El banjo es un instrumento de cuerda con una fina membrana que se extiende sobre un marco o cavidad para formar un resonador. La membrana es típicamente circular y generalmente está hecha de plástico o, en ocasiones, de piel de animal. Las primeras formas del instrumento fueron creadas por afroamericanos en los Estados Unidos, adaptadas de instrumentos africanos de diseño similar. [1] [2] El banjo se asocia con frecuencia con la música folk y country , y también se ha utilizado en algunas canciones de rock. Varias bandas de rock , como The Eagles , Led Zeppelin y The Allman Brothers, han utilizado el banjo de cinco cuerdas en algunas de sus canciones. Históricamente, el banjo ocupó un lugar central en la música tradicional afroamericana y la cultura popular de los blancos rurales antes de entrar en la corriente principal a través de los espectáculos de juglares del siglo XIX. [3] [4] [5] [6] Junto con el violín , el banjo es un pilar de los estilos musicales estadounidenses, como el Bluegrass y la música antigua . También se utiliza con mucha frecuencia en el jazz tradicional ("trad") .
Instrumento de cuerda | |
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Clasificación de Hornbostel-Sachs | 321,322 a 5 (Compuesto chordophone sonaba por la púa, púas de dedo o los dedos desnudos ) |
Desarrollado | siglo 18 |
Historia
Orígenes tempranos
El banjo moderno se deriva de instrumentos que se cree que han estado en uso en el Caribe desde el siglo XVII por personas esclavizadas tomadas de África Occidental. Las referencias escritas al banjo en América del Norte aparecen en el siglo XVIII, y el instrumento estuvo cada vez más disponible comercialmente alrededor del segundo cuarto del siglo XIX. [2] Dado que los portugueses trajeron allí a muchas personas esclavizadas de América del Sur, es posible que hayan traído la idea del instrumento.
Se han hecho varias afirmaciones en cuanto a la etimología del nombre "banjo". Puede derivar de la palabra kimbundu mbanza , [7] que es un instrumento de cuerda africano inspirado en la banza portuguesa : una vihuela con cinco cursos de dos cuerdas y otras dos cuerdas cortas. El Oxford English Dictionary afirma que proviene de una pronunciación dialectal del portugués bandore o de una anglicización temprana del español bandurria . [8]
Varios instrumentos en África, el principal de ellos la kora , presentan una cabeza de piel y un cuerpo de calabaza (o una concha similar). [9] [10] Los instrumentos africanos se diferencian de los primeros banjos afroamericanos en que los mástiles no poseen un diapasón de estilo occidental ni clavijas de afinación, sino que tienen mástiles de palo, con cuerdas unidas al mástil con presillas para afinar. [9] Los banjos con diapasones y clavijas de afinación se conocen en el Caribe desde el siglo XVII. [9] Algunos escritores del siglo XVIII y principios del XIX transcribieron el nombre de estos instrumentos de diversas formas como bangie , banza , bonjaw , [11] banjer [12] y banjar . En muchos países se han tocado instrumentos similares al banjo (por ejemplo, el sanxian chino , el shamisen japonés , el alquitrán persa y el sintir marroquí ). Otro posible pariente del banjo es el akonting , un laúd popular con púas tocado por la tribu Jola de Senegambia , y el ubaw-akwala de los igbo . [13] Instrumentos similares incluyen el xalam de Senegal [14] y el ngoni de la región de Wassoulou , incluidas partes de Malí , Guinea y Costa de Marfil , así como una variación mayor del ngoni conocido como gimbri desarrollado en Marruecos por Black Sub -Africanos saharianos ( Gnawa o Haratin ).
Los primeros banjos de influencia africana se construían alrededor de un cuerpo de calabaza y un cuello de palo de madera. Estos instrumentos tenían un número variable de cuerdas, aunque a menudo incluían algún tipo de dron. La imagen más antigua conocida, ca. 1785-1795, de una persona esclavizada que toca un instrumento parecido a un banjo ( The Old Plantation ) muestra un instrumento de cuatro cuerdas con su cuarta cuerda (pulgar) más corta que las demás.
Era del juglar, décadas de 1830 a 1870
En el sur de antes de la guerra , muchos negros esclavizados tocaban el banjo y enseñaban a sus esclavistas a tocarlo. [15] En sus memorias With Saber and Scalpel: The Autobiography of a Soldier and Surgeon , el veterano y cirujano confederado John Allan Wyeth recuerda haber aprendido a tocar el banjo cuando era niño de una persona esclavizada en la plantación de su familia. [15] Otro hombre que aprendió a tocar de los afroamericanos, probablemente en la década de 1820, fue Joel Walker Sweeney , un intérprete de juglar de Appomattox Court House , Virginia . [16] [17] A Sweeney se le atribuye haber agregado una cuerda al banjo afroamericano de cuatro cuerdas y popularizar el banjo de cinco cuerdas. [16] [17] Aunque Robert McAlpin Williamson es el primer banjoista blanco documentado, [18] en la década de 1830 Sweeney se convirtió en el primer intérprete blanco en tocar el banjo en el escenario. [16] Las actuaciones musicales de Sweeney ocurrieron al comienzo de la era del juglar, cuando los banjos dejaron de ser instrumentos folclóricos exclusivamente caseros a instrumentos de un estilo más moderno. [19] Sweeney participó en esta transición alentando al fabricante de baterías William Boucher de Baltimore a hacer banjos comercialmente para que él los vendiera. [17]
Según Arthur Woodward en 1949, Sweeney reemplazó la calabaza con una caja de resonancia hecha de madera y cubierta con piel, y agregó una quinta cuerda corta alrededor de 1831. [20] Sin embargo, el erudito moderno Gene Bluestein señaló en 1964 que Sweeney puede no haber originó la quinta cuerda o la caja de sonido. [20] Este nuevo banjo fue al principio afinado d'Gdf♯a, aunque en la década de 1890, se había transpuesto a g'cgbd '. Los banjos fueron introducidos en Gran Bretaña por el grupo de Sweeney, los American Virginia Minstrels , en la década de 1840, y se hicieron muy populares en las salas de música. [21]
