El cine clásico de Hollywood es un término utilizado en la crítica cinematográfica para describir tanto un estilo narrativo como visual de la realización cinematográfica que se convirtió en una característica del cine estadounidense entre la década de 1910 (rápidamente después de la Primera Guerra Mundial ) y la de 1960. [4] Eventualmente se convirtió en el estilo de realización cinematográfica más poderoso y omnipresente en todo el mundo. [5] Términos similares o asociados incluyen la narrativa clásica de Hollywood , la Edad de Oro de Hollywood , el Viejo Hollywood y la continuidad clásica . [6]
Años activos | 1910-1960 |
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País | Estados Unidos |
Grandes figuras | ver Lista de personas y películas del cine clásico de Hollywood |
Influencias | |
Influenciado |
Desarrollo del estilo clásico
Película narrativa temprana (1894-1913)
Durante siglos, el único estándar visual del arte narrativo fue el teatro . Desde las primeras películas narrativas a mediados de la década de 1890, los realizadores buscaron capturar el poder del teatro en vivo en la pantalla del cine. La mayoría de estos cineastas comenzaron como directores en el escenario de finales del siglo XIX, y del mismo modo, la mayoría de los actores de cine tenían sus raíces en el vodevil (por ejemplo, Los hermanos Marx [7] ) o melodramas teatrales. Visualmente, las primeras películas narrativas se habían adaptado poco del escenario, y sus narrativas se habían adaptado muy poco del vodevil y el melodrama. Antes del estilo visual que se conocería como "continuidad clásica", las escenas se filmaron en plano completo y se utilizaron una puesta en escena cuidadosamente coreografiada para representar la trama y las relaciones entre los personajes. El corte era extremadamente limitado y en su mayoría consistía en primeros planos de la escritura sobre objetos para su legibilidad.
Maduración de los silencios (1913-finales de la década de 1920)
Aunque carece de la realidad inherente al escenario, el cine (a diferencia del escenario) ofrece la libertad de manipular el tiempo y el espacio aparentes, y así crear la ilusión de realismo, es decir, linealidad temporal y continuidad espacial. A principios de la década de 1910, el cine estaba comenzando a desarrollar su potencial artístico. En Suecia y Dinamarca, este período se conocería más tarde como una "Edad de Oro" del cine; En Estados Unidos, este cambio artístico se atribuye a que cineastas como DW Griffith finalmente rompieron el control de Edison Trust para hacer películas independientes del monopolio de fabricación. Las películas de todo el mundo comenzaron a adoptar de manera notable elementos visuales y narrativos que se encontrarían en el cine clásico de Hollywood. 1913 fue un año particularmente fructífero para el medio, ya que directores pioneros de varios países produjeron obras maestras como The Mothering Heart (DW Griffith), Ingeborg Holm ( Victor Sjöström ) y L'enfant de Paris ( Léonce Perret ) que establecieron nuevos estándares para el cine como forma de contar historias. También fue el año en que Yevgeni Bauer (el primer verdadero artista cinematográfico, según Georges Sadoul [8] ) comenzó su corta pero prolífica carrera. [9]
En el mundo en general y en Estados Unidos específicamente, la influencia de Griffith en el cine fue incomparable. Igualmente influyentes fueron sus actores en la adaptación de sus actuaciones al nuevo medio. Lillian Gish , la estrella de The Mothering Heart , es particularmente conocida por su influencia en las técnicas de interpretación en pantalla. La epopeya de Griffith de 1915 El nacimiento de una nación fue pionera para el cine como medio de narración: una obra maestra de la narrativa literaria con numerosas técnicas visuales innovadoras. La película inició tantos avances en el cine estadounidense que quedó obsoleta en unos pocos años. [10] Aunque 1913 fue un hito mundial para el cine, 1917 fue principalmente estadounidense; la era del "cine clásico de Hollywood" se distingue por un estilo narrativo y visual que comenzó a dominar el medio cinematográfico en Estados Unidos en 1917. [11]
El cine clásico de Hollywood en la era del sonido (finales de los años veinte y sesenta)
El estilo narrativo y visual del estilo clásico de Hollywood se desarrolló aún más después de la transición a la producción de películas sonoras. Los principales cambios en el cine estadounidense vinieron de la propia industria cinematográfica, con el auge del sistema de estudio . Este modo de producción, con su sistema de estrellas reinante promovido por varios estudios clave, [12] había precedido al sonido por varios años. A mediados de 1920, la mayoría de los directores y actores estadounidenses prominentes, que habían trabajado de forma independiente desde principios de la década de 1910, tuvieron que convertirse en parte del nuevo sistema de estudios para continuar trabajando.
