De Wikipedia, la enciclopedia libre
Saltar a navegación Saltar a búsqueda
"Kandinsky" vuelve a dirigir aquí. Para otros usos, vea Kandinsky (desambiguación) .

En este nombre eslavo oriental , el patronímico es Wassilyevich y el apellido es Kandinsky .
Wassily Kandinsky
Vassily-Kandinsky.jpeg
Kandinsky, c.  1913 o antes
Nació
Wassily Wassilyevich Kandinsky

16 de diciembre [ OS 4 de diciembre] 1866
Moscú , Imperio Ruso
Fallecido13 de diciembre de 1944 (13/12/1944)(77 años)
Neuilly-sur-Seine , Francia
NacionalidadRuso, luego francés
EducaciónAcademia de Bellas Artes de Múnich
Conocido porPintura
Trabajo notableSobre blanco II , Der Blaue Reiter
MovimientoExpresionismo ; arte abstracto

Wassily Kandinsky Wassilyevich ( / ˌ v æ s ɪ l i k æ n d ɪ n s k i / ; ruso: Василий Васильевич Кандинский , tr. Vasiliy Vasilyevich Kandinskiy , IPA:  [vɐsʲilʲɪj vɐsʲilʲjɪvʲɪtɕ kɐnʲdʲinskʲɪj] , 16 de diciembre [de OS 4 de diciembre de ] 1866-13 de diciembre de 1944) fue un pintor y teórico del arte ruso. A Kandinsky se le atribuye generalmente el mérito de ser el pionero del arte abstracto . [1] Nacido en Moscú, Kandinsky pasó su infancia enOdessa (hoy Ucrania), donde se graduó en la escuela de arte Grekov Odessa . Se matriculó en la Universidad de Moscú , estudiando derecho y economía. Exitoso en su profesión —le ofrecieron una cátedra (cátedra de Derecho Romano ) en la Universidad de Dorpat (hoy Tartu, Estonia) —Kandinsky comenzó sus estudios de pintura (dibujo, dibujo y anatomía) a la edad de 30 años.

En 1896, Kandinsky se instaló en Munich , estudiando primero en la escuela privada de Anton Ažbe y luego en la Academia de Bellas Artes . Regresó a Moscú en 1914, después del estallido de la Primera Guerra Mundial. Después de la Revolución Rusa , Kandinsky "se convirtió en un miembro de la administración cultural de Anatoly Lunacharsky " [2] y ayudó a establecer el Museo de la Cultura de la Pintura. [3] Sin embargo, para entonces "su perspectiva espiritual ... era ajena al materialismo argumentativo de la sociedad soviética", [4] y las oportunidades lo atraían en Alemania, a la que regresó en 1920. Allí enseñó en la Bauhaus.Escuela de arte y arquitectura desde 1922 hasta que los nazis la cerraron en 1933. Luego se trasladó a Francia, donde vivió el resto de su vida, se convirtió en ciudadano francés en 1939 y produjo algunas de sus obras de arte más destacadas. Murió en Neuilly-sur-Seine en 1944, apenas tres días antes de cumplir 78 años.

Periodos artísticos [ editar ]

La creación de obras abstractas de Kandinsky siguió un largo período de desarrollo y maduración de un pensamiento intenso basado en sus experiencias artísticas. Llamó a esta devoción a la belleza interior , fervor de espíritu y deseo espiritual necesidad interior ; [5] fue un aspecto central de su arte.

Juventud e inspiración (1866-1896) [ editar ]

Puerto de Odessa (1898)

Kandinsky nació en Moscú, hijo de Lidia Ticheeva y Vasily Silvestrovich Kandinsky, un comerciante de té. [6] [7] Una de sus bisabuelas fue la princesa Gantimurova , una princesa de Mongolia. [ cita requerida ] Kandinsky aprendió de una variedad de fuentes mientras estaba en Moscú. Estudió muchos campos mientras estaba en la escuela, incluidos derecho y economía. Más adelante en la vida, recordaría estar fascinado y estimulado por el color cuando era niño. Su fascinación por el simbolismo del color y la psicología continuó a medida que crecía. En 1889, formó parte de un grupo de investigación etnográfica que viajó a la región de Vologda al norte de Moscú. En miradas al pasado, relata que las casas e iglesias estaban decoradas con colores tan brillantes que al entrar en ellas sintió que se estaba moviendo hacia una pintura. Esta experiencia, y su estudio del arte popular de la región (particularmente el uso de colores brillantes sobre un fondo oscuro), se reflejó en gran parte de sus primeros trabajos. Unos años más tarde, comparó por primera vez la pintura con la composición de música en la forma en que se haría conocido, escribiendo: "El color es el teclado, los ojos son los martillos, el alma es el piano con muchas cuerdas. El artista es la mano que toca, tocando una tecla u otra, para provocar vibraciones en el alma ". [8] Kandinsky también era tío del filósofo franco-ruso Alexandre Kojève (1902-1968).

En 1896, a la edad de 30 años, Kandinsky renunció a una prometedora carrera como profesor de derecho y economía para inscribirse en la Academia de Munich, donde sus maestros eventualmente incluirían a Franz von Stuck . [9] No se le concedió la admisión de inmediato y comenzó a aprender arte por su cuenta. Ese mismo año, antes de salir de Moscú, vio una exposición de pinturas de Monet . Le cautivó especialmente el estilo impresionista de Haystacks ; esto, para él, tenía un poderoso sentido del color casi independiente de los objetos mismos. Más tarde, escribiría sobre esta experiencia:

El catálogo me informó que era un pajar. No pude reconocerlo. Este no reconocimiento fue doloroso para mí. Consideré que el pintor no tenía derecho a pintar indistintamente. Sentí débilmente que faltaba el objeto de la pintura. Y noté con sorpresa y confusión que la imagen no solo me cautivó, sino que se grabó irremediablemente en mi memoria. La pintura adquirió un poder y un esplendor de cuento de hadas. [10]

-  Wassily Kandinsky

Kandinsky fue influenciado de manera similar durante este periodo por Richard Wagner 's Lohengrin , que se sentía, empujó los límites de la música y la melodía más allá de lirismo estándar. [11] También fue influenciado espiritualmente por Madame Blavatsky (1831-1891), la exponente más conocida de la teosofía . La teoría teosófica postula que la creación es una progresión geométrica que comienza con un solo punto. El aspecto creativo de la forma se expresa mediante una serie descendente de círculos, triángulos y cuadrados. El libro de Kandinsky Concerning the Spiritual in Art (1910) y Point and Line to Plane (1926) se hizo eco de este principio teosófico. Ilustraciones de John Varley en Thought-Forms(1901) lo influyó visualmente. [12]

Metamorfosis [ editar ]

Munich-Schwabing con la Iglesia de Santa Úrsula (1908)

