El movimiento Art Deco de arquitectura y diseño apareció en París alrededor de 1910–12, y continuó hasta el comienzo de la Segunda Guerra Mundial en 1939. Tomó su nombre de la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas celebrada en París en 1925. se caracterizaba por formas geométricas audaces, colores brillantes y una decoración muy estilizada, y simbolizaba la modernidad y el lujo. La arquitectura, la escultura y la decoración Art Deco alcanzaron su punto máximo en 1939 Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderney en cines, tiendas departamentales y otros edificios públicos. También apareció en el trabajo de los joyeros, artistas gráficos, artesanos de muebles y joyeros de París, y en el diseño de vidrio y metal. En la actualidad, en París se pueden ver muchos lugares emblemáticos del Art Deco, como el Théâtre des Champs-Élysées y el Palais de Chaillot .
Años activos | 1910-1939 |
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Orígenes
Art Deco fue el resultado de una larga campaña de artistas decorativos franceses para obtener el mismo estatus que los creadores de pinturas y esculturas. El término "artes decorativas" se inventó en 1875 para dar a los diseñadores de muebles, textiles y otras decoraciones un estatus oficial. La Société des artistes décorateurs (Sociedad de artistas decorativos), o SAD, fue fundada en 1901 y los artistas decorativos recibieron los mismos derechos de autor que los pintores y escultores. En París se fundaron varias revistas nuevas dedicadas a las artes decorativas, incluidas Arts et décoration y L'Art décoratif moderne . Las secciones de artes decorativas se introdujeron en los salones anuales de la Sociéte des artistes français, y más tarde en el Salon d'automne , que jugó un papel importante en la popularización del estilo. [1]
Los grandes almacenes y los diseñadores de moda parisinos también desempeñaron un papel importante en el auge del Art Deco. Firmas establecidas como el fabricante de maletas Louis Vuitton , la firma de platería Christofle , el diseñador de vidrio René Lalique y los joyeros Louis Cartier y Boucheron , quienes comenzaron a diseñar productos en estilos más modernos. A partir de 1900, los grandes almacenes habían contratado a artistas decorativos para trabajar en sus estudios de diseño. La decoración del Salón de Otoño de 1912 se había confiado a los grandes almacenes Printemps . [2] Durante el mismo año, Printemps creó su propio taller llamado "Primavera". En 1920, Primavera empleaba a más de trescientos artistas. Los estilos iban desde las versiones actualizadas de los muebles Luis XIV, Luis XVI y especialmente Luis Felipe hechos por Louis Süe y el taller Primavera hasta formas más modernas del taller de los grandes almacenes Au Louvre. Otros diseñadores, incluidos Émile-Jacques Ruhlmann y Paul Follot, se negaron a utilizar la producción en masa e insistieron en que cada pieza se hiciera individualmente a mano.
El estilo Art Déco temprano presentaba materiales lujosos y exóticos como el ébano, el marfil y la seda, colores muy brillantes y motivos estilizados , en particular cestas y ramos de flores de todos los colores, dando un aspecto modernista. [3]
En 1911, el SAD propuso la celebración de una nueva exposición internacional importante de artes decorativas en 1912. No se permitirían copias de estilos antiguos; solo obras modernas. La muestra se pospuso hasta 1914, luego, a causa de la guerra, se pospuso hasta 1925, cuando dio su nombre a toda la familia de estilos conocida como Déco.
El Art Deco en la arquitectura fue particularmente el resultado de una nueva tecnología, el uso de hormigón armado, que permitió que los edificios fueran más altos, más fuertes y con menos vigas y columnas de soporte, y que tomaran casi cualquier forma posible. La primera casa de hormigón armado había sido construida por François Coignet en 1853. En 1877, otro francés, Joseph Monier , recibió una patente para un sistema de refuerzo de hormigón con una malla de varillas de hierro en un patrón de rejilla. Dos arquitectos franceses, Auguste Perret, hicieron un uso muy innovador del nuevo sistema. Perret lo utilizó para construir el Théâtre des Champs-Élysées (1911-1913), con su vasto espacio sin columnas de soporte; y más tarde, Henri Sauvage lo utilizó para construir el primer edificio de apartamentos construido como una escalera, cada apartamento con su propia terraza, y otro gran proyecto, el nuevo edificio de los grandes almacenes La Samaritaine .
Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913)
El primer edificio importante que se construyó en estilo Art Deco fue el Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913). El primer diseño para el edificio fue realizado por el belga Henry van de Velde , quien fue una figura importante del Werkbund alemán , una asociación que promueve las artes decorativas modernas. Comenzó a trabajar en el diseño en 1910. Su característica principal era la estructura sobria y geométrica del hormigón armado. Auguste Perret , el arquitecto francés encargado de construir la estructura, argumentó que el diseño de Van de Velde era "materialmente imposible" e hizo su propio diseño. Después de una disputa con los dueños del teatro, Van de Velde renunció y se fue, y Perret completó el edificio siguiendo su propio plan en abril de 2013 [4].
Las sobrias formas geométricas del edificio, decorado con un largo friso del escultor Antoine Bourdelle , y su fachada de hormigón cubierta con placas de mármol, eran todo lo contrario de la ornamentada ópera Palais Garnier , y causaron un escándalo. El vestíbulo y el interior del teatro eran igualmente revolucionarios, abiertos y austeros, sin las columnas que bloqueaban la vista en muchos teatros. La decoración de Bourdelle y otros artistas fue estilizada y moderna. El teatro acogió los estrenos de las nuevas formas de música y baila la música de la época, El rito de la primavera de Igor Stravinsky y los revolucionarios ballets de los Ballets Rusos .
Antoine Bourdelle , La Danse , fachada del Théâtre des Champs-Élysées , París (1912)
Théâtre des Champs-Élysées , de Auguste Perret , 15 avenue Montaigne, París, (1910–13). El hormigón armado les dio a los arquitectos la capacidad de crear nuevas formas y espacios más grandes.
La Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas (1925)
La Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas celebrada en París en 1925, fue la exposición más grande e importante de art déco, y más tarde dio su nombre al estilo. Había sido propuesto por primera vez en 1906, luego programado para 1912 por el Ministerio de Comercio e Industria, particularmente como respuesta a la popularidad de los diseños del Werkbund alemán, pero luego fue pospuesto debido a la guerra. [5]
La Exposición fue enorme, ubicada entre Les Invalides y el Grand Palais , a ambos lados del Sena. Incluso el puente Pont Alexandre III sobre el Sena estaba cubierto con una hilera de salas de exposiciones. El arquitecto jefe fue Charles Plumet . Las Cuatro Torres de la Artesanía, de Plumet, marcaron el centro de la Exposición, rodeadas de pabellones nacionales y especialmente pabellones de los principales diseñadores y grandes almacenes de París, que tenían sus propios departamentos de diseño, y producían sus propios muebles y decoración. Los pabellones de los grandes almacenes se agruparon alrededor de la explanada de Les Invalides .
Cartel de la Exposición de 1925, que representa la fusión del arte y la industria.
La gran explanada de la exposición de 1925
Pabellón de los grandes almacenes Galeries Lafayette en la Exposición de 1925
Pabellón de los grandes almacenes Magasins du Louvre
Pabellón de los grandes almacenes Printemps (1925) de Henri Sauvage y Georges Wybo
El Hotel du Collectionneur, pabellón del fabricante de muebles Émile-Jacques Ruhlmann , diseñado por Pierre Patout .
