visitar a familiares, [10] adquiriendo fluidez tanto en francés como en inglés americano . [8] En 1937, asistió a la escuela en el Convento del Sagrado Corazón en East 91st Street en Manhattan. Después de ser expulsada en 1941, se reunió con sus abuelos maternos, que se habían mudado a Princeton, Nueva Jersey , y asistió brevemente a la escuela pública allí. [11]
Regresó al Upper East Side y estudió allí en la Escuela Brearley de 1942 a 1944. [16] Allí conoció a Jackie Matisse , nieta del artista Henri Matisse ; se convertirían en amigos para toda la vida. [15] Sin embargo, Saint Phalle fue despedida por pintar de rojo las hojas de higuera en la estatuaria clásica de la escuela. [21] [14] [11] [22] A pesar de esto, más tarde diría que fue allí “[que] me convertí en feminista. Nos inculcaron que las mujeres pueden y deben lograr grandes cosas ". [16] [15] Luego fue inscrita en una escuela de convento en Suffern, Nueva York , [14] pero fue expulsada. [23] Finalmente se graduó de la Oldfields School en Glencoe, Maryland en 1947. [11]
Durante sus últimos años de adolescencia, Saint Phalle se convirtió en modelo ; a la edad de 18 años apareció en la portada de Life (26 de septiembre de 1949) [24] y, tres años después, en la portada de noviembre de 1952 de French Vogue . [24] También apareció en las páginas de Elle y Harper's Bazaar .
Primer matrimonio e hijos (1949-1960)
A la edad de 18 años, Saint Phalle se casó con Harry Mathews , a quien conoció por primera vez a la edad de 11 (él tenía 12) a través de su padre. [14] [16] [18] : 91 Seis años después, se conocieron por casualidad en un tren a Princeton y pronto se convirtieron en pareja. [18] : 91 Inicialmente, tuvieron una ceremonia civil el 6 de junio de 1949 en el Ayuntamiento de Nueva York . [18] : 91 A instancias de la madre de Niki, también tuvieron un rito religioso en la Iglesia Francesa de Nueva York en febrero siguiente. [11] [18] : 91
Aunque sus padres aceptaron la unión, la familia de su esposo se opuso a su origen católico y los cortó económicamente, lo que los obligó a recurrir a robos ocasionales . [14] Se mudaron a Cambridge, Massachusetts para que Mathews pudiera estudiar música en la Universidad de Harvard . [14] [11] Saint Phalle comenzó a pintar al óleo y aguada, pero su objetivo era seguir una carrera en la actuación. [25] [11] Su primera hija, Laura , nació en abril de 1951. En 1952, la pequeña familia se mudó a París, donde Harry continuó sus estudios de dirección en l'Ecole Normale de Musique . [11] Los nuevos padres fueron casuales, incluso negligentes en su cuidado, [18] : 93 [14] pero sus hijos se beneficiarían de mejores circunstancias financieras después de que Mathews recibiera una herencia. [14]
Saint Phalle rechazó los valores serios y conservadores de su familia, que dictaban posiciones domésticas para las esposas y reglas de conducta estrictas particulares. [16] El poeta John Ashbery recordó que las actividades artísticas de Saint Phalle fueron rechazadas a su vez por los parientes: su tío, "el banquero francés, el conde Alexandre de Saint-Phalle, ... presuntamente ve con malos ojos sus actividades artísticas", observó Ashbery. [Nota 2] Sin embargo, después de casarse joven y convertirse en madre, se encontró viviendo el mismo estilo de vida burgués del que había intentado escapar. [7]
Durante aproximadamente una década, la familia deambulaba por Francia y Europa, viviendo un estilo de vida bohemio . En Niza , Saint Phalle y Mathews tendrían asuntos separados en 1953; después de atacar a la amante de su esposo, tomó una sobredosis de pastillas para dormir , pero tuvieron poco efecto porque estaba maníaca en ese momento. [14] Cuando Harry descubrió un alijo de cuchillos, navajas de afeitar y tijeras debajo de un colchón, llevó a su esposa a una clínica mental en Niza, donde la trataron con terapia de electrochoque y terapia de choque de insulina . [16] [14] Liberada del trabajo doméstico rutinario, se centró en crear obras de arte y mejoró lo suficiente como para ser dada de alta en seis semanas. [14] Casi al mismo tiempo, su esposo abandonó sus estudios de música y comenzó a escribir su primera novela, eventualmente cambiando a una carrera en la escritura. [11]
Mientras estaba en París en un trabajo de modelaje en 1954, Saint Phalle conoció al pintor estadounidense-francés Hugh Weiss
, quien se convirtió en su amigo y mentor artístico. La animó a seguir pintando con su estilo autodidacta. [11] [7]En septiembre de 1954, la pequeña familia se mudó a Deià , Mallorca , España, donde nació su hijo Philip en mayo de 1955. [18] : 93 [14] [11] Mientras estaba en España, Saint Phalle leyó las obras de Proust y visitó Madrid. y Barcelona , donde quedó profundamente afectada por la obra del arquitecto Antoni Gaudí . [26] La influencia de Gaudí abrió muchas posibilidades inimaginables para Saint Phalle, especialmente el uso de materiales inusuales y objets-trouvés como elementos estructurales en la escultura y la arquitectura. Saint Phalle quedó particularmente impresionada por el " Park Güell " de Gaudí, que la inspiraría a crear algún día su propia obra de arte basada en el jardín que combinaría elementos artísticos y naturales .
Saint Phalle continuó pintando, particularmente después de que ella y su familia se mudaron a París a mediados de la década de 1950. Su primera exposición de arte se llevó a cabo en 1956 en Suiza, donde mostró su estilo ingenuo de pintura al óleo. [11]
En 1956, conoció al artista suizo Jean Tinguely y a su esposa, la artista Eva Aeppli . Saint Phalle intentó su primera escultura a gran escala, reclutando a Tinguely para hacer una armadura de hierro , que cubrió con yeso y pintura. [11]
A fines de la década de 1950, Saint Phalle enfermó de hipertiroidismo y taquicardia , que finalmente fueron tratados mediante una operación en 1958. [27]
En 1959, Saint Phalle encontró por primera vez múltiples obras de arte de Yves Klein , Marcel Duchamp , Daniel Spoerri , Willem de Kooning , Jackson Pollock , Robert Rauschenberg y Jasper Johns . Ver estas obras de vanguardia desencadenó su "primera gran crisis artística". [18] : 42 Pasó de la pintura al óleo a los gouaches y la pintura brillante, y comenzó a producir ensamblajes a partir de objetos domésticos y desechos. [18] : 42 Para entonces, había decidido dedicarse de lleno a crear arte, libre de las obligaciones de la vida familiar cotidiana. [18] : 75–76
En 1960, ella y Harry se separaron de mutuo acuerdo, y su esposo se mudó a otro apartamento con sus dos hijos. [18] : 93 [14] [11] En ese momento, su hija Laura tenía nueve años y su hijo Felipe cinco. [18] : 75 Mathews ocasionalmente compraba obras de arte a su esposa como una forma de brindar su modesto apoyo, y ella lo visitaba a él ya los niños periódicamente. [18] : 93
Pronto se mudó con Jean Tinguely, quien para entonces se había separado de su propia esposa, Eva Aeppli. [18] : 95 [28] Se estaba volviendo muy conocido por sus esculturas cinéticas hechas con mecanismos de desecho y chatarra. En muchos sentidos, la pareja era opuesta y, a veces, tenían violentos desacuerdos y frecuentes aventuras con los demás. [18] : 95–98 [8] Vivirían juntos de forma intermitente y colaborarían estrechamente en proyectos artísticos durante más de una década antes de casarse en 1971. [14] [5] [29] Dos años después se separaron, pero se mantuvieron en buenos términos y continuó colaborando en varios proyectos hasta la muerte de Tinguely en 1991. [5] [21]
En 1960, Tinguely le presentó a Pontus Hultén , entonces director del Moderna Museet (Museo Moderno) en Estocolmo, Suecia . Durante los próximos años, la invitaría a participar en importantes exposiciones y adquiriría sus obras de arte para el museo. [11] Más tarde se convertiría en el primer director del Centro Georges Pompidou de París (1974-1981), donde continuó influyendo en la promoción de un mayor reconocimiento de la obra de arte de Saint Phalle.