En el verano de 1902, Kandinsky invitó a Gabriele Münter a unirse a él en sus clases de pintura de verano al sur de Munich en los Alpes. Ella aceptó y su relación se volvió más personal que profesional. La escuela de arte, generalmente considerada difícil, fue fácil para Kandinsky. Fue durante este tiempo que comenzó a emerger como teórico del arte además de como pintor. El número de sus pinturas existentes aumentó a principios del siglo XX; queda mucho de los paisajes y ciudades que pintó, utilizando amplias franjas de color y formas reconocibles. Sin embargo, en su mayor parte, las pinturas de Kandinsky no presentaban ninguna figura humana; una excepción es el domingo, antigua Rusia(1904), en el que Kandinsky recrea una vista muy colorida (y fantasiosa) de campesinos y nobles frente a las murallas de una ciudad. Pareja a caballo (1907) representa a un hombre a caballo, sosteniendo a una mujer con ternura y cuidado mientras pasan por una ciudad rusa con paredes luminosas a través de un río azul. El caballo se calla mientras las hojas de los árboles, el pueblo y los reflejos del río brillan con manchas de color y brillo. Este trabajo demuestra la influencia del puntillismo en la forma en que la profundidad de campo se colapsa en una superficie plana y luminiscente. El fauvismo también es evidente en estos primeros trabajos. Los colores se utilizan para expresar la experiencia de Kandinsky del tema, no para describir la naturaleza objetiva.

El jinete azul (1903)

Quizás la más importante de sus pinturas de la primera década del siglo XX fue El jinete azul (1903), que muestra una pequeña figura envuelta en una capa sobre un caballo que corre a toda velocidad por un prado rocoso. La capa del jinete es azul medio, que proyecta una sombra azul más oscura. En primer plano hay sombras azules más amorfas, las contrapartes de los árboles otoñales en el fondo. El jinete azul en la pintura es prominente (pero no claramente definido), y el caballo tiene un andar antinatural (que Kandinsky debe haber conocido). Algunos historiadores del arte creen [ cita requerida ]que el jinete sostiene una segunda figura (tal vez un niño), aunque puede ser otra sombra del jinete solitario. Esta disyunción intencional, que permite a los espectadores participar en la creación de la obra de arte, se convirtió en una técnica cada vez más consciente utilizada por Kandinsky en los años siguientes; culminó en las obras abstractas del período 1911-1914. En The Blue Rider , Kandinsky muestra al ciclista más como una serie de colores que en detalles específicos. Esta pintura no es excepcional en ese sentido en comparación con los pintores contemporáneos, pero muestra la dirección que Kandinsky tomaría solo unos años después.

De 1906 a 1908, Kandinsky pasó mucho tiempo viajando por Europa (era socio del grupo simbolista Blue Rose de Moscú), hasta que se instaló en la pequeña ciudad bávara de Murnau . En 1908 compró una copia de Thought-Forms de Annie Besant y Charles Webster Leadbeater . En 1909 se unió a la Sociedad Teosófica. La montaña azul(1908-1909) fue pintado en esta época, lo que demuestra su tendencia hacia la abstracción. Una montaña azul está flanqueada por dos árboles anchos, uno amarillo y otro rojo. Una procesión, con tres jinetes y varios más, cruza al pie. Los rostros, la ropa y las sillas de los jinetes son de un solo color, y ni ellos ni las figuras que caminan muestran ningún detalle real. Los planos y los contornos también son indicativos de la influencia fauvista. El amplio uso del color en La montaña azul ilustra la inclinación de Kandinsky hacia un arte en el que el color se presenta independientemente de la forma y en el que cada color recibe la misma atención. La composición es más plana; la pintura se divide en cuatro secciones: el cielo, el árbol rojo, el árbol amarillo y la montaña azul con los tres jinetes.

  • Akhtyrka , 1901, Lenbachhaus , Kunstarealm, Múnich

  • Domingo (ruso antiguo) , 1904, Museo Boijmans Van Beuningen , Rotterdam

  • Pareja a caballo , 1906-07, Lenbachhaus , Múnich

  • Blue Mountain , 1908–09, Solomon R. Guggenheim Museum , Nueva York

  • Casas en Munich , 1908, Museo Von der Heydt , Wuppertal

  • Murnau, tren y castillo , 1909, Lenbachhaus , Munich

Período del jinete azul (1911-1914) [ editar ]

Véase también: Der Blaue Reiter
Wassily Kandinsky, 1910, Paisaje con chimenea de fábrica , óleo sobre lienzo, 66,2 cm × 82 cm (26,1 × 32,3 pulg.), Solomon R. Guggenheim Museum

Las pinturas de Kandinsky de este período son grandes masas de colores expresivas evaluadas independientemente de las formas y líneas; éstos ya no sirven para delimitarlos, sino que se superponen libremente para formar pinturas de extraordinaria fuerza. La música fue importante para el nacimiento del arte abstracto, ya que la música es abstracta por naturaleza: no intenta representar el mundo exterior, sino que expresa de manera inmediata los sentimientos internos del alma. Kandinsky a veces usaba términos musicales para identificar sus obras; llamó a sus pinturas más espontáneas "improvisaciones" y describió las obras más elaboradas como "composiciones".

Además de la pintura, Kandinsky fue un teórico del arte; su influencia en la historia del arte occidental proviene quizás más de sus trabajos teóricos que de sus pinturas. Ayudó a fundar la Neue Künstlervereinigung München (Asociación de Nuevos Artistas de Múnich), convirtiéndose en su presidente en 1909. Sin embargo, el grupo no pudo integrar el enfoque radical de Kandinsky (y otros) con conceptos artísticos convencionales y el grupo se disolvió a finales de 1911. Kandinsky luego formó un nuevo grupo, el Blue Rider ( Der Blaue Reiter ) con artistas de ideas afines como August Macke , Franz Marc , Albert Bloch y Gabriele Münter . El grupo publicó un almanaque (The Blue Rider Almanac ) y celebró dos exposiciones. Se planearon más de cada uno, pero el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 puso fin a estos planes y envió a Kandinsky de regreso a Rusia a través de Suiza y Suecia .

Improvisación 27 (Garden of Love II) , 1912, óleo sobre lienzo, 120,3 cm × 140,3 cm (47,4 × 55,2 pulg.), Metropolitan Museum of Art , Nueva York. Exhibido en el Armory Show de 1913

Sus escritos en The Blue Rider Almanac y el tratado "Sobre lo espiritual en el arte" (que se publicó en 1910) fueron tanto una defensa y promoción del arte abstracto como una afirmación de que todas las formas de arte eran igualmente capaces de alcanzar un nivel de espiritualidad. . Creía que el color podía usarse en una pintura como algo autónomo, aparte de la descripción visual de un objeto u otra forma.

