Alberto Burri (12 de marzo de 1915 - 13 de febrero de 1995; pronunciación italiana: [alˈbɛrto buˈri] ) fue un artista visual , pintor , escultor y médico italiano afincado en Città di Castello . Está asociado con el materialismo del movimiento artístico informal europeo y describió su estilo como polimaterialista. Tuvo conexiones con el espacialismo de Lucio Fontana y, con Antoni Tàpies , una influencia en el resurgimiento del arte del montaje de posguerra en América ( Robert Rauschenberg ) como en Europa.
Alberto Burri | |
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Nació | [1] | 12 de marzo de 1915
Fallecido | 13 de febrero de 1995 | (79 años)
Nacionalidad | italiano |
Conocido por | Pintura, Land art, escultura |
Trabajo notable | |
Movimiento | Fluxus , Nouveau réalisme , Arte Povera |
Esposos) | Minsa Craig ( m. 1955) |
Premios | Premio UNESCO en la Bienal de São Paulo (1959) Premio de la Crítica en la Bienal de Venecia (1960) Premio Marzotto (1964) Gran Premio en la Bienal de São Paulo (1965) Premio Feltrinelli de Artes Gráficas (1973) Título honorífico de la Universidad de Glasgow (1991) Legión de Honor (1993) Orden del Mérito de Italia (1994) |
Biografía
En la columna “Sobrevalorada y subestimada” publicada por la revista de arte estadounidense ARTnews , se menciona a menudo el nombre de Alberto Burri. Carolyn-Christov-Bakargiev hizo una mención sobre él, en el número de enero de 2005, por ejemplo. [2]
Si miras en revistas de la década de 1950, Burri compartía la misma plataforma con la mayoría de los expresionistas abstractos estadounidenses, pero por alguna razón ha caído en un olvido casi total. Burri es enormemente importante en esa posguerra e influyente a nivel internacional ... No creo que hubiera habido un Antoni Tàpies en España si no hubiera habido Burri. [3]
- Carolyn Christov-Bakargiev, 2005
1915-1940: primeros años
Alberto Burri nació el 12 de marzo de 1915, hijo de Pietro Burri, un comerciante de vinos toscano y Carolina Torreggiani, una maestra de primaria de Umbría . [4] Entre 1934 y 1939, asistió a la Universidad de Perugia , luego de graduarse de la escuela secundaria Annibale Mariotti, se matriculó en la facultad de medicina de la Universidad de la misma ciudad, graduándose el 12 de junio de 1940 con el título de doctor . y fue médico militar durante cuatro años en la Segunda Guerra Mundial . [5] Afirmó que estudió historia del arte, porque quería poder comprender las obras de arte que lo rodeaban. [6] También estudió griego, un idioma en el que llegó a ser competente y más tarde en su vida pudo leer y disfrutar de la literatura griega clásica. [7] Mientras estudiaba medicina, se especializó en medicina tropical y decidió trabajar en África. [8] Con una precoz experiencia voluntaria en la Guerra Italo-Etíope , Burri fue llamado al servicio militar el 12 de octubre de 1940, dos días después de la entrada de Italia en la Segunda Guerra Mundial , y enviado a Libia como médico de combate. [9] El 8 de mayo de 1943, la unidad de la que formaba parte fue capturada por los británicos en Túnez y luego entregada a los estadounidenses y trasladada a Hereford, Texas, en un campo de prisioneros de guerra que albergaba a unos 3000 oficiales italianos. [10] Después de que su unidad fuera capturada en el norte de África , fue internado en 1944 en un campo de prisioneros en Hereford, Texas , donde comenzó a pintar. Tras su liberación en 1946, se trasladó a Roma y se dedicó exclusivamente a la pintura ; su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería La Margherita en 1947. Luego expuso en la Galería Marlborough de Nueva York y en la Galería de Francia en París .
