Phyllis Bramson (nacida en 1941) es una artista estadounidense, con sede en Chicago y conocida por pinturas "ricamente ornamentales, excesivas y decadentes" [1] descritas como caminar por la cuerda floja entre "nerviosismo y erotismo". [2] Combina influencias eclécticas, como la cultura kitsch , el arte rococó y el orientalismo, en yuxtaposiciones de figuras fantásticas, patrones y objetos decorativos y paisajes pastorales que afirman los placeres y locuras del deseo romántico, la imaginación y la mirada. [3] [4] [5] [6] Bramson comparte tendencias con los Chicago Imagistsy una tradición más amplia de Chicago de representación surrealista en su uso de la figuración expresionista, la cultura vernácula, los colores brillantes y las imágenes sexuales. [1] [7] La curadora Lynne Warren escribió sobre su retrospectiva de 30 años en el Centro Cultural de Chicago , "Bramson pinta apasionadamente desde su centro, con una forma tan única en sus años de formación […] sus hermosos colores, aleteo, composiciones de viñetas y Las imágenes floridas y caricaturescas crean obras que realmente no se parecen a las de nadie más. [4] La escritora Miranda McClintic dijo que las obras de Bramson "incorporan la apasionada complejidad de la mitología oriental, las insinuaciones sexuales de las telenovelas y, a veces, los finales felices de las caricaturas". [8 ]El trabajo de Bramson se ha exhibido en exposiciones y encuestas en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (MCA), el Instituto de Arte de Chicago , la Institución Smithsonian y la Galería de Arte Corcoran . [9] En más de cuarenta exposiciones individuales, ha mostrado en el New Museum , el Museo de Arte de Fort Wayne, el Museo de Arte de Boulder, el Museo de la Universidad de West Virginia y numerosas galerías. [10] [11] Ha sido ampliamente revisada [12] [13] y reconocida con subvenciones de la fundación John S. Guggenheim y Rockefeller y el premio Anonymous Was A Woman , entre otros. [14] Fue una de las miembros fundadoras de Artemisia Gallery colaborativa de arte de las primeras mujeres y profesora de la Escuela de Arte y Diseño de la Universidad de Illinois en Chicago , hasta su jubilación en 2007. [15]
Phyllis Bramson | |
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Nació | Madison, Wisconsin , Estados Unidos |
Nacionalidad | americano |
Educación | Escuela del Instituto de Arte de Chicago , Universidad de Wisconsin – Madison , Universidad de Illinois, Urbana |
Ocupación | Artista |
Conocido por | Cuadro |
Estilo | Figurativo, posmoderno |
Sitio web | Phyllis Bramson |
Vida y carrera
Bramson nació en Madison, Wisconsin en 1941 de padres que tenían un negocio mayorista de autopartes. [16] Obtuvo un BFA en Dibujo y Pintura de la Universidad de Illinois en Urbana-Champaign (1962) y una Maestría en Pintura en la Universidad de Wisconsin (1964), donde creó pinturas influenciadas por el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía . [7] [17] [18] Después de casarse, ella y su esposo se establecieron en Glenview, Illinois en 1966; Bramson encontró trabajo como diseñador de ventanas, creando las exhibiciones teatrales altamente visibles en el centro de Marshall Field's , entonces la tienda por departamentos más prominente de Chicago. [19] A fines de la década de 1960, enseñó en la Academia de Arte de Chicago y en el Columbia College y se matriculó en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago , donde obtuvo un MFA en 1973. Después de graduarse, ayudó a cofundar la Galería Artemisia con artistas como Margaret Wharton , Mary Stoppert, Joy Poe, Barbara Grad , Phyllis McDonald y Vera Klement . [15] [20]
A mediados de la década de 1980, Bramson ganó reconocimiento por sus pinturas a través de exposiciones individuales en el New Museum y la Galería Monique Knowlton en la ciudad de Nueva York, [21] [22] las galerías Marianne Deson y Dart (Chicago), [23] [24] Gallerie Farideh Cadot (París) y una encuesta a mitad de carrera en la Renaissance Society de Chicago (1986). [7] [14] También apareció en grandes exposiciones colectivas en el MCA, Art Institute of Chicago, Madison Art Center , [25] y Hyde Park Art Center . En 1985, Bramson se incorporó a la facultad de arte de la Universidad de Illinois en Chicago, y enseñó hasta 2007, cuando se jubiló como profesora emérita. A lo largo de ese tiempo, expuso regularmente en Phyllis Kind , Carl Hammer, Printworks y Zolla / Lieberman en Chicago, y Littlejohn Contemporary y Claire Oliver en Nueva York, entre otros. Desde 2007, ha asesorado a estudiantes de MFA en la Escuela del Instituto de Arte y continúa trabajando en Chicago.
