El cine de Hong Kong ( chino :香港 電影) es uno de los tres hilos principales de la historia del cine en idioma chino, junto con el cine de China y el cine de Taiwán . Como ex colonia británica , Hong Kong tenía un mayor grado de libertad política y económica que China continental y Taiwán , y se convirtió en un centro cinematográfico para el mundo de habla china (incluida su diáspora mundial ).
Cine de Hong Kong | |
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No de pantallas | 204 (2011) [1] |
• Per cápita | 3,1 por 100.000 (2011) [1] |
Largometrajes producidos (2005-2009) [2] | |
Total | 56 (promedio) |
Número de ingresos (2010) [4] | |
Total | 22,500,000 |
• Per cápita | 3.2 (2010) [3] |
Taquilla bruta (2014) [5] | |
Total | HK $ 1,65 mil millones |
Durante décadas, Hong Kong fue la tercera industria cinematográfica más grande del mundo (después del cine indio y el cine estadounidense ) y el segundo mayor exportador. A pesar de la crisis de la industria que comenzó a mediados de la década de 1990 y la transferencia de Hong Kong a la soberanía china en julio de 1997, el cine de Hong Kong ha conservado gran parte de su identidad distintiva y sigue desempeñando un papel destacado en el escenario del cine mundial. En Occidente, el vigoroso cine pop de Hong Kong (especialmente el cine de acción de Hong Kong ) ha tenido un gran número de seguidores de culto , que ahora es posiblemente una parte de la corriente cultural dominante, ampliamente disponible e imitado.
Económicamente, la industria cinematográfica, junto con el valor agregado de las industrias culturales y creativas, representa el 5% de la economía de Hong Kong . [6]
La industria de Hong Kong
A diferencia de muchas industrias cinematográficas, Hong Kong ha disfrutado de poco o ningún apoyo gubernamental directo, ya sea mediante subvenciones o cuotas de importación. Es un cine completamente comercial: altamente corporativo, que se concentra en géneros que agradan al público como la comedia y la acción, y se basa en gran medida en fórmulas , secuelas y remakes .
La película de Hong Kong deriva una serie de elementos de Hollywood, como ciertos parámetros de género, una filosofía de "emoción por minuto" y un ritmo rápido y edición de películas. Pero los préstamos se filtran a través de elementos del drama y el arte tradicionales chinos , en particular una inclinación por la estilización y un desprecio por los estándares occidentales de realismo . Esto, combinado con un enfoque rápido y relajado del proceso de realización de películas, contribuye a la energía y la imaginación surrealista que el público extranjero nota en el cine de Hong Kong.
En 2010, la taquilla bruta en Hong Kong fue de HK $ 1.339 mil millones y en 2011 fue de HK $ 1.379 mil millones. En 2011 se estrenaron 56 películas de Hong Kong y 220 películas extranjeras [7].
En 2017, la taquilla fue de 1.850 millones de dólares de Hong Kong en comparación con los 1.950 millones de dólares de Hong Kong en 2016. En 2017 se estrenaron 331 películas, frente a las 348 del año anterior. [8]
El sistema estelar
Según McDonald, un sistema de estrellas surgió en Hollywood cuando buscadores de talentos, entrenadores y publicistas participaron en la búsqueda de artistas y los convirtieron en estrellas. En la industria cinematográfica de Hollywood integrada verticalmente de las décadas de 1920, 1930 y 1940, todas estas responsabilidades fueron asumidas por los propios estudios. Los estudios eran las estrellas y, debido a los términos notoriamente restrictivos impuestos por los contratos de servicios exclusivos, los estudios también eran dueños de las estrellas (McDonald, 2000). Como es común en el cine comercial, el corazón de la industria es un sistema estelar altamente desarrollado . En los primeros días, los artistas queridos del escenario de la ópera china a menudo llevaban a su público a la pantalla. Durante las últimas tres o cuatro décadas, la televisión ha sido una importante plataforma de lanzamiento para el estrellato cinematográfico, a través de cursos de actuación y series de drama, comedia y variedades ampliamente vistas ofrecidas por las dos principales estaciones . Posiblemente aún más importante es la superposición con la industria de la música pop cantonesa . Muchas, si no la mayoría, de las estrellas de cine tienen grabaciones al margen y viceversa; Ésta ha sido una estrategia de marketing clave en una industria del entretenimiento donde las campañas publicitarias multimedia al estilo estadounidense hasta hace poco se han utilizado poco (Bordwell, 2000). En el actual clima comercialmente problemático, el casting de jóvenes ídolos de Cantopop (como Ekin Cheng y los Twins ) para atraer a la importante audiencia juvenil es endémico.