Impedido de ejercer su profesión médica, Burri tuvo la oportunidad de elegir una actividad de ocio gracias a la Asociación YMCA . Aprovechando la escasez de materiales disponibles en el campamento se embarcó en la actividad de la pintura, a la edad de casi 30 años y sin ningún tipo de referencia académica. [11] [12]
Mientras tanto, la trágica muerte de su hermano menor Vittorio en el frente ruso en 1943 tuvo un fuerte impacto en él. [13]
Aislándose del resto del mundo, y retratando temas figurativos sobre gruesas marcas cromáticas, se dio cuenta progresivamente del deseo de abandonar la profesión médica en favor de la pintura. [14] [a]
Pinturas
De la abstracción a la materia
Una vez que Burri regresó a Italia el 27 de febrero de 1946, su decisión chocó con la severa recesión posterior a la Segunda Guerra Mundial y la insatisfacción de sus padres. Se trasladó a Roma como invitado del violinista y compositor Annibale Bucchi, primo de su madre, quien fomentó su actividad como pintor. [15]
Mientras estuvo en Roma, tuvo la oportunidad de establecer contacto con las pocas pero muy activas instituciones dedicadas a la pintura, que estaban creando una nueva plataforma para las artes visuales después de la guerra. [dieciséis]
Siguió siendo un artista reservado, trabajando y creando sin cesar, inicialmente en un pequeño estudio en Via Margutta pero mudándose con frecuencia. De hecho, Milton Gendel , un periodista estadounidense que visitó el estudio de Burri en 1954, informó más tarde: " El estudio es de paredes gruesas, encalado, limpio y ascético; su trabajo es 'sangre y carne', tela rasgada enrojecida que parece ser paralelo al endurecimiento de las heridas que sufrió Burri en tiempos de guerra ". [17]
La primera exposición individual de obras de arte figurativo de Burri tuvo lugar el 10 de julio de 1947 en la galería-librería La Margherita, en Roma, presentada por los poetas Leonardo Sinisgalli y Libero De Libero. Sin embargo, la producción artística de Burri fluyó definitivamente hacia formas abstractas antes de finales del mismo año, el uso de temple de pequeño formato fruto de la influencia de artistas como Jean Dubuffet y Joan Miró , cuyo estudio fue visitado por Burri durante un viaje a París en el invierno de 1948. [18]
Tarros, mohos, jorobados
La investigación artística de Burri se hizo personal en poco tiempo, entre 1948 y 1950 comenzó a experimentar con el uso de materiales inusuales y 'poco ortodoxos' como alquitrán , arena , zinc , piedra pómez y polvo de aluminio así como cola de cloruro de polivinilo , siendo este último material elevado a la misma importancia que los colores al óleo. Durante esta transición artística, el pintor mostró su sensibilidad hacia el tipo de abstracción de técnica mixta de Enrico Prampolini , una figura central del arte abstracto italiano . Sin embargo, Burri dio un paso más en su Catrami (Tars), presentando el alquitrán no como un simple material de collage , sino como un color real que, a través de diferentes tonalidades lúcidas y opacas en el negro monocromático, se mimetiza con la totalidad del cuadro. . [19] [20] [21]
Su "Nero 1" de 1948 (Negro 1) fue posteriormente tomado por el artista como hito inicial de su pintura y estableció el predominio del monocromo negro, que se mantendrá como una identidad cercana a lo largo de su carrera, junto al blanco, desde Bianchi (Blancos) Serie 1949–50 y rojo.