El instrumento creció en popularidad durante la década de 1840 después de que Sweeney comenzara su espectáculo itinerante de juglares. [22] A finales de la década de 1840, el instrumento se había expandido desde la posesión caribeña para echar raíces en lugares de América y del Atlántico en Inglaterra. [23] [24] Se estimó en 1866 que probablemente había 10,000 banjos en la ciudad de Nueva York, en comparación con solo un puñado en 1844. La gente estuvo expuesta a los banjos no solo en espectáculos de juglares, sino también en espectáculos de medicina, espectáculos del Salvaje Oeste , programas de variedades y espectáculos itinerantes de vodevil. [25] La popularidad del banjo también se vio impulsada por la Guerra Civil, ya que los militares de ambos bandos del Ejército o la Armada estuvieron expuestos al banjo tocado en espectáculos de juglares y por otros militares. [26] Un movimiento popular de aspirantes a banjoistas comenzó en 1861. [27] El entusiasmo por el instrumento fue etiquetado como una "locura del banjo" o "manía del banjo". [27]
En la década de 1850, los aspirantes a tocar el banjo tenían opciones para ayudarlos a aprender su instrumento. [28] Había más profesores que enseñaban los conceptos básicos del banjo en la década de 1850 que en la década de 1840. [28] También había manuales de instrucciones y, para quienes pudieran leerlo, música impresa en los manuales. [29] El primer libro de música anotada fue The Complete Preceptor de Elias Howe, publicado bajo el seudónimo de Gumbo Chaff , que consta principalmente de melodías de los juglares de Christy . [29] El primer método de banjo fue el instructor de banjo de Briggs (1855) de Tom Briggs. [29] Otros métodos incluyeron la New American Banjo School de Howe (1857) y el Método de Phil Rice para el banjo, con o sin maestro (1858). [29] Estos libros enseñaron el "estilo de trazo" o "estilo banjo", similar a los estilos modernos "frágiles" o " clawhammer ". [29]
En 1868, la música para banjo estaba disponible impresa en una revista, cuando JK Buckley escribió y arregló música popular para el Monthly Banjoist de Buckley . [30] Frank B. Converse también publicó su colección completa de composiciones en The Complete Banjoist en 1868, que incluía "polcas, valses, marchas y chirimías". [31]
Oportunidades de trabajo incluidas las compañías de juglares y circos presentes en la década de 1840, pero también teatros flotantes y de variedades, precursores del espectáculo de variedades y el vodevil. [28]
Era clásica, 1880-1910
El término banjo clásico se utiliza hoy en día para referirse a un "estilo de guitarra" con los dedos desnudos que se usaba ampliamente entre los músicos de banjo de finales del siglo XIX y principios del XX. [32] Hoy en día todavía lo utilizan los banjoistas. El término también diferencia ese estilo de tocar de los estilos de banjo bluegrass de punteo, como el estilo Scruggs y el estilo Keith . [32]
El Método Briggs Banjo , considerado como el primer método del banjo y que enseñó el estilo de ejecución por golpes , también mencionó la existencia de otra forma de ejecución, el estilo de guitarra. [33] [34] Conocido alternativamente como "estilo de dedo", la nueva forma de tocar el banjo desplazó el método de golpe, hasta que en 1870 fue el estilo dominante. [35] Aunque fue mencionado por Briggs, no fue enseñado. El primer método de banjo para enseñar la técnica fue el nuevo y completo método de Frank B. Converse para el banjo con o sin maestro , publicado en 1865. [36] [37]
Para tocar en estilo de guitarra, los músicos usan el pulgar y dos o tres dedos de su mano derecha para elegir las notas. Samuel Swaim Stewart resumió el estilo en 1888, diciendo:
En el estilo de guitarra de tocar Banjo ... el dedo meñique de la mano derecha descansa sobre la cabeza cerca del puente ... [y] sirve como un descanso para la mano y una resistencia al movimiento de tocar las cuerdas. .. Al principio es mejor adquirir el conocimiento de tocar las cuerdas con el uso del primer y segundo dedo y el pulgar solamente, permitiendo que el tercer dedo permanezca inactivo hasta que los otros dedos se hayan acostumbrado completamente a su trabajo ... los tres dedos se utilizan casi invariablemente para tocar acordes y acompañamientos de canciones " [33].
El banjo, aunque popular, tenía asociaciones de clase baja por su papel en espectáculos de juglares de cara negra, espectáculos de medicina, espectáculos de carpas y espectáculos de variedades o vodevil. [38] Hubo un impulso en el banjo del siglo XIX para traer el instrumento a la "respetabilidad". [38] Músicos como William A. Huntley hicieron un esfuerzo por "elevar" el instrumento o hacerlo más "artístico", "llevándolo a un nivel más sofisticado de técnica y repertorio basado en los estándares europeos". [39] Es posible que Huntley haya sido el primer artista blanco en hacer con éxito la transición de actuar con cara negra a ser él mismo en el escenario, como señaló el Boston Herald en noviembre de 1884. [39] Fue apoyado por otro ex intérprete de cara negra, Samuel Swaim Stewart , en su revista corporativa que popularizó a profesionales de gran talento. [40]
A medida que las imitaciones "estridentes" de la vida en las plantaciones disminuyeron en el juglar, el banjo se volvió más aceptable como un instrumento de la sociedad de moda, incluso para ser aceptado en los salones de mujeres. [22] [41] Parte de ese cambio fue un cambio del estilo de golpe al estilo de tocar la guitarra. [22] [41] [36] Un periódico de 1888 decía: "Todas las doncellas y un buen número de mujeres también tocan el instrumento, las clases de banjo abundan por todos lados y los recitales de banjo se encuentran entre las diversiones más recientes de la moda ... y los hombres mayores también han cogido la fiebre ... los rasgueos estrella entre los hombres son solicitados en las fiestas más elegantes y tienen la elección de la sociedad de las chicas más encantadoras ". [42]
Algunos de esos animadores, como Alfred A. Farland, se especializaron en música clásica. Sin embargo, los músicos que querían entretener a su público y ganarse la vida lo mezclaban con la música popular que el público quería. [43] El alumno de Farland, Frederick J. Bacon, fue uno de ellos. Un ex animador de espectáculos de medicina, Bacon interpretó música clásica junto con canciones populares como Massa's in de cold, cold ground , un Medley of Scotch Airs , un Medley of Southern Airs y su propia West Lawn Polka .