Estas ideas tuvieron un impacto internacional casi inmediato, particularmente en el mundo de habla inglesa. [13] Ya en 1912, On the Spiritual in Art fue revisado por Michael Sadleir en Art News, con sede en Londres . [14] El interés por Kandinsky creció rápidamente cuando Sadleir publicó una traducción al Inglés de lo espiritual en el arte en 1914. Extractos del libro fueron publicados ese año en Percy Wyndham Lewis 's periódica explosiva , y Alfred Orage ' semanal en un periódico cultural, s La Nueva Envejecer. Sin embargo, Kandinsky había recibido algún aviso antes en Gran Bretaña; en 1910, participó en la Exposición de Artistas Aliados (organizada por Frank Rutter ) en el Royal Albert Hall de Londres . Esto dio lugar a que su trabajo fuera objeto de elogios en una reseña de ese espectáculo del artista Spencer Frederick Gore en The Art News . [15]

El interés de Sadleir en Kandinsky también llevó a que las primeras obras de Kandinsky ingresaran en una colección de arte británica; El padre de Sadleir, Michael Sadler , adquirió varios grabados en madera y la pintura abstracta Fragmento para Composición VII en 1913 después de una visita de padre e hijo para reunirse con Kandinsky en Munich ese año. Estas obras se exhibieron en Leeds , ya sea en la Universidad o en las instalaciones del Leeds Arts Club , entre 1913 y 1923. [16]

  • Primera acuarela abstracta sin título , 1910

  • La vaca , 1910, Lenbachhaus , Munich

  • Estudio de improvisación V , 1910

  • Lírica , 1911

  • Paisaje con dos álamos , 1912

  • Paisaje con manchas rojas, No 2 , 1913

  • Cuadrados con círculos concéntricos , 1913

  • Composición 6 , 1913

  • Pintura con una mancha roja , 1914

Regreso a Rusia (1914-1921) [ editar ]

In Grey (1919) de Kandinsky, exhibido en la XIX Exposición Estatal, Moscú, 1920

El sol derrite todo Moscú en un solo lugar que, como una tuba loca, hace vibrar todo el corazón y toda el alma. Pero no, esta uniformidad de rojo no es la hora más bonita. Es sólo el acorde final de una sinfonía que lleva todos los colores al cenit de la vida que, como el fortissimo de una gran orquesta, es a la vez obligado y permitido por Moscú sonar.

-  Wassily Kandinsky [17]

En 1916, conoció a Nina Andreevskaya (1899-1980), con quien se casó el 11 de febrero de 1917.

De 1918 a 1921, Kandinsky estuvo involucrado en la política cultural de Rusia y colaboró ​​en la educación artística y la reforma de los museos. Pintó poco durante este período, pero dedicó su tiempo a la enseñanza artística, con un programa basado en el análisis de formas y colores; también ayudó a organizar el Instituto de Cultura Artística de Moscú, del que fue el primer director. Su visión espiritual y expresionista del arte fue finalmente rechazada por los miembros radicales del Instituto por considerarla demasiado individualista y burguesa. En 1921, Kandinsky fue invitado a viajar a Alemania para asistir a la Bauhaus de Weimar por su fundador, el arquitecto Walter Gropius .

De vuelta en Alemania y la Bauhaus (1922-1933) [ editar ]

Amarillo-rojo-azul , 1925, Musée National d'Art Moderne , París

En mayo de 1922, asistió al Congreso Internacional de Artistas Progresistas y firmó la "Proclamación de Fundación de la Unión de Artistas Internacionales Progresistas". [18]

Kandinsky impartió la clase de diseño básico para principiantes y el curso de teoría avanzada en la Bauhaus ; también impartió clases de pintura y un taller en el que amplió su teoría del color con nuevos elementos de la psicología de las formas. El desarrollo de sus trabajos sobre el estudio de las formas, particularmente sobre los puntos y las formas de las líneas, condujo a la publicación de su segundo libro teórico ( Point and Line to Plane ) en 1926. Sus exámenes de los efectos de las fuerzas en las líneas rectas, que tonos de líneas curvas y angulosas, coincidió con la investigación de los psicólogos de la Gestalt, cuyo trabajo también fue discutido en la Bauhaus. [19]Los elementos geométricos adquirieron una importancia creciente tanto en su enseñanza como en su pintura, en particular el círculo, el semicírculo, el ángulo, las líneas rectas y las curvas. Este período fue intensamente productivo. Esta libertad se caracteriza en sus obras por el tratamiento de planos ricos en colores y gradaciones —como en Amarillo - rojo - azul (1925), donde Kandinsky ilustra su distancia con los movimientos constructivistas y suprematistas influyentes en la época.

El amarillo - rojo - azul (1925) de dos metros de ancho (6 pies 7 pulgadas ) de varias formas principales: un rectángulo amarillo vertical, una cruz roja inclinada y un gran círculo azul oscuro; una multitud de líneas negras rectas (o sinuosas), arcos circulares, círculos monocromáticos y tableros de ajedrez de colores dispersos contribuyen a su delicada complejidad. Esta simple identificación visual de las formas y las principales masas coloreadas presentes en el lienzo es solo un primer acercamiento a la realidad interna de la obra, cuya apreciación requiere una observación más profunda, no solo de las formas y colores involucrados en la pintura, sino de su relación, su absoluto. y posiciones relativas en el lienzo y su armonía.

Kandinsky fue uno de Die Blaue Vier (Blue Four), formado en 1923 con Paul Klee , Lyonel Feininger y Alexej von Jawlensky , que dio conferencias y expuso en los Estados Unidos en 1924. Debido a la hostilidad de la derecha, la Bauhaus abandonó Weimar y se instaló en Dessau en 1925. Tras una campaña de desprestigio nazi, la Bauhaus abandonó Dessau en 1932 hacia Berlín , hasta su disolución en julio de 1933. Kandinsky abandonó Alemania y se instaló en París .

  • Pequeños mundos I , 1922, Galería Nacional de Dinamarca , Copenhague [20]

  • Sobre blanco II , 1923, Centre Pompidou , París

  • Círculos en un círculo , 1923, Museo de Arte de Filadelfia, Filadelfia

  • Varios círculos , 1926, Museo Solomon R. Guggenheim , Ciudad de Nueva York

  • Suavemente duro , 1927

  • Alianza Interior , 1929, Albertina , Viena

Gran síntesis (1934-1944) [ editar ]

Viviendo en un apartamento en París, Kandinsky creó su trabajo en un estudio en la sala de estar. En sus pinturas aparecen formas biomórficas con contornos flexibles y no geométricos, formas que sugieren organismos microscópicos pero que expresan la vida interior del artista. Kandinsky utilizó composiciones de colores originales, evocando el arte popular eslavo. Ocasionalmente, también mezclaba arena con pintura para dar una textura granular y rústica a sus pinturas.

Este período corresponde a una síntesis del trabajo previo de Kandinsky en el que utilizó todos los elementos, enriqueciéndolos. En 1936 y 1939 pintó sus dos últimas composiciones principales, el tipo de lienzos elaborados que no había producido durante muchos años. La composición IX tiene diagonales potentes y muy contrastadas, cuya forma central da la impresión de un embrión en el útero. Pequeños cuadrados de colores y bandas de colores se destacan sobre el fondo negro de la Composición X como fragmentos de estrellas (o filamentos ), mientras que enigmáticos jeroglíficoscon tonos pastel cubren una gran masa granate que parece flotar en la esquina superior izquierda del lienzo. En la obra de Kandinsky algunas características son obvias, mientras que ciertos toques son más discretos y velados; se revelan sólo progresivamente a quienes profundizan su conexión con su obra. [21] Tenía la intención de que sus formas (que armonizó y colocó sutilmente) resonaran con el alma del observador.