La siguiente serie de Muffe (Moldes) presenta literalmente las reacciones espontáneas de los materiales empleados, permitiendo que la materia "cobre vida" en goteos y concreciones que reproducen los efectos y la apariencia del moho real . En algunas obras de la misma época a las que denominó Gobbi (Jorobados), Burri se centró en la interacción espacial de la pintura, logrando otro resultado original debido a la incorporación de ramas de árboles en la parte posterior del lienzo que empujaban la bidimensionalidad hacia el espacio tridimensional. . [22]
En 1949 el crítico Christian Zervos publicó la foto de un Catrame (expuesta en París el año anterior) en los reconocidos Cahiers d'art . [22]
A pesar de la afinidad de Burri con el informalismo y de su amistad con Ettore Colla, que acercó a Alberto al Gruppo Origine (fundado y disuelto en 1951 por el propio Colla, Mario Balocco y Giuseppe Capogrossi ), la búsqueda artística del pintor parecía cada vez más solitaria e independiente. [23]
Sacchi y el surgimiento estadounidense
A partir de 1952 Burri logró una fuerte caracterización personal con los Sacchi (Sacos), obras de arte obtenidas directamente de la tela de yute ampliamente distribuida por el Plan Marshall : el color desapareció casi por completo, dejando espacio para el material de la superficie para que la pintura coincidiera con su materia en su autonomía total, ya que no hubo más separación entre la superficie de la pintura y su forma. [24]
La elegancia artística formal y los equilibrios espaciales obtenidos a través de vapores aeroformados, cráteres, rasgaduras, capas de color superpuestas y diferentes formas, diferenciaron el arte de Burri, fundado en reflexiones atentas y cálculos precisos, de los gestos impulsivos que caracterizaron la pintura de acción durante el mismo período. [25]
Burri ofreció una vista inicial de estos elementos peculiares en 1949, con SZ1 (acrónimo de Sacco di Zucchero 1 que significa Saco de azúcar, 1): la presencia de una parte de la bandera estadounidense contenida en la obra de arte anticipó el uso del mismo tema realizado por el arte pop . En el caso de Burri, sin embargo, no hubo implicaciones sociales o simbólicas, siendo el equilibrio formal y cromático de la pintura el único foco real. [26]
Censura y éxito
Sacchi de Burri no ganó la comprensión del público y, en cambio, se consideró extremadamente lejos de la noción de arte. En 1952, año de su primera participación en la exposición de la Bienal de Venecia , los Sacos titulados Lo Strappo (The Rip) y Rattoppo (Patch) fueron rechazados. [27]
De nuevo, en 1959, una cuestión de orden del Parlamento italiano solicitó la retirada de una de las obras del pintor de la Galleria Nazionale d'Arte Moderna de Roma. [23]
La obra de Burri recibió una consideración diferente y positiva en 1953, cuando James Johnson Sweeney (director del Museo Solomon R. Guggenheim ) descubrió las pinturas de Burri en la Galería Obelisco de Roma, y posteriormente presentó la obra del artista a los Estados Unidos, en una exposición colectiva. representante de las nuevas tendencias artísticas europeas. [28] Este encuentro condujo posteriormente a una amistad de toda la vida con Sweeney convirtiéndose en un defensor activo del arte de Burri en los principales museos estadounidenses y escribiendo la primera monografía sobre el artista en 1955. Durante el mismo año, Robert Rauschenberg visitó el estudio del pintor dos veces: a pesar de que las diferencias lingüísticas entre los dos artistas les impidieron hablar entre ellos, las visitas de Rauschenberg proporcionaron una contribución sustancial para la creación de sus Combine Paintings. [29] [30] [31]
La fuerte relación de Burri con los Estados Unidos se hizo oficial cuando conoció a Minsa Craig (1928-2003), una bailarina de ballet estadounidense (estudiante de Martha Graham ) y coreógrafa con quien se casó el 15 de mayo de 1955 en Westport, Connecticut . Se mantuvieron unidos en las buenas y en las malas, por el resto de sus vidas. [32]
Adopción de fuego
Después de algunos intentos esporádicos, en 1953-1954 Burri llevó a cabo una experimentación con fuego cuidadosamente planificada, a través de pequeñas combustiones sobre papel, que sirvieron de ilustración para un libro de poemas de Emilio Villa . [33] El poeta fue uno de los primeros en comprender el potencial artístico revolucionario del pintor, escribiendo sobre él desde 1951 y trabajando con él en los libros de artista. [34] Más tarde recordó una visita común a un campo petrolífero (para un reportaje de 1955 para la revista "Civiltà delle Macchine") como una fuerte influencia para el interés del artista en el uso del fuego. [35]
Combusiones, Maderas, Hierros, Plásticos
El procedimiento adoptado para las Combustioni (Combustions) pasó del papel al Legni (Woods) alrededor de 1957, en finas láminas de chapa de madera fijadas a lienzos y otros soportes. [36]
En el mismo período, Burri también estaba trabajando en los Ferri (Hierros), creaciones realizadas a partir de láminas de metal cortadas y soldadas con soplete , para apuntar al equilibrio general de los elementos. La aplicación más conocida de este procedimiento se alcanzó en la Plastiche (Plásticos) durante los años sesenta, cuando también en Italia se manifestó una paulatina apertura crítica hacia el arte de Burri.