Continuó la innovación del banjo que comenzó en la era del juglar, con un mayor uso de piezas metálicas, maderas exóticas, trastes metálicos elevados y un timbre que mejoraba el sonido. [44] Los instrumentos fueron diseñados en una variedad de tamaños y rangos de tono, para tocar diferentes partes en orquestas de banjo. [44] Los ejemplos que se exhiben en el museo incluyen banjorines y banjos piccolo.
Nuevos estilos de ejecución, una nueva apariencia, instrumentos en una variedad de rangos de tonos para tomar el lugar de diferentes secciones en una orquesta, todo ayudó a separar el instrumento de la imagen tosca de juglar de los 50-60 años anteriores. [44] El instrumento era moderno ahora, algo nuevo y brillante, con lados de metal pulido. [44]
Época del ragtime (1895-1919) y época del Jazz (1910-1930)
A principios de la década de 1900, comenzaron a extenderse nuevos banjos, modelos de cuatro cuerdas, tocados con una púa en lugar de con el golpe de martillo de juglar-banjo o el estilo clásico de tocar los dedos del banjo. Los nuevos banjos fueron el resultado de cambios en los gustos musicales. La nueva música estimuló la creación de "variaciones evolutivas" del banjo, desde el modelo de cinco cuerdas actual desde la década de 1830 hasta los banjos tenores y púa de cuatro cuerdas más nuevos . [45]
Los instrumentos se adornaron profusamente en la década de 1920 para ser visualmente dinámicos para el público del teatro. [45] Los instrumentos se modificaron cada vez más o se fabricaron con un nuevo estilo: cuellos que se acortaron para manejar las cuatro cuerdas de acero (no de fibra como antes), cuerdas que se tocaban con una púa en lugar de dedos, cuatro cuerdas en lugar de cinco y afinadas diferentemente. [45] Los cambios reflejaron la naturaleza de la música posterior a la Primera Guerra Mundial. [45] El país se estaba alejando de los clásicos europeos, prefiriendo la "sensación alegre y despreocupada" del jazz, y los soldados estadounidenses que regresaban de la guerra ayudaron a impulsar este cambio. [45]
El cambio en los gustos hacia la música de baile y la necesidad de instrumentos más ruidosos comenzó unos años antes de la guerra, sin embargo, con el ragtime. [45] Esa música alentó a los músicos a cambiar sus banjos de 5 cuerdas a cuatro, agregar las cuerdas de acero más fuertes y usar una púa o púa, todo en un esfuerzo por ser escuchado sobre los instrumentos de metal y lengüeta que eran corrientes en los salones de baile. [45] La púa de cuatro cuerdas y los banjos de tenor no eliminaron la variedad de cinco cuerdas. Eran productos de su época y propósitos musicales: ragtime y jazz, música de baile y teatro.
La Gran Depresión es una línea visible que marca el final de la Era del Jazz . [45] La recesión económica redujo las ventas de banjos de cuatro y cinco cuerdas, y para la Segunda Guerra Mundial, los banjos estaban en fuerte declive, el mercado para ellos muerto. [46]
Era moderna
En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, el banjo experimentó un resurgimiento, interpretado por estrellas de la música como Earl Scruggs (bluegrass), Bela Fleck (jazz, rock, músicas del mundo), Gerry O'Connor (música celta e irlandesa), Perry Bechtel. (jazz, big band), Pete Seeger (folk) y Otis Taylor (raíces afroamericanas, blues, jazz). [47]
Pete Seeger "fue una fuerza importante detrás de un nuevo interés nacional en la música folclórica". [17] Aprendiendo a tocar un estilo de dedos en los Apalaches de músicos que nunca dejaron de tocar el banjo, escribió el libro Cómo tocar el banjo de cinco cuerdas , que fue el único método de banjo en el mercado durante años. [17] Le siguió un movimiento de músicos folclóricos, como Dave Guard del Kingston Trio y Erik Darling de los Weavers and Tarriers . [17]
Earl Scruggs fue visto como una leyenda y un "innovador musical contemporáneo" que dio su nombre a su estilo de tocar, el estilo Scruggs . [48] Scruggs tocaba el banjo "con una velocidad y destreza nunca antes vistas", utilizando una técnica de punteo para el banjo de 5 cuerdas que perfeccionó a partir de técnicas de punteo de 2 y 3 dedos en la zona rural de Carolina del Norte. [48] Su interpretación llegó a los estadounidenses a través del Grand Ole Opry ya las salas de estar de los estadounidenses que no escuchaban música country o bluegrass, a través del tema musical de los Beverley Hillbillies . [48]
Durante los últimos cien años, el banjo tenor se ha convertido en una parte intrínseca del mundo de la música tradicional irlandesa. [49] Es relativamente un recién llegado al género.
Técnica
Dos técnicas estrechamente asociadas con el banjo de cinco cuerdas son rolls y drones . Los rollos son patrones de digitación de acompañamiento de la mano derecha que constan de ocho (octavas) notas que subdividen cada compás . [50] Las notas de zumbido son pequeñas notas rápidas [típicamente corcheas], generalmente tocadas en la quinta cuerda (corta) para completar alrededor de las notas de la melodía [típicamente corcheas]. [51] Estas técnicas son idiomáticas para el banjo en todos los estilos, y su sonido es característico del bluegrass.
