El arte de la motocicleta fue una exposición que presenta 114 [8] motocicletas elegidos por su importancia histórica o el diseño de la excelencia [9] en una pantalla diseñada por Frank Gehry en la rotonda de la curva de Frank Lloyd Wright -Diseñado Solomon R. Guggenheim Museum de Ciudad de Nueva York, con una duración de tres meses a fines de 1998. [10] [11] La exposición atrajo a la mayor cantidad de personas que se hayan visto en ese museo, [12]y recibió críticas mixtas pero positivas en el mundo del arte, con la excepción de algunos críticos de arte y sociales que rechazaron rotundamente la existencia de un espectáculo de este tipo en una institución como el Guggenheim, condenándolo por excesivo populismo y por estar comprometido por la influencia financiera. de sus patrocinadores. [10] [13]
Sujeto: | motocicletas |
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Nación / cultura: | Estados Unidos y otros países industrializados. |
Medios de comunicación: | motocicletas, película, discursos, recuerdos |
Período: | siglo 20 |
Anfitrión: | Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York, NY |
Principales prestamistas: | Barber Vintage Motorsports Museum , [1] [2] Chandler Vintage Museum of Transportation and Wildlife [3] |
Patrocinadores financieros: | BMW , Lufthansa |
Lugar de apertura: | Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York, NY 26 de junio de 1998 - 20 de septiembre de 1998 [4] |
Segunda sede: | Field Museum of Natural History , Chicago, IL 7 de noviembre de 1998-21 de marzo de 1999 |
Tercer lugar: | Museo Guggenheim Bilbao , España 24 de noviembre de 1999 - 3 de septiembre de 2000 [4] [5] |
Lugar final *: | Guggenheim Las Vegas , NV 7 de octubre de 2001 - 6 de enero de 2003 [6] |
Asistencia total: | 2.000.000 [7] |
Curadores | Thomas Krens , Charles Falco , Ultan Guilfoyle |
* Wonders: The Memphis International Cultural Series y el Orlando Museum of Art , entre otros, realizaron exposiciones derivadas posteriores que licenciaron el nombre , utilizando parte del catálogo original y una variedad de diseños de interiores, pero no seleccionados por el Guggenheim. | |
El movimiento inusual de colocar motocicletas en el Guggenheim provino del director Thomas Krens , él mismo un entusiasta del motociclismo, apoyado por un vínculo corporativo novedoso con BMW . [10] Las motocicletas fueron elegidas por expertos como Krens, el físico e historiador del motociclismo Charles Falco , los asesores del Guggenheim Ultan Guilfoyle y Manon Slone, entre otros. [9] La exposición fue descrita por el historiador Jeremy Packer como representando el final de un ciclo de demonización y rechazo social de los motociclistas, seguido por la aceptación y reintegración que había comenzado con el mitológico motín de Hollister de 1947 y terminó con el marketing de alta gama de motocicletas y la nueva imagen del motociclista de moda de los años ochenta y noventa. [13] O al menos el espectáculo sirvió como "una celebración muy esperada del deporte, las máquinas y los pioneros que aman". [11]
La exposición fue el comienzo de una nueva tendencia en exhibiciones de museo rentables y de gran éxito, [14] presagiado por la gira Los tesoros de Tutankamón de 1972-1979. [15] Preguntas sobre la relación del museo con patrocinadores financieros corporativos, tanto en esta muestra como en el tributo al trabajo del diseñador de moda Giorgio Armani (luego de una donación de $ 15 millones al museo por parte del Sr. Armani) que siguió poco después, contribuyó a la introspección y la redacción de nuevas directrices éticas por parte de la Asociación de Directores de Museos de Arte . [16] [17] [18]
Exposición
El catálogo de la exposición cubrió una amplia gama de motocicletas históricas a partir de velocípedos y triciclos a vapor anteriores al siglo XX , cubriendo las primeras motocicletas de producción, máquinas Art Deco de los años 20 y 30, icónicas Harley-Davidsons e indias , roadsters británicos, y hasta las llamativas réplicas de motos de calle de los años 80 y 90, que terminan con la MV Agusta F4 . [12] La idea del programa era utilizar las motocicletas como una forma de estudiar el siglo XX, explorando temas como la movilidad y la libertad de una manera que los automóviles ya no pueden hacer porque son demasiado comunes y utilitarios, mientras que las motocicletas conservan un carácter único. romance. [2]