En la industria pequeña y unida, los actores (así como otro personal y π , como los directores) se mantienen muy ocupados. Durante los períodos de auge anteriores, la cantidad de películas realizadas por una figura exitosa en un solo año podía alcanzar habitualmente los dos dígitos.
Presupuestos
Las películas suelen ser de bajo presupuesto en comparación con las películas estadounidenses . [9] Un lanzamiento importante con una gran estrella, destinado al estado de "éxito", costará típicamente alrededor de 5 millones de dólares (Yang et al., 1997). Una función de bajo presupuesto puede llegar muy por debajo de 1 millón de dólares. Los proyectos ocasionales de éxito de taquilla de las estrellas más importantes ( Jackie Chan o Stephen Chow , por ejemplo) o las coproducciones internacionales ("crossovers") dirigidas al mercado global, pueden llegar a los 20 millones de dólares o más, pero estas son raras excepciones. . [9] No obstante, las producciones de Hong Kong pueden alcanzar un nivel de brillo y lujo superior al que podrían sugerir estas cifras, dados factores como los salarios más bajos y el valor del dólar de Hong Kong.
Lenguaje y sonido
Películas en el Cantonés lenguaje se han realizado en Hong Kong desde el principio. En la década de 1950, también se convirtió en un centro de realización de películas en mandarín después de la toma de poder por los comunistas en China continental y la industria del entretenimiento se trasladó de Shanghai a Hong Kong. Desde la década de 1960 hasta mediados de la de 1970, las producciones cinematográficas en mandarín se hicieron dominantes, especialmente las realizadas por el estudio Shaw Brothers en Hong Kong. [10] También hubo un breve período en el que se produjeron películas de Hokkien en Hong Kong, [11] y también se hicieron películas en el dialecto Teochew . [12] Las películas cantonesas regresaron en la década de 1970 y, desde la década de 1980, las películas se han realizado principalmente en cantonés.
Durante décadas, las películas se rodaron típicamente en silencio , con los diálogos y todos los demás sonidos doblados posteriormente. En la industria agitada y de bajo presupuesto, este método fue más rápido y más rentable que grabar sonido en vivo, particularmente cuando se utilizan artistas de diferentes regiones dialectales; también ayudó a facilitar el doblaje a otros idiomas para el vital mercado de exportación (por ejemplo, mandarín estándar para China continental y Taiwán). Muchas estrellas ocupadas ni siquiera grabarían sus propios diálogos, sino que serían dobladas por un intérprete menos conocido. El rodaje sin sonido también contribuyó a un enfoque cinematográfico improvisado. Las películas a menudo entraban en producción sin guiones terminados, con escenas y diálogos inventados en el set; Especialmente las producciones de bajo presupuesto con horarios ajustados pueden incluso hacer que los actores hablen en silencio o simplemente cuenten números, con diálogos reales creados solo en el proceso de edición.
La tendencia hacia la filmación de sonido sincronizado creció a fines de la década de 1990 y este método es ahora la norma, en parte debido a una asociación pública generalizada con cine de mayor calidad.