Históricamente, los africanos tocaban el banjo al estilo de un martillo de garra, que traían consigo su versión del banjo. [52] A partir de esto se desarrollaron varios otros estilos de juego. El martillo de garra consiste en golpear hacia abajo una o más de las cuatro cuerdas principales con el índice, el medio o ambos dedos mientras el dron o la quinta cuerda se toca con un movimiento de 'elevación' (en lugar de puntear hacia abajo) con el pulgar. Las notas que suenan típicamente con el pulgar de esta manera son, por lo general, fuera de tiempo. Las melodías pueden ser técnicas de adición bastante complejas, como el doble pulgar y la caída del pulgar. En la música de los Apalaches de antaño, también se usa un estilo llamado pick up de dos dedos, y una versión de tres dedos que Earl Scruggs desarrolló en el estilo de picking "Scruggs" se emitió a nivel nacional en 1945 en el Grand Ole Opry . [53]
Mientras que los banjos de cinco cuerdas se tocan tradicionalmente con palillos o con los dedos mismos, los banjos tenor y los banjos de púa se tocan con una púa, ya sea para rasguear acordes completos, o más comúnmente en la música tradicional irlandesa , tocar melodías de una sola nota.
Formas modernas
El banjo moderno viene en una variedad de formas, incluidas versiones de cuatro y cinco cuerdas. Una versión de seis cuerdas, afinada y tocada de manera similar a una guitarra, ha ganado popularidad. En casi todas sus formas, la ejecución del banjo se caracteriza por un punteo arpegiado rápido , aunque existen muchos estilos de ejecución diferentes.
El cuerpo, o "olla", de un banjo moderno consiste típicamente en un borde circular (generalmente hecho de madera, aunque el metal también era común en los banjos más antiguos) y un parche tenso, similar a un parche de tambor. Tradicionalmente, la cabeza se fabricaba con piel de animal, pero hoy en día a menudo se fabrica con diversos materiales sintéticos. La mayoría de los banjos modernos también tienen un ensamblaje de "anillo de tono" de metal que ayuda a aclarar y proyectar aún más el sonido, pero muchos banjos más antiguos no incluyen un anillo de tono.
El banjo generalmente se afina con clavijas de afinación de fricción o afinadores de engranajes planetarios , en lugar de la cabeza de la máquina de engranaje helicoidal que se usa en las guitarras. Los trastes se han convertido en estándar desde finales del siglo XIX, aunque los banjos sin trastes todavía son fabricados y tocados por aquellos que desean ejecutar glissando , tocar cuartos de tono o lograr el sonido y la sensación de los primeros estilos de ejecución .
Los banjos modernos suelen estar ensartados con cuerdas de metal. Por lo general, la cuarta cuerda se enrolla con acero o con una aleación de bronce y fósforo. Algunos músicos pueden ensartar sus banjos con nailon o cuerdas de tripa para lograr un tono más suave y antiguo.
Algunos banjos tienen una placa de resonancia separada en la parte posterior de la olla para proyectar el sonido hacia adelante y darle más volumen al instrumento. Este tipo de banjo se usa generalmente en la música bluegrass, aunque los banjos de resonador son tocados por músicos de todos los estilos y también se usan en la antigüedad, a veces como sustituto de la amplificación eléctrica cuando se toca en lugares grandes.
Los banjos abiertos generalmente tienen un tono más suave y pesan menos que los banjos resonadores. Por lo general, tienen una configuración diferente a la de un banjo resonador, a menudo con una acción de cuerda más alta . [54]
Banjo de cinco cuerdas
El moderno banjo de cinco cuerdas es una variación del diseño original de Sweeney. La quinta cuerda suele tener el mismo calibre que la primera, pero comienza desde el quinto traste, tres cuartos de la longitud de las otras cuerdas. Esto permite afinar la cuerda a un tono abierto más alto de lo que es posible para las cuerdas de larga duración. Debido a la quinta cuerda corta, el banjo de cinco cuerdas utiliza una afinación reentrante : los tonos de las cuerdas no van de menor a mayor a lo largo del diapasón. En cambio, la cuarta cuerda es la más baja, luego la tercera, la segunda, la primera y la quinta es la más alta.
La quinta cuerda corta presenta problemas especiales para un capo . Para pequeños cambios (subir o bajar uno o dos semitonos, por ejemplo), simplemente es posible volver a afinar la quinta cuerda. De lo contrario, varios dispositivos llamados "cejillas de quinta cuerda" acortan efectivamente la parte vibrante de la cuerda. Muchos músicos de banjo usan púas de modelo de ferrocarril o púas de titanio (generalmente instaladas en el séptimo traste y, a veces, en otros), debajo de las cuales enganchan la cuerda para presionarla sobre el traste .
Los jugadores de banjo de cinco cuerdas usan muchas afinaciones. (Las afinaciones se dan en orden de izquierda a derecha, como se ve desde la parte frontal del instrumento con el mástil apuntando hacia arriba). Probablemente la más común, particularmente en bluegrass, es la afinación en Sol abierto G4 D3 G3 B3 D4. En épocas anteriores, la afinación G4 C3 G3 B3 D4 se usaba comúnmente en su lugar, y esta sigue siendo la afinación preferida para algunos tipos de música folclórica y para el banjo clásico . Otras afinaciones que se encuentran en la música antigua incluyen doble C (G4 C3 G3 C4 D4), "aserradero" (G4 D3 G3 C4 D4) también llamado "modal de montaña" y D abierto (F # 4 D3 F # 3 A3 D4). Estas afinaciones a menudo se retoman un tono, ya sea afinando o usando un capo. Por ejemplo, la afinación "doble D" (A4 D3 A3 D4 E4), comúnmente alcanzada al subir desde la doble C, a menudo se toca para acompañar melodías de violín en la clave de D y Open-A (A4 E3 A3 C # 4 E4 ) se usa generalmente para tocar melodías en la clave de A. Se usan docenas de otras afinaciones de banjo, principalmente en música antigua. Estas afinaciones se utilizan para facilitar la interpretación de melodías específicas, normalmente melodías de violín o grupos de melodías de violín.