El soplete era solo aparentemente un dispositivo destructivo. En efecto, los cráteres modelados por la llama en celofán, plástico negro, rojo o transparente o en la serie Bianchi Plastica (White Plastic), en la que el plástico transparente se coloca sobre un soporte blanco o negro, fueron levemente dirigidos por el soplo del pintor. Los equilibrios del asunto se pusieron así de relieve una vez más, en una especie de "desafío" a la aleatoriedad de las llamas, por un lado, y en una especie de intento de "dominar el azar", intrínseco a la filosofía de Burri, por el otro. [37]
De Cretto a Cellotex
A partir de 1963, Burri y su esposa comenzaron a pasar los inviernos en Los Ángeles. El pintor se fue separando progresivamente de la comunidad artística de la ciudad, centrándose profundamente en su propio trabajo. [38] Durante sus viajes recurrentes al Parque Nacional del Valle de la Muerte , el artista encontró en el agrietamiento natural del desierto el estímulo visual que lo llevó, a partir de 1973, a crear Cretti (Cracks) desarrollando el uso del efecto de pintura agrietada de su Obras de arte de la década de 1940. [39]
Empleando una mezcla especial de caolín, resinas y pigmentos, el pintor secó su superficie con el calor de un horno. Burri detuvo el proceso de calentamiento en el momento deseado utilizando una capa de cola de PVA, obteniendo así mayores y menores efectos de agrietamiento, siempre equilibrados gracias al amplio conocimiento de química del pintor. [40]
Grande Cretto en Gibellina
Burri reprodujo el procedimiento utilizado para los Cretti, ya sea en blanco o negro, también en escultura, en grandes extensiones en la Universidad de California, Los Ángeles y Nápoles ( Museo di Capodimonte ) Grandi Cretti (Grietas grandes) hechas de arcilla cocida (ambos 49 x 16) y, lo más importante, en la vasta cubierta de cemento del Grande Cretto en Gibellina , sobre las ruinas de la antigua pequeña ciudad siciliana destruida por el terremoto de 1968. [41] Comenzó en 1984 e interrumpido en 1989, el trabajo se completó en 2015, con motivo del centenario del nacimiento del artista. Es una de las obras de arte más grandes jamás realizadas, que se extiende sobre un área de aproximadamente 85,000 metros cuadrados. Su revestimiento de hormigón blanco se expande sobre la ciudad, siguiendo el antiguo mapa de calles en largas arterias y pasillos, que son transitables, lo que simbólicamente devuelve la vida a la devastada ciudad.
Cellotex y los grandes ciclos de la pintura
Durante los años setenta, el arte de Burri experimentó una transición gradual hacia dimensiones más amplias, mientras que las retrospectivas se sucedieron en todo el mundo. La gran exposición individual que atravesó los Estados Unidos en 1977-1978 y terminó en el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York es un ejemplo.