  • Marrón con suplemento , 1935, Museo Boijmans Van Beuningen , Rotterdam

  • Composición IX , 1936, Musée national d'art moderne , París

  • Composición X , 1939, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen , Düsseldorf

  • Varias acciones , 1941, Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York

  • Círculo y Plaza , 1943, Musée national d'art moderne , París

La concepción del arte de Kandinsky [ editar ]

Artículo principal: Lista de pinturas de Wassily Kandinsky

El artista como profeta [ editar ]

Composición VII , Galería Tretyakov . Según Kandinsky, esta es la pieza más compleja que jamás pintó (1913)

Escribiendo que "la música es el maestro supremo", [22] Kandinsky se embarcó en las primeras siete de sus diez Composiciones . Los primeros tres sobreviven solo en fotografías en blanco y negro tomadas por su colega artista y amiga Gabriele Münter . Si bien existen estudios, bocetos e improvisaciones (particularmente de Composición II ), una incursión nazi en la Bauhaus en la década de 1930 resultó en la confiscación de las tres primeras Composiciones de Kandinsky . Se exhibieron en la exhibición patrocinada por el estado " Arte degenerado ", y luego se destruyeron (junto con obras de Paul Klee , Franz Marc y otros artistas modernos).

Fascinado por la escatología cristiana y la percepción de una Nueva Era venidera, [23] un tema común entre las primeras siete Composiciones de Kandinsky es el apocalipsis (el fin del mundo tal como lo conocemos). Al escribir sobre el "artista como profeta" en su libro Concerning the Spiritual in Art , Kandinsky creó pinturas en los años inmediatamente anteriores a la Primera Guerra Mundial que mostraban un cataclismo que se avecinaba y que alteraría la realidad individual y social. Teniendo una creencia devota en el cristianismo ortodoxo , [24] Kandinsky se basó en las historias bíblicas del Arca de Noé , Jonás y la ballena, la resurrección de Cristo , lacuatro jinetes del Apocalipsis en el libro de Apocalipsis , los cuentos populares rusos y las experiencias mitológicas comunes de la muerte y el renacimiento. Sin intentar nunca imaginar ninguna de estas historias como narrativa, usó sus imágenes veladas como símbolos de los arquetipos de muerte, renacimiento y destrucción, creación que sentía eran inminentes en el mundo anterior a la Primera Guerra Mundial .

Como afirmó en Concerning the Spiritual in Art (ver más abajo), Kandinsky sintió que un artista auténtico que crea arte a partir de "una necesidad interna" habita en la punta de una pirámide que se mueve hacia arriba. Esta pirámide progresiva está penetrando y avanzando hacia el futuro. Lo que ayer era extraño o inconcebible, hoy es un lugar común; lo que hoy es vanguardia (y sólo lo entienden unos pocos) es de conocimiento común mañana. El artista-profeta moderno está solo en la cúspide de la pirámide, haciendo nuevos descubrimientos y marcando el comienzo de la realidad del mañana. Kandinsky estaba al tanto de los desarrollos científicos recientes y de los avances de los artistas modernos que habían contribuido a formas radicalmente nuevas de ver y experimentar el mundo.

La composición IV y las pinturas posteriores se ocupan principalmente de evocar una resonancia espiritual en el espectador y el artista. Como en su pintura del Apocalipsis por el agua ( Composición VI ), Kandinsky coloca al espectador en la situación de experimentar estos mitos épicos al traducirlos a términos contemporáneos (con una sensación de desesperación, agitación, urgencia y confusión). Esta comunión espiritual de espectador-pintor-artista / profeta puede describirse dentro de los límites de las palabras y las imágenes.

Teórico artístico y espiritual [ editar ]

Composición VI (1913)

Como indican los ensayos de Der Blaue Reiter Almanac y la teorización con el compositor Arnold Schoenberg , Kandinsky también expresó la comunión entre artista y espectador como algo disponible tanto para los sentidos como para la mente ( sinestesia ). Al escuchar tonos y acordes mientras pintaba, Kandinsky teorizó que (por ejemplo), el amarillo es el color del Do medio en una trompeta de metal; el negro es el color del cierre y el final de las cosas; y que las combinaciones de colores producen frecuencias vibratorias, similares a los acordes tocados en un piano. En 1871, el joven Kandinsky aprendió a tocar el piano y el violonchelo. [25] [26]

Kandinsky también desarrolló una teoría de las figuras geométricas y sus relaciones, afirmando, por ejemplo, que el círculo es la forma más pacífica y representa el alma humana. Estas teorías se explican en Punto y línea a plano (ver más abajo).

El legendario diseño escénico de Kandinsky para una interpretación de " Cuadros en una exposición " de Mussorgsky ilustra su concepto sinestésico de una correspondencia universal de formas, colores y sonidos musicales. [27] En 1928 en el teatro de Dessau, Wassily Kandinsky realizó la producción teatral de "Cuadros en una exposición". En 2015, los diseños originales de los elementos del escenario fueron animados con tecnología de video moderna y sincronizados con la música de acuerdo con las notas preparatorias de Kandinsky y el guión del director de Felix Klee.

En otro episodio con Münter durante los años del expresionismo abstracto bávaro , Kandinsky estaba trabajando en su Composición VI . Tras casi seis meses de estudio y preparación, tenía la intención de que la obra evocara un diluvio, un bautismo, una destrucción y un renacimiento simultáneamente. Después de delinear el trabajo en un panel de madera del tamaño de un mural, se bloqueó y no pudo continuar. Münter le dijo que estaba atrapado en su intelecto y que no llegaba al verdadero sujeto de la imagen. Ella sugirió que simplemente repitiera la palabra uberflut ("diluvio" o "inundación") y se concentrara en su sonido más que en su significado. Repitiendo esta palabra como un mantra, Kandinsky pintó y completó la monumental obra en un lapso de tres días. [ cita requerida ]

Escritos teóricos sobre arte [ editar ]

Los análisis de Kandinsky sobre formas y colores no son el resultado de asociaciones de ideas simples y arbitrarias, sino de la experiencia interior del pintor. Pasó años creando pinturas abstractas , sensorialmente ricas, trabajando con la forma y el color, observando incansablemente sus propias pinturas y las de otros artistas, notando sus efectos en su sentido del color. [28] Esta experiencia subjetiva es algo que cualquiera puede hacer, no observaciones científicas objetivas sino internas subjetivas, lo que el filósofo francés Michel Henry llama "subjetividad absoluta" o la " vida fenomenológica absoluta ". [29]

Sobre lo espiritual en el arte [ editar ]

