Rapsodia en azul

Rhapsody in Blue es una composición musical de 1924 del compositor estadounidense George Gershwin para piano soloy banda de jazz , que combina elementos de la música clásica conefectos influenciados por el jazz . Fue encargado por el líder de la banda Paul Whiteman , [1] quien lo estrenó en el concierto "An Experiment in Modern Music", [2] el 12 de febrero de 1924, en Aeolian Hall , Nueva York , interpretado por él y su banda. , con Gershwin tocando el piano. [3] La obra fue orquestada por Ferde Grofévarias veces, incluida la partitura original (1924), el escenario de la "orquesta de teatro" (1926) y la partitura de la orquesta sinfónica (1942).

Rapsodia en azul
por George Gershwin
Rhapsody in Blue cover.jpg
Portada de la partitura original de Rhapsody in Blue
ISWCT-070.126.537–3
GéneroJazz orquestal
FormularioRapsodia
CompuestoEnero de 1924
Estreno
Fecha12 de febrero de 1924
LocalizaciónAeolian Hall , Nueva York , Nueva York , EE. UU.
ConductorPaul Whiteman
Artistas intérpretes o ejecutantesGeorge Gershwin (piano)
Ross Gorman (clarinete)
Grabaciones
La interpretación de 2018 de la United States Marine Band de la versión de la banda de jazz de 1924
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La actuación de George Gershwin en 1924 con la orquesta de Paul Whiteman
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La rapsodia es una de las creaciones más reconocibles de Gershwin y una composición clave que definió la Era del Jazz . [4] The Nation describe la pieza de Gershwin como inaugurando una nueva era en la historia musical de Estados Unidos. [5] Los editores de Cambridge Music Handbooks postulan que "The Rhapsody in Blue (1924) estableció la reputación de Gershwin como un compositor serio y desde entonces se ha convertido en una de las obras de concierto estadounidenses más populares". [6] La revista American Heritage señala que el famoso clarinete de apertura glissando se ha vuelto tan instantáneamente reconocible para el público de conciertos como el quinto de Beethoven . [7]

Comisión

El líder de la banda Paul Whiteman (izquierda) y el compositor George Gershwin (derecha)

Tras el éxito de un concierto de jazz clásico experimental celebrado con la cantante canadiense Éva Gauthier en la ciudad de Nueva York el 1 de noviembre de 1923, el líder de la banda Paul Whiteman decidió intentar una hazaña más ambiciosa. [1] Le pidió al compositor George Gershwin que escribiera una pieza parecida a un concierto para un concierto de jazz en honor al cumpleaños de Lincoln que se ofrecería en el Aeolian Hall . [8] Whiteman se obsesionó con interpretar una composición tan extensa de Gershwin después de colaborar con él en The Scandals of 1922 . [9] Había sido especialmente impresionado por un acto "de jazz de Gershwin ópera " Blue Monday . [10] Gershwin inicialmente rechazó la solicitud de Whiteman con el argumento de que, ya que probablemente habría una necesidad de revisiones de la partitura, no tendría tiempo suficiente para componer la obra. [11]

Poco después, en la noche del 3 de enero, George Gershwin y el letrista Buddy De Sylva estaban jugando al billar en el Ambassador Billiard Parlour en Broadway y 52nd Street en Manhattan . [12] Su juego fue interrumpido por Ira Gershwin , el hermano de George, que había estado leyendo la edición del 4 de enero del New-York Tribune . [11] [13] Un artículo sin firmar titulado "¿Qué es la música estadounidense?" sobre un próximo concierto de Whiteman había llamado la atención de Ira. [12] El artículo declaró falsamente que George Gershwin ya estaba "trabajando en un concierto de jazz" para el concierto de Whiteman. [1] [12]

Gershwin estaba desconcertado por el anuncio de la noticia, ya que cortésmente se había negado a componer un trabajo de ese tipo para Whiteman. [14] En una conversación telefónica con Whiteman a la mañana siguiente, Gershwin fue informado de que el archirrival de Whiteman, Vincent López, estaba planeando robar la idea de su concierto experimental y no había tiempo que perder. [15] Gershwin finalmente fue persuadido por Whiteman para componer la pieza. [15]

Composición

Con solo cinco semanas para el estreno, Gershwin se apresuró a componer la obra. [12] Más tarde afirmó que, durante un viaje en tren a Boston , las semillas temáticas de Rhapsody in Blue comenzaron a germinar en su mente. [16] [15] Le dijo al biógrafo Isaac Goldberg en 1931:

Fue en el tren, con sus ritmos acerados, su traqueteo [ sic ] bang, que tan a menudo es tan estimulante para un compositor ... Con frecuencia escucho música en el corazón mismo del ruido. Y allí escuché de repente, e incluso vi en el papel, la construcción completa de la rapsodia, de principio a fin. No se me ocurrieron nuevos temas, pero trabajé en el material temático que ya tenía en mi mente y traté de concebir la composición como un todo. Lo escuché como una especie de caleidoscopio musical de América, de nuestro vasto crisol , de nuestro impulso nacional sin duplicar , de nuestra locura metropolitana . Cuando llegué a Boston, tenía una trama definida de la pieza, a diferencia de su sustancia real. [dieciséis]

Gershwin comenzó a componer el 7 de enero con la fecha del manuscrito original para dos pianos. [1] Tentativamente tituló la pieza como American Rhapsody durante su composición. [17] El título revisado Rhapsody in Blue fue sugerido por Ira Gershwin después de su visita a una galería de pinturas de James McNeill Whistler , que tenía títulos como Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket y Arrangement in Grey and Black . [17] [18] Después de unas semanas, Gershwin terminó su composición y pasó la partitura a Ferde Grofé , el arreglista de Whiteman. [19] Grofé terminó de orquestar la pieza el 4 de febrero, apenas ocho días antes del estreno. [19]

Estreno

The Rhapsody se estrenó una tarde nevada en Aeolian Hall , Manhattan , que se muestra aquí en 1923.

Rhapsody in Blue estrenada durante una nevada [20] por la tarde el martes 12 de febrero de 1924, en el Aeolian Hall , Manhattan . [3] Titulado "An Experiment in Modern Music", [2] el tan esperado concierto ofrecido por Paul Whiteman y su Palais Royal Orchestra atrajo una "audiencia abarrotada". [3] [21] El público emocionado estaba formado por " Vaudevillians , directores de conciertos que vienen a echar un vistazo a la novedad, Tin Pan Alleyites , compositores, estrellas de la sinfonía y la ópera, flappers , comedores de pasteles, todos mezclados de forma desordenada ". [20] Estuvieron presentes muchas figuras influyentes de la época, como Carl Van Vechten , [5] Marguerite d'Alvarez , [5] Victor Herbert , [22] Walter Damrosch , [22] Igor Stravinsky , [23] Fritz Kreisler , [ 24] Leopold Stokowski , [25] John Philip Sousa , [26] y Willie "the Lion" Smith . [26]

En una conferencia previa al concierto, el manager de Whiteman, Hugh C. Ernst [27], proclamó que el propósito del concierto era "ser puramente educativo". [28] [27] La música seleccionada tenía la intención de ejemplificar las "melodías, armonía y ritmos que agitan los recursos emocionales palpitantes de esta joven e inquieta edad ". [29] El programa del concierto fue extenso con 26 movimientos musicales separados, divididos en 2 partes y 11 secciones, con títulos como "Verdadera forma de jazz" y "Contraste: puntuación legítima frente a jazz". [30] En el horario del programa, rhapsody de Gershwin era simplemente el penúltimo pieza y precedido Elgar 's Pompa y circunstancia No. 1 . [31]

Según los informes, muchos de los primeros números del programa decepcionaron a la audiencia y el sistema de ventilación de la sala de conciertos no funcionó correctamente. [32] Algunos miembros de la audiencia estaban saliendo hacia las salidas cuando Gershwin hizo su discreta entrada para la rapsodia. [32] La audiencia supuestamente estaba irritable, impaciente e inquieta hasta que se escuchó el inquietante glissando del clarinete que abrió Rhapsody in Blue . [33] [2] El glissando distintivo se había creado por casualidad durante los ensayos:

"Como una broma sobre Gershwin ... [Ross] Gorman [el virtuoso clarinetista de Whiteman] tocó el compás de apertura con un glissando notable, 'estirando' las notas y agregando lo que él consideraba un toque de jazz y humor al pasaje. Reaccionando favorablemente Para el capricho de Gorman, Gershwin le pidió que realizara el compás de apertura de esa manera ... y que agregara tanto ' lamento ' como fuera posible ". [34]

La rapsodia fue luego interpretada por la orquesta de Whiteman que constaba de "veintitrés músicos en el conjunto" con George Gershwin al piano. [35] [36] Con un estilo característico, Gershwin eligió improvisar parcialmente su solo de piano. [36] En consecuencia, la orquesta esperó ansiosamente el asentimiento de Gershwin que marcó el final de su solo de piano y la señal para que el conjunto reanudara la ejecución. [36] Mientras Gershwin improvisaba algo de lo que estaba tocando, la sección de piano solo no se escribió técnicamente hasta después de la actuación; por lo tanto, se desconoce exactamente cómo sonó la rapsodia original en el estreno. [37]

Reacción y éxito de la audiencia

Carl Van Vechten , Marguerite d'Alvarez y Victor Herbert se encontraban entre las muchas personas eminentes del público.