El comienzo de la era del sonido en sí está definido de manera ambigua. Para algunos, comenzó con The Jazz Singer , que se estrenó en 1927, y aumentó las ganancias de taquilla de las películas a medida que se introdujo el sonido en los largometrajes. [13] Para otros, la era comenzó en 1929, cuando la era del silencio había terminado definitivamente. [14] La mayoría de las películas de Hollywood desde finales de la década de 1920 hasta la de 1960 se adhirieron estrechamente a un género: occidental, comedia slapstick , musical, dibujos animados y biopic (imagen biográfica), y los mismos equipos creativos a menudo trabajaban en películas realizadas por el mismo estudio. Por ejemplo, Cedric Gibbons y Herbert Stothart siempre trabajaron en películas de MGM ; Alfred Newman trabajó en 20th Century Fox durante veinte años; Casi todas las películas de Cecil B. DeMille se hicieron en Paramount Pictures ; [15] y las películas del director Henry King se hicieron principalmente para Twentieth Century Fox. Del mismo modo, los actores eran en su mayoría contratistas. Los historiadores y críticos cinematográficos señalan que las películas tardaron alrededor de una década en adaptarse al sonido y volver al nivel de calidad artística de los silenciosos, lo que sucedió a fines de la década de 1930.
Muchas de las grandes obras del cine que surgieron de este período fueron de una cinematografía muy reglamentada. Una razón por la que esto fue posible es que, con tantas películas en marcha, no todas tenían que ser un gran éxito. Un estudio podría apostar por un largometraje de presupuesto medio con un buen guión y actores relativamente desconocidos. Este fue el caso de Citizen Kane (1941), dirigida por Orson Welles y considerada por algunos como la mejor película de todos los tiempos. Otros directores de voluntad fuerte, como Howard Hawks , Alfred Hitchcock y Frank Capra , lucharon contra los estudios para lograr sus visiones artísticas. El apogeo del sistema de estudio puede haber sido el año 1939, que vio el lanzamiento de clásicos como Lo que el viento se llevó , El mago de Oz , El jorobado de Notre Dame , Stagecoach , Mr. Smith va a Washington , Destry Rides Again , El joven Sr. Lincoln , Cumbres Borrascosas , Solo los ángeles tienen alas , Ninotchka , Beau Geste , Bebés en brazos , Gunga Din , Las mujeres , Adiós, Sr. Chips y Los locos años veinte . [dieciséis]
Estilo
El estilo narrativo visual del cine clásico de Hollywood elaborado por David Bordwell , [17] fue fuertemente influenciado por las ideas del renacimiento y su resurgimiento de la humanidad como el punto focal. Se distingue en tres niveles generales: dispositivos, sistemas y relaciones de sistemas.
