Sérgio de Camargo (8 de abril de 1930-1990) fue un escultor y realizador de relieves , nacido en Río de Janeiro , Brasil . Sergio De Camargo estudió en la Academia Altamira de Buenos Aires con Emilio Pettoruti y Lucio Fontana . Camargo también estudió filosofía en la Sorbona de París . En un prolongado viaje por Europa en 1948, Camargo conoció a Brâncuși , Arp , Henri Laurens y Georges Vantongerloo . Sérgio de Camargo mostró su trabajo en numerosas exposiciones internacionales, incluida la São Paulo de 1965Biennale (donde ganó una medalla de oro), la Bienal de Venecia de 1966 y la documenta de 1968 en Kassel. Sérgio de Camargo murió en Río de Janeiro en 1990. La Tate Gallery de Londres tiene una de las obras de De Camargo en su colección permanente.
Sergio de Carmargo | |
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Nació | Sergio de Carmargo 8 de abril de 1930 Rio de Janeiro, Brasil |
Fallecido | 20 de febrero de 1990 Rio de Janeiro, Brasil |
Nacionalidad | brasileño |
Conocido por | Arte |
Movimiento | Constructivismo neoconcreto, arte óptico cinético, constructivismo |
Premios | Premio Internacional de Escultura de la Bienal de París |
Temprana edad y educación
Sergio Camargo nació en Río de Janeiro en 1933. Camargo comenzó su educación artística en la Academia Altamira en Buenos Aires con Lucio Fontana y Emilio Pettoruti . [1] Más tarde se trasladaría a París en 1948, donde se matriculó en la Academie de la Grand Chaumiere . [1] También estudió en la Sorbona , donde conoció al filósofo Gaston Bachelard . [1] Sin embargo, Camargo estuvo más influenciado por el estudio de Constantin Brancusi del mundo natural a través de la lente de las formas volumétricas, lo que inspiró su interés por el lenguaje de los materiales.
Cuando Carmargo regresó a Brasil en la década de 1950, tropezó con los movimientos de Op Art cinético y constructivista neoconcreto en ascenso . [1] Camargo descubrió que las formas volumétricas capturaban las cualidades inmateriales del ser. En definitiva jugar con la luz y la forma para expresar sentimientos de existencia.
En 1952-53 regresó nuevamente a Europa y se fue a China en 1954. Entre 1961 y 1974 Sérgio de Camargo permaneció en París , donde se convirtió en miembro del Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV) en 1963. [1] Durante ese período se concentró en estructurar superficies blancas monocromáticas algunas en "Volúmenes poliédricos de lecturas mutables" utilizando formas paralelepípedas y otras con relieves de madera cilíndricos, proponiendo en ambos casos el juego de luces y sombras alternando entre orden y caos, plenitud y vacío. Como lo cuenta Guy Brett, curador y amigo:
“Cortando una manzana para comérsela, cortó casi la mitad y luego hizo otro corte en un ángulo diferente para sacar un trozo. Los dos planos establecieron una relación simple entre luz y sombra. Camargo lo agarró; inconscientemente, había hecho el primer elemento cilíndrico. En la manzana estaba la síntesis por la que había estado trabajando ... la combinación de un solo elemento de sustancia (el cuerpo redondeado de la manzana) y la dirección (el plano que acababa de exponer). Es una síntesis de su pensamiento y experiencia en un solo signo escultórico ” [1]
Fue al cortar esta manzana que Camargo pudo ver cómo las refracciones de la luz actuaban de manera diferente según las circunstancias. [1] Este simple acto se convertiría en el catalizador de sus primeros relieves de madera pintados. [2] Los relieves de madera, de naturaleza monocromática, permitían una lógica simple y repetitiva con solo alteraciones sutiles. Con variaciones tan leves dispuestas en un plano que de otro modo sería plano, surgieron miles de posibilidades de composición. Estos relieves en madera comunicaban un mensaje específico de luz y su entorno. Gaston Bachelard lo enmarcaría, la luz y la sombra "habitan" la obra de manera que pueda "trascender el espacio geométrico". [1]
Avance y primeras exposiciones
Carmargo recibió el Premio Internacional de Escultura en la Bienal de París en 1963. Camargo tuvo un éxito continuo en Europa en 1964. Sus relieves en madera le valieron su primera exposición individual en la Signals Gallery de Londres. Es esta galería la que albergaría a algunos de los compañeros de Camargo, como Lygia Clark , Mira Schendel y Helio Oiticica . [2] Fueron estos artistas y exposiciones los que arrojarían luz sobre el creciente mundo del arte contemporáneo brasileño .