Salón del Hôtel du Collectionneur de la Exposición Internacional de Artes Decorativas de 1925, amueblado por Émile-Jacques Ruhlmann , pintura de Jean Dupas , diseño de Pierre Patout
Henri Sauvage y La Samaritaine (1926-1928)
Los grandes almacenes aparecieron en París a finales del siglo XIX y se convirtieron en una característica importante de principios del siglo XX. La tienda La Samaritaine original fue construida en 1905 por el arquitecto Frantz Jourdain en estilo Art Nouveau . En 1925, la tienda se amplió con un edificio Art Deco frente al Sena, diseñado por Henri Sauvage . Sauvage fue una de las principales figuras del Art Deco de París; sus otras obras importantes incluyeron el Studio Building y el Majorelle Building, construidos para el diseñador de muebles Louis Majorelle , así como el innovador edificio de apartamentos en 26 rue Vavin (6th arr.) (1912-1914), que organizó sus apartamentos en escalones, cada uno tiene su propia terraza. (1906). Este diseño fue utilizado por Sauvage y otros arquitectos de la época. [6]
Edificio Art Deco de los grandes almacenes La Samaritaine (1926-28)
La Samaritaine, edificio 2 (1928)
Edificio 3 de La Samaritaine (1930)
Iglesias
Varias iglesias nuevas se construyeron en París entre las guerras, en estilos que mezclaban características Art Deco, como torres estilizadas, el uso de hormigón armado para crear grandes espacios abiertos y murales decorativos en un estilo Deco, frecuentemente combinado con características de la arquitectura bizantina. , como la de la Basílica del Sacré-Cœur , que era popular en ese momento. La Église du Saint-Esprit , (1928–32), ubicada en 186 Avenue Daumesnil en el distrito 12, fue diseñada por Paul Tournon. Tiene un exterior moderno, hecho de hormigón armado cubierto con ladrillo rojo y un campanario moderno de 75 metros de altura, pero la característica central es una enorme cúpula de 22 metros de diámetro. El diseño, como el de la Basílica del Sacré-Cœur, se inspiró en las iglesias bizantinas. El interior estaba decorado con murales de varios artistas notables, incluido Maurice Denis . . [7] La iglesia de Sainte-Odile en 2 Avenue Stephane-Mallarmé (distrito 17), de Jacques Barges (1935–39) tiene una sola nave, tres cúpulas neobizantinas y el campanario más alto de París. [8]
La iglesia de Saint-Esprit , 186 avenue Daumesnil (distrito 12) de Paul Tournon (1928–32), tiene un exterior Deco y una enorme cúpula bizantina de hormigón armado.
Murales Art Deco en el interior de la iglesia de Saint-Esprit (1928-1932)
La Eglise Sainte-Odile en 2 avenue Stephane-Mallarmé (17th) (1935-1939) tiene el campanario más alto de París
Decoración escultórica y herrería de la Iglesia de Saint-Odile
Deco vidrieras de la Iglesia de Sainte-Odile, París
Teatros y palacios de cine
Los cines palaciegos de estilo Art Deco aparecieron en París en la década de 1920. El teatro MK3 en 4 rue Belgrande (distrito 20) de Henri Sauvage (1920) conserva sus murales decorativos en la fachada. [9] Le Louxor, de 1921, en una especie de estilo neo-antiguo egipcio, por el arquitecto Henri Zipcy. El interior presenta coloridos mosaicos neo-egipcios de Amédée Tiberi. Fue restaurado en 2013 y ahora es un monumento histórico. El teatro más grande y más decó que aún existe de la época es el cine Grand Rex1 (bulevar Poissonière n. ° 1, 2.º distrito), construido en 1932 por el arquitecto francés Auguste Bluysen con el ingeniero estadounidense John Eberson. Es uno de los teatros más grandes de Europa, con capacidad para 3100 personas. El interior del teatro fue decorado por un destacado diseñador de Deco, Maurice Dufrêne . Tiene capacidad para 2100 personas. Ha sido objeto de una importante renovación y ahora se utiliza para conciertos y otros eventos, así como para películas. [10]
Folies Bergère (1926) después de la renovación a su apariencia original
El cine MK2 en 4 rue Belgrande de Henri Sauvage (1920)
Cine Le Louxor en 150 Boulevard de Magenta de Henri Zipcy (1921)
Mosaicos con motivos egipcios en el cine Le Louxor (1921)
Edificios de apartamentos y residencias
Henri Sauvage fue uno de los diseñadores de edificios de apartamentos más inventivos. Fue particularmente experto en cubrir las fachadas de hormigón armado con baldosas de cerámica. En 1911 construyó el Edificio Majorelle para el diseñador de muebles Louis Majorelle , con una fachada de hormigón armado cubierta con cerámica, lo que le da un aspecto elegante y moderno. Introdujo el edificio escalonado en París, un edificio de apartamentos donde cada apartamento estaba separado del de abajo, para que cada uno tuviera su propia terraza.