Historia
1909 hasta la Segunda Guerra Mundial
Durante su historia temprana, el cine de Hong Kong jugó un papel secundario al del continente , particularmente a la ciudad de Shanghai, que entonces era la capital cinematográfica del mundo de habla china. Se conserva muy poco de este trabajo: un recuento encuentra que solo quedan cuatro películas de las más de 500 producidas en Hong Kong antes de la Segunda Guerra Mundial (Fonoroff, 1997). Por lo tanto, las cuentas detalladas de este período tienen limitaciones e incertidumbres inherentes.
Pioneros del escenario
Como en la mayor parte de China, el desarrollo de las primeras películas estuvo estrechamente ligado a la ópera china , que durante siglos fue la forma dominante de entretenimiento dramático. Las escenas de ópera fueron la fuente de lo que generalmente se acredita como las primeras películas realizadas en Hong Kong, dos comedias cortas de 1909 tituladas Stealing a Roasted Duck y Right a Wrong with Earthenware Dish . El director fue el actor de teatro y director Liang Shaobo. El productor era un estadounidense, Benjamin Brodsky (a veces transcrito como 'Polaski'), uno de los varios occidentales que ayudaron a impulsar el cine chino a través de sus esfuerzos por abrirse paso en el vasto mercado potencial de China.
El crédito por el primer largometraje de Hong Kong generalmente se le da a Zhuangzi Tests His Wife (1913), que también tomó su historia del escenario de la ópera, fue dirigida por un director de escena y contó con la participación de Brodsky. El director Lai Man-Wai (Li Ming Wei o Li Minwei en mandarín ) fue un colega teatral de Liang Shaobo que sería conocido como el "Padre del Cine de Hong Kong". En otro préstamo de la ópera, Lai interpretó el papel de esposa. Su hermano interpretó el papel de marido y su esposa un papel secundario como sirvienta, convirtiéndola en la primera mujer china en actuar en una película china, un hito retrasado por tabúes de larga data sobre las intérpretes femeninas (Leyda, 1972). Zhuangzhi fue la única película realizada por Chinese American Film, fundada por Lai y Brodsky como el primer estudio cinematográfico en Hong Kong, y en realidad nunca se proyectó en el territorio (Stokes y Hoover, 1999).
Al año siguiente, el estallido de la Primera Guerra Mundial obstaculizó enormemente el desarrollo del cine en Hong Kong, ya que Alemania era la fuente del acervo cinematográfico de la colonia (Yang, 2003). No fue hasta 1923 que Lai, su hermano y su primo se unieron a Liang Shaobo para formar la primera compañía de producción de propiedad y operación totalmente china de Hong Kong, China Sun Motion Picture Company . En 1924, trasladaron su operación al continente después de que la burocracia del gobierno bloqueara sus planes de construir un estudio. (Teo, 1997)
El advenimiento del sonido
Con la popularidad de las películas habladas a principios de la década de 1930, hubo que abordar el problema de los diversos dialectos hablados en China . Hong Kong era un centro importante para el cantonés , uno de los más hablados, y los factores políticos del continente ofrecían otras oportunidades. En 1932, los hermanos Shaw , que formaron Tianyi Film Company , se asociaron con el cantante de ópera cantonés Sit Gok-Sin
para hacer el primer talkie cantonés, White Gold Dragon , en Shanghai. Esta película resultó ser un gran éxito y, en 1934, establecieron una sucursal del Tianyi Studio en Kowloon para hacer películas en cantonés. [13] [14] El gobierno del Kuomintang o Partido Nacionalista quería imponer una política de "solo mandarín" y era hostil al cine cantonés en China. También prohibió el muy popular género wuxia de artes marciales con espadas y fantasía, acusándolo de promover la superstición y la anarquía violenta. El cine cantonés y el cine wuxia siguieron siendo populares a pesar de la hostilidad del gobierno, y la colonia