El interior de la rampa en espiral del Guggenheim estaba cubierto de acero inoxidable reflectante, un diseño de Frank Gehry , con un pavimento estilizado debajo de los neumáticos de las exhibiciones, y las bicicletas no se inclinaban sobre sus soportes, sino de pie, como si estuvieran en movimiento. , sostenido por alambres delgados y pequeños calzos de plástico transparente debajo de las ruedas. [11] Los primeros ejemplos del siglo XIX, ciclos de vapor y vehículos de tres ruedas en su mayoría, estaban en una sola habitación cerca de la entrada. La primera motocicleta producida en serie, y la primera motocicleta incluida en el catálogo de la exposición propiamente dicho, la Hildebrand & Wolfmüller de 1894, se encontraba fuera de la galería. [11] La exhibición también contó con una exhibición de películas, "La motocicleta en la pantalla", con el director de Easy Rider Dennis Hopper hablando, y clips de esa película, así como la película muda de Buster Keaton Sherlock Jr. , Andy Warhol 's Bike Boy , y el programa de televisión CHiPs . [10]
El año 1998 coincidió con el 50 aniversario de las motocicletas Honda , el 75 de las motocicletas BMW y el 95 de Harley-Davidson . [11] Cincuenta y cuatro colecciones prestaron motocicletas, [11] con el mayor número prestado por el Barber Vintage Motorsports Museum , [1] [2] y el Chandler Vintage Museum of Transportation and Wildlife . [3]
El interés de BMW en el mundo de las bellas artes no tenía precedentes, ya que esa empresa había experimentado encargando a artistas destacados que pintaran algunos de sus coches de carreras en la década de 1970, lo que llevó a que la colección, los BMW Art Cars , [19] se convirtiera en un proyecto en curso expuesto. en el Louvre , Museo Guggenheim Bilbao , y en 2009, en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y la Terminal Grand Central de Nueva York . [20] [21]
La exposición del Chicago Field Museum presentó 72 motocicletas de la colección original y agregó detalles como la cobertura del club de motociclismo de mujeres Motor Maids fundado después de la Segunda Guerra Mundial. Ese programa también agregó un paseo en motocicleta grupal participativo abierto a 2,000 ciclistas a un costo de US $ 50. [22]
Popularidad
La asistencia promedio fue un 45 por ciento más alta de lo normal, con más de 4.000 visitantes diarios, [15] y más de 5.000 personas al día visitando los fines de semana. [23] La asistencia total al museo de Nueva York fue de 301,037, la mayor en la historia del Guggenheim, [7] lo que provocó el espectáculo ad hoc en el Museo Field de Chicago, [13] donde se vendieron boletos anticipados por primera vez. [22] Ese espectáculo fue seguido por carreras en Guggenheim Bilbao y Guggenheim Las Vegas. El nombre The Art of the Motorcycle y algunos contenidos de medios asociados fueron posteriormente autorizados para espectáculos en Wonders: The Memphis International Cultural Series y el Museo de Arte de Orlando. [7] Muchas de las mismas bicicletas aparecieron en estos lugares. La asistencia a la exposición de Chicago fue de 320.000, la más alta desde Los tesoros de Tutankamón dos décadas antes. [7] La asistencia al siguiente lugar, Bilbao, fue de más de 3/4 millones, y en Las Vegas, más de 250,000, lo que hace que la asistencia total de la gira se encuentre entre las 5 mejores exposiciones de un museo. [7] Muchos de los asistentes atraídos por estos espectáculos nunca antes habían estado en un museo. [13] Las copias del lujoso catálogo en color de gran formato de 427 páginas de la exposición superaron en ventas a cualquier catálogo de museo hasta el momento, [24] con más de 250.000 copias impresas en 2005. [7]
Contexto histórico
En 1969, Thomas Hoving causó sensación al comienzo de su carrera como director del Museo Metropolitano de Arte [25] con una exposición de gran éxito "Harlem on My Mind", que presenta el arte de los afroamericanos previamente pasado por alto en Harlem, Nueva York y fue golpeado por críticas de muchos sectores. Independientemente de los juicios finales que se hicieran sobre esa muestra, el impacto de la exhibición del museo de arte extravagante y mediático a gran escala se había sentido ampliamente en el mundo de los museos. Hoving continuaría con una exitosa carrera como director del Met que alcanzaría un punto alto con el espectáculo aún más grande The Treasures of Tutankhamon , estableciendo récords de asistencia que aún no se han roto. [26] A Hoving se le atribuye el mérito de haber inventado el populismo de los museos modernos en su espectáculo King Tut. [15]