El Studio Building (65 rue La Fontaine, distrito 16) (1926-28) se construyó como un grupo de dúplex como residencia de artistas. La fachada estaba completamente cubierta con relucientes azulejos de cerámica.
El edificio Majorelle de Henri Sauvage en 126 rue de Provence (distrito 8), construido para Louis Majorelle (1911)
Edificio de apartamentos en escalones de Henri Sauvage , 26 rue Vavin (distrito 8) (1912-1914)
El edificio del estudio en 65 rue La Fontaine por Henri Sauvage (1926–28)
Residencia y estudio del arquitecto Auguste Perret en Boulogne-Billancourt (1929)
El estilo Pacquebot
El estilo Paqquebot , o Ocean Liner, se inspiró en la forma de los transatlánticos franceses, como el SS Normandie . El ejemplo más famoso es un edificio de apartamentos en 3 boulevard Victor (distrito 15), construido en (1934-1935) por Pierre Patout , en el mismo período en que creó la decoración interior de Normandie . El edificio fue construido en un lote de forma inusual, que se redujo de doce metros de ancho a solo tres metros en la "proa" del edificio. Patout tenía su propio apartamento, en tres pisos, en esta parte del edificio. [11]
La propia casa y estudio de Pierre Patout, construido anteriormente en 1927-28 en 2 Rue Gambetta en el suburbio parisino de Boulogne-Billancourt , también mostró elementos de Pacqueboat , incluida la barandilla alrededor de la "cubierta" superior o terraza. También contribuyó a la reconstrucción de los grandes almacenes Galeries Lafayette en 1932-1836. [12]
Residencia y estudio de Pierre Patout en Boulogne-Billancourt (1927–28)
Comedor del SS Normandie diseñado por Pierre Patout (1934-1935)
Edificio de apartamentos de Pierre Patout en el estilo Pacquebot o transatlántico, 3 boulevard Victor (distrito 15), (1934-1935)
Piscinas
La piscina Art Deco más famosa de París es la Piscine Molitor , junto al parque Bois de Boulogne y entre el Stade Roland Garros y el Parc des Princes . El complejo diseñado por el arquitecto Lucien Pollet para parecerse a la cubierta del transatlántico, con tres niveles de "cabañas" alrededor de la piscina al aire libre. Fue terminado en 1929 e inaugurado por nadadores olímpicos como Aileen Riggin y Johnny Weissmuller . También fue el lugar de la primera presentación del traje de baño bikini francés del diseñador Louis Réard en julio de 1946. En el invierno se transformó en una pista de esquí sobre hielo. Además de su arquitectura náutica, cuenta con vidrieras Art Deco de Louis Barillet . El complejo cayó en mal estado y se cerró en 1989 con la intención de construir un proyecto de vivienda en el sitio. Después de años de desuso, disputas y vandalismo, fue declarado sitio histórico y sufrió una importante renovación. Reabrió en 2013, siguiendo el estilo original, como parte de un complejo comercial y hotelero más grande. [13]
La Piscine Molitor (1929) tras su cierre en 1989 y antes de la reforma de 2015
Vidriera decorativa en la Piscine Molitor de Louis Barillet (1929)
La renovada piscina exterior del Piscine Molitor
Art Decó tardío (1930-1939)
La depresión económica mundial que comenzó en 1929 pronto tuvo un impacto en la arquitectura y la decoración de París. Los edificios se volvieron menos ornamentados, menos extravagantes, más estilizados, con un retorno a algunos elementos del clasicismo y la tradición, como las columnatas neoclásicas. Fue un período de huelgas, disturbios y enfrentamientos. [14]
Deco vs.Modernismo
En 1929, el movimiento Art Deco en Francia se dividió en dos corrientes por la ruptura de la Union des Artistes Moderne (UAM) de la más tradicional Société des Artistes Decorateurs Este nuevo grupo propuso una arquitectura, mobiliario y decoración más funcional, producción en masa, más simple materiales y sin decoración alguna. Los miembros incluyeron a René Herbst, Jacques Le Chevalier y Robert Mallet-Stevens , su primer presidente. Pronto se unieron al movimiento otros arquitectos y diseñadores, entre ellos Le Corbusier, el platero Jean Puiforcat , Pierre Chareau y Eileen Gray . Las casas parisinas construidas por Mallet-Stevens en lo que hoy es Rue Mallet-Stevens (XIV arrondissement) (1927–29) y sus muebles de acero muy sobrios, ilustran la estética del movimiento. La residencia oThis, a lo largo de la "Casa de cristal" de Pierre Chareau (1928-1931) fue el comienzo del movimiento de la arquitectura moderna en París.