Tras la conclusión de la rapsodia, hubo "aplausos tumultuosos por la composición de Gershwin", [3] [38] y, de manera bastante inesperada, "el concierto, en todos los aspectos excepto el financiero, [a] fue un 'nocaut'". [40] El concierto en sí se volvería históricamente significativo debido al estreno de la rapsodia, y su programa "se convertiría no sólo en un documento histórico, encontrando su camino en monografías extranjeras sobre jazz, sino también una rareza". [20]

Tras el éxito del estreno de Rhapsody, siguieron las actuaciones futuras. La primera actuación británica de Rhapsody in Blue tuvo lugar en el Hotel Savoy de Londres el 15 de junio de 1925. [41] Fue transmitida en directo por la BBC . Debroy Somers dirigió a los Savoy Orpheans con el propio Gershwin al piano. [41] La pieza se escuchó de nuevo en el Reino Unido durante la segunda gira europea de la Paul Whiteman Orchestra, sobre todo el 11 de abril de 1926, en el Royal Albert Hall , con Gershwin entre el público. El concierto del Royal Albert Hall fue grabado, aunque no publicado, por el sello discográfico británico His Master's Voice . [42] [43]

A fines de 1927, la banda de Whiteman había tocado Rhapsody in Blue aproximadamente 84 veces y su grabación vendió un millón de copias. [7] Para que toda la pieza encajara en las dos caras de un disco de 12 pulgadas , la rapsodia tuvo que tocarse a una velocidad más rápida de lo habitual en un concierto, lo que le dio una sensación apresurada y se perdió algo de rubato . Más tarde, Whiteman adoptó la pieza como tema musical de su banda y abrió sus programas de radio con el lema "Todo lo nuevo menos la Rapsodia en azul ". [44]

respuesta crítica

Reseñas contemporáneas

"El jazz es básicamente una especie de ritmo más una especie de instrumentación. Pero nos parece que este tipo de música está medio viva. Su magnífica vitalidad rítmica y de color instrumental se ve afectada por una anemia melódica y armónica de la más perniciosa .... [Yo] recuerdo la pieza más ambiciosa [del concierto de Whiteman], la Rapsodia , y lloro por la falta de vida de su melodía y armonía, tan derivada, tan rancia, tan inexpresiva ".

- Lawrence Gilman , New-York Tribune , febrero de 1924 [45]

En contraste con la cálida recepción por parte del público de los conciertos, [40] [3] los críticos musicales profesionales de la prensa dieron a la rapsodia críticas decididamente variadas. [46] Pitts Sanborn declaró que la rapsodia "comienza con un tema prometedor bien expresado" pero "pronto se convierte en pasajes vacíos y repetición sin sentido". [38] Varias críticas fueron particularmente negativas. Un crítico musical obstinado, Lawrence Gilman, un entusiasta de Richard Wagner que más tarde escribiría una crítica devastadora de Porgy and Bess de Gershwin, criticó duramente la rapsodia como "derivada", "obsoleta" e "inexpresiva" en la revisión del New-York Tribune en febrero. 13, 1924. [47] [45]

Otros revisores fueron más positivos. Samuel Chotzinoff, crítico musical del New York World , admitió que la composición de Gershwin había "convertido el jazz en una mujer honesta", [22] mientras que Henrietta Strauss de The Nation opinó que Gershwin había "agregado un nuevo capítulo a nuestra historia musical". [5] Olin Downes , revisando el concierto en The New York Times , escribió:

Esta composición muestra un talento extraordinario, ya que muestra a un joven compositor con objetivos que van mucho más allá de los de su calaña, luchando con una forma de la que está lejos de ser maestro ... A pesar de todo esto, se ha expresado en una forma significativa y, en general, muy original ... Su primer tema ... no es una mera melodía de baile ... es una idea, o varias ideas, correlacionadas y combinadas en ritmos variables y contrastantes que intrigan inmediatamente el oyente. El segundo tema es más parecido al de algunos de los colegas del Sr. Gershwin. Los tuttis son demasiado largos, las cadencias son demasiado largas, la perorata del final pierde gran parte del desenfreno y la magnificencia que podría haber tenido fácilmente si hubiera sido más ampliamente preparado, y, por todo eso, el público estaba conmovido y más endurecido. asistente al concierto emocionado con la sensación de un nuevo talento encontrando su voz. [3]