británica de Hong Kong se convirtió en un lugar donde ambas tendencias podían ser atendidas libremente. Tianyi pronto trasladó toda la operación de producción de películas de Shanghai a Hong Kong y reorganizó Tianyi en Nanyang (南洋) Productions. [15] El nombre 粵語 長 片 ( Pinyin : Yuèyǔ cháng piàn, Jyutping : jyut6 jyu5 coeng4 pin3 * 2) pronto se convirtió en el nombre estándar para las películas cantonesas en blanco y negro.Las óperas cantonesas filmadas resultaron incluso más exitosas que la wuxia y constituyeron el género principal de la década de 1930. Los principales estudios que prosperaron en este período fueron Grandview, Universal y Nanyang (que más tarde se convirtió en el Shaw Brothers Studio que tendría una influencia duradera en el cine chino). (Teo, 1997)
La era de la guerra
Otro factor importante en la década de 1930 fue la segunda guerra chino-japonesa . Las películas de "defensa nacional" —historias de guerra patriótica sobre los chinos que resistieron la invasión japonesa— se convirtieron en uno de los principales géneros de Hong Kong; títulos notables incluyen Lifeline de Kwan Man Ching (1935), Combate mano a mano de Chiu Shu Sun (1937) y La marcha de los partisanos de Situ Huimin (1938). El género y la industria cinematográfica fueron impulsados aún más por artistas y compañías cinematográficas emigrados cuando los japoneses tomaron Shanghai en 1937.
Esto, por supuesto, llegó a su fin cuando el propio Hong Kong cayó en manos de los japoneses en diciembre de 1941. Pero, a diferencia de China continental, los ocupantes no pudieron montar una industria cinematográfica colaboracionista. Se las arreglaron para completar una sola película de propaganda, El ataque a Hong Kong (1942; también conocido como El día del colapso de Inglaterra ) antes de que los británicos regresaran en 1945 (Teo, 1997). Un movimiento más importante de los japoneses pudo haber sido fundir muchas de las películas de Hong Kong anteriores a la guerra para extraer su nitrato de plata para uso militar (Fonoroff, 1997).
Década de 1940 a 1960
El cine de la posguerra de Hong Kong, como las industrias de la posguerra de Hong Kong en general, fue catalizado por la continua afluencia de capital y talentos de China continental. La población de Hong Kong en 1940 era de alrededor de 1 millón [16] y aumentó a alrededor de 3,9 millones en 1967, [17] la población se incrementó alrededor de 2,9 millones en este período. Esto se convirtió en una inundación con la reanudación de la Guerra Civil China en 1946 (que había estado en suspenso durante la lucha contra Japón) y luego la victoria comunista de 1949 . Estos hechos trasladaron definitivamente el centro del cine en chino a Hong Kong. La colonia también hizo grandes negocios exportando películas a los países del sudeste asiático (especialmente, pero no exclusivamente, debido a sus grandes comunidades de expatriados chinos ) y a los barrios chinos de los países occidentales (Bordwell, 2000).
Idiomas que compiten
La era de la posguerra también cimentó la bifurcación de la industria en dos cines paralelos, uno en mandarín, el dialecto dominante de los emigrados del continente, y otro en cantonés , el dialecto de la mayoría de los nativos de Hong Kong. La distinción entre los dos idiomas es sólida (Kei, 1994). Durante la era del cine mudo, el idioma escrito era el chino y era conocido por todos, sin importar el idioma que se hablara (Kei, 1994). Los subtítulos permiten que ambos mercados accedan a las películas (Kei, 1994). [18] Las películas en mandarín a veces tenían presupuestos mucho más altos y una producción más lujosa. Las razones incluyeron su enorme mercado de exportación; la experiencia y el capital de los cineastas de Shanghai. Durante las próximas décadas, las películas cantonesas, aunque a veces más numerosas, fueron relegadas a un estatus de segundo nivel (Leyda, 1972).