En el ciclo de pintura de 1979 denominado Il Viaggio (El viaje) Burri repasó, a través de diez composiciones monumentales, los momentos clave de su producción artística. [42]
El material privilegiado durante esta fase es el Celotex (el autor añadió una l a su nombre), una mezcla industrial de restos de producción de madera y adhesivos, muy utilizada en la fabricación de tableros aislantes. [43] Hasta entonces, el pintor había utilizado este material en sus trabajos anteriores desde principios de la década de 1950 como soporte para sus trabajos en acetato y acrílico. [44]
Posteriormente Cellotex se utilizó para series cíclicas concebidas como polípticos sobre una estructura geométrica dominante y clara, a través de tonalidades rayadas extremadamente delgadas o yuxtaposiciones de porciones lisas y rugosas como Orsanmichele (1981), o en variaciones monocromáticas negras como Annottarsi (Up to Nite, 1985). ), así como en formas multicolores como Sestante ( Sextant , 1983) o el homenaje al oro de los mosaicos de Ravenna en su última serie Nero e Oro (Black and Gold). [45]
Escultura y escenografía
Toda la producción artística de Burri fue concebida por el autor como un todo inseparable de forma y espacio, tanto en pintura como en escultura. Un ejemplo es el motivo recurrente de la arquivolta , visto en su forma simple en la pintura y en perspectiva en esculturas de hierro como el Teatro Scultura , una obra presentada en la Bienal de Venecia de 1984, y en la serie Ojiva de cerámica de 1972 . [46]
La fuerte continuidad de la obra escultórica de Burri con sus pinturas también se puede ver en la cerámica Grandi Cretti de Los Ángeles UCLA y Nápoles Capodimonte (con la ayuda del ceramista Massimo Baldelli), o en el Grande Ferro (Hierro grande) exhibido en Perugia con motivo del encuentro de 1980 entre el artista y Joseph Beuys . [47]
El Gran Cretto en Gibellina no entra correctamente en la categoría de land art , pero tiene características que combinan arquitectura, escultura y espacio. Otras esculturas sobre hierro se conservan de forma permanente en los museos Città di Castello, Ravenna, Celle (Pistoia), Perugia y Milán, donde las alas giratorias del Teatro Continuo (Teatro Continuo) son un verdadero espacio escénico y escultórico, empleando el parque del Castillo Sforza como telón de fondo natural. [48]
Escenografías de teatro
El teatro tuvo un papel privilegiado en la producción artística de Burri. Aunque en intervenciones aisladas, el pintor trabajó en los campos de la prosa, el ballet y la ópera. En 1963 Burri diseñó los decorados de Spirituals , el ballet de Morton Gould en La Scala , en Milán. Plastiche del pintor destacó la fuerza dramática de obras como la adaptación teatral de Ignazio Silone de 1969 en San Miniato (Pisa) y Tristán e Iseult , representada en 1975 en el Teatro Regio de Turín.
En 1973 Burri diseñó decorados y vestuario para November Steps , concebido por su esposa Minsa Craig, con una partitura de Toru Takemitsu . El ballet estaba interactuando con un ejemplo temprano de arte visual a través de un clip de película que representaba cómo el Cretti llegó a existir progresivamente.
Obra gráfica
Burri nunca consideró que el arte gráfico tuviera una importancia secundaria a la pintura. Participó intensamente en la experimentación de nuevas técnicas de impresión como la reproducción de 1965 de la Combustioni -en la que los hermanos Valter y Eleonora Rossi lograron perfectamente imitar el efecto de quemado sobre papel-, o las cavidades irregulares de Cretti (1971) con las mismas impresoras .
Otros desarrollos innovadores se pueden encontrar en las serigrafías Sestante (1987–89) - con la ayuda del viejo amigo y colaborador de Burri Nuvolo - a la serie Mixoblack (1988), creada con el taller de impresión de Los Ángeles Mixografia utilizando polvo de mármol y arena para Cree superficies de impresión con ciertos efectos de textura tridimensionales. [49]
Un dato revelador es que Burri utilizó el dinero del Premio Feltrinelli de gráfica, que le otorgó en 1973 la Accademia dei Lincei , para promover y apoyar la restauración de los frescos de Luca Signorelli en el pequeño oratorio de San Crescentino, a pocos kilómetros. lejos de la casa de campo de Burri en Città di Castello; un ejemplo más de cómo lo moderno y lo contemporáneo están mentalmente cerca en el arte de Burri. [50]
Legado
Alberto Burri murió sin hijos el 13 de febrero de 1995 en Niza, en la Riviera francesa , adonde se había trasladado por comodidad y por un enfisema pulmonar . [51]
Justo antes de su muerte, el pintor recibió la Legión de Honor y el título de Orden al Mérito de la República Italiana , además de ser nombrado miembro honorario de la Academia Estadounidense de Artes y Letras . Su serie gráfica Oro e Nero (Oro y Negro), fue donada por el artista entre otros en la Galería Uffizi de Florencia 1994, momento en el que ya comenzaba a ser considerado más un artista 'clásico' que 'contemporáneo'. [52]