En general, una crítica recurrente de críticos musicales profesionales fue que la pieza de Gershwin era esencialmente informe y que había pegado segmentos melódicos al azar. [48]

Revisiones retrospectivas

Años después de su estreno, Rhapsody in Blue continuó dividiendo a los críticos de música principalmente debido a su incoherencia melódica percibida. [49] Constant Lambert , un director de orquesta británico, se mostró abiertamente desdeñoso hacia la obra:

El compositor [George Gershwin], tratando de escribir un concierto lisztiano en un estilo de jazz, ha utilizado solo los elementos no bárbaros en la música de baile, el resultado no es ni buen jazz ni buen Liszt, y en ningún sentido de la palabra un buen concierto. . [50]

En un artículo de The Atlantic Monthly en 1955, Leonard Bernstein , quien sin embargo admitió que adoraba la pieza, [51] declaró:

Rhapsody in Blue no es una composición real en el sentido de que pase lo que pase en ella debe parecer inevitable, o incluso bastante inevitable. Puede cortar partes sin afectar el todo de ninguna manera, excepto para acortarlo. Puede eliminar cualquiera de estas secciones pegadas y la pieza seguirá adelante con tanta valentía como antes. Incluso puede intercambiar estas secciones entre sí sin causar ningún daño. Puede hacer cortes dentro de una sección, o agregar nuevas cadencias, o tocarlo con cualquier combinación de instrumentos o solo en el piano; puede ser una pieza de cinco minutos o una pieza de seis minutos o una pieza de doce minutos. Y, de hecho, se le hacen todas estas cosas todos los días. Sigue siendo la Rapsodia en azul . [51] [52]

Ferde Grofé , el arreglista jefe de Whiteman de 1920 a 1932, creó el primer arreglo de Rhapsody in Blue de Gershwin .

Como Gershwin no tenía suficientes conocimientos de orquestación en 1924, [53] Ferde Grofé, el pianista y arreglista jefe de Whiteman, fue una figura clave para permitir el éxito meteórico de la rapsodia, [54] y los críticos han sostenido que los arreglos de Grofé de la Rapsodia aseguraron su éxito. lugar en la cultura estadounidense . [55] El biógrafo de Gershwin, Isaac Goldberg, señaló en 1931 que Grofé jugó un papel crucial en el triunfo del estreno:

"En el calor de la ocasión, la contribución de Ferdie [ sic ] Grofé, el arreglista del personal de Whiteman que había anotado la Rapsodia en diez días, fue pasada por alto o ignorada. Es cierto que se había indicado una parte apreciable de la puntuación de Gershwin; sin embargo, la contribución de Grofé fue de primordial importancia, no solo para la composición, sino para la partitura de jazz del futuro inmediato ". [54]

La familiaridad de Grofé con las fortalezas de la banda Whiteman fue un factor clave en su puntuación de 1924. [56] Esta orquestación fue desarrollada para piano solo y los veintitrés músicos de Whiteman. [57] Para la sección de cañas, Ross Gorman (Reed I) tocó un oboe , un heckelphone , un clarinete en B ♭ , saxofones sopranino en E ♭ y B ♭ , un saxofón alto , un clarinete soprano E ♭ y un alto y bajo clarinetes ; Donald Clark (Reed II) tocó un saxofón soprano en B ♭ , saxofones barítono y alto , y Hale Byers (Reed III) tocó un saxofón soprano en B ♭ , saxofón tenor , saxofón barítono y flauta . [57]

Para la sección de metales, Henry Busse y Frank Siegrist tocaron dos trompetas en B ♭ ; dos trompas en F interpretadas por Arturo Cerino y Al Corrado; dos trombones tocados por Roy Maxon y James Casseday, y una tuba y un contrabajo tocados por Guss Helleburg y Albert Armer respectivamente. [58]

La sección de percusión incluía una batería , timbales y un glockenspiel interpretado por George Marsh; un piano típicamente tocado por Ferde Grofé o Henry Lange; un banjo tenor interpretado por Michael Pingatore y un complemento de violines . [59]

Este arreglo original, con sus requisitos instrumentales únicos, se ignoró en gran medida hasta su reactivación en las reconstrucciones que comenzaron a mediados de la década de 1980, debido a la popularidad y utilidad de las partituras posteriores. [60] Después del estreno de 1924, Grofé revisó la partitura e hizo nuevas orquestaciones en 1926 y 1942, cada vez para orquestas más grandes. [60] Su arreglo para una orquesta de teatro se publicó en 1926. [61] Esta adaptación fue orquestada para una " orquesta de foso " más estándar , que incluía una flauta, un oboe, dos clarinetes, un fagot , tres saxofones ; dos trompas, dos trompetas y dos trombones; así como el mismo complemento de percusión y cuerdas que la versión posterior de 1942. [62]

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Paul Whiteman volvió a interpretar Rhapsody in Blue en la película King of Jazz (1930), con arreglos de Grofé.

