teatro experimental
El teatro experimental (también conocido como teatro de vanguardia ), inspirado en gran parte por el concepto de Gesamtkunstwerk de Wagner , [1] comenzó en el teatro occidental a fines del siglo XIX con Alfred Jarry y sus obras de Ubu como un rechazo tanto de la época en particular y, en general, las formas dominantes de escribir y producir obras de teatro. El término ha cambiado con el tiempo a medida que el mundo del teatro convencional ha adoptado muchas formas que alguna vez se consideraron radicales.
Al igual que otras formas de vanguardia , se creó como respuesta a una crisis cultural general percibida. A pesar de los diferentes enfoques políticos y formales, todo teatro de vanguardia se opone al teatro burgués. Intenta introducir un uso diferente del lenguaje y del cuerpo para cambiar el modo de percepción [2] y crear una nueva relación más activa con la audiencia.
El famoso director de teatro experimental y dramaturgo Peter Brook describe su tarea como la construcción de "... un teatro necesario, uno en el que solo hay una diferencia práctica entre el actor y el público, no una diferencia fundamental". [3]
Tradicionalmente, las audiencias son vistas como observadores pasivos. Muchos practicantes del teatro experimental han querido desafiar esto. Por ejemplo, Bertolt Brecht quería movilizar a su público haciendo que un personaje de una obra rompiera la "cuarta pared" invisible, haciendo preguntas directamente al público, sin darles respuestas, haciendo que pensaran por sí mismos; Augusto Boal quería que sus audiencias reaccionaran directamente a la acción; y Antonin Artaud quería afectarlos directamente en un nivel subconsciente. [4] Peter Brook ha identificado un triángulo de relaciones dentro de una actuación: las relaciones internas de los artistas, las relaciones de los artistas entre sí en el escenario y su relación con la audiencia.[3] [5] El grupo de teatro experimental británico Welfare State International ha hablado de un círculo ceremonial durante la actuación, el elenco proporciona una mitad, la audiencia proporciona otra y la energía en el medio. [6]
Además de las implicaciones ideológicas del papel de la audiencia, los teatros y las representaciones se han dirigido a la audiencia o la han involucrado de diversas maneras. El arco del proscenio ha sido cuestionado, con actuaciones que se aventuran en espacios no teatrales . Las audiencias se han involucrado de manera diferente, a menudo como participantes activos en la acción en un nivel muy práctico. Cuando se ha utilizado un arco de proscenio, a menudo se ha subvertido su uso habitual.
La participación de la audiencia puede ir desde pedir voluntarios para subir al escenario hasta que los actores griten en la cara de los miembros de la audiencia. Al utilizar la participación de la audiencia, el artista invita a la audiencia a sentirse de cierta manera y, al hacerlo, puede cambiar sus actitudes, valores y creencias con respecto al tema de la actuación. Por ejemplo, en una actuación sobre el acoso escolar, el personaje puede acercarse a un miembro de la audiencia, evaluarlo y desafiarlo a una pelea en el acto. La mirada aterrorizada en el rostro del miembro de la audiencia encarnará fuertemente el mensaje de intimidación para el miembro y el resto de la audiencia.