Otro hito relacionado con el idioma se produjo en 1963: las autoridades británicas aprobaron una ley que exigía el subtitulado de todas las películas en inglés, supuestamente para permitir la visualización de contenido político. Haciendo una virtud de la necesidad, los estudios también incluyeron subtítulos en chino, lo que permitió un acceso más fácil a sus películas para los hablantes de otros dialectos. (Yang, 2003) Posteriormente, el subtitulado tuvo la consecuencia involuntaria de facilitar la popularidad de las películas en Occidente.
Películas cantonesas
Durante este período, dominó la ópera cantonesa en el cine. Las principales estrellas fueron el dúo femenino de Yam Kim Fai y Pak Suet Sin (Yam – Pak para abreviar). Yam se especializó en papeles de erudito masculino para las protagonistas femeninas de Pak. Hicieron más de cincuenta películas juntas, siendo The Purple Hairpin (1959) una de las más populares (Teo, 1997).
Las películas de artes marciales de bajo presupuesto también fueron populares. Se hizo una serie de aproximadamente 100 películas de kung fu protagonizadas por Kwan Tak Hing como el héroe popular histórico Wong Fei Hung , comenzando con The True Story of Wong Fei Hung (1949) y terminando con Wong Fei Hung Bravely Crushing the Fire Formation (1970) (Logan , 1995). Las series de fantasía wuxia (juego de espadas) con efectos especiales dibujados a mano en la película, como El señor del laúd de seis dedos (1965), protagonizada por la ídolo adolescente Connie Chan Po-chu en el papel principal masculino, también fueron populares (Chute y Lim , 2003, 3), al igual que los melodramas contemporáneos del hogar y la vida familiar, incluida la dramatización de las rivalidades entre hermanos en Our Sister Hedy (1957), protagonizada por Julie Yeh Feng . [19]
Películas en mandarín y la rivalidad entre Shaws y Cathay
En la producción en mandarín, Shaw Brothers y Motion Picture and General Investments Limited (MP&GI, más tarde rebautizada como Cathay) eran los mejores estudios de la década de 1960, y acérrimos rivales. Los Shaw tomaron la delantera en 1964 después de la muerte en un accidente aéreo del fundador y director de MP&GI, Loke Wan Tho . El renombrado Cathay titubeó y cesó la producción cinematográfica en 1970 (Yang, 2003).
Un género musical llamado Huángméidiào (黃梅調) se derivó de la ópera china ; El éxito récord de los Shaws The Love Eterne (1963) sigue siendo el clásico del género. Las epopeyas históricas del vestuario a menudo se superponen con el Huángméidiào , como en El reino y la belleza (1959). (Los dos ejemplos anteriores fueron dirigidos por el director estrella de Shaw, Li Han Hsiang ). Los melodramas románticos como Red Bloom in the Snow (1956), Love Without End (1961), The Blue and the Black (1964) y adaptaciones de novelas de Chiung Yao fueron populares. También lo fueron los musicales al estilo de Hollywood , que fueron una especialidad particular de MP & GI / Cathay en entradas como Mambo Girl (1957) y The Wild, Wild Rose (1960).
En la década de 1960, Motion Picture and General Investments Limited produjo un conjunto especial de películas románticas que se llamó Southern and Northern. El primero es The Greatest Civil Wall On Earth (1961), [20] [21] el segundo es The Greatest Wedding On Earth (1962) [22] [23] y el tercero es The Greatest Love Affair On Earth ( 1964). [24] Este conjunto de películas se habló en parte en cantonés y en parte en mandarín. En este conjunto de películas, mostraron algunas diferencias entre el norte y el sur, excepto los idiomas, las películas también mostraron algún tipo de culturas, como la cultura nupcial y la cultura gastronómica. La idea principal de este conjunto de películas fue una especie de integración cultural entre el norte y el sur.