Obra de arte
Bramson ha trabajado en pintura, dibujo, collage y ensamblaje. Su enfoque, influencias y temas, sin embargo, se han mantenido relativamente consistentes. Trabaja de forma intuitiva, sin planos ni bocetos, un proceso orgánico que describe como "descarriado" y "caída libre". [19] [26] "Mi estudio es un lugar para el bricolaje . Está lleno de cosas en contenedores, estantes, en el piso. El ensamblaje de estas cosas es básicamente un misterio para mí", dijo. [16] Su obra se puede dividir en tres cuerpos principales: obra escultórica y técnica mixta (década de 1970); pinturas y bajorrelieves de técnica mixta (1980–); y obras tridimensionales (2006–).
Influencias
Bramson asimila influencias sociales y visuales excéntricas y diversas. Reconoce el atractivo de las convenciones de los años 50 sobre el deber, el sacrificio y el decoro, y se describe a sí misma como una especie de turista o voyeur que "se tambalea" entre los mundos de su vida de estudio de espíritu libre, "todo vale" y la vida suburbana heterosexual y casada. [19] [27] [3] Esas dicotomías informan las paradojas observadas en su obra: dulzura y lujuria, modestia y exhibicionismo, kitsch y arte, Oriente y Occidente, decepción y esperanza, anhelo y placer. [4] [17] [16] [18] Estéticamente, se basa en fuentes de gran variedad y riqueza visual. Su atracción por los patrones, la belleza y la sensualidad fue formada por experiencias juveniles en su hogar de Chinoiserie (la imitación decorativa occidental de las tradiciones artísticas del este de Asia), objetos kitsch y revistas y calendarios de chicas de los años 50. Las inspiraciones posteriores van desde el arte rococó hasta las pinturas ajenas de Henry Darger y la tradición histórica de las miniaturas persas y los jardines de placer . [19] [17]
Bramson se relaciona fuertemente con lo que ella llama la "historia de la creación de arte independiente" de Chicago. [19] Tanto ella como los críticos han notado su interés compartido en la figuración expresiva y los espacios teatrales con los artistas de la " Lista de monstruos " de la ciudad de la década de 1950, como Robert Barnes, Ellen Lanyon e Irving Petlin (a veces llamados "Realistas mágicos"), Seymour Rosofsky y June Leaf . [7] [28] [29] Los críticos también notan similitudes con los imaginistas de Chicago más conocidos, en la inmediatez de su trabajo, las referencias vernáculas y la poética desconcertante, pero en general concluyen que difiere en su carácter más personal, lírico, onírico y Orientación hacia adentro. [30] [28] [31] Bramson se describe a sí misma como un puente entre los grupos: "Tengo el humor y la lascivia de algunos de los imaginistas, pero quiero que mi figura tenga cierta realidad. No tomo demasiados libertades ". [19]
Temas
Según el difunto crítico James Yood, "Bramson ha seguido lo que parece una exploración inagotable de la maravilla inagotable del acoplamiento humano, sus formas, sus rituales, sus absurdos, su naturaleza esencial y reveladora, a veces su añoranza y sus toques de melancolía". [32] Si bien Bramson se ha mantenido notablemente constante en su exploración del amor romántico, su trabajo, una vez descrito como "un acertijo disfrazado de carta de amor" [3], deja mucho espacio para la interpretación. La escritora Joanna Frueh coloca a Bramson en la tradición del "individualista romántico" de sentimiento intenso, anhelo amoroso, alienación y moralidad, y considera la creación de arte y el sexo, incluida "la voluptuosidad, los riesgos, las tentaciones y los placeres que acompañan a ambos temas", como lo implícito, sujetos gemelos de su trabajo. [31] [30] Dennis Adrian sugirió que la pintura era un lugar para que Bramson explorara estados de sentimientos, sueños y fantasías que de otro modo serían arriesgados, imposibles, inaceptables o indeseables. [28] Bramson parece estar de acuerdo: "Para mí, hacer arte es una actividad difícil e intensa en la que puedo hacer muchas cosas que no haría en el mundo. Es un área en la que puedo funcionar en un lugar peligroso y erótico. nivel. Me estoy viendo a mí mismo haciéndolo ". [33]