Publicado en Munich en 1911, el texto de Kandinsky, Über das Geistige in der Kunst , define tres tipos de pintura; impresiones , improvisaciones y composiciones . Mientras que las impresiones se basan en una realidad externa que sirve de punto de partida, las improvisaciones y composiciones representan imágenes emergentes del inconsciente, aunque la composición se desarrolla desde un punto de vista más formal. [30] Kandinsky compara la vida espiritual de la humanidad con una pirámide.—El artista tiene la misión de llevar a otros a la cima con su trabajo. El punto de la pirámide son esos pocos grandes artistas. Es una pirámide espiritual que avanza y asciende lentamente aunque a veces parezca inmóvil. Durante los períodos de decadencia, el alma se hunde hasta el fondo de la pirámide; la humanidad busca sólo el éxito externo, ignorando las fuerzas espirituales. [31]

Los colores en la paleta del pintor evocan un doble efecto: un efecto puramente físico en el ojo que queda encantado con la belleza de los colores, similar a la impresión de alegría cuando comemos un manjar. Este efecto puede ser mucho más profundo, sin embargo, provocando una vibración del alma o una "resonancia interior", un efecto espiritual en el que el color toca el alma misma. [32]

La "necesidad interior" es, para Kandinsky, el principio del arte y la base de las formas y la armonía de los colores. Lo define como el principio del contacto eficaz de la forma con el alma humana. [33] Toda forma es la delimitación de una superficie por otra; posee un contenido interior, el efecto que produce en quien lo mira con atención. [34] Esta necesidad interior es el derecho del artista a una libertad ilimitada, pero esta libertad se convierte en licencia si no se basa en tal necesidad. [35] El arte nace de la necesidad interior del artista de una manera enigmática y mística a través de la cual adquiere una vida autónoma; se convierte en un sujeto independiente, animado por un soplo espiritual. [36]

Las propiedades obvias que podemos ver cuando miramos un color aislado y lo dejamos actuar solo, por un lado está la calidez o frialdad del tono del color, y por el otro lado está la claridad u oscuridad de ese tono. [37] El calor es una tendencia hacia el amarillo y la frialdad una tendencia hacia el azul; el amarillo y el azul forman el primer gran contraste dinámico. [38] El amarillo tiene un movimiento excéntrico y el azul un movimiento concéntrico ; una superficie amarilla parece acercarse a nosotros, mientras que una superficie azul parece alejarse. [39] El amarillo es un color típicamente terrestre, cuya violencia puede ser dolorosa y agresiva. [40] El azul es un color celestial que evoca una calma profunda. [41]La combinación de azul y amarillo produce una total inmovilidad y calma, que es verde. [42]

La claridad es una tendencia hacia el blanco y la oscuridad es una tendencia hacia el negro. El blanco y el negro forman el segundo gran contraste, que es estático. [39] El blanco es un silencio profundo, absoluto, lleno de posibilidades. [43] El negro es la nada sin posibilidad, un silencio eterno sin esperanza, y se corresponde con la muerte. Cualquier otro color resuena fuertemente en sus vecinos. [44] La mezcla de blanco con negro conduce al gris, que no posee fuerza activa y cuya tonalidad es cercana a la del verde. El gris corresponde a la inmovilidad sin esperanza; tiende a desesperarse cuando oscurece, recuperando poca esperanza cuando se aclara. [45]

El rojo es un color cálido, vivo y agitado; es contundente, un movimiento en sí mismo. [45] Mezclado con negro se vuelve marrón, un color duro. [46] Mezclado con amarillo, gana en calor y se vuelve naranja, lo que imparte un movimiento irradiante en su entorno. [47] Cuando el rojo se mezcla con el azul, se aleja del hombre para convertirse en púrpura, que es un rojo frío. [48] ​​El rojo y el verde forman el tercer gran contraste, y el naranja y el púrpura el cuarto. [49]

Punto y línea a plano [ editar ]

Puntos , 1920, 110,3 cm × 91,8 cm (43,4 pulgadas × 36,1 pulgadas), Museo de Arte de Ohara

En sus escritos, publicados en Munich por Verlag Albert Langen en 1926, Kandinsky analizó los elementos geométricos que componen cada pintura: el punto y la línea. Llamó al soporte físico y a la superficie material sobre la que el artista dibuja o pinta el plano básico , o BP. [50] No los analizó objetivamente, sino desde el punto de vista de su efecto interno sobre el observador. [51]

Un punto es un poco de color que el artista pone en el lienzo. No es un punto geométrico ni una abstracción matemática; es extensión, forma y color. Esta forma puede ser un cuadrado, un triángulo, un círculo, una estrella o algo más complejo. El punto es la forma más concisa pero, según su ubicación en el plano básico, tomará una tonalidad diferente. Puede aislarse o resonar con otros puntos o líneas. [52]

Una línea es el producto de una fuerza que se ha aplicado en una dirección determinada: la fuerza que el artista ejerce sobre el lápiz o el pincel. Las formas lineales producidas pueden ser de varios tipos: una línea recta, que resulta de una fuerza única aplicada en una sola dirección; una línea angular , resultante de la alternancia de dos fuerzas en diferentes direcciones, o una línea curva (o en forma de onda ), producida por el efecto de dos fuerzas que actúan simultáneamente. Un plano puede obtenerse por condensación (a partir de una línea girada alrededor de uno de sus extremos). [53] El efecto subjetivo producido por una línea depende de su orientación: una horizontalla línea se corresponde con el suelo sobre el que descansa y se mueve el hombre; posee una tonalidad afectiva oscura y fría similar al negro o al azul. Una línea vertical se corresponde con la altura y no ofrece soporte; posee una tonalidad cálida y luminosa cercana al blanco y al amarillo. Una diagonal posee una tonalidad más o menos cálida (o fría), según su inclinación hacia la horizontal o la vertical. [54]

Una fuerza que se despliega, sin obstáculos, como corresponde al lirismo la que produce una línea recta ; varias fuerzas que se enfrentan (o se molestan) forman un drama . [55] El ángulo formado por la línea angular también tiene una sonoridad interior que es cálida y cercana al amarillo para un ángulo agudo (un triángulo), frío y similar al azul para un ángulo obtuso (un círculo) y similar al rojo para un ángulo obtuso (un círculo). un ángulo recto (un cuadrado). [56]

El plano básico es, en general, rectangular o cuadrado. Por tanto, se compone de líneas horizontales y verticales que la delimitan y la definen como una entidad autónoma que sostiene la pintura, comunicando su tonalidad afectiva. Esta tonalidad está determinada por la importancia relativa de las líneas horizontales y verticales: las horizontales dan una tonalidad tranquila y fría al plano básico, mientras que las verticales imparten una tonalidad tranquila y cálida. [57] El artista intuye el efecto interior del formato y las dimensiones del lienzo, que elige según la tonalidad que quiere dar a su obra. Kandinsky consideró el plano básico un ser vivo, que el artista "fertiliza" y siente "respirar". [58]

Cada parte del plano básico posee una coloración afectiva; esto influye en la tonalidad de los elementos pictóricos que se dibujarán en él y contribuye a la riqueza de la composición resultante de su yuxtaposición sobre el lienzo. Lo superior del plano básico se corresponde con la holgura y la ligereza, mientras que el inferior evoca condensación y pesadez. El trabajo del pintor es escuchar y conocer estos efectos para producir cuadros que no son solo el efecto de un proceso aleatorio, sino el fruto de un trabajo auténtico y el resultado de un esfuerzo hacia la belleza interior. [59]