Dispositivos
Los dispositivos más inherentes al cine clásico de Hollywood son los de la edición continua . Esto incluye la regla de los 180 grados , uno de los principales elementos espaciales visuales de la edición de continuidad. La regla de los 180 grados se mantiene con el estilo de "juego fotografiado" al crear un eje imaginario de 180 grados entre el espectador y la toma, lo que permite a los espectadores orientarse claramente dentro de la posición y la dirección de la acción en una escena. De acuerdo con la regla de los 30 grados , los cortes en el ángulo desde el que se ve la escena deben ser lo suficientemente significativos para que el espectador comprenda el propósito de un cambio de perspectiva. Los cortes que no se adhieren a la regla de los 30 grados, conocidos como cortes de salto , interrumpen la ilusión de continuidad temporal entre tomas. Las reglas de 180 y 30 grados son pautas elementales en la realización de películas que precedieron al inicio oficial de la era clásica en más de una década, como se ve en la película francesa pionera de 1902 Un viaje a la luna . Las técnicas de corte en la edición clásica de continuidad sirven para ayudar a establecer o mantener la continuidad, como en el corte transversal , que establece la concurrencia de acciones en diferentes localizaciones. Se permiten cortes de salto en forma de corte axial , que no cambia en absoluto el ángulo de disparo, pero tiene el claro propósito de mostrar una perspectiva más cercana o más alejada del sujeto, y por lo tanto no interfiere con la continuidad temporal. [18]
Sistemas
Lógica narrativa
La narración clásica progresa siempre a través de la motivación psicológica, es decir, por la voluntad de un personaje humano y su lucha con los obstáculos hacia una meta definida. Este elemento narrativo se compone comúnmente de una narrativa primaria (por ejemplo, un romance) entrelazada con una narrativa secundaria o narrativas. Esta narrativa está estructurada con un principio, un medio y un final inconfundibles y, en general, tiene una resolución distinta. Utilizar actores, eventos, efectos causales, puntos principales y puntos secundarios son características básicas de este tipo de narrativa. Los personajes del cine clásico de Hollywood tienen rasgos claramente definibles, son activos y muy orientados a objetivos. Son agentes causales motivados por preocupaciones psicológicas más que sociales. [5] La narrativa es una cadena de causa y efecto en la que los personajes son los agentes causales; en el estilo clásico, los eventos no ocurren al azar.
Tiempo cinematográfico
El tiempo en el Hollywood clásico es continuo, lineal y uniforme, ya que la no linealidad llama la atención sobre el funcionamiento ilusorio del medio. La única manipulación de tiempo permitida en este formato es el flashback . Se utiliza principalmente para introducir una secuencia de memoria de un personaje, por ejemplo, Casablanca . [19]
Espacio cinematográfico
La mayor regla de la continuidad clásica con respecto al espacio es la permanencia del objeto: el espectador debe creer que la escena existe fuera de la toma del marco cinematográfico para mantener el realismo de la imagen. El tratamiento del espacio en el Hollywood clásico se esfuerza por superar u ocultar la bidimensionalidad del cine ("estilo invisible") y está fuertemente centrado en el cuerpo humano. La mayoría de planos de una película clásica se centran en gestos o expresiones faciales ( planos medio-largos y medios ). André Bazin una vez comparó el cine clásico con una obra de teatro fotografiada en el sentido de que los eventos parecen existir objetivamente y que las cámaras solo nos brindan la mejor vista de toda la obra. [20]
Este tratamiento del espacio consta de cuatro aspectos principales: centrado, equilibrio, frontalidad y profundidad. Las personas o objetos de importancia son en su mayoría en la parte central de la imagen del marco y nunca fuera de foco. El equilibrio se refiere a la composición visual, es decir, los personajes se distribuyen uniformemente a lo largo del cuadro. La acción se dirige sutilmente hacia el espectador (frontalidad) y el escenario , la iluminación (principalmente iluminación de tres puntos , especialmente la iluminación de clave alta ) y el vestuario está diseñado para separar el primer plano del fondo (profundidad).
Relaciones de sistemas
Los aspectos de espacio y tiempo están subordinados al elemento narrativo.