El arte de Alberto Burri captó el interés de muchos colegas artistas contemporáneos, desde Lucio Fontana y Giorgio Morandi hasta Jannis Kounellis , Michelangelo Pistoletto y Anselm Kiefer , quienes reconocieron la grandeza de Burri y, en algunos casos, su influencia, una y otra vez. [53] [54] [55] [56]
Fundación y los museos
De acuerdo con la voluntad del pintor, la Fondazione Palazzo Albizzini se estableció en Città di Castello en 1978, con el fin de proteger los derechos de autor de la propia obra de Burri. La primera colección del museo, inaugurada en 1981, es la que se encuentra dentro del edificio de apartamentos Albizzini Renaissance. La casa patricia del siglo XV, perteneciente a los mecenas de las Bodas de la Virgen de Rafael , fue reformada por los arquitectos Alberto Zanmatti y Tiziano Sarteanesi según los planos del propio Burri. [57] [58]
La segunda colección es la de los antiguos secaderos de tabaco de Città di Castello, una estructura industrial abandonada gradualmente durante la década de 1960 e inaugurada en 1990, expandiéndose en una superficie de 11.500 metros cuadrados. En la actualidad, la estructura cuenta con la totalidad de grandes ciclos de pintura del artista, esculturas monumentales y, a partir de marzo de 2017, toda la producción gráfica del pintor. [58]
El exterior negro de la estructura y las adaptaciones particulares del espacio representan un último intento de Burri por crear una obra de arte total, en continuidad con la idea de equilibrio formal y psicológico que perseguía constantemente. [57]
Crítica
Alberto Burri es reconocido actualmente como un innovador radical de la segunda mitad del siglo XX, como precursor de las soluciones encontradas por movimientos artísticos como el Arte Povera , Neo-Dada , Nouveau réalisme , Postminimalismo y el arte de proceso , dejando abiertas muchas interpretaciones críticas. e interpretaciones metodológicas de su trabajo. [59] [60]
En su monografía de 1963, Cesare Brandi destacó la esencialidad de la pintura de Burri y su rechazo tanto de los detalles decorativos como de las provocaciones de las vanguardias históricas (por ejemplo, el futurismo ), favoreciendo un nuevo enfoque a través de un concepto de "pintura sin pintar". [61]
Por otro lado, Enrico Crispolti interpretó el empleo de material por parte de Burri desde un punto de vista existencial, como lo hizo James Johnson Sweeney en la primera monografía sobre Burri publicada en 1955, implicando una crítica hacia una cierta deriva ética de la posguerra.
Pierre Restany lo consideró como un "caso especial" en la historia del minimalismo , habiendo sido " el forastero monumental y el precursor genial al mismo tiempo ". [62] Maurizio Calvesi adoptó una lectura psicoanalítica a lo largo de los años, encontrando "valores éticos" en su arte, identificando al mismo tiempo los orígenes renacentistas de la tierra natal de Burri: Piero della Francesca habría inspirado en Burri el sentido del espacio y la solemnidad del masas que el pintor trasladó luego sobre las maderas quemadas o los sacos gastados. [63]
Más recientemente, la posición de Burri ha sido reevaluada gracias a la gran exposición retrospectiva de 2015 Alberto Burri: The Trauma of Painting comisariada por Emily Braun para el Solomon R. Guggenheim Museum y a la exposición colectiva de 2016 Burri Lo spazio di Materia tra Europa e USA editada por el actual presidente de la Fundación, Bruno Corà, que destacó el cambio radical en la pintura tradicional occidental y el collage moderno provocado por Burri, al tiempo que se centró en su recuperación 'psicológica' de los equilibrios formales de la pintura clásica vivos. [64]
Entre las muchas lecturas históricas, el juicio de Giulio Carlo Argan (escrito en el catálogo de la Bienal de Venecia de 1960 ) sigue siendo emblemático: " Para Burri debemos hablar por un Trompe-l'œil volcado , porque no es más pintura para simular la realidad, sino es la realidad para simular la pintura ". [sesenta y cinco]
Exposiciones
La carrera de Burri comenzó en Roma con una primera exposición individual en 1947 en la librería La Margherita, propiedad de Irene Brin , donde presentó sus primeros trabajos abstractos al año siguiente. Brin y su esposo, Gaspero del Corso fundaron la Galería Obelisco, la primera galería de arte que se abrió en la Roma de la posguerra, con la exposición individual de 1952 Muffe e Neri ( Mohos y negros) y las primeras Combustions en 1957. La primera exposición de Burri con el Sacchi Fue presentado por el poeta Emilio Villa en la Fundación Origine en 1952, como confirmación de su producción cada vez más original. Los Ferri (Hierros) se llevaron a cabo en Galleria Blu en Milán.