El tamaño del banjo de cinco cuerdas está en gran parte estandarizado, pero existen tamaños más pequeños y más grandes, incluida la variación de cuello largo o "cuello de Seeger" diseñada por Pete Seeger . Pequeñas variaciones del banjo de cinco cuerdas han estado disponibles desde la década de 1890. SS Stewart introdujo el banjeaurine , afinado un cuarto por encima de un estándar de cinco cuerdas. Los banjos de piccolo son más pequeños y están afinados una octava por encima de un banjo estándar. Entre estos tamaños y el estándar se encuentra el banjo en escala A, que es dos trastes más corto y generalmente afinado un paso completo por encima de las afinaciones estándar. Muchos fabricantes han producido banjos de otras longitudes de escala y con diversas innovaciones.
La música de los viejos tiempos usa típicamente el banjo abierto de cinco cuerdas. Se toca en varios estilos diferentes, el más común es el de martillo de uña o frágil, caracterizado por el uso de un golpe hacia abajo en lugar de hacia arriba al golpear las cuerdas con una uña. Las técnicas frágiles utilizan el pulgar para atrapar la quinta cuerda de un zumbido después de la mayoría de los rasgueos o después de cada golpe ("doble pulgar"), o para seleccionar notas de melodía adicionales en lo que se conoce como pulgar. Pete Seeger popularizó un estilo folclórico al combinar el martillo de garra con el levantamiento, generalmente sin el uso de palillos para los dedos . Otro estilo común de tocar el banjo de antaño es el banjo de dedo o el banjo clásico. Este estilo se basa en la guitarra de salón . [55]
La música Bluegrass, que utiliza el banjo resonador de cinco cuerdas casi exclusivamente, se toca en varios estilos comunes. Estos incluyen el estilo Scruggs, que lleva el nombre de Earl Scruggs; melódico, o estilo Keith , llamado así por Bill Keith ; y estilo de tres dedos con trabajo de una sola cuerda, también llamado estilo Reno en honor a Don Reno . En estos estilos, el énfasis está en las figuras arpegiadas tocadas en un ritmo continuo de corcheas, conocido como redobles . Todos estos estilos se suelen tocar con palillos.
El primer banjo eléctrico de cuerpo sólido de cinco cuerdas fue desarrollado por Charles Wilburn (Buck) Trent , Harold "Shot" Jackson y David Jackson en 1960.
El banjo de cinco cuerdas se ha utilizado en la música clásica desde antes de principios del siglo XX. Contemporáneo y modernas obras han sido escritas o planeadas con el instrumento por Jerry García , Buck Trent, Béla Fleck , Tony Trischka , Ralph Stanley , Steve Martin , George Crumb , Modest Mouse , Jo Kondo , Paul Elwood , Hans Werner Henze (sobre todo en su Sexta Sinfonía ), Daniel Mason de la Damn Band de Hank Williams III , Beck , The Water Tower Bucket Boys , Todd Taylor , JP Pickens , Peggy Honeywell, Norfolk & Western , Putnam Smith, Iron & Wine , The Avett Brothers , The Well Pennies , Punch Brothers , Julian Koster , Sufjan Stevens , Sarah Jarosz y sus hermanas Leah Song y Chloe Smith de Rising Appalachia
Frederick Delius escribió para un banjo en su ópera Koanga .
Ernst Krenek incluye dos banjos en su Kleine Symphonie ( Pequeña sinfonía ).
Kurt Weill tiene un banjo en su ópera The Rise and Fall of the City of Mahagonny .
Viktor Ullmann incluyó una parte de banjo tenor en su Concierto para piano (op. 25).
Banjos de cuatro cuerdas
El banjo de púa de cuatro cuerdas es un banjo estándar sin la cuerda corta de drones. Por lo general, tiene 22 trastes en el mástil y una longitud de escala de 26 a 28 pulgadas, y originalmente se afinó C3 G3 B3 D4. También se puede afinar como las cuatro cuerdas superiores de una guitarra, lo que se conoce como "afinación de Chicago". [56] Como sugiere el nombre, generalmente se toca con una púa estilo guitarra (es decir, una sola sostenida entre el pulgar y el índice), a diferencia del banjo de cinco cuerdas, que se toca con un pulgar y dos dedos, o con los dedos desnudos. El banjo de púa evolucionó a partir del banjo de cinco cuerdas, para adaptarse a los estilos de música que implican acordes rasgueados. La púa también aparece en muchas grabaciones y arreglos de jazz tempranos.
Los banjos de cuatro cuerdas se pueden usar para acompañamiento de acordes (como en el jazz temprano), para tocar melodías de una sola cuerda (como en la música tradicional irlandesa), en el estilo de "melodía de acordes" (una sucesión de acordes en los que las notas más altas llevan la melodía ), en estilo trémolo (tanto en acordes como en cuerdas sueltas), y una técnica mixta llamada estilo dúo que combina trémolo de cuerda única y acordes rítmicos. [57]
Los banjos de cuatro cuerdas se utilizan de vez en cuando en el teatro musical. Los ejemplos incluyen: ¡Hola, Dolly! , Mame , Chicago , Cabaret , Oklahoma! , Half a Sixpence , Annie , Barnum , The Threepenny Opera , Monty Python's Spamalot y muchos otros. Joe Raposo lo había utilizado de forma variable en la imaginativa orquestación de siete piezas del programa de televisión de larga duración Barrio Sésamo , y en ocasiones lo ha sobregrabado consigo mismo o con una guitarra eléctrica. El banjo todavía se usa (aunque rara vez) en el arreglo del programa actualmente.