Lynne Warren sugiere que, si bien su trabajo mira con nostalgia a una época en la que el anhelo y el deseo fueron satisfechos en un desarrollo lento y lleno de tensión, también contiene comentarios sociales y críticas políticas "que habitan plenamente la realidad actual". [4] Si bien Bramson generalmente se ha sentido incómoda con las lecturas feministas estrictas de su trabajo, considerándolas demasiado limitadas, los escritores han identificado desafíos a la dinámica de poder de las relaciones y la estructura social en su trabajo. [34] [7] Artforum' s Colin Westerbeck escribió que a horcajadas de ella, la vida pública y privada interna de Bramson, uno proporcionado ideas artísticas en el equilibrio de funciones que le correspondan de las mujeres que se ven reflejados en su desencajado figuras representando papeles exagerados y alojamiento a los tradicionales Expectativas. [27] La historiadora del arte Lisa Wainwright sugiere que estas ideas también están integradas en su estrategia de collage, que es paralela a la forma en que las mujeres construyen sus vidas a partir de muchas máscaras, roles e identidades. [1] En su ensayo, "Feminine Wiles: Fear of the Female del arte moderno", la editora de New Art Examiner , Kathryn Hixson, destacó la reafirmación sin complejos de Bramson del poder emocional y físico de lo femenino frente al miedo que analiza el artículo. [35]
Trabajo en técnica mixta (década de 1970)
Bramson se ha descrito a sí misma como "una arquetípica graduada de la escuela de arte de la década de 1970", que abandonó la pintura con la creencia común de que era un medio "muerto". Ella exploró cerámica, pastel, objetos, abanicos, abalorios, lentejuelas, purpurina y telas, modelando retratos escultóricos con forma de muñecas, dibujos de técnicas mixtas y ensamblajes que algunos sugieren que fueron influenciados por su trabajo en escaparates en Marshall Field's. [28] [36] [4] Joanna Frueh observó que el uso de parafernalia femenina por parte de Bramson entrelazaba "pasión, conflicto y erotismo", girando acaloradamente su propia emergencia, así como la emergencia cultural concurrente de las mujeres. [31]
Los críticos ven en este primer trabajo una búsqueda constante, aunque tortuosa, de su estilo a través de experimentos sucesivos (y finalmente exitosos). [27] [28] Dennis Adrian escribió más tarde que, si bien este trabajo nunca resolvió por completo el equilibrio entre su característica emblemática y fetichista y su "objetividad" tridimensional, clarificó la personalidad artística de Bramson y le brindó una "libertad impresionante". utilizar con un efecto poderoso y unificado en su trabajo maduro. [28]
Pinturas y bajorrelieves (1980–)
En 1980, Bramson regresó a la pintura, inspirado por una influyente exposición de la obra figurativa de Phillip Guston . [19] Los críticos identifican varias cualidades formales que definen la pintura madura de Bramson. Uno es su absorción de las lecciones pictóricas del expresionismo abstracto , que se remonta a su formación más temprana. [28] [21] Ella combina esos efectos con un impulso decorativo usando patrones animados, que conecta y unifica elementos compositivos dispares, [30] y crea el "dinamismo rítmico", [37] la musicalidad y la energía frenética en sus pinturas. [38] Otro factor unificador es su paleta de colores notablemente aguda, descrita de diversas maneras: caliente, humeante, exuberante y estridente, impetuosa y vibrantemente ácida. [39] [40] [30] [28] Bramson sostiene sus escenas generalmente llenas y al revés junto con lo que se ha descrito como un "astuto sentido de la composición". [41] Finalmente, los críticos notan su sentido surrealista de yuxtaposición y ambigüedad espacial, incluyendo un enfoque libre de la realidad donde lo abstracto y lo figurativo son a menudo intercambiables, creando un contexto de peligro, desorientación y flujo. [21] [30]