Otras tendencias también estaban en juego, con una sucesión de controversias de los museos públicos sobre el arte impactante que se remontaba a los años sesenta, pero que llegaron a un punto crítico en los años ochenta y noventa con batallas por el arte financiadas por la Fundación Nacional de las Artes de EE. UU. (NEA) . Las luchas por la financiación de espectáculos de Robert Mapplethorpe y otros trazaron amargas líneas de batalla, con la mayoría de los artistas, directores de museos, propietarios de galerías y críticos haciendo fila para defender la libre expresión y la financiación pública del arte sin restricciones de contenido. Los opositores a este arte generalmente se enfocaban en cortar la financiación y desalojar el arte ofensivo de los espacios públicos, pero también había un lado positivo en sus argumentos, que la financiación adecuada del arte estaba en el sector privado y que el arte podía atraer con éxito financiación privada. por definición merece ser mostrado. [26] Jacob Weisberg de Slate vio los esfuerzos de directores como Krens para impulsar la desbordante asistencia a los museos, a costa de mostrar algo más que, en opinión de Weistberg, arte real, como una demostración de que no son una institución elitista, una respuesta directa. y capitulación, a los ataques conservadores a los museos y la NEA para espectáculos como el de Mapplethorpe. [15]
Fue en 1989 y 1990, una década antes de El arte de la motocicleta , que la exposición El momento perfecto de Mapplethorpe fue acosada de un lugar a otro por conservadores indignados. Fue en este punto cuando también artista de performance Karen Finley fue denegado financiación NEA, y Andrés Serrano 's Piss Christ se convirtió en otro centro de la controversia. [26] La década de 1990 vio una victoria tras otra para el movimiento conservador en el arte público y los museos. [29] La economía estaba en auge, y figuras tan coloridas como Malcolm Forbes , cuyo "Capitalist Tools Motorcycle Club" recorrió lugares exóticos celebrando tanto la riqueza como el amor por las motocicletas finas, sentían y expresaban una especie de optimismo .
En el verano de 1999, el Museo de Brooklyn se enfrentó al entonces alcalde de Nueva York, Rudolph Giuliani, por la exposición "Sensation", acusado de presentar arte sexual y religiosamente ofensivo. Frente a todo esto, y a la serie de batallas en la guerra cultural estadounidense , El arte de la motocicleta se mantuvo como un contrapunto, y posiblemente la marca de agua para el otro tipo de exhibición de museo: no ofensiva, no exclusiva, pero dando la bienvenida a la sensibilidad del público en general. Las personas que estaban desconcertadas e irritadas por el arte moderno y posmoderno podrían sentirse bien con este espectáculo. La financiación, mientras los críticos lloraban mal, era privada. El espectáculo, por naturaleza, fue consentido directamente por quienes pagaban las facturas, en lugar de los contribuyentes pasivos, y tenía como objetivo mantener feliz a la audiencia, en lugar de incitar la ira con, digamos, banderas estadounidenses metidas en los inodoros, como se había hecho en uno. famosa exhibición del museo décadas antes. [26]
Una década después de la inauguración de The Art of the Motorcycle , Thomas Krens se ha apartado de la primera posición en el Guggenheim. [30] Holland Cotter del New York Times ha declarado muerta la exitosa exhibición, víctima de una economía débil que no puede permitirse un exceso tan caro, aunque esto fue positivo, sugiriendo un papel nuevo y exuberante para los artistas independientes y lugares más pequeños. [31]
Recepción de la crítica
La reacción a la exposición provino de dos campos distintos de críticos, y pocos tenían puntos de vista de ambos. Un campo rechazó la idea misma de El arte de la motocicleta , ya que no tenía nada que ver con las máquinas que se exhibían en el Guggenheim o la forma en que Thomas Krens las exhibía, ni con su forma de financiar tal espectáculo. El otro campo aceptó en principio que tal muestra era aceptable, como arte, o al menos como tema para un museo como el Guggenheim, y desde esa base formó una serie de opiniones sobre la calidad de la muestra en sí.