El arreglo posterior de 1942 de Grofé fue para una orquesta sinfónica completa . Está compuesta para piano solo y orquesta compuesta por dos flautas, dos oboes, dos clarinetes en B ♭ y A , un clarinete bajo , dos fagotes, dos saxofones altos en Mi ♭ , un saxofón tenor en B ♭ ; tres trompas en fa, tres trompetas en si ♭ , tres trombones, una tuba; una sección de percusión que incluye timbales, un platillo suspendido , un tambor , un bombo , un tam-tam , un triángulo , un glockenspiel y platillos ; un banjo tenor; y cuerdas . Desde mediados del siglo XX, esta versión de 1942 fue el arreglo que solían interpretar las orquestas clásicas y se convirtió en un elemento básico del repertorio de conciertos hasta 1976, cuando Michael Tilson Thomas grabó la versión original de la banda de jazz por primera vez, empleando el repertorio de piano real de Gershwin de 1925 con una orquesta de jazz completa. [60]

Los otros arreglos de Grofé de la pieza de Gershwin incluyen los hechos para la película de 1930 de Whiteman, King of Jazz , [63] y el escenario de la banda de conciertos (jugable sin piano) completado en 1938 y publicado en 1942. La prominencia de los saxofones en las orquestaciones posteriores es algo reducida , y se puede prescindir de la parte del banjo, ya que su contribución principalmente rítmica la proporcionan las cuerdas internas. [64]

El propio Gershwin hizo versiones de la pieza para piano solo y para dos pianos. [65] La versión en solitario se destaca por omitir varias secciones de la pieza. [b] La intención de Gershwin de hacer finalmente una orquestación propia está documentada en la correspondencia de 1936-1937 del editor Harms . [66]

Reedición de finales de la década de 1930 del lanzamiento eléctrico de 1927 de Rhapsody in Blue como Victor 35822A de Paul Whiteman and His Concert Orchestra con George Gershwin al piano. 1974 Miembro del Salón de la Fama de los Grammy .

Existen dos grabaciones de George Gershwin interpretando versiones abreviadas de su composición con la orquesta de Paul Whiteman. [67] [68] Una grabación acústica [c] del 10 de junio de 1924 producida por la Victor Talking Machine Company , y que funciona durante 8 minutos y 59 segundos, [69] [70] y una grabación eléctrica [d] del 21 de abril de 1927 realizada de Víctor, que dura 9 minutos y 1 segundo (aproximadamente la mitad de la duración de la obra completa). [71] Esta versión fue realizada por Nathaniel Shilkret después de una pelea entre Gershwin y Whiteman. [72] [71] Además de las dos versiones antes mencionadas, un rollo de piano de 1925 capturó la interpretación de Gershwin en una versión de dos pianos. [73]

La orquesta de Whiteman interpretó más tarde una versión truncada de la pieza en la película de 1930 The King of Jazz con Roy Bargy al piano solo. [74] [75] Whiteman volvió a grabar la pieza para Decca en un disco de 12 pulgadas y 78 rpm (29051) el 23 de octubre de 1938. [76] Sin embargo, no fue hasta la Gran Depresión que la primera grabación completa de la La composición, con el pianista Jesús María Sanromá y Arthur Fiedler dirigiendo la Boston Pops Orchestra , fue editada por RCA Victor en 1935.

Durante la Segunda Guerra Mundial , el 21 de agosto de 1945 se realizó una grabación del pianista Oscar Levant con la Orquesta de Filadelfia dirigida por Eugene Ormandy . [77] Esta grabación, denominada Columbia Masterworks 251, se convirtió en uno de los álbumes discográficos más vendidos de ese año. . [77] Más de una década después, en 1958, la Orquesta Filarmónica de Hamburgo dirigida por Hans-Jürgen Walther y con David Haines al piano grabó una versión 8:16 para Somerset Records . La portada del álbum presentaba una fotografía de nuit del Edificio Chrysler —un rascacielos de estilo Art Deco— y el paisaje urbano circundante con un tono azul.