Este libro contiene muchos ejemplos fotográficos y dibujos de las obras de Kandinsky que ofrecen la demostración de sus observaciones teóricas, y que permiten al lector reproducir en él la obviedad interior siempre que se tome el tiempo de mirar esas imágenes con cuidado, que las deje actuando sobre su propia sensibilidad y que dejó vibrar las cuerdas sensibles y espirituales de su alma. [60]

Información miscelánea [ editar ]

Mercado del arte [ editar ]

En 2012, Christie's subastó Studie für Improvisation 8 (Estudio de improvisación 8) de Kandinsky , una vista de 1909 de un hombre empuñando una espada en un pueblo de colores del arco iris, por $ 23 millones. La pintura había estado prestada al Kunstmuseum Winterthur , Suiza, desde 1960 y fue vendida a un coleccionista europeo por la Fundación Volkart, el brazo benéfico de la firma suiza de comercio de productos básicos Volkart Brothers. Antes de esta venta, el último récord del artista se estableció en 1990 cuando Sotheby's vendió su Fugue (1914) por $ 20,9 millones. [61] El 16 de noviembre de 2016, Christie's subastó Rigide et courbé (rígido y doblado) de Kandinsky, una gran pintura abstracta de 1935, por $ 23,3 millones, un nuevo récord para Kandinsky. [62] [63] Solomon R. Guggenheim originalmente compró la pintura directamente al artista en 1936, pero no se exhibió después de 1949, y luego fue vendida en una subasta a un coleccionista privado en 1964 por el Museo Solomon R. Guggenheim . [63]

En la cultura popular [ editar ]

La obra de 1990 Seis grados de separación se refiere a una pintura de "Kandinsky de doble cara". [64] No se sabe que exista tal pintura; en la versión cinematográfica de 1993 de la obra , la pintura de doble cara se presenta con la pintura de 1913 de Kandinsky Black Lines en un lado y su pintura de 1926 Varios círculos en el otro. [sesenta y cinco]

La película de 1999 Double Jeopardy hace numerosas referencias a Kandinsky, y una pieza suya, Sketch , ocupa un lugar destacado en la trama. La protagonista, Elizabeth Parsons (Ashley Judd), utiliza la entrada de registro para el trabajo de localizar a su marido bajo su nuevo alias. En la película también aparecen dos variaciones de la portada del almanaque de Blue Rider . [66]

En 2014, Google conmemoró el 148 cumpleaños de Kandinsky con un Doodle de Google basado en sus pinturas abstractas . [67] [68]

En la película de 2015 El viaje más largo hay una historia dentro de la historia que cuenta sobre Ruth e Ira. Ruth está interesada en el arte y visitan el Black Mountain College donde Ruth le cuenta a Ira sobre Kandinski, quien vino y rompió todas las leyes de la disciplina.

En 2014 se publicó una biografía en un libro de imágenes titulado The Noisy Paint Box: Los colores y sonidos del arte abstracto de Kandinsky. Sus ilustraciones de Mary GrandPre le valieron un Caldecott Honor 2015 .

Su nieto fue el profesor y escritor de musicología Aleksey Ivanovich Kandinsky (1918-2000), cuya carrera se centró y se centró en Rusia. [69] [70]

Exposiciones [ editar ]

El Museo Solomon R. Guggenheim celebró una gran retrospectiva del trabajo de Kandinsky de 2009 a 2010, llamada Kandinsky . [71] En 2017, se exhibió una selección del trabajo de Kandinsky en el Guggenheim, " Visionarios: Creando un Guggenheim moderno ". [72]

La Colección Phillips en Washington, DC, llevó a cabo una exhibición del 11 de junio al 4 de septiembre de 2011, llamada ″ Kandinsky y la armonía del silencio ″, que presenta ″ Pintura con borde blanco ″ y sus estudios preparatorios. [73]

Arte saqueado por los nazis [ editar ]

En 2013, la familia Lewenstein presentó una demanda para la restitución de la Pintura con casas de Kandinsky en poder del Museo Stedelijk. [74] [75] En 2020, un tribunal de Ámsterdam dictaminó el miércoles que el Museo Stedelijk podría retener la pintura de la colección judía Lewenstein, a pesar del robo nazi, lo que provocó un escándalo en el que dos miembros de la comisión dimitieron. [76] [77]

Ver también [ editar ]

  • Bibliothèque Kandinsky
  • Goethe 's teoría de los colores
  • Kandinsky y la Teosofía
  • Premio Kandinsky
  • Lista de artistas rusos
  • Vanguardia rusa
  • Silla Wassily

Referencias [ editar ]

Nota: Varias secciones de este artículo han sido traducidas de su versión francesa: Escritos teóricos sobre el arte , La Bauhaus y La gran síntesis de los períodos artísticos. Para referencias completas y detalladas en francés, consulte la versión original en fr: Vassily Kandinsky .

Notas [ editar ]