Tirs (1961-1963)
Saint Phalle creó una serie de obras a principios de la década de 1960 que llamó Tirs ( Shootings or Shots ). La serie comenzó como "imágenes de destino", con blancos pintados en forma de diana que se muestran de manera prominente dentro de sus collages pintados, como Saint Sébastien (Retrato de mi amante / Retrato de mi amado / Mártir nécessaire) (1961), [24] o Ensamblaje (Figura con Cabeza de tablero de dardos) (1962). [30] Invitaba a los espectadores a lanzar dardos a las diana incrustadas como caras en sus ensamblajes figurativos , que estaban influenciados por los objetivos pintados por su amigo Jasper Johns . [31]
Pronto, comenzaría incrustando cuchillos, hojas de afeitar, tijeras, batidores de huevos, brazos de muñeca y otros artículos del hogar en yeso cubriendo una tabla grande, junto con bolsas llenas de pinturas de colores, latas de pintura en aerosol y, a veces, tomate . [14] Además, podría suspender bolsas de pintura o latas de pintura en aerosol frente al conjunto pintado de blanco. Luego disparaba repetidamente al conjunto con una pistola , un rifle o un cañón en miniatura , haciendo que los líquidos "sangraran" o se esparcieran. [28] [14] [18] : 44 Su primer evento de rodaje público organizado fue en febrero de 1961, al que asistieron Jean Tinguely, Daniel Spoerri y Pierre Restany , entre otros. [31] Como fundadora del movimiento Nouveau réalisme ("Nuevo Realista"), Restany le pidió a Saint Phalle que se uniera a este grupo de artistas franceses al ver su actuación; ella era la única mujer miembro de este grupo. [31] [14]
Estas expresiones extremas de violencia atrajeron la atención de los medios, catapultando a Saint Phalle a las filas de la rebelión artística de vanguardia . [1] Los Tirs combinaron performance , arte corporal , escultura y pintura, en el fermento artístico de la década de 1960. [4] Saint Phalle comenzó a presentar variaciones de este proceso en museos y galerías de arte y reclutó a otros artistas para que se unieran a los " acontecimientos " públicos escenificados , donde algunos de sus colegas también apretaban el gatillo. Conoció a muchos otros artistas emergentes a través de estas actuaciones, incluidos Robert Rauschenberg , Ad Reinhardt , Frank Stella y Edward Kienholz . [31] También invitaba a los visitantes de la galería a disparar en sus ensamblajes. [11]
Participó en el programa "Edition MAT" ( Multiplication d'Art Transformable ) de Spoerri de múltiples ediciones de obras de arte, proporcionando versiones más simples de sus trabajos de Tir , con instrucciones detalladas sobre cómo dispararles con un rifle .22 . [31] Saint Phalle documentó cuidadosamente su proceso artístico en el Tirs con escritura, fotografías y películas. [31] Ella adjuntaba artefactos comunes confeccionados a una tabla, colocaba bolsas de pintura colorida, lo blanqueaba todo y luego sumergía el ensamblaje en yeso blanco como la leche. [31] Una vez que se había secado, la colección estaba lista para ser filmada por un comprador.
En junio de 1961, Niki de Saint Phalle y Jean Tinguely se unieron a Jasper Johns y Robert Rauschenberg en un concierto llamado Variations II , orquestado por el vanguardista compositor estadounidense John Cage , y celebrado en la Embajada de Estados Unidos en París. Mientras David Tudor tocaba las composiciones de Cage en el piano, los artistas creaban sus obras de arte en el escenario mientras el público observaba los procedimientos. [31] [11]
En agosto de 1961, Marcel Duchamp presentó a Saint Phalle y Tinguely a Salvador Dalí , quien los invitó a crear un toro explosivo de tamaño natural con fuegos artificiales ( Toro de Fuego ). Este Homenage a Dalí ( Homenaje a Dalí ) fue sacado con ruedas después del final de una corrida de toros tradicional española , en Figueras , Cataluña , España, y explotó frente al público. [18] : 27 [28] [21] [11]
En 1962, tuvo su primera exposición individual en la ciudad de Nueva York, en la galería dirigida por Alexander Iolas . [15] Incluía Homenaje a Le Facteur Cheval , una galería de tiro donde los visitantes podían disparar en una de sus instalaciones Tirs . [15] Esto comenzó su larga relación de trabajo con el galerista, que finalmente comprendió al menos 17 exposiciones de su trabajo. [15]
Un evento exclusivo de tiro al aire libre de 1962 en Malibu Hills sobre Los Ángeles contó con la presencia de celebridades de Hollywood, incluidos Jane Fonda y John Houseman . [32] En la mayoría de estas representaciones públicas, Saint Phalle estaba impecablemente vestida con un elegante traje pantalón blanco . [18] : 45
Para 1963, había llevado la serie a galerías en la ciudad de Nueva York y Los Ángeles, invitando al público a participar en los tiroteos. En Los Ángeles, filmó un montaje de King Kong a gran escala que había construido, salpicando con pintura los rostros esculpidos incrustados de políticos como John F Kennedy , Fidel Castro y Charles De Gaulle , con Santa Claus y el Pato Donald también. [32] Este trabajo sería adquirido más tarde por el Moderna Museet en Estocolmo, [24] y marcaría su transición a una nueva serie de fantásticos monstruos, animales y figuras femeninas. [11] [18] : 47 A lo largo de su carrera, serpientes, pájaros y dragones se convertirían en símbolos recurrentes en sus obras de arte. [9] [33]
Mientras estaban en la ciudad de Nueva York, Saint Phalle y Tinguely se hospedaron en el Hotel Chelsea en 1962, y nuevamente en 1964-1965. [15] En 1963, la pareja compró un antiguo hotel, llamado Auberge au Cheval Blanc ("White Horse Inn"), en Soisy-sur-Ecole , a 44 kilómetros (27 millas) al sureste de París. [8] [11] Anteriormente había sido un hotel, un café, un cine e incluso un burdel , [8] pero los nuevos propietarios lo convirtieron en estudios artísticos que compartirían durante las próximas décadas.