Villa Martel de Robert Mallet-Stevens en Rue Mallet-Stevens (1929)
La casa de cristal de Pierre Chareau 31, rue Saint-Guillaume VIIe arrondissement, (1928-1931)
Silla de Robert Mallet-Stevens (1929-1931)
Mesa E-1027 de Eileen Gray
La Exposición Colonial de París de 1931
La Exposición Colonial de París , celebrada durante seis meses en 1931 en el Bois de Vincennes , fue diseñada como un escaparate de las colonias francesas de ultramar, sus productos y su cultura, y también fue un escaparate del Art Deco. Países Bajos, Bélgica, Italia, Japón, Portugal, Reino Unido y Estados Unidos tenían pabellones. Fue especialmente célebre por su amplio uso de reflectores e iluminación colorida, una novedad en ese momento, utilizada con gran efecto en la fuente "Cactus", la pieza central de la Exposición. El principal legado Art Deco de la Expsotion es el Palais de la Porte Dorée , ahora la Cité nationale de l'histoire de l'immigration , que fue construido entre 1928 y 1931 por los arquitectos Albert Laprade , Léon Bazin y Léon Jaussely . La fachada tiene grandes bajorrelieves (del escultor Alfred Janniot que retratan barcos, océanos y la vida salvaje de África. Las exposiciones etnográficas originales se transfirieron al Musée du quai Branly en 2003, y ahora alberga la Cité nationale de l'histoire de l'immigration , un museo de inmigración y un gran acuario.
El Palais de la Porte Dorée ha albergado una sucesión de museos etnológicos , comenzando con la exposición colonial de 1931, que pasó a llamarse en 1935 Musée de la France d'Outre-mer, luego en 1960 Musée des Arts africains et océaniens, y finalmente en 1990 el Musée national des Arts d'Afrique et d'Océanie . En 2003, estas colecciones se fusionaron en el Musée du quai Branly , y en su lugar, el edificio ahora alberga la Cité nationale de l'histoire de l'immigration .
La fuente de cactus iluminada
La Exposición Colonial de noche
Salón con murales en la Cité nationale de l'histoire de l'immigration ,
La Exposición Internacional de París de 1937
El principal evento de diseño de la época en París fue la Exposition Internationale des Arts et Techniques dans la Vie Moderne , con vistas a la Torre Eiffel. Fue la séptima y última exposición internacional de este tipo que se celebró en París. Participaron cincuenta países, entre ellos la Alemania nazi y la Unión Soviética, cuyos pabellones se enfrentaron. Se exhibió algo de arquitectura modernista, incluido el pabellón español de Josep Lluís Sert , donde se presentó el cuadro Guernica de Picasso ; el Pabellón de Luz y Electricidad, de Robert Mallet-Stevens , y el pabellón de Finlandia, con paredes revestidas de madera, de Alvar Aalto . Le Corbusier tenía un pequeño pabellón propio, hecho de tela, en el borde de la Exposición. [15]
El Palais de Chaillot , de Jacques Carlu , Louis Hippolyte Boileau y Léon Azéma , combinaba elementos de clasicismo y modernismo, al igual que el cercano Palais de Tokyo (ahora Museo de Arte Moderno de París), de André Aubert, Paul Viard y Marcel Dastugue. .