En la segunda mitad de la década de 1960, los Shaw inauguraron una nueva generación de películas wuxia más intensas y menos fantásticas con valores de producción más brillantes, movimientos acrobáticos y una violencia más fuerte. La tendencia se inspiró en la popularidad de las películas de samuráis importadas de Japón (Chute y Lim, 2003, 8), así como en la pérdida de audiencias cinematográficas hacia la televisión. Esto marcó el giro crucial de la industria de un sistema de género centrado en las mujeres a una orientación de película de acción (ver también el artículo sobre cine de acción de Hong Kong ). Tendencias clave incluyen Xu Zenghong Templo del Loto Rojo (1965), King Hu 's vienen copa conmigo (1966) y Dragon Inn (1967, hecho en Taiwán, también conocido como Dragon Gate Inn ), y Chang Cheh ' s Tiger Boy (1966 ), El espadachín de un solo brazo (1967) y Golondrina de oro (1968).
Años de transformación (década de 1970)
El cine en dialecto mandarín en general y el estudio de Shaw Brothers en particular comenzaron la década de 1970 en posiciones aparentes de fuerza inexpugnable. El cine cantonés prácticamente desapareció frente a los estudios mandarín y la televisión cantonesa, que estuvo disponible para la población en general en 1967; en 1972 no se hicieron películas en el dialecto local (Bordwell, 2000). Los Shaw vieron a su rival de toda la vida, Cathay, cesar la producción cinematográfica, quedando ellos mismos como el único megaestudio. El subgénero de las artes marciales de la película de kung fu se hizo popular a nivel internacional, con los Shaw conduciendo y dominando la ola. Pero estaban comenzando cambios que alterarían enormemente la industria a finales de la década.
El regreso del cantonés
Paradójicamente, la televisión pronto contribuiría al resurgimiento del cantonés en un movimiento hacia películas más sencillas sobre la vida moderna de Hong Kong y la gente promedio.
La primera chispa fue la comedia coral The House of 72 Tenants , la única película cantonesa realizada en 1973, un éxito rotundo. Se basó en una obra muy conocida y fue producida por los Shaw como un escaparate para los artistas de su pionera estación de televisión TVB (Yang, 2003).
El regreso del cantonés realmente despegó con las comedias de las ex estrellas de TVB The Hui Brothers (el actor, director y guionista Michael Hui , el actor y cantante Sam Hui y el actor Ricky Hui ). El motivo del cambio al cantonés quedó claro en el tráiler de Games Gamblers Play (1974) de los hermanos : "Películas de jóvenes devotos pensando en ti". Este movimiento de regreso a la audiencia local del cine de Hong Kong dio sus frutos de inmediato. Games Gamblers Play inicialmente ganó 1,4 millones de dólares en la taquilla de Hong Kong, convirtiéndose en la película más taquillera hasta ese momento. Las películas de Hui también abrieron camino al satirizar la realidad moderna de una clase media ascendente, cuyas largas horas de trabajo y sueños de éxito material estaban transformando la colonia en un gigante industrial y corporativo moderno (Teo, 1997). La comedia cantonesa prosperó y la producción cantonesa se disparó; El mandarín se mantuvo hasta principios de la década de 1980, pero desde entonces ha sido relativamente raro en la pantalla.