Condena total
La exposición fue condenada rotundamente por algunos críticos de arte y comentaristas sociales que rechazaron la existencia misma de una exposición de motocicletas en el Guggenheim. [14] Lo vieron como un fracaso del museo en llevar a cabo su papel social como líder y educador de la comprensión del arte por parte del público. En lugar de guiar a las masas hacia obras que tal vez no hubieran considerado o no conocieran, El arte de la motocicleta les mostró cosas con las que ya estaban familiarizados y que ya les gustaban; en otras palabras, complacer al mínimo común denominador dando a las personas más de lo que querían y nada de lo que necesitaban. En la medida en que la exposición respondió a deseos distintos de los que hicieron sentir bien al público, el Guggenheim estaba atendiendo las necesidades de marketing de los patrocinadores de la feria, en particular de BMW. Vieron cómo una gran institución cultural se alquilaba como sala de exposiciones para una simple feria comercial. [27]
En su libro The Future of Freedom , el periodista y autor Fareed Zakaria argumentó que la exhibición de motocicletas del Guggenheim y otros espectáculos populistas eran indicativos de la caída de la civilización estadounidense en general, debido al debilitamiento de los centros tradicionales de autoridad y liderazgo intelectual. [32] Zakaria escribe que "los trucos de Thomas Krens son extravagantes y a menudo eclipsan el arte en sí", [33] y que el objetivo no es hacer que el público mire el arte de todos modos, sino solo llevarlo al museo. Si bien no rechazar ese trabajo moderna y comercial que debe incluirse en muestras de arte moderno, Zakaria dice, con la nueva república 's Jed Perl, que el espectáculo no puede 'definir un estilo o periodo' y en lugar de meramente loros gusto actual, dando al público validación. Debido a la relación excesivamente dependiente con BMW, el espectáculo está impulsado por criterios no estéticos y es demasiado políticamente correcto y no controvertido. Zakaria continúa señalando que, de hecho, el Guggenheim abandonó los planes para un espectáculo "Picasso y la Edad de Hierro" porque era demasiado anticuado para atraer un patrocinador, y que BMW rechazó una solicitud para patrocinar un espectáculo ". Obras maestras de Munich "porque Munich no es sexy. [34]
Zakaria equipara la sensualidad y el entusiasmo con la popularidad, que genera ganancias, lo que apunta a una conexión entre la democratización y la mercantilización. Esto significa que la gente tomará malas decisiones estéticas, [35] en lugar de contar con un liderazgo informado y estéticamente sólido por parte de árbitros aristocráticos del gusto cuya riqueza los libera de motivos ocultos, lo que les permite llevar a un público reacio a un arte quizás desafiante y desagradable, eso, sin embargo, es bueno para ellos. [36]
Estos recelos se cimentaron para muchos cuando el Guggenheim siguió unos meses después con un homenaje al diseñador de moda Giorgio Armani en un desfile cuya financiación era aún más sospechosa. Armani había prometido 15 millones de dólares a la Fundación Guggenheim y parecía ser recompensado de una manera quid pro quo con un golpe de marketing acrítico e injustificado en uno de los lugares más prestigiosos de Nueva York.