En 1973, la pieza fue grabada por el artista brasileño de jazz-rock Eumir Deodato en su álbum Deodato 2 . El sencillo alcanzó las posiciones pico de Billboard número 41 Pop, número 10 Easy Listening. Un arreglo disco fue grabado por el pianista francés Richard Clayderman en 1978 y es una de sus piezas emblemáticas.

A fines de la década de 1970, se reavivó el interés por el arreglo original. El 14 de febrero de 1973, recibió su primera actuación desde la Era del Jazz: el director Kenneth Kiesler obtuvo los permisos necesarios y dirigió con el trabajo del pianista Paul Verrette en su campus de la Universidad de New Hampshire . [78] Las reconstrucciones han sido grabadas por Michael Tilson Thomas y la Columbia Jazz Band en 1976, y por Maurice Peress con Ivan Davis al piano como parte de una reconstrucción del 60 aniversario de todo el concierto de 1924. [79] André Watts (1976), Marco Fumo (1974) y Sara Davis Buechner (2005) publicaron grabaciones de la obra para piano solo al igual que Eric Himy (2004) en una versión que incluía la partitura corta original sin truncar. Mientras tanto, equipos de dos pianos como José Iturbi y Amparo Iturbi , así como Katia y Marielle Labèque también grabaron la pieza. Michel Camilo grabó la pieza en 2006, ganando un premio Grammy Latino . [80]

Los primeros compases de la partitura de Gershwin para la rapsodia, a menudo referidos como el tema de Glissando .

Como concierto de jazz, Rhapsody in Blue está escrito para piano solo con orquesta. [81] Una rapsodia se diferencia de un concierto en que presenta un movimiento extendido en lugar de movimientos separados. Las rapsodias a menudo incorporan pasajes de naturaleza improvisadora, aunque están escritas en una partitura, y son de forma irregular, con contrastes intensos y exuberancia emocional. La música abarca desde solos de piano intensamente rítmicos hasta secciones lentas, amplias y ricamente orquestadas. En consecuencia, la Rapsodia "puede considerarse como una fantasía , sin una estricta fidelidad a la forma". [82]

La apertura de Rhapsody in Blue está escrita como un trino de clarinete seguido de un legato, 17 notas en una escala diatónica. Durante un ensayo, el virtuoso clarinetista de Whiteman, Ross Gorman, interpretó la parte superior de la escala como un glissando cautivador y parecido a un trombón . [83] Gershwin lo escuchó e insistió en que se repitiera en la actuación. [83] El efecto se produce utilizando los músculos de la lengua y la garganta para cambiar la resonancia de la cavidad bucal, controlando así el tono que aumenta continuamente. [84] Muchos clarinetistas abren gradualmente los agujeros de tono de la mano izquierda en su instrumento durante el pasaje del último concierto F al concierto superior B ♭ también. Este efecto se ha convertido ahora en una práctica de ejecución estándar para el trabajo. [84]

Rhapsody in Blue presenta tanto invención rítmica como inspiración melódica, y demuestra la capacidad de Gershwin para escribir una pieza con estructura armónica y melódica a gran escala. La pieza se caracteriza por una fuerte interrelación motívica . [85] Gran parte del material motívico se introduce en los primeros 14 compases . [85] El musicólogo David Schiff ha identificado cinco temas principales más una sexta "etiqueta". [17] De estos, dos aparecen en los primeros 14 compases, y la etiqueta aparece en el compás 19. [17] Dos de los tres temas restantes están relacionados rítmicamente con el primer tema en el compás 2, que a veces se llama Glissando. tema [17] [86] —después del glissando de apertura en el solo de clarinete— o el tema de Ritornello . [17] [86] El tema restante es el tema del tren , [17] [87] que es el primero en aparecer en el ensayo 9 después del material de apertura. [87] Todos estos temas se basan en la escala de blues , [88] que incluye séptimas bajas y una mezcla de tercios mayores y menores. [88] Cada tema aparece tanto en forma orquestada como en un solo de piano. Existen diferencias considerables en el estilo de presentación de cada tema.

La estructura armónica de la rapsodia es más difícil de analizar. [89] La pieza comienza y termina en B ♭ mayor, pero se modula hacia la dirección subdominante muy pronto, volviendo a B ♭ mayor al final, de manera bastante abrupta. [90] La apertura modula "hacia abajo", por así decirlo, a través de las teclas B ♭ , E ♭ , A ♭ , D ♭ , G ♭ , B, E, y finalmente a La mayor. [90] La modulación a través del círculo de quintas en la dirección inversa invierte las relaciones tonales clásicas, pero no las abandona. Toda la sección central reside principalmente en Do mayor, con incursiones en G mayor (la relación dominante). [91] Tales modulaciones ocurren libremente, aunque no siempre con dirección armónica. Gershwin utiliza con frecuencia una progresión armónica recursiva de tercios menores para dar la ilusión de movimiento cuando, de hecho, un pasaje no cambia de tono de principio a fin. [89] La modulación por tercios es una característica común de la música Tin Pan Alley .