Crítica
Este estilo de cine no está exento de críticas, que van desde los estereotipos raciales (especialmente de los afroamericanos ) [21] [22] hasta la falta de realismo que resultó en un cine posterior a la Segunda Guerra Mundial más realista . [23] [24] [25]
Legado
El Nuevo Hollywood de las décadas de 1960 y 1970 estuvo influenciado por el romanticismo de la era clásica, [26] al igual que la Nueva Ola francesa . [27]
Ver también
- Lista de personas y películas del cine clásico de Hollywood
- New Hollywood : edad superpuesta / sucesiva de 1965 a 1983
- Edad de oro de la televisión : edad superpuesta de 1947 a 1957
- Edad de oro de la animación estadounidense : edad superpuesta de 1928 a 1969
- Lista de actores vivos de la Edad de Oro de Hollywood : todos los actores vivos restantes conocidos que protagonizaron películas de Hollywood de 1927 a 1959.
- Poverty Row - Películas de serie B durante esta época
- Cine maximalista y minimalista
- Película modernista
Referencias
- ^ "Ensayo de cine de Hollywood clásico y posclásico - Historia Hollywo" . www.123helpme.com . Archivado desde el original el 9 de noviembre de 2018 . Consultado el 9 de noviembre de 2018 .
- ^ "El arte antiguo de Falling DownVaudeville Cinema entre Hollywood y China" . Centro de recursos de MCLC . 29 de agosto de 2017. Archivado desde el original el 15 de diciembre de 2017 . Consultado el 14 de diciembre de 2017 .
- ^ [1] Archivado el 2 de mayo de 2019 en el cine expresionista alemán Wayback Machine - The World of Light and Shadow-Columbia University Press
- ^ "Música y Cine, Hollywood Clásico" . Bibliografías de Oxford en línea . Prensa de la Universidad de Oxford. Archivado desde el original el 11 de abril de 2020 . Consultado el 4 de diciembre de 2019 .
- ^ a b Goldburg, Michael. "Cine clásico de Hollywood (Archivo de Internet)" . Archivado desde el original el 31 de mayo de 2007 . Consultado el 31 de mayo de 2007 .
- ^ El estilo narrativo clásico de Hollywood en el Departamento de Historia de la Universidad de San Diego .
- ^ "Los hermanos Marx - Espectáculos de vodevil" . Archivado desde el original el 24 de junio de 2021 . Consultado el 18 de junio de 2021 .
- ^ Georges Sadoul. Всеобщая история кино. Moscú, Iskustvo, 1958. Т. 3. p. 178
- ^ [2] Archivado el 29 de agosto de 2017 en la Wayback Machine Evgenii Bauer (1865-1917)
- ^ Brownlow, Kevin (1968). El desfile se ha ido ... , University of California Press, pág. 78. ISBN 0-520-03068-0 .
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- ^ "Nueva ola francesa: la influencia de los influencers - el escenario de la película" . Archivado desde el original el 29 de enero de 2020 . Consultado el 29 de enero de 2020 .
Otras lecturas
- Bordwell, David ; Staiger, Janet ; Thompson, Kristin (1985). El cine clásico de Hollywood . Nueva York: Columbia University Press. ISBN 0-231-06055-6.
- Davis, Blair (2012). La batalla por los B: Hollywood de los años 50 y el renacimiento del cine de bajo presupuesto . Nueva Jersey: Rutgers University Press. ISBN 978-0813552538.
- Adiós, John. (2008) El arte oculto de Hollywood . Westport Conn .: Praeger Press.
- McGilligan, Patrick (1985). Trasfondo 1: Entrevistas con guionistas de la Edad de Oro de Hollywood (No. 1) . Prensa de la Universidad de California. ISBN 978-0520056893.
- Salt, Barry . Estilo cinematográfico y tecnología: historia y análisis .
- Dixon, Wheeler Winston (2013). Cine al margen . Anthem Press. ISBN 978-0-85728-186-9.
enlaces externos
- David Bordwell y Kristin Thompson, "¡Feliz cumpleaños, cine clásico!" , 28 de diciembre de 2007. Análisis de la continuidad clásica en el cine narrativo desde 1917 hasta la actualidad.
- Las películas-Hollywood's Golden Age.com
- The Golden Age of Hollywood: Crash Course Film History # 11 por Crash Course en YouTube