Un tercer edificio de gran importancia fue el Museo de Obras Públicas (ahora el Consejo Económico, de Auguste Perret . Todos tenían las características principales de este período de la arquitectura Art Déco; muros de hormigón liso cubiertos con placas de piedra, escultura en la fachada y murales en las paredes interiores. [16]
El Palais de Chaillot (1937)
El Palais de Tokyo de André Aubert, Paul Viard y Marcel Dastugue (1937)
Escalera del Consejo Económico, Social y Ambiental, de Auguste Perret (con su retrato sobre la escalera) (1937)
Mobiliario y decoración
Color y exotismo (década de 1920)
Los muebles y la decoración Art Deco en París antes de 1914 presentaban colores llamativos y diseños florales geométricos, tomados de diversas fuentes que van desde los Ballets Rusos hasta el cubismo y el fauvismo . La Primera Guerra Mundial puso fin al estilo más lujoso y detuvo casi toda la construcción y decoración. Tan pronto como terminó la guerra, dos artistas destacados, Louis Süe y André Mare , fundaron la Compagnie des Arts français, una empresa colaborativa de artistas decorativos, con Süe como director artístico y Mare como director técnico. Su propósito era la renovación de las artes decorativas francesas. Otros miembros incluyeron a André Vera y su hermano Paul Vera , y Charles Dufresne . Abrieron una galería en 1920 en la rue de Faubourg-Saint-Honoré que exhibía muebles, lámparas, cristalería, textiles y otros productos nuevos, incluidos muchos diseñados para ser producidos en serie. Más tarde, al grupo se unieron artistas de estilos más modernistas, incluidos Francis Jourdain y Charlotte Perriand . La Compagnie fue un importante promotor del avance del Art Deco parisino. [17]
Los diseñadores de este período utilizaron los materiales más exóticos y costosos que pudieron encontrar. El pintor y decorador Paul Iribe hizo una delicada cómoda en 1912 de mármol negro caoba y piel de tiburón. Aproximadamente en 1925, André Groult hizo un pequeño gabinete de forma orgánica, completamente cubierto con piel de tiburón blanca. Decoró los camarotes de primera clase del transatlántico Normandie . [18]
Los muebles diseñados por Louis Süe y Andre Mare de Compagnie des Arts Francais fueron finamente elaborados y lujosos. El buffet que se muestra en la galería de abajo (1920-1921), ahora en el Musée des Arts Decoratifs de París, está hecho de caoba, bronce dorado y mármol.
Otra figura importante en la decoración de interiores de París en la década de 1920 fue Émile-Jacques Ruhlmann . Tuvo su propio pabellón en la Exposición de 1925. Sus muebles se destacaron por el uso de maderas raras y caras y otros materiales, como el marfil. El gabinete "Duval" de apariencia simple, que se muestra a continuación, diseñado en 1924 y probablemente fabricado en 1926, está hecho de palisandro brasileño, marfil, nudo de amboyna, caoba, roble y contrachapado pequeño. El escritorio "Tibittant" de Ruhlmann ilustrado a continuación, fabricado en 1923, es un escritorio de hojas caídas con un núcleo de madera contrachapada cubierta con chapas de roble, álamo, caoba y ébano de Macassar por dentro y por fuera. Tiene incrustaciones, pies y pomos de marfil, borlas de seda, una superficie de escritura interior de cuero y hoja de aluminio y dorado plateado. Ahora se encuentra en el Museo Metropolitano de Arte . [19]
Exposición en el Salon d'Autumne (1913)
Cómoda de caoba, mármol negro y piel de tiburón de Paul Iribe (alrededor de 1919)
Paravent Les Faunes (c. 1920), de la Compagnie des Arts Francais, Musée des Arts Décoratifs , París
The Glass Salon, diseñado por Paul Ruaud, mobiliario de Eileen Gray (1922)
Pequeño mueble cubierto con piel de tiburón, de André Groult (alrededor de 1925)
Buffet de la Compagnie des Arts Francais (1920–21)
Armario de esquina de Émile-Jacques Ruhlmann (alrededor de 1923), Museo de Brooklyn
Escritorio tibbitante de Émile-Jacques Ruhlmann (1923) (Museo Metropolitano)
Gabinete "Duval" de Émile-Jacques Ruhlmann (diseñado en 1924, probablemente fabricado en 1926), Museo Metropolitano
Boudoir del apartamento de Jeanne Lanvin por Armand-Albert Rateau (c. 1925), Musée des Arts Décoratifs, París
Oficina diseñada por Pierre Chareau (alrededor de 1925), Musée des Arts Décoratifs, París
Mobiliario funcional - década de 1930
La década de 1930, bajo la influencia del constructivismo y otros estilos más modernistas, el mobiliario y la excoriación se volvieron más geométricos y funcionales. Algunos ejemplos fueron el trabajo de Pierre Chareau y Jules Leleu . El estilo se dividió en dos partes, una dedicada a formas más tradicionales, artesanía fina y materiales lujosos, la otra a formas más austeras y experimentos con nuevos materiales, como el aluminio y el acero.