  1. ^ Voss, Julia (20 de mayo de 2013). "¿El primer artista abstracto? (Y no es Kandinsky)" . Tate Etc. (27). Reino Unido: Tate . Consultado el 31 de enero de 2019 .
  2. ^ Lindsay, Kenneth; Vergo, Peter (1994). Kandinsky: Escritos completos sobre arte . Nueva York: Da Capo Press. ISBN 9780306805707.
  3. ^ Lindsay, Kenneth; Vergo, Peter (1994). Kandinsky: Escritos completos sobre arte. Nueva York: Da Capo Press.
  4. ^ Lindsay, Kenneth y Peter Vergo. "Introducción". Kandinsky: Escritos completos sobre arte. Nueva York: Da Capo Press, 1994.
  5. ↑ ASHMORE, JEROME (1962). "El lado teórico de Kandinsky" . Crítica . 4 (3): 175-185. ISSN 0011-1589 . JSTOR 23091068 .  
  6. ^ Liukkonen, Petri. "Wassily Kandinsky" . Libros y escritores (kirjasto.sci.fi) . Finlandia: Biblioteca Pública de Kuusankoski . Archivado desde el original el 26 de febrero de 2015.
  7. ^ Düchting, Hajo; Kandinsky, Wassily (2000). Wassily Kandinsky 1866-1944: una revolución en la pintura . ISBN 978-3-8228-5982-7. Consultado el 4 de junio de 2013 .
  8. ^ Kandinsky, Wassily (1911). Sobre lo espiritual en el arte . traducido por Michael TH Sadler (2004). Editorial Kessinger. pag. 32. ISBN 978-1-4191-1377-2.
  9. ^ Düchting, Hajo (2000). Wassily Kandinsky, 1866-1944: una revolución en la pintura . Taschen. pag. 94. ISBN 3822859826.
  10. ^ Lindsay, Kenneth C. (1982). Kandinsky: Escritos completos sobre arte . GK Hall & Co. pág. 363.
  11. ^ Kandinsky, Wassily (1955). Ruckblick . Baden-Baden: Woldemar Klein Verlag. pag. 12.
  12. ^ Sixten Ringbom , El cosmos que suena; un estudio sobre el espiritualismo de Kandinsky y la génesis de la pintura abstracta, (Abo [Finlandia]: Abo Akademi, 1970), págs. 89 y 148a.
  13. ^ Ver Michael Paraskos, "Expresionismo inglés", Tesis de MRes, Universidad de Leeds, Leeds 1997, p103f
  14. ↑ Michael Sadleir, Review of Uber da Geistige an der Kunst por Wassily Kandinsky, en "The Art News", 9 de marzo de 1912, p.45.
  15. ^ Spencer Frederick Gore, "Exposición de artistas aliados en el Royal Albert Hall (Londres)", en "The Art News", 4 de agosto de 1910, p.254.
  16. ^ Tom Steele, "Alfred Orage y el Leeds Arts Club 1893-1923" (Mitcham, Orage Press, 2009) 218f
  17. ^ Kandinsky, por Hajo Duchting, Taschen , 2007,pág.7.
  18. ^ van Doesburg, Theo. "De Stijl," Breve reseña de las actas [del Congreso de artistas progresistas internacionales], seguida de las declaraciones de los grupos de artistas "(1922)" . modernistarchitecture.wordpress.com . Ross Lawrence Wolfe . Consultado el 30 de noviembre de 2018 .
  19. ^ Düchting, Hajo (2013). Kandinsky . Taschen. pag. 68. ISBN 978-3-8365-3146-7.
  20. ^ https://open.smk.dk/en/artwork/image/KKS13672/1?q=Wassily%20Kandinsky&page=2
  21. ^ Michel Henry, Ver lo invisible, sobre Kandinsky , Continuum, 2009, p. 38-45 (La revelación de la pictorialidad).
  22. ^ "Wassily Kandinsky - Cotizaciones" . www.wassilykandinsky.net . Consultado el 17 de septiembre de 2016 .
  23. ^ Rabinovich, Yakov. "Kandinsky: maestro de las artes místicas" .
  24. ^ "El grupo Bauhaus: seis maestros del modernismo" . Columbia College Today .
  25. ^ François Le Targat, Kandinsky , serie de maestros del siglo XX, Random House Incorporated, 1987, p. 7, ISBN 0847808106 
  26. ^ Susan B. Hirschfeld, Museo Solomon R. Guggenheim, Fundación Hilla von Rebay, Acuarelas de Kandinsky en el Museo Guggenheim: una selección del Museo Solomon R. Guggenheim y la Fundación Hilla von Rebay , 1991.
  27. ^ Fiedler, Jeannine (2013). Bauhaus . Alemania: hfullmann publishing GmbH. pag. 262. ISBN 978-3-8480-0275-7.
  28. ^ Michel Henry, Ver lo invisible, sobre Kandinsky , Continuum, 2009, p. 5-11.
  29. ^ Michel Henry, Ver lo invisible, sobre Kandinsky , Continuum, 2009, p. 27.
  30. ^ "Vassily Kandinsky" . mediation.centrepompidou.fr .
  31. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 61-75.
  32. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, págs. 105-107.
  33. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 112 y 118.
  34. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 118.
  35. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 199.
  36. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 197.
  37. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 142.
  38. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 142-143.
  39. ^ a b Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 143.
  40. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 148.
  41. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, págs. 149-150.
  42. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 150-154.
  43. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 155.
  44. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 156.
  45. ^ a b Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 157.
  46. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 160.
  47. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 162.
  48. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, págs. 162-163.
  49. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, págs. 163-164.
  50. ^ Kandinsky, Point et ligne sur plan , éd. Gallimard, 1991, pág. 143.
  51. ↑ Kandinsky, Du spirituel dans l'art , éd. Denoël, 1989, pág. 45: "Les idées que je développe ici sont le résultat d'observations et d'expériences intérieures" subjetividades de pureza c'est-à-dire. Cela vaut également pour Point et ligne sur plan qui en est "le développement organique" (avant-propos de la première édition, éd. Gallimard, 1991, p. 9).
  52. ^ Kandinsky, Point et ligne sur plan , éd. Gallimard, 1991, pág. 25-63.
  53. ^ Kandinsky, Point et ligne sur plan , éd. Gallimard, 1991, pág. 67-71.
  54. ^ Kandinsky, Point et ligne sur plan , éd. Gallimard, 1991, pág. 69-70.
  55. ^ Kandinsky, Point et ligne sur plan , éd. Gallimard, 1991, págs. 80–82.
  56. ^ Kandinsky, Point et ligne sur plan , éd. Gallimard, 1991, pág. 89.
  57. ^ Kandinsky, Point et ligne sur plan , éd. Gallimard, 1991, pág. 143-145.
  58. ^ Kandinsky, Point et ligne sur plan , éd. Gallimard, 1991, pág. 145-146.
  59. ^ Kandinsky, Point et ligne sur plan , éd. Gallimard, 1991, pág. 146-151.
  60. ^ Kandinsky, Point et ligne sur plan , éd. Gallimard, 1991, Apéndice, pág. 185-235.
  61. ^ Kelly Crow (7 de noviembre de 2012), Christie's vende a Monet por 43,8 millones de dólares en Wall Street Journal .
  62. ^ "Monet se vende por $ 81,4 M., un nuevo récord, en $ 246,3 M. Venta de Imp-Mod de Christie" . ARTnews . 17 de noviembre de 2016 . Consultado el 12 de febrero de 2017 .
  63. ↑ a b Pobric, Pac (15 de septiembre de 2016). "Vuelve a subasta el cuadro de Kandinsky comprado directamente al artista por Solomon Guggenheim" . El periódico de arte . Archivado desde el original el 12 de febrero de 2017 . Consultado el 12 de febrero de 2017 .
  64. ^ "PELÍCULA; para fingir bien en el set, vale la pena ser genuino" . 16 de mayo de 1993.
  65. ^ Schulman, Michael (10 de abril de 2017). "Arte moderno de Allison Janney" . The New Yorker . 17 de abril de 2017 . Consultado el 2 de julio de 2020 .
  66. ^ "Pinturas en películas - Double Jeopardy" . pinturasinmovies.com . Consultado el 25 de octubre de 2020 .
  67. ^ Wyatt, Margarita. "148.º cumpleaños de Wassily Kandinsky: ¿Por qué se celebra al pintor en un Doodle de Google?" . The Independent . Consultado el 16 de diciembre de 2014 .
  68. ^ "Google Doodle - 148 cumpleaños de Kandinsky" . Consultado el 16 de diciembre de 2014 .
  69. ^ * Yelena Sorokina. "Kandinsky, Aleksey Ivanovich", Grove Music Online ed. L. Macy (consultado el 11 de octubre de 2015), (acceso por suscripción)
  70. ^ "Кандинский Алексей Иванович" (en ruso). Conservatorio de Moscú . Consultado el 19 de noviembre de 2015 .
  71. ^ Smith, Roberta (17 de septiembre de 2009). "El ángel en la arquitectura" . The New York Times . ISSN 0362-4331 . Consultado el 16 de febrero de 2017 . 
  72. ^ "Visionarios: creación de un Guggenheim moderno" . Guggenheim. 11 de julio de 2016 . Consultado el 16 de febrero de 2017 .
  73. ^ "Kandinsky y la armonía del silencio | La colección Phillips" . www.phillipscollection.org .
  74. ^ "1 de noviembre de 2018: Decisión de restitución holandesa re Kandinsky 'Pintura con casas:' El interés del reclamante en la restitución no supera el interés del [Museo] en retener la obra ' " . www.lootedart.com . Consultado el 24 de marzo de 2021 .
  75. ^ "Una familia judía vendió este cuadro de Kandinsky para sobrevivir a los nazis. Amsterdam se lo queda de todos modos" . www.lootedart.com . Consultado el 24 de marzo de 2021 .
  76. ^ "Tribunal holandés dictamina contra herederos judíos en reclamo de trabajo de Kandinsky" . www.lootedart.com . Consultado el 24 de marzo de 2021 .
  77. ^ " " La recuperación es más que devolver un objeto. " " . www.lootedart.com . Consultado el 24 de marzo de 2021 . La ciudad de Amsterdam compró las obras de Kandinsky que fueron robadas por los alemanes en una subasta en octubre de 1940, solo seis meses después de que comenzara la ocupación. De Volkskrant espera reconsiderar la cuestión de devolver la pintura después de la decisión del gobierno del viernes. Antes del robo nazi, la pintura era propiedad de Hedwig Loewenstein-Feigerman, quien la heredó de su esposo, el coleccionista de arte judío Emmanuel Albert Lowenstein, que había sido propietario de la pintura desde 1923.