Jeremy Packer describió este tipo de crítica como un ataque ad hominem al motociclista estereotipado al servicio de una "línea de defensa de retaguardia" de los valores culturales y estéticos occidentales, percibida como invadida por los "espiritualmente pobres, sobreexpuestos y loco." [13] Dicha crítica fue reprendida por el columnista del Washington Post Geneva Overholser como "tontería polvorienta", una reacción que arrastra los pies al progreso, en la que algunos críticos denunciaban hipócritamente obras populares en público mientras, en privado, disfrutaban secretamente de la mayor accesibilidad y relevancia. eso estaba atrayendo grandes multitudes, en beneficio tanto de los museos como del público. [14] El curador y director del Guggenheim, Thomas Krens, defendió la premisa del programa diciendo: "No podemos centrarnos demasiado en Monet y el minimalismo. Tenemos que mantener la vitalidad intelectual de la institución aguda, y creo que las bicicletas lo hacen. Varían el ritmo del museo y despiertan tu curiosidad sobre cuál podría ser la próxima muestra. Esta muestra no está destinada a ser un pulgar de la nariz en el arte ". [12]
El crítico de Newsweek , Peter Plagens, defendió las motocicletas como arte argumentando que, "así como los aviones aerodinámicos son simples y aerodinámicos, una motocicleta, que logra equilibrar un motor y un asiento entre dos ruedas, tiene una integridad mecánica, con tuberías y cadenas entrelazadas. y resortes, que es fascinante de contemplar ", comparando la estética con las esculturas minimalistas y modernistas de Brâncuși . Los clientes no deben sentirse culpables por divertirse, porque no todas las visitas a un museo deben ser soportadas como duras pruebas de superación personal. [12]
Crítica de contenido
Entre los críticos que aceptaron la premisa del espectáculo y la legitimidad de las motocicletas bajo el techo del Guggenheim, dado que los museos han incluido exposiciones de diseño antes y han mostrado, por ejemplo, cuencos utilitarios o carros antiguos como arte, [12] [28] muchos todavía tenían recelos sobre la forma en que se financió. [10] Si bien agradeció la innovadora dirección del museo de Thomas Krens, The New York Times reflexionó que "uno no puede evitar preguntarse qué fue primero, la idea de la exposición o la comprensión de que el dinero [de BMW] estaría disponible para tal un espectáculo." [28] Varias veces el Guggenheim respondió a los críticos de la participación de BMW marcando el número total de Harley-Davidson y Hondas, que eran más grandes que los BMW incluidos. Pero se sugirió que incluso en eso, se mostraron BMW que no eran lo suficientemente importantes como para estar presentes.
En cuanto al contenido, se recibió con interés el concepto de que la motocicleta podría servir de metáfora del siglo XX, pero algunos se preguntaron si el reclamo se cumplía por la apariencia de las motocicletas elegidas y la forma en que fueron presentadas. Las motocicletas mostradas, al menos, "ilustraron la tecnología y el gusto a medida que evolucionaron juntos en el siglo XX, que es un tema básico del arte moderno". [28] Si bien hubo muchos que elogiaron el diseño sobrio de Frank Gehry, con solo el acero inoxidable reflectante y una serie de palabras concisas en las paredes detrás de las bicicletas para evocar la década de la que provenían, [37] otros vieron esto como algo superficial o un no ofrecer toda la información que podría tener el programa. [ cita requerida ]
Parte del texto fue criticado como frívolo, y la conexión entre el contexto social e histórico y los diseños de motocicletas producidos a partir de eso quedó sin explicar. [ cita requerida ] Packer sostiene que esta "palabra de moda acerca del contexto obliga al espectador a llenar los espacios en blanco, y también revela hasta qué punto la exhibición del museo se basa en la afirmación de un vínculo naturalizado entre la cultura esencializada [38] y los artefactos que se dice que emanan de él ", por lo que El arte de la motocicleta estaba construyendo la ilusión de que los motociclistas son una subcultura monolítica en lugar de ser diferentes tipos de motociclistas que tienen" numerosas relaciones con el motociclismo ". [13]