A partir de 1953, Burri exhibió regularmente sus obras en los Estados Unidos, en la Galería Allan Frumkin (Chicago), la Galería Stable y la Galería Martha Jackson en Nueva York. En el mismo año, el director y curador del Museo Guggenheim, James Johnson Sweeney, incluyó a Burri en la histórica exposición Younger European Painters: A Selection, que enfoca su trabajo en la comunidad internacional.
La relación inicialmente oscilante de Burri con la Bienal de Venecia marcó su punto de inflexión en 1960, cuando Giulio Carlo Argan le ofreció su primera área en solitario . En 1962 Cesare Brandi presentó el Plastiche en el Marlborough Fine Art de Roma. Las primeras retrospectivas antológicas se realizaron en esta época y en la década siguiente, como las exposiciones individuales en el Musée National d'Art Moderne de París (1972), la del Sagrado Convento Francisco de Asís (1975) y la gran exposición itinerante que Comenzó en la Galería Frederick S. Wight de UCLA en Los Ángeles, se trasladó al Instituto de Arte Marion Koogler McNay en San Antonio (Texas) y terminó en 1978 en el Museo Solomon R. Guggenheim .
A partir de 1979, los Grandes Ciclos de pinturas sobre Cellotex dominaron toda la producción posterior de Burri, que fue concebida para grandes espacios como catedrales (como el Ciclo de Florencia de 1981 titulado Gli Orti ) o antiguos complejos industriales, como los ex-astilleros de la isla de Giudecca en Venecia, donde expuso la serie cromática Sestante . En 1994, Burri presentó el ciclo titulado Burri The Athens Polyptych. Arquitectura con cactus para la exposición comisariada por Giuliano Serfafini en la Galería Nacional (Atenas) , y luego en el Instituto Italiano de Cultura de Madrid (1995).
La exposición antológica póstuma de 1996 en el Palazzo delle Esposizioni (Roma) se repitió con éxito en la Lenbachhaus (Munich) y en el Centro de Bellas Artes de Bruselas . En 2015-16, la gran exposición retrospectiva The Trauma of Painting organizada por Emily Braun en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York (más tarde en el Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen , Düsseldorf en 2016) recibió mucha atención internacional al arte del pintor.
Al concluir el centenario del nacimiento de Alberto Burri, la exposición titulada Burri Lo spazio di materia tra Europa e USA comisariada por Bruno Corà estableció una comparación entre los epígonos del arte material del siglo XX. La exposición se celebró en Città di Castello, en el espacio expositivo de los antiguos secaderos de tabaco que, desde 2017, albergan la colección gráfica del pintor. [66]
Mercado del arte
El 11 de febrero de 2014, Christie's estableció el récord del artista con la obra Combustione Plastica , vendida por 4.674.500 libras esterlinas (rango estimado de 600.000 libras esterlinas a 800.000 libras esterlinas). La obra (firmada y fechada en el reverso) en plástico, acrílico y combustión (4 x 5 pies) fue realizada entre 1960 y 1961. [67]
El récord del artista se estableció en 2016 en Londres cuando, durante la velada dedicada por Sotheby's al contemporáneo Sacco e Rosso de 1959 , la obra de arte se vendió por más de £ 9 millones, duplicando así el récord anterior. [68]
Tributos
El arte de Alberto Burri ha inspirado a muchos directores italianos, entre ellos Michelangelo Antonioni , quien se inspiró en la investigación material del pintor para su Red Desert de 1964 . [69]
El compositor Salvatore Sciarrino escribió un homenaje para conmemorar el fallecimiento del pintor en 1995, encargado por el Festival delle Nazioni de Città di Castello. Para el mismo festival, los antiguos secaderos de tabaco se convirtieron en el escenario de una composición de Alvin Curran en 2002. [70]
The Large Cretto at Gibellina ha funcionado varias veces como escenario para el Festival de Orestiadi y como escenario para una actuación de 2015 de los artistas Giancarlo Neri y Robert Del Naja ( Massive Attack ). El ballet November Steps de 1973 , con decorados y vestuario de Burri, fue propuesto nuevamente en 2015 por el Museo Guggenheim de Nueva York. En 2016, el coreógrafo Virgilio Sieni creó la obra Quintetti sul Nero , [71] inspirada en el maestro de Umbría. En 2017, John Densmore ( The Doors ) actuó frente al Grande Nero Cretto (Large Black Crack) en ucla , Los Ángeles durante el evento Burri Prometheia . [72]
A lo largo de los años, los diseñadores de moda se han inspirado en Burri, en Roberto Capucci , con su prenda de 1969 Omaggio a Burri que presenta rasgos asimétricos que recrean los efectos Cretti , hasta Laura Biagiotti para su (última) colección 2017.