Las primeras pinturas de Bramson a menudo tomaban prestadas estrategias del diseño de grabados en madera japoneses, dividiendo las composiciones en secciones rectilíneas o dípticos, pero en obras emblemáticas como The Dance (1985) y Shipwrecked (1987), comenzó a abordar composiciones panorámicas a mayor escala con profundos espacios paisajísticos. [28] Dentro de ellos, ella orquestaría una creciente iconografía personal, tanto familiar como extraña: intérpretes exhibicionistas, extravagantes disfraces y pertrechos, objetos teatrales (máscaras, globos terráqueos, jarrones, espadas, pilares) y escenarios exóticos. [1] Sus viñetas oníricas y cargadas de emoción implicaban escenarios relacionales arquetípicos, aunque abiertos, con figuras retorcidas aferrándose a mástiles, inclinándose hacia atrás o remando mientras las olas giraban alrededor de los barcos que se hundían. [29] [42] Mientras que algunos críticos se preguntaban si la obra contenía demasiado, otros la elogiaron precisamente por esa cualidad, [35] viendo en ella "la riqueza y la aventura de vivir en la cima del deseo". [30]
Bramson trabajó de una manera más posmoderna en la década de 1990, empleando el collage, la apropiación , estrategias pictóricas rococó y elementos kitsch en mayor grado, y agregó más comentarios sociales y culturales a su trabajo. [40] [37] [1] Combinó sus propias pinturas con telas encontradas, baratijas, encajes, molduras decorativas y elementos recortados como frutas, flores y joyas de pinturas de centros comerciales producidas en masa. [43] [18] [44] equilibrando un léxico enigmático de signos recopilados e inventados, cambios estilísticos y tonales y referencias culturales lejanas en composiciones cada vez más complejas, al estilo de Bosch, como Picturing a Model World (2003). [45] [46] [41]
En obras como Little Goody Two Shoes (1996), Bramson fracturó y explotó el formato rectangular con pinturas y objetos enmarcados suplementarios apilados. Al observar la miríada de símbolos de la sexualidad femenina, todos fuera del alcance de las presencias masculinas, los críticos sugirieron que estas obras densamente estratificadas creaban nuevos tipos de espacio pictórico con su propia lógica interna más allá de lo que parecía aparente. [47] [37] En estas nuevas configuraciones, Bramson volvió a codificar imágenes banales o dulces a través de la yuxtaposición y la asociación para expresar, de diversas formas, la fisicalidad femenina, el placer sensual, una reivindicación del kitsch y un sentido de aprehensión cultural. [35] [43] En contra de la noción de que estas pinturas eran "demasiado exageradas", Kathryn Hixson argumentó que "ofrecen un placer sensual cargado de un deseo ardiente y atestiguan el poder de la decoración para hipnotizar". [35] Los críticos sostienen que las pinturas de Bramson de la década de 2000 se han vuelto más excesivas y peculiares, ofreciendo imágenes fantásticas y ambientadas en el género que rechazan la fácil interpretación. [48] [1] [3] [49] Art in America, Robert Berlind, los describió como una combinación de "atractivo sensual y pura tontería" que "transporta a los espectadores entre el placer, el humor y la perplejidad". [41]
Obras tridimensionales (2006–)