Nanas (1964-1973)
A continuación, Saint Phalle exploró los diversos roles de la mujer, en lo que se convertiría en su serie de esculturas más conocida y prolífica. [1] Ella comenzó a hacer muñecas de mujeres de tamaño natural, como novias y madres que dan a luz, monstruos y cabezas grandes. Inicialmente, estaban hechos de materiales suaves, como lana, tela y papel maché , pero pronto se convirtieron en yeso sobre un marco de alambre y juguetes de plástico, algunos pintados de blanco. [11] [4]
A medida que la serie se convirtió en obras monumentales más grandes, Saint Phalle utilizó plástico compuesto de poliéster reforzado con fibra de vidrio (también conocido como FRP o GRP) decorado con múltiples pinturas acrílicas o de poliéster de colores brillantes . También usó espuma de poliuretano en muchas de sus esculturas. [34] Estos materiales innovadores permitieron la construcción de esculturas coloridas a gran escala con una nueva facilidad y fluidez de forma. Saint Phalle utilizó, sin saberlo, procesos de fabricación y pintura peligrosos que liberaban fibras de vidrio y productos químicos, incluidos estireno , epoxi y disolventes tóxicos . [35] [18] : 57
En 1963-1964, se creó una serie de esculturas que protestan funciones sociales estereotipadas para la mujer, como portadores del niño , las madres devoradoras, brujas , y prostitutas . [11] Algunas de sus primeras obras de arte de este período de Bride mostraban novias esqueléticas y fantasmales vestidas de blanco, [36] que se han comparado con la señorita Havisham , un personaje etéreo de la novela Great Expectations de Charles Dickens . [37]
Con el tiempo, estas figuras se volvieron más alegres, caprichosas, coloridas y de mayor escala. [20] Inspirada por un dibujo en colaboración con el artista estadounidense Larry Rivers de su esposa, su amiga embarazada Clarice Price, Saint Phalle comenzó a retratar figuras femeninas arquetípicas con una visión más optimista de la posición de la mujer en la sociedad. [38] [22] [14] Las figuras más recientes adoptaron poses de danza extática e incluso posiciones acrobáticas, como pararse de manos y volteretas . Las alegres figuras de Saint Phalle se han comparado con las alegres bailarinas de Matisse y las robustas figuras femeninas de Gaston Lachaise , Aristide Maillol y Rodin . [dieciséis]
En 1965, llamaba a sus expresiones artísticas de la proverbial Everywoman Nanas , después de una palabra de la jerga francesa que es aproximadamente equivalente a "amplia", [22] o "chick". [1] [26]
La primera de estas formas libremente planteadas, hechas de papel maché, hilo y tela, se exhibió en la Galería Alexander Iolas de París en septiembre de 1965. Durante esta muestra, se unió a una especie de rifa de tómbola organizada por el Club de Artistas de Nueva York, donde las obras de arte se dejaron al azar en casilleros de equipaje que funcionan con monedas en la estación de Pennsylvania , y las llaves se ofrecieron por $ 10 cada una. [39]
Para esta muestra, Iolas también publicó el primer libro de artista de Saint Phalle que incluía su texto escrito a mano en combinación con sus dibujos de Bananas . [39] Alentada por Iolas, inició una producción altamente productiva de trabajo gráfico que acompañaba sus exposiciones, que incluían impresiones serigrafiadas , carteles, libros y escritos. [11] En los años venideros, publicaría varios libros escritos a mano, profusamente ilustrados con dibujos y diagramas coloridos, sobre temas como la prevención del SIDA y varios períodos de su historia de vida. [11]
En 1966, Saint Phalle colaboró con Jean Tinguely y Per Olof Ultvedt
en una instalación de escultura interior temporal, Hon - en katedral (que significa "She-a- Cathedral " en sueco), llenando una gran galería temporal en el Moderna Museet , en Estocolmo , Suecia. Durante la construcción, Saint Phalle reclutó al estudiante de arte suizo Rico Weber , que había estado trabajando como lavaplatos en el restaurante del museo [40] (en los años siguientes, se convertiría en un asistente y colaborador vital para Saint Phalle y Tinguely). . [40] Un equipo de 8 personas trabajó arduamente durante 40 días, primero construyó un marco con barras de refuerzo de metal , lo cubrió con alambre de gallinero , lo enfundó con tela unida con pegamento animal maloliente y luego pintó el interior del recinto de negro y luego pintó el exterior en colores vivos. [40] La estructura final tenía 82 pies (25 m) de largo y 30 pies (9,1 m) de ancho, y pesaba alrededor de 6 toneladas (6.000 kg).La forma exterior era una escultura gigante reclinada de una mujer embarazada (una Nana ), cuyo voluminoso interior se podía ingresar a través de una abertura vaginal del tamaño de una puerta entre sus piernas. [41] Escrito en uno de los enormes muslos de Hon estaba el lema Honi soit qui mal y pense ("Que se avergüence quien lo piense mal"). [18] : 59 Dentro de la enorme escultura había un cine de 12 asientos, una barra de leche dentro de un pecho, un estanque de peces y un cerebro construido por Tinguely, con partes mecánicas móviles. [14] [21] Además, la enorme Nana contenía un teléfono con monedas , un sofá de dos plazas , un museo de pinturas falsas, una máquina expendedora de sándwiches , una instalación de arte de Ultvedt y un tobogán de juegos para niños. [40]
Después de un impactante silencio inicial, la instalación provocó un amplio comentario público en revistas y periódicos de todo el mundo, dando a conocer el Moderna Museet. [40] Más de 100.000 visitantes se agolparon para experimentar el entorno inmersivo, incluidos muchos niños. [18] : 26,59 [40] Al cabo de 3 meses, todo el montaje temporal fue demolido y retirado, a excepción de la cabeza, que fue conservada por el museo en su colección permanente. [40] Algunos pequeños fragmentos se adjuntaron a catálogos de exposiciones de edición limitada y se vendieron como recuerdos. [40]
Por esta época, Saint Phalle también diseñó escenografías y vestuario para producciones teatrales: Éloge de La Folie ( Alabanza de la locura , 1966), un ballet de Roland Petit ; una adaptación de la obra de Aristófanes Lysistrata (1966); y una obra de teatro en alemán que coescribió con Rainer von Diez titulada ICH (Todo sobre mí) (1968). [42] [39] [11] Grandes figuras de Nana fijas o móviles fueron prominentes en varias de estas producciones. [18] : 59
En 1967, Saint Phalle comenzó a trabajar con resina de poliéster , [41] un material que podía moldearse fácilmente pero que se transformaba en una superficie dura, lisa y resistente a la intemperie. Esta nueva tecnología le permitió construir figuras grandes y fantásticas para exhibir al aire libre en espacios públicos y parques. [18] : 57 El material es razonablemente duradero al aire libre (se utilizan materiales similares para botes y carrocerías de automóviles), aunque décadas de exposición a la intemperie pueden eventualmente causar deterioro, requiriendo medidas especializadas de conservación del arte . [43]
En agosto de 1967, el Stedelijk Museum de Amsterdam inauguró la primera exposición retrospectiva de Saint Phalle, Les Nanas au pouvoir ("Nana Power"). Para el programa, Niki creó su primera "Nana Dream House" y "Nana Fountain", y también mostró planes para su primera "Nana Town". [11]
En 1967, exhibió Le Paradis Fantastique ( El paraíso fantástico ), una agrupación colaborativa de nueve de sus esculturas con seis máquinas construidas por Tinguely, en la terraza de la azotea del Pabellón Francés de 8 niveles en la Expo 67 en Montreal . [44] [45] La composición fue concebida originalmente como un ataque de las oscuras construcciones mecánicas de Tinguely sobre los animales de colores brillantes y las figuras femeninas de Saint Phalle, una especie de "guerra amorosa". [46] [18] : 100
Aunque el pabellón francés en sí era popular, la mayoría de los visitantes no vieron la terraza de la azotea donde se instalaron las esculturas. [47] En 1968, las esculturas se volvieron a exhibir en la Galería Albright-Knox en Buffalo, Nueva York , y luego durante un año en el Central Park de la ciudad de Nueva York . [44] [39] [47] En 1971, algunas de las obras de arte fueron compradas por el Moderna Museet y permanentemente instaladas cerca en un jardín de esculturas al aire libre en Skeppsholmen , una isla en el centro de Estocolmo. [47] [39] [48]
En 1968, reveló por primera vez que había desarrollado problemas respiratorios por la exposición al polvo y los humos al hacer su obra de arte. [11] [39]
A partir de 1968, Saint Phalle vendió juguetes inflables para piscina Nana , que aparecieron en la edición de abril de 1968 de la revista Vogue . [15] Ignoró las quejas de los críticos de arte, centrándose en recaudar fondos para sus futuros proyectos monumentales. [14] [11] En los próximos años, enfrentaría más críticas por comercializar en exceso y popularizar su obra de arte, pero recaudó fondos significativos que le permitieron financiar varios proyectos ambiciosos por su cuenta. [32] Durante su carrera, produjo ropa, joyas, perfumes, figuras de vidrio o porcelana, muebles y artículos de artesanía, muchos de ellos con el tema de Nana . [18] : 110
De 1969 a 1971, trabajó en su primer proyecto de arquitectura a gran escala, tres pequeñas casas escultóricas para Rainer von Diez en el sur de Francia, [39] que llamó Le Rêve de l'oiseau