Packer también sostiene que "la lógica progresista y desarrollista se sustentaba en el orden cronológico" de las exhibiciones mismas, con la imagen limpia y productiva del miembro del establecimiento de los motociclistas que se encuentra al final de la progresión. [13]
Jim McCraw, del New York Times, se mostró satisfecho de que "todas las grandes motos del siglo XX están representadas", y el catálogo es "impresionante en su profundidad, amplitud y propósito, digno de varias visitas para los ávidos motociclistas". Sin embargo, McCraw señaló las siguientes omisiones: la Suzuki RE5 con motor Wankel , la Honda CBX1000 de 6 cilindros en línea (en su lugar se incluyó la menos popular pero anterior Benelli 750 Sei ), cualquiera de las motocicletas japonesas con turbocompresor de las décadas de 1980 y 1990, las más populares del mundo. La motocicleta más rápida en el cuarto de milla en ese momento, la Yamaha R1 , la motocicleta con mayor velocidad máxima en ese momento, la Honda CBR1100XX , y ninguna motocicleta de la policía . [11] James Hyde de Art in America señaló la omisión del Moto Guzzi V8 . [27]
Jacob Weisberg, de Slate , encontró que 114 motocicletas en el catálogo eran demasiadas y demasiado aburridas para los no aficionados a las motocicletas. En contraste con críticos como Zakaria, Perl y Hilton Kramer , que quieren que los museos desafíen y eduquen al público con un arte difícil como el expresionismo abstracto , que puede requerir un poco de tarea para aprender a gustar, Weisberg se quejó de que la información que acompañaba a las exhibiciones de motocicletas era demasiado técnico y desconcertante para los que no tienen engranajes, y se habla de cojinetes autoalineables, relaciones de compresión y cámaras de combustión casi hemisféricas. Es decir, escribió, "el enfoque es de diseño-técnico más que de diseño-estético o de diseño-cultural", y por lo tanto no logró argumentar que el diseño industrial es algo más que el "hijastro de las bellas artes" y que "el la fertilización cruzada de lo alto y lo pop es una parte importante de la historia del modernismo artístico ". [15]
La selección de motocicletas fue abrumadoramente occidental, y en su mayoría se limitó a motocicletas del mercado estadounidense, y en su mayoría de gama alta, dejando de lado los ejemplos utilitarios. [27] Un scooter está presente y una motocicleta verdaderamente para las masas, la Honda Super Cub . [ cita requerida ] El hecho de que las motocicletas son el medio de transporte número uno en muchos países como Malasia e Indonesia, [39] [40] y, por lo tanto, son fundamentales para la vida de la mayoría de la población mundial fue completamente ignorado por The Art of the Motocicleta , y se hizo poca mención del contexto de diseño de la creación de motocicletas para este mercado. Se pasaron por alto los usos creativos de las motocicletas en el mundo en desarrollo, como el tuk tuk y vehículos similares. [27] Incluso el papel fundamental que desempeñaban las motocicletas como transporte utilitario antes de la llegada del Ford Modelo T quedó en gran parte fuera. [ cita requerida ] En cambio, el motociclismo fue visto a través de la lente del estadounidense de finales del siglo XX: una forma de recreación y, sobre todo, una forma de autoexpresión. Hubo críticos, como Michael Kimmelman de The New York Times , quien, de manera un tanto lúdica, compartió este punto de vista centrado en Estados Unidos, en el sentido de que "las motocicletas son frívolas para empezar: se trata de irresponsabilidad, de no conformarse, de obtener de distancia. O al menos se trata de abrazar la imagen del inconformismo ". [28]
Legado
En el año siguiente a la inauguración de la exposición de motocicletas Guggenheim, el Museo Metropolitano de Arte presentó Rock Style , con trajes de interpretación musical, patrocinado por Tommy Hilfiger , Condé Nast Publications y Estée Lauder Companies , [41] visto por Michael de The Guardian . Ellison como interdependencia corporativa-museo similar a las exposiciones de BMW y Armani en el Guggenheim. Además de recorrer sus Art Cars en varios museos, BMW ha seguido encontrando nuevas formas de ser un actor importante en las artes, de acuerdo con sus objetivos de marketing, por ejemplo, en la "Serie BMW Performance" de 2006 con música de jazz y cineastas negros. , todos dirigidos abiertamente a los compradores de automóviles negros. [42]