Banjo tenor
El banjo tenor de cuello más corto, con 17 ("escala corta") o 19 trastes, también se suele tocar con una púa. Se convirtió en un instrumento popular después de aproximadamente 1910. Los primeros modelos utilizados para la selección melódica generalmente tenían 17 trastes en el cuello y una longitud de escala de 19 1 ⁄ 2 a 21 1 ⁄ 2 pulgadas. A mediados de la década de 1920, cuando el instrumento se usaba principalmente para acompañamiento de acordes rasgueados, los cuellos de 19 trastes con una longitud de escala de 21 3 ⁄ 4 a 23 pulgadas se convirtió en estándar. La afinación habitual es la afinación de quintas C3 G3 D4 A4, en la queocurrenexactamente siete semitonos (una quinta perfecta ) entre las notas abiertas de cuerdas consecutivas; esto es idéntico a la afinación de una viola . Otros intérpretes (particularmente en la música tradicional irlandesa) afinan el banjo G2 D3 A3 E4 como una mandolina de octava , lo que permite al banjo duplicar la digitación de violín y mandolina. [58] La popularización de esta afinación generalmente se atribuye al difunto Barney McKenna , banjoista de The Dubliners . [59] El estilo de los dedos en el banjo tenor reajustado para abrir la afinación G dgd'g 'o la afinación D abierta inferior Adad' (punción con tres dedos, frailing) han sido explorados por Mirek Patek. [60]
El banjo tenor era un instrumento rítmico común en las bandas de baile de principios del siglo XX. Su volumen y timbre se adaptaban al jazz temprano (y a los estilos de música popular influenciados por el jazz) y podían competir con otros instrumentos (como instrumentos de viento y saxofones) y ser escuchados claramente en grabaciones acústicas. George Gershwin 's Rhapsody in Blue , en Ferde Grofe ' acuerdo jazz-orquesta original de s, incluye banjo tenor, con los acordes ampliamente espaciados no son fácilmente reproducibles en la púa banjo en sus afinaciones convencionales. Con el desarrollo del archtop y la guitarra eléctrica, el banjo tenor desapareció en gran medida del jazz y la música popular, aunque mantuvo su lugar en el jazz tradicional "Dixieland".
Algunos músicos de banjo irlandeses de la década de 1920 eligieron las melodías de jigs, carretes y hornpipes en banjos tenor, decorando las melodías con adornos de tripletes enérgicos. El músico de banjo irlandés más importante de esta época fue Mike Flanagan, de Flanagan Brothers , con sede en Nueva York , uno de los grupos irlandeses-estadounidenses más populares de la época. Otros músicos de banjo irlandeses anteriores a la Segunda Guerra Mundial incluyeron a Neil Nolan, que grabó con Shamrock Band de Dan Sullivan en Boston, y Jimmy McDade, que grabó con la Four Provinces Orchestra en Filadelfia. Mientras tanto, en Irlanda, el auge de las bandas de ceili proporcionó un nuevo mercado para un instrumento ruidoso como el banjo tenor. El uso del banjo tenor en la música irlandesa ha aumentado enormemente desde el resurgimiento del folk de la década de 1960. [59]
Banjos de seis cuerdas
El seis banjo comenzó como una innovación británica de William Temlett, uno de los primeros fabricantes de banjo de Inglaterra. Abrió una tienda en Londres en 1846 y vendió banjos de siete cuerdas que comercializó como banjos de "cítara" de su patente de 1869. [61] Un banjo de cítara generalmente tiene la parte posterior y los lados cerrados con el cuerpo del tambor y el sistema de tensión de la piel suspendidos dentro del borde de madera, el cuello y el cordal de la cuerda montados en el exterior del borde, y la cuerda del dron pasa a través de un tubo en el cuello para que la clavija de afinación se pueda montar en la cabeza. A menudo los fabricaban constructores que usaban afinadores de guitarra que venían en grupos de tres, por lo que los instrumentos de cinco cuerdas tenían un afinador redundante; estos banjos podrían convertirse fácilmente en un banjo de seis cuerdas.
El estadounidense Alfred Davis Cammeyer (1862-1949), un joven violinista convertido en concertista de banjo, ideó el banjo de cítara de seis cuerdas alrededor de 1880. La diva de la ópera británica Adelina Patti le advirtió a Cammeyer que el banjo de cítara podría ser popular entre el público inglés, ya que se había inventado. allí, y Cammeyer fue a Londres en 1888. Con su virtuoso toque, ayudó a demostrar que los banjos podían hacer música más sofisticada de la que normalmente tocan los juglares de cara negra . Pronto estuvo actuando para la sociedad londinense, donde conoció a Sir Arthur Sullivan , quien recomendó que Cammeyer progresara de arreglar la música de otros para el banjo a componer su propia música.
Se han fabricado banjos modernos de bluegrass de seis cuerdas. Estos agregan una cuerda de bajo entre la cuerda más baja y la cuerda del dron en un banjo de cinco cuerdas, y generalmente se afinan G4 G2 D3 G3 B3 D4. Sonny Osborne tocó uno de estos instrumentos durante varios años. Fue modificado por el luthier Rual Yarbrough a partir de un modelo Vega de cinco cuerdas. Una imagen de Sonny con este banjo aparece en el libro de métodos Bluegrass Banjo de Pete Wernick . [62]
Los banjos de seis cuerdas, conocidos como guitarras banjo, consisten básicamente en un mástil de guitarra de seis cuerdas unido a un cuerpo de banjo de púa o bluegrass, lo que permite a los músicos que han aprendido a tocar la guitarra tocar un sonido de banjo sin tener que volver a aprender las digitaciones. Este fue el instrumento del gran jazz temprano Johnny St. Cyr , los jazzistas Django Reinhardt , Danny Barker , Papa Charlie Jackson y Clancy Hayes , así como el cantante de blues y gospel, el reverendo Gary Davis . Hoy en día, músicos tan diversos como Keith Urban , Rod Stewart , Taj Mahal , Joe Satriani , David Hidalgo , Larry Lalonde y Doc Watson tocan el banjo de guitarra de seis cuerdas. Se han vuelto cada vez más populares desde mediados de la década de 1990.