Golden Harvest y el auge de los independientes
En 1970, los ex ejecutivos de Shaw Brothers Raymond Chow y Leonard Ho se marcharon para formar su propio estudio, Golden Harvest . El enfoque del negocio más flexible y menos tacaño del advenedizo superó al antiguo estudio de Shaw. Chow y Ho consiguieron contratos con artistas jóvenes en ascenso que tenían ideas frescas para la industria, como Bruce Lee y los hermanos Hui, y les permitieron una mayor libertad creativa de lo que era tradicional. Bruce Lee, nacido en California, solo encontró papeles menores en las películas y la televisión estadounidenses al principio, ya que los actores extranjeros a menudo son criticados y no son ampliamente aceptados por la audiencia durante la década de 1970 en América del Norte. Bruce expresó que los verdaderos orientales no se muestran especialmente en Hollywood y la mayoría de la audiencia todavía piensa en los asiáticos con estereotipos (por ejemplo, con ojos planos, coletas). Además, los directores suelen convencerlo de que haga algo solo para ser exótico. [25] Hasta que The Big Boss de Golden Harvest (también conocido como The Fists of Fury , 1971) llegó a los cines. Esto impulsó la carrera de Lee al estrellato e hizo de las artes marciales y el kung fu una tendencia mundial. [26]
En 1976, los Shaw Brothers hicieron una serie de películas sobre crímenes reales, The Criminal 1 , recaudando 838.067 dólares de Hong Kong, ubicándose en el puesto 33 en la taquilla de 1976 en Hong Kong. [27] Tras su éxito, los Shaw Brothers hicieron The Criminal 2 . The Criminal 1 incluyó tres historias reales: The Human Torsos , The Stuntmen y Valley of the Hanged ; cada historia fue filmada por un director diferente. Valley of the Hanged cuenta la historia de un triple asesinato en Hong Kong, así como la historia de una esposa infiel que humilla a su esposo. [28] Las películas de los Shaw Brothers atrajeron al público con extrañas historias reales con escenas eróticas y violentas. Sus películas también retrataron los aspectos ordinarios de la vida de los hongkoneses, como jugar al mahjong, una forma popular de juego.
A fines de la década de 1970, Golden Harvest era el mejor estudio, firmando con Jackie Chan, el actor y cineasta de comedia de kung fu que pasaría los siguientes 20 años como el mayor atractivo de taquilla de Asia (Chan y Yang, 1998, págs. 164– 165; Bordwell, 2000). Raymond Chow se basó en el éxito de Lee con The Big Boss (también conocido como Fists of Fury , 1971), Fist of Fury (también conocido como The Chinese Connection , 1972) y The Way of the Dragon (también conocido como The Return of the Dragon , 1972), cada uno de los cuales batió récords de taquilla en Hong Kong. Bruce Lee apareció con actores menores de Hollywood en la película de mayor presupuesto Enter the Dragon (1973), una coproducción con Warner Bros. La muerte de Lee en circunstancias misteriosas lo convirtió en un héroe de culto. Lee jugó un papel clave en la apertura de mercados extranjeros a las películas de Hong Kong. Las películas de Lee disfrutadas en todo el Tercer Mundo, a menudo se tomaban como símbolo del orgullo rebelde del Asia insurgente. [29]
Mientras tanto, las explosiones del cantonés y del kung fu y el éxito de Golden Harvest crearon más espacio para productores independientes y empresas de producción. La era de los gigantes de los estudios había pasado. No obstante, los Shaw continuaron la producción cinematográfica hasta 1985 antes de dedicarse por completo a la televisión (Teo, 1997).
Otras tendencias transformadoras
La creciente permisividad en el contenido cinematográfico que era generalizada en gran parte del mundo también afectó al cine de Hong Kong. Un género de erótica softcore conocido como fengyue se convirtió en un elemento básico local (el nombre es una contracción de una frase china que implica seductora decadencia). Ese material no sufrió tanto estigma en Hong Kong como en la mayoría de los países occidentales; era más o menos parte de la corriente principal, a veces presentaba contribuciones de directores importantes como Chor Yuen y Li Han Hsiang y, a menudo, se cruzaba con otros géneros populares como las artes marciales, el cine de disfraces y especialmente la comedia (Teo, 1997; Yang, 2003) . La violencia también se volvió más intensa y gráfica, particularmente por instigación de los cineastas de artes marciales.
El director Lung Kong mezcló estas tendencias en los dramas de temas sociales que ya había convertido en su especialidad con clásicos cantoneses de finales de la década de 1960 como La historia de un prisionero descargado (1967) y Teddy Girls (1969). En la década de 1970 comienza a dirigir en mandarín y aporta elementos de explotación a películas serias sobre temas como la prostitución ( The Call Girls y Lina ), la bomba atómica ( Hiroshima 28 ) y la fragilidad de la sociedad civilizada ( Yesterday, Today and Tomorrow (1970). , que retrataba un Hong Kong del futuro cercano diezmado por la plaga) (Teo, 1997).