( El sueño del pájaro ) . El proyecto fue una colaboración con él y Jean Tinguely, y un precursor de su posterior proyecto Tarot Garden .En 1969, se unió a varios otros artistas bajo la dirección de Tinguely, comenzando a trabajar en Le Cyclop ("Cyclops", también conocido como La Tête , "The Head", o le Monstre dans la forêt , "el Monstruo en el bosque") , en Milly-la-Forêt , cerca de París. [11] Los colaboradores incluyeron a Daniel Spoerri, Bernhard Luginbuhl y Eva Aeppli. Finalmente, 15 personas diferentes trabajaron en el proyecto, que no se consideraría terminado hasta 1994. [49]
En una entrevista en televisión, [ ¿cuándo? ] compartió sus puntos de vista sobre el lugar de las mujeres en la política y dijo: "Creo que las mujeres podrían administrar este mundo mucho mejor. Si el poder negro y el poder de las mujeres se unieran, se harían cargo de todo. Esa es la solución. Un nuevo mundo de alegría . " [50] [ se necesita una cita completa ] [se necesita verificación ]
En noviembre de 1970, como parte de una reunión de artistas que celebraba el décimo aniversario de la fundación de los Nouveaux Réalistes, Saint Phalle disparó contra un conjunto de altar . [39]
El 13 de julio de 1971, Saint Phalle y Tinguely se casaron legalmente, [11] [29] quizás para ahorrar impuestos, ya que Saint Phalle se convirtió así en ciudadana suiza . [14] Su matrimonio les dio a los dos artistas el control mutuo sobre el estado artístico del otro en caso de que uno de ellos muriera. [14] Ese mismo año, diseñó sus primeras piezas de joyería . [11]
En 1972, instaló Golem , encargado por el entonces alcalde Teddy Kollek , en un parque infantil en el barrio Kiryat Hayovel de Jerusalén . Es un monstruo gigante con tres lenguas rojas que sobresalen de su boca, que sirven como toboganes de juegos . [51] [52]
A partir de 1972, contrató a Robert Haligon ( Fabricant de Plastiques d'Art ) para que la ayudara a fabricar sus esculturas a gran escala, así como varias ediciones de obras de arte. Esta colaboración continuaría durante 25 años, incluidos sus cuatro hijos, en particular Gérard, quien tomaría la iniciativa en años posteriores. [39] [11] La colaboración produciría aproximadamente 3,000 esculturas, que van desde piezas monumentales al aire libre hasta pequeñas ediciones múltiples. [53] Saint Phalle entrenó personalmente a su hija Marie Haligon para pintar sus esculturas de edición múltiple, siguiendo el prototipo de un artista maestro. [53] Inicialmente, el artista prefirió un acabado de pintura mate, evitando las superficies brillantes. Sin embargo, se vio obligada a adoptar acabados de superficie brillantes para lograr una mayor durabilidad de las pinturas en sus esculturas al aire libre. Con el tiempo, adoptó este efecto visual brillante y comenzó a usar espejos y piedras pulidas para hacer emerger sus obras de arte. [53]
En 1972, Saint Phalle filmó imágenes para su película de terror surrealista Daddy , sobre una relación de amor y odio entre padre e hija profundamente atribulada . [54] [55] La filmación se realizó en un castillo alquilado cerca de Grasse en el sureste de Francia en asociación con el cineasta Peter Whitehead . En noviembre, la película se proyectó en Londres. En enero siguiente, produjo una nueva versión de la película, con escenas adicionales en Soisy y Nueva York, y un elenco ampliado. La versión revisada se estrenó en el Lincoln Center para el XI Festival de Cine de Nueva York en abril. También se le encargó el diseño de la portada del programa del festival. [39] [11]
En 1973, Saint Phalle trabajó con Tinguely y Rico Weber en un encargo de Roger y Fabienne Nellens para construir una casa de juegos en el jardín de su casa en la costa de Knokke-le-Zoute , Bélgica. El Le Dragon que construyeron era una estructura sustancial, de 21 pies (6,4 m) de alto y 110 pies (34 m) de largo, realizada utilizando técnicas derivadas del anterior proyecto Le Rêve de l'oiseau . El fantástico edificio eventualmente incluiría una cocina, un baño, un inodoro, un sistema de calefacción y un dormitorio, a un costo estimado de $ 30,000 a $ 40,000. El exterior estaba decorado con pinturas brillantes, incluidas las realizadas por Roger Nellens y el piloto de carreras de Fórmula 1 Jacky Ickx . Al igual que en el proyecto Golem del año anterior, una lengua larga formó un deslizamiento exterior desde el nivel superior. [52]
En 1987, el artista de graffiti Keith Haring viviría en Le Dragon mientras trabajaba en un mural en el cercano Knokke Casino , y regresaría durante al menos tres veranos. [56] Con el consentimiento entusiasta de Saint Phalle, pintaría un largo fresco a lo largo de la pared de una escalera interior. [57] Eventualmente, el edificio sería designado Monumento Histórico de Bélgica, aunque seguiría siendo propiedad privada. [52]
Saint Phalle continuó creando Nanas por el resto de su vida, pero pronto centraría su atención en un proyecto integral en Italia.
Tarot Garden (1974-1998)
El Tarot Garden no es solo mi jardín. También es el jardín de todos los que me ayudaron a hacerlo. Soy el arquitecto del jardín. Impuse mi visión porque no podía hacer otra cosa.
El jardín se hizo con dificultades, entusiasmo salvaje, obsesión y, sobre todo, fe. Nada podría haberme detenido.
Como en todos los cuentos de hadas, antes de encontrar el tesoro, encontré en mi camino dragones, hechiceros, magos y el Ángel de la Templanza.
—Niki de Saint Phalle [58]
En 1955, Saint Phalle había visitado el Parc Güell de Antoni Gaudí en Barcelona, España , lo que la inspiró a utilizar diversos materiales y encontrar objetos como elementos esenciales en su arte. [59] Otra influencia fue el Parco dei Mostri en Bomarzo , en la región Toscana de Italia. [60] A finales de la década de 1950, ella y Jean Tinguely habían visitado Le Palais Idéal construido por Ferdinand Cheval en Hauterives , Francia, así como las Watts Towers de Simon Rodia en Los Ángeles a principios de la década de 1960. [11] Estos dos últimos lugares fueron ejemplos de arte y arquitectura fantásticos de forasteros construidos por trabajadores ordinarios de medios modestos pero con una visión expansiva. Saint Phalle decidió que quería hacer algo similar: un magnífico jardín de esculturas , pero creado por una mujer.
Los patrocinadores iniciales de su ambicioso proyecto fueron miembros de la familia italiana Agnelli . En 1974, Saint Phalle enfermó de un absceso pulmonar debido a su trabajo con poliéster y fue hospitalizada en Arizona. [18] : 76 Luego se recuperó en St. Moritz, Suiza . [39] [11] Se volvió a conectar con Marella Agnelli , una amiga de la década de 1950 en Nueva York, [29] y le contó a Agnelli sus ideas para un jardín de fantasía. [18] : 76 En 1978, los hermanos de Agnelli, Carlo y Nicola Caracciolo, ofrecieron una parcela de su tierra en Toscana para el sitio del jardín. [59]
En 1975, Saint Phalle escribió el guión de Un rêve plus long que la nuit ( Un sueño más largo que la noche , más tarde también llamada Camélia et le Dragon ), y reclutó a muchos de sus amigos artistas para que la ayudaran a convertirlo en una película, una cuento fantasmagórico de dragones, monstruos y adolescencia. Una niña es cautiva por un dragón, logra escapar y debe explorar Sept Portes du Mystère ("Siete puertas del misterio") para encontrar el amor. Laura, la hija de Saint Phalle, fue el personaje principal de la película, apareciendo con Saint Phalle, Jean Tinguely y otros artistas amigos; Peter Whitehead compuso la música. [61] Para el rodaje, diseñó varios muebles, que luego se exhibieron en la fachada del Palais des Beaux-Arts en Bruselas . [11] De 1968 a 1988, también trabajó en Anoche tuve un sueño , una pintura en relieve escultural que incluía muchos elementos de sus vidas y sueños anteriores. [62]
En 1976, se retiró a los Alpes suizos para perfeccionar sus planes para el parque de esculturas. [39] En 1977 Ricardo Menon, un argentino, se convirtió en su asistente; trabajaría en estrecha colaboración con ella hasta 1986. [11] [63]
En 1977, trabajó con el escritor inglés Constantin Mulgrave para diseñar escenarios para The Travelling Companion , basados en un cuento de hadas de Hans Christian Andersen , pero el proyecto nunca se completó. [39] Ella y Mulgrave vivieron juntos durante unos cuatro años, pero Tinguely siguió siendo una presencia que reaparecía continuamente en su vida. [18] : 101–103
En 1977, también visitó México y Nuevo México , en busca de inspiraciones artísticas más extensas. [39]
En 1978, Saint Phalle comenzó a diseñar su jardín de esculturas en una cantera abandonada en Garavicchio , Toscana , a unos 100 kilómetros (62 millas) al noroeste de Roma, cerca de la costa oeste de la península italiana. Al año siguiente, se limpiaron los sitios y se establecieron los cimientos. [59]
En 1979, produjo la primera de lo que se convertiría en una nueva serie de esculturas, los Skinnies . Eran contornos planos, planos y transparentes de cabezas y figuras, resaltados por manchas de color. De alguna manera, se parecían a sus bocetos y dibujos coloridos, pero aumentaron a un tamaño monumental. La serie también simbolizó la lucha de Saint Phalle contra el enfisema y la enfermedad. [64] Continuó produciendo sus Nanas además de su nuevo estilo de escultura, [11] y ambos estilos de figuras aparecerían en su proyecto Tarot Garden .