Las influencias del jazz y otros estilos contemporáneos están presentes en Rhapsody in Blue . Los ritmos ragtime son abundantes, [88] al igual que el ritmo de " clave " cubano , que también funciona como un ritmo de baile en el baile de jazz de Charleston . [46] Las propias intenciones de Gershwin eran corregir la creencia de que el jazz tenía que tocarse estrictamente en el tiempo para que uno pudiera bailarlo. [92] Los tiempos de la rapsodia varían ampliamente, y hay un uso casi extremo del rubato en muchos lugares. La influencia más clara del jazz es el uso de notas azules , y la exploración de su relación de medio paso juega un papel clave en la rapsodia. [93] El uso de los llamados instrumentos "vernáculos", como el acordeón , el banjo y los saxofones en la orquesta, contribuye a su estilo jazzístico o popular, y los dos últimos de estos instrumentos siguen formando parte de la orquesta "estándar" de Grofé. puntuación. [64]

Gershwin incorporó varios estilos de piano diferentes en su trabajo. Utilizó las técnicas del piano de zancada , el piano novedoso , el piano cómico y el estilo de piano que conecta canciones . El estilo rítmico e improvisado del piano Stride es evidente en la sección "agitato e misterioso", que comienza cuatro compases después del ensayo 33, así como en otras secciones, muchas de las cuales incluyen la orquesta. [87] El piano novedoso se puede escuchar en el ensayo 9 con la revelación del tema del tren. Las vacilaciones y el estilo desenfadado del piano cómico, una aproximación de vodevil al piano bien conocida por Chico Marx y Jimmy Durante , son evidentes en el ensayo 22. [94]

Zeitgeist cultural

El trabajo de Gerswhin ha sido citado por escritores y estudiosos como que incorpora la edad del jazz 's espíritu de la época con sus aletas y clandestinos . Arriba: clientes y un flapper esperan la apertura de un bar clandestino en 1921.

Según el crítico Orrin Howard de la Filarmónica de Los Ángeles , la rapsodia de Gershwin "dejó una marca indeleble en la historia de la música estadounidense, en la fraternidad de compositores e intérpretes serios, muchos de los cuales estuvieron presentes en el estreno, y en el propio Gershwin, por su La acogida entusiasta le animó a emprender otros proyectos más serios ". [95]

Howard postula que el legado de la obra se entiende mejor como la personificación del zeitgeist cultural de la era del jazz : "A partir de ese incomparable y extravagante solo de clarinete, Rhapsody sigue siendo irresistible, con su vitalidad rítmica sincopada, su estilo descarado y abandonado que dice más sobre el Locos años veinte que mil palabras, y su genuina belleza melódica coloreada de un azul profundo y jazz por los séptimos y tercios bemoles que tienen sus orígenes en las canciones de esclavos afroamericanos ". [95] Aunque la rapsodia de Gershwin "no fue de ninguna manera un ejemplo definitivo del jazz en la era del jazz", [96] historiadores de la música como James Ciment y Floyd Levin han coincidido de manera similar en que es la composición clave que encapsula el espíritu de la época. . [97] [98]

Ya en 1927, el escritor F. Scott Fitzgerald opinaba que Rhapsody in Blue idealizaba al joven zeitgeist de la era del jazz. [99] En décadas posteriores, tanto la última era como las obras literarias relacionadas de Fitzgerald a menudo han sido vinculadas culturalmente por críticos y académicos con la composición de Gershwin. [100] En consecuencia, Rhapsody in Blue se usó como un leitmotiv dramático para el personaje de Jay Gatsby en la película de 2013 The Great Gatsby , una adaptación cinematográfica de la novela de Fitzgerald de 1925 . [101] [102]

Varios escritores, como el dramaturgo estadounidense Terry Teachout , han comparado al propio Gershwin con el personaje de Gatsby debido a su intento de trascender sus antecedentes de clase baja, su abrupto éxito meteórico y su temprana muerte cuando tenía treinta años. [100]

Retrato musical de la ciudad de Nueva York

Rhapsody in Blue se ha interpretado como un retrato musical de Jazz Age New York .