En 1965, se encontró el éxito en América del Sur, así en 1965 Camargo continuaría su éxito y reconocimiento con su primera exposición individual en un museo en el Museo de Arte Moderno do Rio de Janeiro [1] . Además, fue nombrado mejor escultor nacional en la Bienal de São Paulo. [1] Su empleo de nuevos materiales se atribuye en gran parte a este éxito. Con acceso al mármol de Carrara , Camargo comenzó a crear obras de una escala mucho mayor. [1] Finalmente, Camargo pudo explorar completamente sus ideas en un contexto completamente tridimensional. Con esta exploración de tamaño y material, Camargo también decidió expandir su biblioteca de formas geométricas a elementos más prismáticos que perforarían, proyectarían y retrocederían. Sus ejemplos más contundentes se pueden ver en sus encargos para el Centre Hospitalier Universitaire de Bordeaux-Pellegrin y el Palacio Itamaraty, Brasilia . También en 1965, inició piezas escultóricas para el edificio del Ministerio de Relaciones Exteriores de Oscar Niemeyer en Brasilia. Finalmente, en 1967, aportó un elemento monumental al sitio: una pared de 25 metros estructurada rítmicamente. [3]
A fines de la década de 1960, Sérgio de Camargo mostró su trabajo en numerosas exposiciones internacionales, incluida la Bienal de São Paulo de 1965 , la Bienal de Venecia de 1966 y la documenta de 1968 en Kassel.
Regreso a Brasil
Carmargo decidió que era hora de dejar Europa y luego regresó a Brasil en 1973. Mientras que Carmargo se había ido, Brasil había estado en una época de prosperidad con el aumento de las exportaciones de depósitos de petróleo recién descubiertos. [4] El regreso de Carmargo a Brasil traería una nueva etapa dentro de su práctica. [5] Son las obras posteriores de Carmargo las que parecen definirse por un retorno a formas y experimentos anteriores. En 1977 ganó el premio de escultura otorgado por la Asociación de Críticos de Arte de São Paulo . En la década de 1980, sus obras volvieron en gran medida a las formas cilíndricas originales , además de reducir su escala. [1] Quizás lo más significativo fue que hubo menos conflicto en la forma y el volumen. Durante este tiempo, Carmargo también comenzó a trabajar con otro material nuevo, el mármol negro belga. [1] El interés del artista en este material se debió a su capacidad inherente para absorber la luz. Esta faceta del mármol permitió a Carmargo usar la reflexión de la misma manera en que una vez empleó la sombra. [1] En la década de 1980, Camargo realizó exposiciones individuales en los museos de arte moderno de Río y São Paulo , y participó en la Bienal de Venecia de 1982 .
Influencia
Una de las principales influencias de Camargo fue el movimiento artístico constructivista que fue muy popular en Brasil durante su época. El arte constructivista fue estimulado en gran medida por el auge económico de la posguerra y el auge de las tendencias modernistas en la arquitectura. [6] Durante la evolución del movimiento artístico constructivista, Sergio de Carmargo y sus compañeros se inspiraron en dos eventos específicos, el establecimiento de la Bienal en 1951 y la inauguración de Brasilia en 1960. [7] Las obras de arte creadas durante este período varían Existen ampliamente diferentes enfoques de las reglas del arte constructivista. Las aportaciones de estos artistas iniciaron un período muy original en la historia del modernismo. Cuando se trata de todo el arte brasileño, hay pocos artistas independientes como Camargo que simplificaron un lenguaje visual ya complejo a través de sus “enfoques altamente iconoclastas”. El constructivismo brasileño radica en la necesidad de tener comunión y comunicación universal. [7] Artísticamente, Carmargo ha menudo han relacionado con ya sea la Neo-Concrete Constructivism o Op Art cinetismo movimientos del arte. A menudo se le compara con sus colegas brasileños, como Lygia Clark , Mira Schendel y Hélio Oiticica . [2] Sin embargo, Carmargo nunca estuvo claramente alineado con ningún movimiento. [2] Si bien el trabajo de Camargo fue claramente una parte del movimiento constructivista, adaptó las reglas para comunicar con mayor precisión sus pensamientos. El trabajo de Camargo se ha vinculado debido a su clara dependencia de la simplicidad, los sistemas y la uniformidad a través de elementos volumétricos y color. El crítico Ronaldo Brito se refiere a la obra de Camargo como “la locura del orden”. [5] Carmargo se enfrenta a la percepción humana de un paradigma e intenta romper la comprensión de las leyes del objeto. Camargo no interroga a este tema en un ámbito conceptual, sino a través de los efectos cambiantes de la luz visual. [5] Es debido a su estilo único, que Camargo se distingue de sus pares contemporáneos.