En 1980, Saint Phalle y su equipo comenzaron a construir la primera escultura arquitectónica en el jardín. A medida que avanzaba el proyecto, Saint Phalle comenzó a recibir lecciones de italiano para comunicarse mejor con los trabajadores locales. [14] El segundo miembro de la tripulación que contrató fue Ugo Celletti, un repartidor postal a tiempo parcial de 50 años , que descubrió el amor por el trabajo en mosaico en el proyecto. [14] [65] Trabajaría en el proyecto durante 36 años y reclutaría a sus sobrinos para que se unieran; algunos miembros de la familia todavía están involucrados en el mantenimiento del sitio. [66] [65]
Invitó a amigos artistas de Argentina, Escocia, Holanda y Francia para ayudar a trabajar en las esculturas. [14] Con el tiempo, Saint Phalle trabajó con decenas de personas, incluidos arquitectos, ceramistas, herreros, albañiles, pintores y artistas del mosaico. [67] Los materiales utilizados en el proyecto Tarot Garden incluirían acero, hierro, cemento, poliéster, cerámica, mosaicos de vidrio, espejos y piedras pulidas (que ella llamó " M & M's "). [9]
La estructura de las esculturas más masivas era muy similar a la instalación temporal de Hon en el Moderna Museet en 1966, pero esta vez las obras de arte estaban al aire libre y debían resistir los efectos de la intemperie a largo plazo del sol y la lluvia. La forma básica de las esculturas se estableció con armazones hechos de varilla de acero soldado . Se agregó una segunda capa de barras de refuerzo de acero de calibre más ligero, seguida de dos capas de metal expandido . Luego se contrató a una empresa especializada para rociar hormigón proyectado sobre la estructura. Una capa de alquitrán para impermeabilizar y una capa final de cemento blanco produjeron una estructura hueca y resistente lista para decorar. [59]
En 1980, también comenzó a vender una serie de sillas, jarrones y lámparas con forma de serpiente de poliéster. [11] Ese año, registró su primer ataque de artritis reumatoide , una enfermedad dolorosa que afecta las articulaciones del esqueleto. [11]
En 1980-1981, diseñó un esquema de pintura colorido para un avión bimotor Piper Aerostar 602 P, que participó en la primera carrera transatlántica patrocinada por la Fundación Peter Stuyvesant de Amsterdam. [11] Como un acto de rebelión juguetona contra el patrocinador del fabricante de cigarrillos, agregó un letrero de " No fumar " visible en la panza del avión (era alérgica al humo del tabaco ). [68]
En 1981, Saint Phalle alquiló una pequeña casa cerca del Jardín del Tarot y contrató a jóvenes de Garavicchio para ayudar con la construcción del jardín. Jean Tinguely dirigió un equipo suizo, compuesto por Seppi Imhoff y Rico Weber, y comenzó a soldar los marcos de las esculturas. [39] Al año siguiente, el artista holandés Doc Winsen (también llamado "Dok van Winsen") se hizo cargo de las operaciones de soldadura. [11]
En 1982, desarrolló y comercializó un perfume homónimo , y utilizó las ganancias para ayudar a financiar su proyecto. [22] [21] [11] [69] La tapa del frasco de perfume presentaba una pequeña escultura de dos serpientes entrelazadas, una dorada y la otra de colores brillantes. [70] Ella pudo haber recaudado hasta un tercio de los fondos que necesitaba para el jardín de esta manera. [14] Solicitó activamente financiación de amigos y conocidos, así como vendiendo sus obras de arte. [14]
En 1982, Saint Phalle colaboró con Tinguely para producir la Fuente Stravinsky , una fuente escultórica de 15 piezas para la plaza Igor Stravinsky, ubicada junto al Centro Georges Pompidou de París. Por su destacada ubicación en París, se convertiría en una de las colaboraciones más conocidas entre los dos artistas.
Desde 1983 hasta 1988, cuando estuvo en el lugar, [59] Saint Phalle vivió en un pequeño apartamento construido en La Emperatriz , una escultura del tamaño de una casa parecida a una esfinge en el jardín. En el segundo nivel, su dormitorio estaba dentro de un seno y su cocina estaba dentro del otro. [14] [69] Cada una de estas dos habitaciones tenía una única ventana circular empotrada, que parecía un pezón invertido cuando se veía desde el exterior. [71] En 2000, recordaría: "Por fin, se me iba a conceder el deseo de toda mi vida de vivir dentro de una escultura: un espacio hecho enteramente de curvas onduladas ... Quería inventar una nueva madre, una diosa madre , y renacer dentro de su forma ... Dormiría en un pecho. En el otro, pondría mi cocina ”. [37]
La planta baja contenía un gran espacio con espejos con una mesa de comedor con espejos donde ella serviría el almuerzo a los trabajadores y artistas, debajo de un candelabro que Tinguely había hecho con un cráneo de vaca. [14] Ella usó este papel maternal para ayudar a reforzar su autoridad en la dirección del equipo de hombres que necesitaba para ayudar a construir su proyecto. [14] Eventualmente, se cansaba del estrecho espacio "en el útero de su madre", y después de 1988 se mudaba a un estudio estilo loft de Nueva York que había construido para sí misma bajo tierra en el sitio. [59] Su asistente Ricardo Menon viviría en la estructura de la Torre de Babel mientras estaba en el sitio, trabajando en estrecha colaboración con Saint Phalle y cuidándola durante los brotes de artritis paralizante. [63]
Alrededor de 1983, Saint Phalle decidió cubrir sus esculturas de Tarot Garden principalmente con baldosas cerámicas de colores duraderos , agregando fragmentos de espejos y vidrio y piedras pulidas. [11] Menon la ayudó a reclutar a Venera Finocchiaro, una profesora de cerámica de Roma; enseñó a las mujeres locales nuevas técnicas para moldear piezas de cerámica en superficies curvas e instaló hornos en el lugar para terminar las piezas. [11] [59] [14] A partir de 1985, Jean Tinguely añadió al proyecto esculturas y fuentes de acero estacionarias y motorizadas. [59] Robert Haligon y sus hijos hicieron gran parte del trabajo que involucró resinas de poliéster. [59] [53] Saint Phalle le pidió a Pierre Marie Lejeune que creara un camino de cemento, que inscribió con jeroglíficos , otros signos y símbolos, y texto. [59] Durante este período, Saint Phalle dedicó casi todo su tiempo a vivir y trabajar en el jardín. [11]
En 1986, Menon se fue para asistir a una escuela de teatro en París, [11] pero mantuvo en secreto a Saint Phalle que había contraído el SIDA . [63] Mientras estaba allí, reclutó a su compatriota Marcelo Zitelli para que trabajara para Saint Phalle como jardinero, pero él a su vez se convirtió en su asistente para otros trabajos, ayudándola a fabricar esculturas durante al menos la siguiente década. [11] El mismo año, Saint Phalle se tomó un tiempo para colaborar con Silvio Barandun
(un profesor médico alemán de inmunología ) para escribir e ilustrar su libro AIDS: You Can't Catch It Holding Hands , destinado a estudiantes en el medio escuela o escuela secundaria . Se publicó por primera vez en San Francisco en inglés y luego se tradujo a cinco idiomas diferentes; Se vendieron o entregaron 70.000 copias a instituciones médicas y escuelas. [11] [72] [71]De 1987 a 1993, Saint Phalle pasó la mayor parte de su tiempo en París, donde desarrolló muchas de las esculturas más pequeñas para el jardín. [59] De vez en cuando, organizaba exposiciones de su arte en galerías, incluidas maquetas de sus obras más importantes, para recaudar fondos para el proyecto del jardín. [59] Saint Phalle también trabajó en el establecimiento de una estructura legal permanente para la preservación y mantenimiento del jardín. [59]
En 1991, produjo una maqueta para Le Temple Idéal ( El Templo Ideal ), un lugar de culto que da la bienvenida a todas las religiones, en respuesta a la intolerancia religiosa que vio mientras trabajaba en Jerusalén. [39] La ciudad de Nimes (Francia) le encargó la construcción de la escultura arquitectónica, pero el proyecto nunca se construyó debido a la política. [39] A lo largo de los años, se había interesado por los mitos y las tradiciones religiosas más allá de la crianza católica romana de su infancia, incluidas las creencias judías, hindúes, budistas y del antiguo Egipto.