Rhapsody in Blue se ha interpretado como un retrato musical de la ciudad de Nueva York de principios del siglo XX . [103] El escriba de la cultura Darryn King escribió en The Wall Street Journal que "la fusión de jazz y tradiciones clásicas de Gershwin captura el crisol próspero de Jazz Age New York". [103]

Del mismo modo, el historiador de la música Vince Giordano ha opinado que "la síncopa , las notas azules, el ragtime y los ritmos de jazz que Gershwin escribió en 1924 fue realmente un sentimiento de la ciudad de Nueva York en esa época asombrosa. El ritmo de la ciudad parece estar ahí . " [103] El pianista Lang Lang se hace eco de este sentimiento: "Cuando escucho Rhapsody in Blue , veo el Empire State Building de alguna manera. Veo el horizonte de Nueva York en el centro de Manhattan, y ya veo las cafeterías [en] Times Square ". [103]

En consecuencia, la composición se usa en este contexto en un segmento de Nueva York para el 1999 Walt Disney Pictures animada película Fantasía 2000 , en la que la pieza se utiliza como el encuadre lírica para una serie de animación estilizada dibujado en el estilo del famoso ilustrador Al Hirschfeld . [104] También se usó en la secuencia de apertura de la película Manhattan de 1979 de Woody Allen . [105] La película sirve como "una carta de amor cinematográfica a la ciudad, que estableció su montaje de apertura de las escenas por excelencia de Nueva York con el famoso concierto de jazz de Gershwin". [103]

Influencia en los compositores

La rapsodia de Gershwin ha influido en varios compositores. En 1955, Rhapsody in Blue sirvió de inspiración para una composición del célebre acordeonista y compositor John Serry Sr., que posteriormente se publicó en 1957 como American Rhapsody . [106] Brian Wilson , líder de The Beach Boys , declaró en varias ocasiones que Rhapsody in Blue es una de sus piezas favoritas. Lo escuchó por primera vez cuando tenía dos años y recuerda que le "encantó". Según el biógrafo Peter Ames Carlin , fue una influencia en su álbum Smile . [107] Rhapsody in Blue también inspiró una colaboración entre el pianista británico Derek Paravicini y el compositor Matthew King en un nuevo concierto, llamado Blue, estrenado en el South Bank Centre de Londres en 2011. [108]

Otro uso

Rhapsody in Blue fue interpretado simultáneamente por 84 pianistas en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Verano de 1984 en Los Ángeles . [61] [109] Los pianistas Herbie Hancock y Lang Lang interpretaron Rhapsody in Blue en los 50th Grammy Awards el 10 de febrero de 2008. [110] Desde 1980, [111] la pieza ha sido utilizada por United Airlines en sus anuncios, en pre -Videos de seguridad de vuelo, y en la pasarela subterránea de la Terminal 1 en el Aeropuerto Internacional de Chicago O'Hare . [112] [113]

El 22 de septiembre de 2013, se anunció que finalmente se lanzará una edición crítica musicológica de la partitura orquestal completa. La familia Gershwin, trabajando en conjunto con la Biblioteca del Congreso y la Universidad de Michigan , están trabajando para poner estas partituras a disposición del público. [114] [115] Aunque el proyecto completo de Gershwin puede tardar 40 años en completarse, la edición Rhapsody in Blue será un volumen inicial. [116] [117]

Rhapsody in Blue ingresó al dominio público el 1 de enero de 2020 , aunque las grabaciones individuales pueden permanecer bajo derechos de autor. [118] [119]

Notas

  1. ^ El líder de la banda Paul Whiteman regaló muchas entradas gratis para promocionar el concierto y, en consecuencia, perdió dinero. [39] Gastó $ 11,000 y el concierto solo generó $ 4,000. [39]
  2. ^ Las omisiones incluyen los compases desde la marca de ensayo 14 hasta la mitad del quinto compás de la derecha. 18; de dos barras antes de la dcha. 22 a la cuarta barra de la derecha. 24; y las primeras cuatro barras de rh. 38.
  3. ↑ La grabación acústica del 10 de junio de 1924 se denominó Victor 55225. [69] Supuestamente presentaba al clarinetista original, Ross Gorman, tocando el glissando. [69]
  4. ↑ La grabación eléctrica del 21 de abril de 1927 se denominó Victor 35822. [71] El historiador musical Brian Rust afirma que la orquesta fue dirigida por Nathaniel Shilkret . [71] Esta versión de 1927 también se dobló en un RCA Victor 33+Transcripción del programa de 1 ⁄ 3 -rpm en 1932.

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