Después de la exhibición de Las Vegas, se presentaron versiones derivadas de El arte de la motocicleta en Wonders: The Memphis International Cultural Series y Orlando Museum of Art . El concurso Legend of the Motorcycle se inspiró en parte en el éxito de la exposición del Guggenheim. Un grupo de famosos actores de cine, amigos del "consumado showman" Thomas Krens [23] se autodenominaron "Guggenheim Motorcycle Club" y participaron en motocicletas en diversas aventuras en España y otros lugares. [43] [44] El evento MotoStars 2008 del Museo Salón de la Fama de la Motocicleta , diseñado para "ir aún más lejos" que los espectáculos de Guggenheim, estuvo anclado por apariciones de celebridades e incluyó a Krens y al co-curador Charles Falco . [45] [46] Una próxima exposición en la Galería Nacional de las Bermudas , inspirada en El arte de la motocicleta , utilizará el concepto idéntico de la motocicleta como "posible metáfora del siglo XX". [47] El curador de la Galería Regional Penrith se inspiró en parte en el éxito de los Krens en la ciudad de Nueva York para crear el 2009 Born To Be Wild: The Motorcycle In Australia , un examen de la motocicleta en el arte contemporáneo. [48]
Ver también
- Lista de motocicletas en la exposición El arte de la motocicleta
- Esquema de motocicletas y motociclismo
Notas
- ↑ a b Patton (2003)
- ^ a b c Albertson
- ↑ a b Edwards (2007)
- ^ a b Exposiciones anteriores | El arte de la motocicleta (Museo Solomon R. Guggenheim) , Fundación Solomon R. Guggenheim, 2009
- ↑ Guggenheim Bilbao Museoa (2009)
- ^ Exposiciones pasadas | El arte de la motocicleta (Guggenheim Las Vegas) , Fundación Solomon R. Guggenheim, 2009
- ^ a b c d e f Falco
- ↑ Se mostraban alrededor de 19 motocicletas anteriores al siglo XX en Nueva York junto con las 95 en el catálogo oficial, totalizando 114 según la mayoría de las cuentas. Algunos medios de comunicación dieron diferentes informes sobre el recuento exacto (desde 105 hasta 140). Las exposiciones posteriores en otros lugares hicieron sustituciones, adiciones y eliminaciones de la colección original.
- ^ a b Sawetz. "El arte de la motocicleta está comisariado por Thomas Krens, director de la Fundación Solomon R. Guggenheim, con la ayuda de un equipo de expertos: los asesores curatoriales Ultan Guilfoyle del Museo Solomon Guggenheim y el profesor de física de la Universidad de Arizona Charles Falco; exposición co -ordinador Manon Slome, y el Departamento Curatorial del Museo Guggenheim Bilbao Las obras expuestas son cedidas por el Barber Vintage Motorsport Museum, el Munich Deutsches Museum, el Otis Chandler Museum of Transportation and Wildlife, entre otros. reúne motos reconocidas por su extraordinario diseño y su innovador uso de la tecnología ".
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- ↑ a b c d e Kimmelman (1998)
- ^ Plagens (1998) "Y en una sociedad donde el clima político desalienta la financiación pública de instituciones culturales 'elitistas', los museos están pensando más en la taquilla. Así que ahora están vendiendo entradas a los amantes de las bicicletas. ¿No se supone que la 'diversidad'? ser algo bueno en Estados Unidos? "
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- ^ Zakaria (2004) págs. 220
- ^ Zakaria (2004) págs. 216
- ^ McCraw (1998) "La presentación es simple, directa y ordenada. No hay rieles, cables o cordones entre el espectador y las motocicletas. [...] Las paredes son completamente blancas y desnudas, con la excepción de un histórico anuncio de ubicación al comienzo de cada sección, y hay mucha luz sobre los temas.
Gehry y sus colegas podrían haber cubierto las paredes con imágenes fijas de películas, publicidad y carteles, pero no lo hicieron, y la exposición es mejor para él. Estos están en otros lugares, montados en vitrinas a lo largo de los rieles de las pasarelas ". - ↑ Sahlins (1993) esencializó la cultura: una herencia supuestamente inmutable, protegida de la impugnación de una verdadera existencia social.
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Referencias
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