En 1992-1993, se realizó el mantenimiento correctivo de las esculturas del Tarot Garden , utilizando nuevos pegamentos y siliconas para unir espejos y elementos de vidrio de manera más segura, para resistir la intemperie y el toque de las manos de muchos visitantes. [59] A partir de 2021[actualizar], se estaba llevando a cabo un proceso de restauración similar para volver a colocar los espejos con Le Cyclop , ubicado en Milly-la-Forêt , cerca de París. [73]
El Tarot Garden estuvo en desarrollo durante casi 30 años, y se gastaron $ 5 millones (aproximadamente $ 11 millones en dólares de 2016 [14] ) para construirlo. [74] La Fundación del Jardín del Tarot se constituyó en 1997 (y alcanzaría el estatus jurídico oficial en 2002), y el jardín se abrió oficialmente al público el 15 de mayo de 1998. [59] El jardín terminado (llamado il Giardino dei Tarocchi en Italiano y le Jardin des Tarots en francés) ahora contiene esculturas y esculturas arquitectónicas que representan las 22 cartas de los Arcanos Mayores que se encuentran en la baraja de cartas del Tarot , además de otras obras de arte más pequeñas. [75] El sitio cubre alrededor de 2 hectáreas (4,9 acres) en la ladera sur del cerro Gravicchio, en Capalbio. [76] Las esculturas más altas miden unos 15 metros (49 pies) de altura. [76]
El amigo de Saint Phalle, el arquitecto Mario Botta , construyó un muro protector similar a una fortaleza y una puerta de entrada en forma de ojo de buey en la entrada del jardín, que marca una separación distintiva del mundo exterior. [59] La estructura de entrada también alberga una taquilla, una tienda de regalos y baños para los visitantes. [75] Dentro del parque, hay fuentes, patios, una torre de varios niveles y muchas criaturas míticas más grandes que la vida. [59] Saint Phalle diseñó un folleto que contiene un mapa y otra información para los visitantes del jardín, que está abierto en temporada. [58]
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Techo de mosaico con espejos dentro de The Empress
Cocina utilizada por Saint Phalle dentro de The Empress
Detalle de Justicia
Techo de mosaico dentro de la torre
Pavimento de suelo en The Tower
Pasarela inscrita con símbolos arcanos
Camino firmado por Saint Phalle
La Emperatriz (vista interior)
Años posteriores (1990-2002)
En sus últimos años, Saint Phalle padeció enfisema , [5] asma , [5] y artritis severa , [7] [14] que ella [64] y muchos comentaristas atribuyeron a la exposición a fibras de vidrio, humos y petroquímicos de materiales utilizados en sus obras de arte. [5] [21] [7] [14] [77] [32] A pesar de estas desventajas, se lanzó a explorar nuevos lugares, nuevas tecnologías y nuevos medios artísticos.
En 1989, Ricardo Menon, ex asistente de Saint Phalle, murió de SIDA; [11] su pérdida hundió a Saint Phalle en la depresión. [63] Creó una gran escultura en mosaico de un gato, Chat de Ricardo , para que le sirviera de lápida en el cementerio de Montparnasse , París, Francia. [78] [63] Colocó una segunda copia de la escultura conmemorativa en su Tarot Garden en Toscana, donde él había trabajado en estrecha colaboración con ella durante casi una década. [75] [63]
En 1990, Saint Phalle completó Skull (Sala de meditación) , un recinto en forma de calavera del tamaño de una habitación de 5 metros (16 pies) de alto, revestido con mosaicos de colores y revestido en el interior con espejos de mosaico, para conmemorar la crisis del SIDA . [24] [11] También usó bronce por primera vez, en una serie de dioses y diosas egipcios . [11]
En agosto de 1991, Jean Tinguely murió repentinamente de un ataque cardíaco en Berna, Suiza . Durante sus dos años anteriores de salud en declive, dejó de tomar medicamentos y comenzó a prepararse para la muerte. [63] La pareja se había separado hace años, pero permanecía muy unida; la pérdida de su colaborador de toda la vida y amigo íntimo afectó profundamente a Saint Phalle. Estaba escribiendo una carta de memorias sobre su primer encuentro cuando le llegó la noticia de su muerte. [18] : 103
En su memoria, Saint Phalle creó sus primeras esculturas cinéticas , a las que llamó Méta-Tinguelys . [79] Con la ayuda inicial de su amigo artista Larry Rivers , creó una serie de relieves cinéticos o pinturas en movimiento, llamadas Tableaux Éclatés ("Pinturas destrozadas"), en homenaje a su difunto esposo y colega. [8] [39] [80] Cuando se acercaba un visitante, una fotocélula activaba motores que provocaban que los elementos de las pinturas se separaran. [8]
Saint Phalle perdió a muchos amigos y asociados a causa del sida, incluido Jean-Jacques Goetzman, quien murió en 1992. Ella lo recordó con Oiseau pour Jean-Jacques ("Pájaro para Jean-Jacques"), una gran escultura de pájaro abstracto reflectante en el cementerio de Montparnasse. [63]
A medida que su salud se deterioró, trabajó en la creación del Museo Tinguely en Basilea, Suiza , y continuó trabajando en su Tarot Garden . Durante este tiempo, se convirtió en una buena amiga del arquitecto del museo, Mario Botta , y también lo contrató para que diseñara la pared y la entrada a su Tarot Garden . [59]
En 1994, Saint Phalle publicó sus memorias Mon Secret ( Mi secreto ) ilustradas y coloreadas a mano en francés y reveló su historia de abuso sexual infantil. [16] [14] [81] En 1999, lanzó Traces , una autobiografía en inglés, que también ilustró. En 2006, Harry and Me: The Family Years; 1950-1960 se publicó (póstumamente), que consta de sus memorias auto-ilustradas de la década en que estuvo casada con Harry Mathews .