Otros banjos
Banjos bajos
A finales del siglo XIX y principios del XX, en boga en los conjuntos de instrumentos de cuerda pulsada (orquestas de guitarra, orquestas de mandolina , orquestas de banjo) fue cuando se hizo que la instrumentación fuera paralela a la de la sección de cuerdas en las orquestas sinfónicas. Así, "violín, viola, 'violonchelo, bajo" se convirtió en "mandolina, mandola, mandocello, mandobass", o en el caso de banjos, "banjolin, banjola, banjo violonchelo, banjo bajo". Debido a que la gama de instrumentos de cuerda pulsada generalmente no es tan grande como la de instrumentos de cuerda frotada de tamaño comparable, a menudo se añadían otros instrumentos a estas orquestas pulsadas para ampliar la gama del conjunto hacia arriba y hacia abajo. [63] [64]
El violonchelo banjo normalmente se afinó C2-G2-D3-A3, una octava por debajo del banjo tenor como el violonchelo y el mandocello. Un banjo de violonchelo de cinco cuerdas, configurado como un banjo bluegrass (con la quinta cuerda corta), pero afinado una octava más abajo, ha sido producido por la compañía Goldtone. [sesenta y cinco]
Los banjos de bajo se han producido tanto en formato de bajo vertical como con cuerpos de banjo estándar, transportados horizontalmente. También se han fabricado banjos de contrabajo de tres o cuatro cuerdas; algunos de estos tenían clavijero similares a los de los violines bajos. La afinación varía en estos instrumentos grandes, y los modelos de cuatro cuerdas a veces se afinan en cuartas como un violín bajo (E1-A1-D2-G2) y a veces en quintas, como un banjo de violonchelo de cuatro cuerdas, una octava más baja (C1-G1 -D2-A2). [66]
Híbridos y variantes del banjo
Existen varios instrumentos híbridos que cruzan el banjo con otros instrumentos de cuerda. La mayoría de ellos usan el cuerpo de un banjo, a menudo con un resonador, y el cuello del otro instrumento. Los ejemplos incluyen la mandolina banjo (patentada por primera vez en 1882) [67] y el ukelele banjo , el más famoso interpretado por el comediante inglés George Formby . [68] Estos fueron especialmente populares en las primeras décadas del siglo XX, y probablemente fueron el resultado de un deseo de permitir que los intérpretes de otros instrumentos se subieran al tren del banjo en el apogeo de su popularidad, o de obtener la amplificación natural Beneficios del resonador banjo en una época anterior a la amplificación eléctrica.
Por el contrario, las guitarras de tenor y púa utilizan los respectivos cuellos de banjo en los cuerpos de las guitarras. Surgieron a principios del siglo XX como una forma para que los bañistas doblaran la guitarra sin tener que volver a aprender el instrumento por completo. [69]
También se han fabricado instrumentos que tienen un mástil de banjo de cinco cuerdas sobre un cuerpo de madera (por ejemplo, una guitarra, bouzouki o cuerpo de dobro ), como la banjola . Un instrumento turco del siglo XX similar al banjo se llama cümbüş , que combina un resonador similar a un banjo con un cuello derivado de un oud . A finales del siglo XX, un desarrollo del banjo de cinco cuerdas fue el BanSitar . [70] Este presenta un puente óseo, lo que le da al instrumento una resonancia similar a un sitar .
El banjo de samba brasileño es básicamente un cuello de cavaquinho en un cuerpo de banjo que produce un sonido más fuerte que el cavaquinho. Está afinado igual que las 4 cuerdas superiores de un banjo de 5 cuerdas hasta una octava (o cualquier afinación de Cavaquinho) pero es más fuerte debido a que el cuerpo del banjo actúa como un amplificador realmente fuerte.
Banjoists notables
- Vess Ossman (1868-1923) fue un destacado músico de banjo de cinco cuerdas cuya carrera se extendió a finales del siglo XIX y principios del XX. Vess comenzó a tocar el banjo a la edad de 12 años. Era un artista de grabación popular y, de hecho, uno de los primeros artistas de grabación de la historia , cuando la grabación de audio estuvo disponible comercialmente por primera vez. Formó varios grupos de grabación, siendo el más popular el trío Ossman-Dudley. [71] [72]
- Joel Sweeney (1810–1860), también conocido como Joe Sweeney, fue un músico y uno de los primeros intérpretes de juglares de cara negra . Es conocido por popularizar la ejecución del banjo y, a menudo, se le atribuye el avance del desarrollo físico del banjo moderno de cinco cuerdas.
- Fred Van Eps (1878-1960) fue un destacado músico de cinco cuerdas y creador de banjo que aprendió a tocar escuchando grabaciones de cilindros de Vess Ossman. Grabó para la compañía de Edison, produciendo algunas de las primeras grabaciones en disco, y también las primeras grabaciones de ragtime en cualquier medio que no fuera el piano. [73]
- El tío Dave Macon (1870-1952) era un músico de banjo y comediante de Tennessee conocido por su "sombrero de tapón, dientes de oro, bigotes de barbilla, cuello entreabierto y esa sonrisa de Tennessee de un millón de dólares".
- Gid Tanner (1885-1960) fue un notable jugador de banjo activo principalmente en la década de 1920 y lideró la banda "The Skillet Lickers" mientras estaban activos con Riley Pucket.
- Eddie Peabody (1902-1970) fue un gran defensor del banjo de púa que actuó durante casi cinco décadas (1920-1968) y dejó un legado considerable de grabaciones. [74] Uno de los primeros críticos lo apodó "Rey del Banjo", y el suyo fue un nombre familiar durante décadas. Continuó desarrollando nuevos instrumentos, produciendo discos y apareciendo en películas.
- Frank Lawes (1894-1970), del Reino Unido, desarrolló una técnica de estilo de dedos única en el instrumento de púa de cuatro cuerdas y fue un prolífico compositor de música de banjo de cuatro cuerdas, gran parte de la cual todavía se interpreta y graba en la actualidad.
- Harry Reser (1896–1965), púa y banjo tenor, fue considerado por algunos como el mejor banjo tenor de la década de 1920. Escribió una gran cantidad de obras para banjo tenor, así como material instructivo, y fue autor de numerosos libros de métodos de banjo, [75] más de una docena de otros libros de métodos instrumentales (para guitarra, ukelele, mandolina, etc.), y fue bien conocido en la comunidad del banjo. La técnica lograda de Reser con una sola cuerda y "melodía de acordes" estableció una "marca alta" que muchos tenores posteriores se esforzaron, y aún se esfuerzan, por alcanzar.
- Ola Belle Reed (1916-2002) fue una cantante de folk, compositora y tocadora de banjo estadounidense.