Exposiciones
El trabajo de Camargo está representado en las colecciones de la Galería de Arte Albright-Knox , Buffalo, NY ; Museo de Arte de Birmingham , AL ; Centre Pompidou, París ; Museo de Arte de Dallas ; Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, Washington, DC ; Kunstmuseum, Berna, Suiza ; [1] Museo de Arte del Condado de Los Ángeles ; Museo de Bellas Artes de Houston ; Museo de Arte Moderno de Nueva York ; [1] y la Tate Modern de Londres . [1] En 2000, el Paço Imperial, Río de Janeiro , abrió un espacio de exposición permanente para el artista, que incluye una réplica de su estudio de arte en Jacarepaguá, Brasil. [8] La obra de Camargo ha sido objeto de importantes retrospectivas en el Museu de Arte Moderna, Río de Janeiro , en 1993; el Museo Stedelijk, Schiedam , en 1994; y el Instituto de Arte Contemporânea, São Paulo, en 2010, que viajó al Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, Brasil , en 2012. [1]
Referencias
- ^ a b c d e f g h i j k l m n o p q r "Sergio Camargo: Leon-Tovar-Gallery" . Galería León-Tovar . 2019 . Consultado el 13 de noviembre de 2019 .
- ^ a b c d Ades, Dawn (1989). Arte en América Latina: la era moderna . New Haven: Yale UP.
- ^ "Sergio Camargo" . Galería León Tovar . Consultado el 12 de abril de 2019 .
- ^ Dimensiones del arte constructivo en Brasil: la Colección Adolpho Leirner . Ramírez, Mari Carmen, 1955-, Leirner, Adolpho., Museo de Bellas Artes, Houston. [Houston, Texas]: Museo de Bellas Artes de Houston. 2007. ISBN 978-0-89090-155-7. OCLC 159932916 .CS1 maint: otros ( enlace )
- ^ a b c Meghreblian, Caren (octubre de 1994). "Arte en América Latina: La era moderna, 1820-1980. Editado por Dawn Ades. (New Haven: Yale University Press, 1989. Pp. Xxii, 365. Ilustraciones. Notas. Manifiesto. Bibliografía. Índice. $ 65.00.)". Las américas . 51 (2): 276–278. doi : 10.2307 / 1007947 . ISSN 0003-1615 . JSTOR 1007947 .
- ^ Sandes, Luis (diciembre de 2017). "Entrevista com o colecionador de arte Adolpho Leirner" . Brasiliana- Revista de Estudios Brasileños . 6 (1): 309–320. doi : 10.25160 / v6.i1 / va.1 . ISSN 2245-4373 .
- ^ a b Ades, Dawn. (1989). Arte en América Latina: la era moderna: 1820-1920 . Universidad de Yale Pr. ISBN 0-300-04556-5. OCLC 643339450 .
- ^ Pozzi-Harris, Ana (junio de 2017). "Arte del siglo XX en América Latina, edición revisada y ampliada. Por Jacqueline Barnitz y Patrick Frank. Austin: University of Texas Press, 2015, p. 435, $ 55.00". El latinoamericanista . 61 (2): 294–295. doi : 10.1111 / tla.12119 . ISSN 1557-2021 .
Otras lecturas
- Brecheret, Vítor. Escultura brasileña de 1920 a 1990 . Washington, DC: Centro Cultural, Banco Interamericano de Desarrollo, 1997.
- Brito, Ronaldo. Sergio Camargo: Espacos da arte brasileira . São Paulo: Cosac & Naify Edições, 2000.