Mobiliario de Jules Leleu (Musée des Années 30 en Boulogne-Billancourt)
Salón de Emile-Jacques Ruhlmann para el escultor Joseph Bernard (c. 1930)
Tocador de René Herbst para la princesa Aga Khan (1932), (Musée des Arts Décoratifs)
Pantallas
Las pantallas eran una parte importante del diseño Art Deco, ya que permitían dividir, abrir o dar un aspecto diferente a las habitaciones fácilmente. Por lo general, se combinaban con alfombras de estilo similar. La mayoría de las pantallas estaban pintadas sobre tela o madera. Una pantalla Art Deco muy inusual es Oasis , hecha de hierro y cobre por el ingeniero y trabajador del metal Edgar Brandt para exhibir en la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925.
Otro fabricante de pantallas influyente fue Jean Dunand , quien dominó el antiguo arte de la pintura japonesa con laca y también trabajó con cobre y otros materiales inusuales. Su pantalla Fortissimo , ahora en el Museo Metropolitano de Arte, está hecha de madera lacada, cáscara de huevo, nácar y pan de oro.
Pantalla de Armand-Albert Rateau (1921–22), (Musée des Arts Décoratifs Paris)
Biombo Art Deco Oasis , msde de cobre y acero, de Edgar Brandt (1925)
Fortissimo , biombo de Jean Dunand (1924–26), de madera lacada, cáscara de huevo, nácar y pan de oro. (Museo Metropolitano de Arte)
Cubiertos
Jean Puiforcat (1897-1945) fue la figura principal de la platería Art Deco de París. Hijo de platero, también fue escultor. Tuvo su primer éxito en 1923 en el Salon des Decorateurs de París, donde combinó la plata con el lapislázuli . Hizo solo artículos individuales, no series, y a menudo los combinó con piedras semipreciosas. Stavros Niarchos donó al Louvre una importante colección de su trabajo y cubiertos que coleccionó . [20]
Tetera de plata y lapislázuli de Jean Puiforcat (1922) ( Museo Metropolitano )
Servicio de té de plata, lapislázuli y marfil de Jean Puiforcat (1922) Museo Metropolitano
Sopera, plata y oro de Jean Puiforcat (1937), Museo Metropolitano
Arte en vidrio
El dominio del arte en vidrio Art Deco en París fue dominado por René Lalique , quien se hizo famoso por primera vez en la Exposición de París de 1900, cuando fue el primer joyero que utilizó el vidrio en joyería. Además de la cristalería de mesa, diseñó una amplia variedad de objetos de arte en vidrio, tanto prácticos como decorativos, incluidos adornos de vidrio para capotas de automóviles de lujo. Sus principales proyectos incluyeron la decoración del comedor del transatlántico París (1920), la realización de servicio de mesa para el presidente francés (1922) y una fuente de vidrio iluminada en un lugar central en la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925. A partir de 1925 modificó su estilo de fantasías florales a diseños más geométricos y simples. En la década de 1930 decoró el comedor del transatlántico SS Normandie . [21]
Firebird de René Lalique (1922) ( Dayton Art Institute )
Jarrón de Lalique con figuras femeninas (1930) ( Musée des Arts Décoratifs, París )
Hebilla de cinturón Lalique (1932) ( Museo Metropolitano de Arte )
Adorno de capucha gris de René Lalique (1935) ( Museo de Arte de Baltimore )
Taza y jarrón de Maurice Marinot (1932)
Objetos decorativos
Cigarrillo de piel de serpiente y oro de Pierre Legrain (1925) (Museo Metropolitano)
Cigarrillo de cuero y pan de oro de Pierre Legrain (1922) (Museo Metropolitano)
Reloj Art Deco, pitilleras y pastillero fabricados por la firma parisina de Chaumet (1926–30) (Museo de Artes Decorativas de París)
Boucheron (1925), una hebilla de oro engastada con diamantes y ónix tallado, lapislázuli, jade y coral (Museo de Artes Decorativas, París)
Escultura
La escultura Art Deco era por definición y función decorativa, generalmente colocada en las fachadas o en las proximidades de los edificios en el estilo para complementarlos. Algunos escultores de París, como Antoine Bourdelle , crearon tanto la escultura Deco como piezas de galería o monumentales más tradicionales. Bourdelle fue el primer gran escultor Art Deco, por los frisos y otras obras que creó para decorar el Théâtre des Champs-Élysées , aunque gran parte de su otra obra de la época era escultura más tradicional.