- Pete Seeger (1919-2014), aunque quizás más conocido como cantautor del grupo folk The Weavers , incluyó el banjo de cinco cuerdas entre sus instrumentos. Su libro de métodos de 1948 Cómo tocar el banjo de cinco cuerdas ha sido reconocido por miles de banjoistas, incluidos destacados profesionales, por despertar su interés en el instrumento. También se le atribuye la invención del banjo de cuello largo (también conocido como el "Banjo Seeger"), que agrega tres trastes más bajos al cuello del banjo de cinco cuerdas y afina las cuatro cuerdas principales hacia abajo en un tercio menor, para facilitar la ejecución. en el canto de las teclas es más cómodo para algunos guitarristas populares.
- Earl Scruggs (1924–2012), cuya carrera se extendió desde el final de la Segunda Guerra Mundial hasta el siglo XXI, es ampliamente considerado como el padre del estilo bluegrass de tocar el banjo. [76] El estilo de tocar de tres dedos que desarrolló mientras tocaba con la banda de Bill Monroe es conocido por su nombre: Scruggs Style . [77]
- Ralph Stanley (1927-2016) tuvo una larga carrera, tanto con su hermano como "The Stanley Brothers" como con su banda "The Clinch Mountain Boys. Fue galardonado con un doctorado honoris causa en música por la Lincoln Memorial University, es miembro de la Bluegrass Salón de la Fama y el Grand Ole Opry . Él ganó un premio Grammy por Mejor Interpretación Vocal Masculino País en la película O Brother, ¿dónde estás? .
- Rual Yarbrough (1930-2010)
- Roy Clark (1933-2018)
- John Hartford (1937-2001)
- Ben Eldridge (n. 1938)
- George Gibson (n. 1938)
- Barney McKenna (1939–2012) fue un músico irlandés y miembro fundador de The Dubliners. Tocaba el banjo tenor, el violín, la mandolina y el melodeón. Era más conocido como jugador de banjo. Barney usó la afinación GDAE en un banjo tenor de 19 trastes, una octava por debajo del violín / mandolina y, según el músico Mick Moloney, fue el único responsable de hacer del banjo tenor afinado con GDAE el banjo estándar en la música irlandesa. Debido a su nivel de habilidad en los fanáticos del banjo, en todo el mundo y otros miembros de The Dubliners lo apodaron "Banjo Barney".
- Bill Keith (1939-2015)
- Sonny Osborne (n. 1937)
- Pete Wernick (n. 1946)
- Tony Trischka (n. 1949)
- Béla Fleck (n. 1958) es ampliamente reconocida como una de las tocadoras de banjo más innovadoras y técnicamente competentes del mundo. [78] Su trabajo abarca muchos estilos y géneros, incluyendo jazz, bluegrass, clásico, R&B, avant garde y "world music", y ha producido una discografía y videografía sustancial. Trabaja extensamente en medios acústicos y eléctricos. Fleck ha sido nominado a los premios Grammy en más categorías que cualquier otro artista y ha recibido 13 en 2015.[actualizar]. [79]
- Noam Pikelny (n. 1981) es un músico de banjo estadounidense que toca estilos eclécticos que incluyen bluegrass tradicional, música clásica, rock y jazz. Ha ganado el premio Steve Martin a la excelencia en banjo y bluegrass en 2010. [80] Ha sido nominado a ocho nominaciones al Grammy y una con su banda, The Punch Brothers, en 2018. [81]
- Clifford Essex , (n. 1869 - c. 1946) un banjoista británico, que también era un fabricante de instrumentos musicales.
- Clifton Hicks (nacido en 1985)
- Otros importantes intérpretes de cuatro cuerdas fueron Mike Pingitore , quien tocó el tenor de la Paul Whiteman Orchestra hasta 1948, y Roy Smeck , pionero de la radio y la grabación, autor de muchos libros instructivos, y cuyas influyentes interpretaciones en muchos instrumentos con trastes le valieron el apodo " Mago de las cuerdas ", durante sus años activos (1922-1950). Los tenores prominentes de la vendimia más reciente incluyen a Narvin Kimball (muerto en 2006) (banjoista zurdo de la fama de Preservation Hall Jazz Band ).
- Entre los músicos de cuatro cuerdas actualmente activos se incluyen los estilistas de ragtime y dixieland Charlie Tagawa (n. 1935) y Bill Lowrey (n. 1963). El guitarrista de jazz Howard Alden (n. 1958) comenzó su carrera en el banjo tenor y todavía lo toca en eventos tradicionales de jazz. Cynthia Sayer (n. 1962) es considerada una de las mejores banjoistas de jazz con púa. El intérprete de rock y country Winston Marshall (n. 1988) toca el banjo (entre otros instrumentos) para el grupo de folk rock británico Mumford and Sons , una banda que ganó el premio Grammy 2013 al "Mejor álbum del año".
Ver también
- Akonting
- Banjo (samba)
- Ukelele banjo
- Benju
- Bulbul tarang
- Cuatro (instrumento)
- Guitjo de cuello doble
- Afinaciones de instrumentos de cuerda
Referencias
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enlaces externos
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- El banjo en la música tradicional irlandesa
- 200 fabricantes de banjo antes de la Segunda Guerra Mundial
- ACTITUDES DE BANJO - Le banjo à cinq cordes: son histoire générale, sa documentation, Gérard De Smaele - livre, ebook, epub
- Manuales de instrucciones de banjo del siglo XIX
- To Hear Your Banjo Play , película de Alan Lomax de 1947 (16 minutos)
- Fingerstyle Tenor Banjo
- Boletín de Banjo
- Banjo Hangout
- Generador de acordes de banjo de código abierto en línea
- La Dra. Joan Dickerson, Sparky Rucker y George Gibson con el presentador Michael Johnathon exploran la historia afroamericana del banjo a través de la conversación y la música en el programa 350 de WoodSongs Old-Time Radio Hour . Se proporcionan audio y video .
- "La física de los banjos: una conversación con David Politzer" , Ideas Roadshow , 2016