Libros de Kandinsky [ editar ]

  • Wassily Kandinsky, MT Sadler (Traductor), Adrian Glew (Editor). Sobre lo espiritual en el arte . (Nueva York: MFA Publications y Londres: Tate Publishing, 2001). 192pp. ISBN 0-87846-702-5 
  • Wassily Kandinsky, MT Sadler (Traductor). Sobre lo espiritual en el arte . Dover Publ. (Libro de bolsillo). 80 págs.  ISBN 0-486-23411-8 . o: Lightning Source Inc Publ. (Libro de bolsillo). ISBN 1-4191-1377-1  
  • Wassily Kandinsky. Klänge . Verlag R. Piper & Co., Múnich
  • Wassily Kandinsky. Punto y línea a plano . Publicaciones de Dover, Nueva York. ISBN 0-486-23808-3 
  • Wassily Kandinsky. Kandinsky, Escritos completos sobre arte . Prensa Da Capo. ISBN 0-306-80570-7 

Referencias en inglés [ editar ]

  • Ulrike Becks-Malorny. Wassily Kandinsky 1866-1944: El viaje a la abstracción (Taschen, 2007). ISBN 978-3-8228-3564-7 
  • John E. Bowlt y Rose-Carol Washton Long, eds. La vida de Vasilii Kandinsky en el arte ruso: un estudio de "Sobre lo espiritual en el arte" por Wassily Kandinsky . (Newtonville, MA: Oriental Research Partners, 1984). ISBN 0-89250-131-6 
  • Magdalena Dabrowski. Composiciones de Kandinsky . (Nueva York: Museo de Arte Moderno, 2002). ISBN 0-87070-405-2 
  • Esther da Costa Meyer, Fred Wasserman, eds. Schoenberg, Kandinsky, and the Blue Rider (Nueva York: The Jewish Museum y Londres: Scala Publishers Ltd, 2003). ISBN 1-85759-312-X 
  • Hajo Düchting. Wassily Kandinsky 1866-1944: una revolución en la pintura . (Taschen, 2000). ISBN 3-8228-5982-6 
  • Hajo Düchting. Wassily Kandinsky . (Prestel, 2008).
  • Sabine Flach. "A través del espejo", en Intellectual Birdhouse (Londres: Koenig Books, 2012). ISBN 978-3-86335-118-2 
  • Will Grohmann. Wassily Kandinsky: Vida y obra . (Nueva York: Harry N. Abrams, Inc., 1958).
  • Michel Henry . Viendo lo invisible: sobre Kandinsky (Continuum, 2009). ISBN 1-84706-447-7 
  • Thomas M. Messer. Vasily Kandinsky . (Nueva York: Harry N Abrams Inc, 1997). (Ilustrado). ISBN 0-8109-1228-7 . 
  • Margarita Tupitsyn. Contra Kandinsky (Munich: Museum Villa Stuck, 2006).
  • Annette y Luc Vezin. Kandinsky y el jinete azul (París: Pierre Terrail, 1992). ISBN 2-87939-043-5 
  • Julian Lloyd Webber. "Ver rojo, verse azul, sentirse verde" , The Daily Telegraph 6 de julio de 2006.
  • Peg Weiss. Kandinsky en Munich: The Formative Jugendstil Years (Princeton: Princeton University Press, 1979). ISBN 0-691-03934-8 

Referencias en francés [ editar ]

  • Michel Henry. Voir l'invisible. Sur Kandinsky (Presses Universitaires de France) ISBN 2-13-053887-8 
  • Nina Kandinsky. Kandinsky et moi (éd. Flammarion) ISBN 2-08-064013-5 
  • Jéléna Hahl-Fontaine. Kandinsky (Marc Vokar éditeur) ISBN 2-87012-006-0 
  • François le Targat. Kandinsky (ed. Albin Michel, les grands maîtres de l'art contemporain) ISBN 2-226-02830-7 
  • Kandinsky. Retrospectiva (Fundación Maeght) ISBN 2-900923-26-3 ISBN 2-900923-27-1   
  • Kandinsky. Œuvres de Vassily Kandinsky (1866-1944) (Centro Georges Pompidou) ISBN 2-85850-262-5 

Enlaces externos [ editar ]

  • Remake en video de la producción teatral de "Pictures at an Exhibition" de Kandinsky en 1928 en Dessau, 2015.
  • Documentos de Wassily Kandinsky, 1911-1940 . Instituto de Investigación Getty, Los Ángeles, California.
  • Discusión sobre amarillo, rojo y azul por Janina Ramirez y Marc Canham: Podcast de detective de arte, 19 de abril de 2017
  • El camino introspectivo de Kandinsky hacia la realidad abstracta
Escrito por Kandinsky
  • Obras de Wassily Kandinsky en Project Gutenberg
  • Obras de o sobre Wassily Kandinsky en Internet Archive
  • Obras de Wassily Kandinsky en LibriVox (audiolibros de dominio público)
  • "Sobre lo espiritual en el arte" . Archivos de Internet Guggenheim . Consultado el 25 de octubre de 2013 .
Video externo
icono de video Kandinsky, Improvisación 28 (segunda versión) , 1912 , Smarthistory
Pinturas de Kandinsky
  • Wassily Kandinsky en el Museo de Arte Moderno
  • Artcyclopedia.com , Wassily Kandinsky en ArtCyclopedia
  • Glyphs.com , composiciones de Kandinsky con comentarios
  • Wassilykandinsky.net - 500 pinturas, más de 60 fotos, biografía, citas, artículos