En la década de 2000, Bramson se dio cuenta cada vez más de las cualidades basadas en objetos de sus anteriores pinturas en bajorrelieve . [4] Estas obras más escultóricas incorporan ensamblajes y arreglos de objetos encontrados, con estantes y otros elementos proyectados en las paredes, como en sus "obras de pergamino" que comenzaron en 2006 (por ejemplo, A Glimpse of Paradise , 2015). En las piezas de pergamino, combina imágenes y alusiones románticas características —pintadas en hojas largas y sueltas en secciones— con objetos de recuerdo que sugieren deseos y recuerdos asignados y re-empaquetados en íconos. [3] Juntos, los elementos visuales implican el desarrollo y la revelación de fantasías e historias del ecléctico elenco de personajes que Bramson ha tomado prestados del kitsch y otras fuentes culturales. [50]
Comisariado
En 2019, Bramson organizó la exposición, "What Came After: Figurative Painting in Chicago 1978-1998" en el Elmhurst Art Museum, [51] que se centró en un colectivo informal de artistas figurativos llamados alternativamente de tercera generación o post - imaginarios , o la "Escuela de Chicago". [52] [53] El espectáculo incluyó a artistas como Nicholas Africano, la propia Bramson, Susanne Doremus, Richard Hull, Michiko Itatani , Paul Lamantia , Jim Lutes, David Sharpe , Hollis Sigler y Mary Lou Zelazny , entre otros. [54] [55] El difunto crítico James Yood (en cuya memoria se dedicó la exposición) fue uno de los que defendieron a este grupo, que construyó y buscó liberarse del legado imaginista a través de exploraciones más emocionalmente inmediatas e introspectivas. de la condición humana que en términos formales eran más pictóricos, composicionalmente abiertos y espacialmente expansivos. [56] [57] La curadora Lynne Warren los describe como "una rica tradición de creación de imágenes" algo oscurecida por la etiqueta Imagist, mientras que el escritor Deven Golden los conecta con tradiciones anteriores de Chicago posteriores a la Segunda Guerra Mundial a través de un énfasis compartido en la accesibilidad. psicología, individualidad e intimidad. [53] [58] Bramson también ha comisariado exposiciones en la Universidad de Illinois y el Museo de Arte de Rockford, entre otros. [59] [60]
Premios y colecciones
Bramson ha recibido becas y subvenciones de las fundaciones John S. Guggenheim (1993), Louis Comfort Tiffany (1980) y Rockefeller (1997), National Endowment for the Arts (1976, 1983, 1993), Programa Fulbright (1988), Illinois Arts Council (1981, 1988) y Vermont Studio Center (1996), entre muchos. Ha sido reconocida con el premio Anonymous Was A Woman Award (2009), el premio School of Art + Design de la Universidad de Illinois en Urbana's Distinguished Alumni Award (2010) y el Distinguished Artist Award del Union League Club of Chicago (2012). En 2014, recibió el premio Women's Caucus for Art Lifetime Achievement Award por su "compromiso con la representación erótica y afirmativa de la agencia femenina y la sexualidad" en su arte.
El arte de Bramson está representado en numerosas colecciones privadas, incluidas las del Art Institute of Chicago, Corcoran Museum of Art , Library of Congress , New Museum , Brooklyn Museum , Museum of Contemporary Art Chicago, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden , National Museum of American Art , Smart Museum of Art , Milwaukee Art Museum , Snite Museum of Art , Pennsylvania Academy of the Fine Arts , Illinois State Museum , Mary and Leigh Block Museum of Art y Madison Museum of Contemporary Art , así como los de más de treinta universidades y universidades, y muchas organizaciones privadas, incluida la Colección JP Morgan Chase.
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enlaces externos
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- 2016 Entrevista con Phyllis Bramson.
- Entrevista de Les Femmes Folles con Phyllis Bramson, 2015.
- Página del artista Phyllis Bramson.
- "Phyllis Bramson: reinventar el legado de Chicago del imagismo", entrevista
- Entrevista a Phyllis Bramson , ¿Qué es la pintura?