Demétre Chiparus , nacido en Rumanía, se convirtió en uno de los escultores Deco más exitosos de París, y mostró su trabajo regularmente en el Salon des Artistes Français entre 1914 y 1928. Se especializó en pequeñas estatuillas llamadas criselefantinas , que representan mujeres con rostro y manos hechas de vestidos de marfil con trajes de bronce. Representó a bailarines, acróbatas y otras figuras exóticas. [22]
La escultura monumental complementó la fachada y el patio del Palais de Chaillot de la Exposición de París de 1937, incluida una estatua de "La Fruta" de Félix-Alexandre Desruelles en el Palais de Chaillot (1937)
Apolo y las musas , un bajorrelieve para la fachada del Théâtre des Champs-Élysées (1910-1912)
La France de Antoine Bourdelle (1922)
La fruta de Félix-Alexandre Desruelles en el Palais de Chaillot (1937)
Tanara de Demétre Chiparus
Les Girls de Demétre Chiparus , de bronce y marfil, sobre una base de cuarzo y mármol (década de 1920) Museo Art Déco de Moscú
Murales
Modelo de Maurice Denis para el mural del interior de la cúpula del Théâtre des Champs-Élysées (1911-1912)
Murales en la entrada del Théâtre national de Chaillot (1937)
Carteles y artes gráficas
Las artes gráficas, en particular las portadas de revistas de moda y las ilustraciones, jugaron un papel importante en la popularización del estilo, como lo habían hecho antes los carteles para el Art Nouveau . Los ilustradores más importantes fueron Paul Iribe y Georges Lepape, cuyas ilustraciones de moda para la revista Vogue ayudaron a popularizar los diseños de Paul Poiret . Las ilustraciones de Lepape también fueron una característica importante de la revista de moda Gazette de Bon Ton . Reproducidas en los Estados Unidos, las ilustraciones de moda francesa crearon una gran demanda de los nuevos estilos franceses. Lepape también diseñó vestuario y decorados para teatro y ballet. También es la inspiración en el emblema oficial de los Juegos Olímpicos de Verano de 2024 y los Juegos Paralímpicos de Verano de 2024 en París. [23]
Ilustración de moda de diseños de Paul Poiret por Paul Iribe (1908)
Ilustración de la moda Poiret de Paul Iribe (1912)
Portada de Vanity Fair de Georges Lepape (1919)
Póster del Moulin Rouge de Charles Gesmar (1925)
Paquete de postales de la Exposición de París de 1937
Art Deco en los museos de París
Los siguientes museos de París tienen colecciones notables de muebles y artículos decorativos Art Deco.
- Musée des Arts Décoratifs, París
- Museo de Orsay
- Musée d'Art Moderne de Paris (Palais de Tokyo) - Sala Art Deco
- Musée des Années Trente en el suburbio de Boulogne-Billancourt , en el oeste de París , estación Marcel Sembat (Metro de París) Línea nueve
Notas y citas
- ^ Benton 2002 , págs. 165-170.
- ^ "Salon d'Automne 2012, catálogo de la exposición" (PDF) . Archivado desde el original (PDF) el 2018-02-01 . Consultado el 13 de septiembre de 2019 .
- ↑ Laurent, Stephane, "L'artiste décorateur", en Art Deco, 1910-1939 de Charlotte Benton, Tim Benton y Ghislain Wood (2002), Renaissance du Livre, páginas 165-171
- ^ Texier (2019) pág. 7
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