Saint Phalle se mudó de París a La Jolla, California en 1994 por razones de salud. [79] [21] [59] [22] [18] : 79 Ella montó un nuevo estudio y produjo esculturas que fueron cubiertas con espejos, vidrio y piedras pulidas, en lugar de pinturas. [79] [59] En su nuevo espacio de trabajo, comenzó a explorar tecnologías novedosas para diseñar y crear obras de arte. [11] También se convirtió en un miembro activo de la escena artística de San Diego, participando en eventos de recaudación de fondos y exposiciones allí. [5]
En 1994 diseñó un sello para Swiss Post , con el mensaje "Alto al SIDA / Alto al SIDA", por lo que fue galardonada con el Prix Caran d'Ache . [82] [11] También comenzó una serie de trabajos serigrafiados, a los que llamó California Diary , con la fauna local. [18] : 64 Comenzó una nueva serie de pilares Totem de figuras humanas o animales apiladas y fragmentos anatómicos . [18] : 64
En 1994, finalmente declaró terminada la escultura colaborativa Le Cyclop , iniciada en 1969 por Tinguely y trabajada por 15 artistas. [49] El presidente de Francia, François Mitterrand , abrió la obra al público en general en mayo. [49] Para controlar el vandalismo, la instalación fue donada al estado francés, que se ha encargado de su protección y mantenimiento. [49] La enorme estructura tiene 22,5 metros (74 pies) de altura, pesa 350 toneladas (350.000 kg) y está llena de obras de arte hechas a medida, incluida una escultura gigante de bola rodante . [49] Muchas de las obras de arte son cinéticas , dotando a la instalación de un movimiento constante y produciendo fuertes gemidos y otros ruidos mecánicos. [49]
En octubre de 1994, el Museo Niki , dedicado a contar la historia de su vida y obra de arte, se inauguró en Nasu, Japón . [11] Sin embargo, el Museo Niki se vería obligado a cerrar posteriormente en 2011. [83] [84]
En 1994, Saint Phalle trabajó con Peter Schamoni en la realización de un documental sobre la historia de su vida, Niki de Saint Phalle: Wer ist das Monster - Du oder ich? ("¿Quién es el monstruo, tú o yo?"). [11] [85] En 1995, la película recibió el Premio de Cine de Baviera al mejor documental. [18] : 110
En 1996, comenzó a construir Gila , una gran casa de juegos para niños con forma de dragón para una residencia privada de San Diego. Este proyecto fue su primer uso de técnicas digitales para ampliar dibujos a una construcción a gran escala. [11]
En 1996, apoyó la apertura del Museo Tinguely en Basilea, donando 55 esculturas importantes y más de 100 obras gráficas de Tinguely, que constituían gran parte de la colección principal. [39] [11] También donó algunas de sus obras de arte y de su marido para crear L'Espace Jean Tinguely y Niki de Saint Phalle en el Musée d'art et d'histoire en Friburgo, Suiza . [11]
En 1997, diseñó sillas de serpiente de madera con incrustaciones de mosaico, hechas por Del Cover y Dave Carr. [39]
En 1998, creó una serie de esculturas Black Heroes en honor a los afroamericanos que hicieron importantes contribuciones al deporte o al jazz , incluidos Miles Davis , Louis Armstrong y Josephine Baker . [18] : 65 Dedicó la serie a sus bisnietos , que son mestizos . [11] También completó su serie de 23 animales grandes para el parque escultórico Arca de Noé en el Zoológico Bíblico de Jerusalén con la ayuda de su equipo internacional de artesanos y en colaboración con el arquitecto Mario Botta. [86] [11]
En 1999, debutó con una estatua monumental de Buda , una figura contemplativa de un solo ojo sentada en la posición de loto . La figura está cubierta con mosaicos relucientes, vidrio, espejos y piedras pulidas.
El 17 de noviembre de 2000, se convirtió en ciudadana honoraria de Hannover, Alemania , y donó 300 piezas de su obra de arte al Museo Sprengel ubicado allí. En 2000, el artista recibió el premio Praemium Imperiale de escultura, otorgado por la Asociación de Arte de Japón . [87] El premio se considera el equivalente al Premio Nobel en el mundo del arte. [39]
En 2001, donó 170 piezas al Musée d'art moderne et d'art contemporain (MAMAC) en Niza, Francia , y donó otras obras al Musée des Arts Décoratifs de París. [39]
También diseñó y construyó para el Puerto de San Diego una escultura de 12 metros (39 pies) de alto y 10 toneladas, Coming Together . La obra de arte más grande de su serie Skinnies consiste en una colorida mitad femenina y una mitad masculina en blanco y negro unidas, cubiertas con mosaicos y piedras. [39] La ceremonia de dedicación se retrasó hasta el 25 de octubre de 2001 debido a los ataques del 11 de septiembre el mes anterior; la artista no pudo asistir debido al deterioro de su salud. [64] La obra de arte significó su interpretación del yin y el yang , la enfermedad y la salud, y la integración de aspectos duales en un todo unificado. [64]
Saint Phalle soportó una hospitalización en cuidados intensivos durante seis meses [7] antes de morir de insuficiencia respiratoria (causada por enfisema) en el Hospital Scripps Memorial en La Jolla, el 21 de mayo de 2002. [5] [22] Fue atendida por su primer esposo Harry Mathews y sus hijos. [18] : 79 [14]
Hasta el final, continuó diseñando desarrollos adicionales para su Tarot Garden en Italia, incluido un laberinto , para el cual se despejó el terreno y se instalaron varillas de metal. [59] Tras su muerte, todos los nuevos desarrollos en su jardín se detuvieron, como ella había especificado previamente. [59] [65] Desde entonces, se han implementado algunos cambios modestos, principalmente para dar cabida a un número cada vez mayor de visitantes. También se ha construido un café jardín diseñado por Mario Botta. [65] Una excepción destacada es la figura del Tarot de Le Fou ("El Loco"), que Saint Phalle reubicó en el Jardín del Tarot al menos dos veces durante su vida. [33] : 54 Se espera que esta tradición migratoria simbólica continúe de vez en cuando. [sesenta y cinco]
Póstumamente, la Gruta (2001-2003) se completó de acuerdo con las instrucciones detalladas dejadas por Saint Phalle. La instalación permanente, en Grosser Garten , Herrenhausen Gardens , Hannover, constaba de tres salas decoradas en todas sus superficies con espejos, vidrios, cerámicas y piedras de colores. [88]
Póstumamente, el Círculo Mágico de la Reina Califia (2000-2003), un jardín de esculturas bañado por el sol de 120 pies (37 m) de diámetro diseñado por Saint Phalle, fue inaugurado en Escondido, California en octubre de 2002. Está encerrado en un jardín de 400 pies ( 120 m) de pared ondulada coronada con grandes serpientes parecidas a pitones , e incluye un laberinto y 10 grandes esculturas que ella diseñó, que comprenden la colección pública más extensa de su trabajo en los EE. UU. [89] [7] [90] Las decoraciones incluyen símbolos y placas que se refieren a su anterior Tarot Garden .
Legado
A lo largo de su carrera, Saint Phalle fue franca al abordar importantes conflictos religiosos, políticos, salud pandémica, raza, género y cuestiones culturales de la época. [91] [9] [24] [64] Sus series y ensamblajes Tirs reflejaron la violencia de la Guerra de Argelia de principios de la década de 1960 por la independencia de Francia y afirmaron su rebelión como parte del feminismo de la segunda ola . [20] [1] [31] A pesar del espectacular uso de armas de fuego en su serie de trabajos iniciales Tirs , ella apoyó el control de armas . [55]
Sus enormes y curvilíneas Nanas celebraban la fecunda forma femenina, con grandes pechos y nalgas, extremidades abiertas, alegres posturas de baile y, a menudo, piel negra. [55] [92] Fue una de las primeras campeonas artísticas de la concienciación sobre el SIDA , [55] creando obras de arte y un libro educativo ampliamente distribuido. [72] Poco antes de su muerte, exhibió dibujos críticos de la administración de George W Bush . [55] [93] Además de sus obras de arte, escribió extensamente tanto en francés como en inglés, y concedió numerosas entrevistas; gran parte de este material se recopila en sus archivos. [94]
Galería
Golem (1971), Kiryat Hayovel , Israel
La Grande Lune ( Luna grande )
Adán y Eva (1985), Ulm, Alemania
Fuente salvavidas (1993), Duisburg , Alemania
Les Footballeurs (1993), Museo Olímpico , Lausana
L'Ange Protecteur ( Ángel de la guarda , 1997), Zürich Hauptbahnhof
Parte de la gruta (2003), Hannover, Alemania
Grandes exposiciones
- 1998 Niki de Saint Phalle: arte inspirado en el mundo interno y externo , Mingei International Museum on The Prado, Balboa Park, San Diego, California
- 2000 La Fête. Die Schenkung Niki de Saint Phalle ( Celebración: La donación de Niki de Saint Phalle ), Museo Sprengel, Hannover, Alemania
- 2002 [retrospectiva], Museo de Arte Moderno y Contemporáneo (MAMAC), Niza, Francia
- 2014 Niki de Saint Phalle , Grand Palais , Galeries nationales, París, Francia [95] [96]
- 2016 Niki de Saint Phalle , Museo Arken de Arte Moderno, Ishøj, Dinamarca
- 2021 Niki de Saint Phalle: Estructuras para la vida , MoMA PS1 , Queens, Nueva York [71] [97] [98] [17] [69]
Arte publico
Muchas de las esculturas de Saint Phalle son grandes y se exhiben en lugares públicos. La Niki Charitable Art Foundation mantiene un mapa y un catálogo en línea de todas sus obras de arte públicas existentes, incluido un horno de pizza en La Jolla, California . [99] [100] [90]
- Le Paradis Fantastique ( El paraíso fantástico , 1967), Moderna Museet, Estocolmo, Suecia (en colaboración con Tinguely)
- Golem (1971), Kiryat Hayovel , Jerusalén [51] [101]
- Hannover Nanas (1973), a lo largo del Leibnizufer en Hannover , Alemania
- La Fontaine Stravinsky ( Fuente Stravinsky o Fontaine des automates , 1982) cerca del Centro Pompidou , París (en colaboración con Tinguely)
- Sun God (1983), una fantástica criatura alada junto al Faculty Club en el campus de la Universidad de California en San Diego como parte de la Colección Stuart de arte público.