En 1987, Burri creó los carteles oficiales de la Copa Mundial de la FIFA 1990 . El Festival de Jazz de Umbría utilizó la serie Sestante para el cartel de la edición de 2015, celebrando el centenario del nacimiento del artista.
Documentales
- 1960 Carandente, Giovanni. Burri , Roma
- 1974 Simongini, Franco. Brandi, Cesare. Alberto Burri: l'avventura della ricerca (RAI / TV)
- 1976 Quilici, Folco. Brandi, Cesare. L'Italia vista dal cielo. Umbría (Esso)
- 1995 Rubini, Rubino. Burri (PPM, Roma)
- 2011 Gambino , Davide. Guarneri, Dario. Alberto Burri, La vita nell'arte (Centro sperimentale di Cinematografia sezione documentario Sicilia)
- 2015 Severi, Luca. Alberto Burri e Piero della Francesca le due rivoluzioni (Zen Europe / Sky)
- 2015 Noordkamp, Petra. Il Grande Cretto di Gibellina (Fundación Solomon R. Guggenheim)
- 2015 Valeri, Stefano . Alberto Burri Il tempo dell'arte (Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri)
- 2016 Moneta, Matteo. Alberto Burri e la sua città (3D Produzioni / Fondazione Palazzo Albizzini Collezione Burri)
- 2017 Sterparelli, Giuseppe. VARIAZIONI: una polifonía visual
Notas
- ^ Brandi 1963 . Originalmente, la pintura significó para Burri una catarsis a través de la acción, ocasionada por su situación de prisionero de guerra sin simpatía por ninguno de los principales antagonistas de la lucha. La práctica de la medicina habría representado para él la supervivencia de un pasado que el curso de los acontecimientos había cortado definitivamente.
- ^ Kimmelman 1995 .
- ↑ Rozner , 2015 , p. 15 de Introducción.
- ^ Christov-Bakargiev, Carolyn (2005). Sobrevalorado y subestimado . La columna publicada por la revista de arte estadounidense Art News. Citado en Sheets, Hilarie M. (1 de enero de 2005). "Subestimado / Sobrevalorado" . Consultado el 31 de mayo de 2020 .
- ↑ Rozner , 2015 , p. dieciséis.
- ^ Rozner 2015 , págs. 22-23.
- ^ Zorzi 1995 , p. 15.
- ↑ Rozner , 2015 , p. 21.
- ^ Brandi 1963 , pág. 46.
- ^ Palumbo 2007 , p. 24.
- ^ Palumbo 2007 , págs. 33-40.
- ^ Barzini, Luigi, "Roma: donde el arte es siempre Italia", The New York Times (22 de diciembre de 1969). p.40
- ^ Zorzi, Stefano (2016). Parola di Burri . Milán: Electa. pag. 15
- ^ Zorzi, Stefano (2016). Parola di Burri . Milán: Electa. págs. 19-20
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enlaces externos
- Alberto Burri en la Encyclopædia Britannica
- Fondazione Palazzo Albizzini "Collezione Burri", con fotografías de obras
- Museo Solomon R. Gugghenheim Nueva York Alberto Burri Página de la exposición El trauma de la pintura (2015–16)
- Tráiler Alberto Burri y Piero della Francesca: las dos revoluciones documental de Luca Severi (2015)