- La Lune ( La luna , 1987), Brea Mall en Brea, California
- Fontaine de Château-Chinon (1988), en Château-Chinon , Nièvre (en colaboración con Tinguely), una comisión del presidente francés François Mitterrand
- Le Grand Oiseau Amoureux ( Gran pájaro amoroso , 1988-1989), Mendrisio, Suiza , representa a una Nana en un abrazo Yab-Yum con un gran pájaro erguido [102] [103]
- Grand Oiseau de Feu sur l'arche ( Gran pájaro de fuego en el arco , 1991), frente a Bechtler Plaza en Charlotte, Carolina del Norte [104]
- La Tempérance (1992) en Centre Hamilius, Luxembourg-Ville , Luxemburgo (esta obra estaba almacenada mientras se demolía el sitio). [105]
- Le Monstre du Loch Ness ( Loch Ness Monster , 1992), Musée d'art moderne et d'art contemporain (MAMAC), Niza, Francia
- Oiseau Amoureux Fontaine / Lebensretter-Brunnen ( Fuente del pájaro amoroso / Fuente salvavidas , 1989-1993), Duisburg , Alemania (en colaboración con Tinguely)
- Le Cyclop (1969-1994), Milly-la-Forêt , Francia (en colaboración con Tinguely y otros 15 artistas) [49] [106]
- Tympanum (1996) mosaico de espejo triangular y frontón reflejado sobre la entrada a la Galería de Arte Moderno de Glasgow , Escocia [107]
- L'Ange Protecteur ( Ángel de la guarda , 1997) en el vestíbulo de la Zürich Hauptbahnhof , la estación de tren más grande de Suiza
- Le poète et sa muse ( Poeta y su musa , 1998), Mingei International Museum on The Prado, Balboa Park, San Diego , California
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- Miles Davis (1999), fuera del Hotel Negresco en Niza, Francia
- Arca de Noé (1994-2001), Zoológico Bíblico de Jerusalén , 23 obras en un parque de esculturas colaborativas con el arquitecto Mario Botta [86] [109] [51]
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- Coming Together (2001), Centro de convenciones de San Diego [110]
- Grotto (2001-2003), jardines Herrenhäuser en Hannover, Alemania [111]
- Círculo mágico de la reina California (2003), un jardín de esculturas en Kit Carson Park , Escondido, California [112] [90]
Museos y colecciones
Existe un “ Museo Jean Tinguely –Niki de Saint Phalle” en Friburgo , Suiza , totalmente dedicado a las obras de ella y sus maridos.
El Museo Sprengel tiene las mayores existencias de la obra de Niki de Saint Phalle, [5] y otras existencias importantes se encuentran en MAMAC . [113] Sus archivos y derechos artísticos están en manos de la Niki Charitable Art Foundation (NCAF) en Santee, California , cerca de San Diego, que se activó tras su fallecimiento. [94] [14] La NCAF mantiene un catálogo en línea de obras de arte en museos y colecciones importantes. [113]
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Una breve bibliografía anotada está disponible en el sitio web de la Fundación de Arte Caritativo Niki. [114]
A partir de 2021[actualizar], se está elaborando un catálogo razonado definitivo en línea . [115]
Película
- Daddy (1973), escrita y dirigida por Saint Phalle y Peter Lorrimer Whitehead
- Un rêve plus long que la nuit / Camélia et le Dragon ( Un sueño más largo que la noche / Camelia y el dragón , 1976), escrito y dirigido por Saint Phalle
- Niki de Saint Phalle: Wer ist das Monster - Du oder ich? ( Who is the Monster, You or I?, 1995), documental biográfico (en alemán) de Peter Schamoni en colaboración con Saint Phalle
- Niki de Saint Phalle: Introspections and Reflections (2003), documental póstumo de André Blas
- Niki de Saint Phalle y Jean Tinguely: Bonnie y Clyde de las artes (2012), documental póstumo de Louise Faure y Anne Julien [114]
- Niki de Saint Phalle, un rêve d'architecte ( Niki de Saint Phalle: El sueño de un arquitecto , 2014), documental póstumo de Louise Faure y Anne Julien [114]
Una lista completa está en el sitio web de la Fundación de Arte Caritativo Niki. [116]
Ver también
- Isabelle Collin Dufresne
- Louise Bourgeois
- Marisol Escobar
- Nouveau réalisme
Notas
- ↑ Según el anuncio de la boda de Saint Phalle en Town and Country (1927), Jeanne Jacqueline Harper, conocida como Jacqueline, era hija de Donald Harper, un estadounidense que vive en París, Francia, y su esposa, la ex Jeanne Bernard.
- ↑ Según John Ashbery, Alexandre de Saint-Phalle era hermano del padre de Niki de Saint Phalle y también estaba casado con la hermana de su madre, la ex Helen Georgia Harper, como se explica en "Jacqueline Harper Marries Count: American Lawyer's Daughter Marries Andre de St . Phalle at Château de Fillerval ", The New York Times , 7 de junio de 1927. Véase John Ashbery, Reported Sightings: Art Chronicles, 1957-1987 (Carcanet, 1989).
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J'ai écrit ce livre d'abord pour moi-même, pour tenter de me délivrer enfin de ce viol qui a joué un rôle si determinant dans ma vie. Je suis une rescapée de la mort, j'avais besoin de laisser la petite fille en moi parler enfin… J'ai longtemps pensé que j'étais une exception, ce qui m'isolait encore plus; aujourd'hui j'ai pu parler à d'autres vistimes d'un viol: les effets calamiteux sont tous les mêmes: désespoir, honte, humillation, angoisse, suicide, maladie, folie, etc. Le scandale a enfin éclaté; tous les jours des révélations jaillissent sur ce secret si jalousement gardé pendant des siècles: le viol d'une multitude d'enfants, filles ou garçons, par un père, un grand-père, un voisin, un professeur, un prêtre, etc. Après le Secret j'ai l'intention d'écrire un autre livre adressé aux enfants, afin de leur apprendre à se protéger: parce que l'éducation qu'on leur donne les laisse sans défense contre l'adulte…
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Otras lecturas
- Carrick, Jill. “¿Victorias fálicas? Tirs de Niki de Saint-Phalle ”, Historia del Arte, vol 26, no. 5, noviembre de 2003, págs. 700–729.
- Rosko, Zoran. "Niki de Saint Phalle (1930-2002) - Egzorcizam puškom (Exorcismo con rifle)" . roškofrenija (en croata e inglés) . Consultado el 13 de abril de 2017 . - varias reseñas de las obras de arte y el cine de Saint Phalle
enlaces externos
- Sitio web oficial de la fundación del artista, NCAF
- Sitio web oficial del parque de esculturas Tarot Garden
- Sitio web oficial del parque de esculturas del Círculo Mágico de la Reina California
- Sitio web oficial de Le Cyclop
- Colección Stuart, UCSD
- Blog personal sobre Tarot Garden
- Catálogo Raisonné investigación
- Recorrido en video por el Tarot Garden , desde la retrospectiva del Grand Palais
- Niki de Saint Phalle - Der Traum vom fantastischen Garten , documental de 50 minutos de Fabian Hirschi (en alemán)
- Un breve resumen en video del arte de Saint Phalle, producido por la Tate Gallery y presentado por la Khan Academy