La breve carrera de Tang Shu Shuen , la primera directora destacada del territorio, produjo dos películas, The Arch (1968) y China Behind (1974), que fueron pioneras en un cine de arte local y socialmente crítico . También son ampliamente considerados los precursores del último gran hito de la década, la llamada Nueva Ola de Hong Kong que vendría de fuera de la jerarquía de los estudios tradicionales y señalaría nuevas posibilidades para la industria (Bordwell, 2000).
Década de 1980 - principios de la década de 1990: los años de auge
En la década de 1980 y principios de la de 1990, las semillas plantadas en la década de 1970 florecieron por completo: el triunfo del cantonés, el nacimiento de un cine nuevo y moderno, el estatus de superpotencia en el mercado de Asia oriental y el giro de la atención de Occidente hacia el cine de Hong Kong. .
Rápidamente surgió un cine de mayor refinamiento técnico y un estilo visual más sofisticado, incluidas las primeras incursiones en la tecnología de efectos especiales actualizada. A este deslumbramiento superficial, el nuevo cine añadió una mezcla ecléctica de géneros y una inclinación por traspasar los límites del contenido sensacionalista. La comedia slapstick , el sexo, lo sobrenatural y, sobre todo, la acción (tanto de artes marciales como de policías y criminales) dominaban, ocasionalmente todos en la misma película. [30] [31]
Algunas de las películas icónicas durante este período incluyen The Killer (1989), de John Woo , que es un arquetipo del género heroico derramamiento de sangre .
El mercado internacional
Durante este período, la industria de Hong Kong fue una de las pocas en el mundo que prosperó frente al creciente dominio global de Hollywood. De hecho, llegó a ejercer un dominio comparable en su propia región del mundo. La audiencia regional siempre había sido vital, pero ahora más que nunca los productos de Hong Kong llenaron los cines y los estantes de videos en lugares como Tailandia , Singapur, Malasia , Indonesia y Corea del Sur . Taiwán se convirtió en un mercado al menos tan importante para el cine de Hong Kong como el local; A principios de la década de 1990, la otrora robusta industria cinematográfica taiwanesa estuvo cerca de la extinción bajo el embate de las importaciones de Hong Kong (Bordwell, 2000). Incluso encontraron un punto de apoyo en Japón, con su propio cine altamente desarrollado y bien financiado y un fuerte gusto por las películas estadounidenses; Jackie Chan y Leslie Cheung fueron una de las estrellas que se hicieron muy populares allí. [32]
Casi accidentalmente, Hong Kong también se adentró más en Occidente, aprovechando la atención ganada durante la locura del kung fu de la década de 1970. La disponibilidad en los cines y tiendas de videos de Chinatown permitió que las películas fueran descubiertas por los cultistas del cine occidental atraídos por sus cualidades y excesos "exóticos". Un surgimiento en la cultura popular más amplia siguió gradualmente en los años siguientes.
Líderes del boom
La pionera fue la productora Cinema City , fundada en 1980 por los comediantes Karl Maka , Raymond Wong y Dean Shek . Se especializó en comedia y acción contemporáneas, hábilmente producidas de acuerdo con fórmulas comerciales explícitamente prescritas. La fastuosa parodia de espías Aces Go Places (1982) y sus numerosas secuelas personificaron el muy imitado "estilo Cinema City" (Yang, 2003).
Los directores y productores Tsui Hark y Wong Jing pueden destacarse como figuras definitivas de esta era. Tsui fue un notorio magnate de la Nueva Ola de Hong Kong que simbolizó la absorción de ese movimiento en la corriente principal, convirtiéndose en el creador de tendencias y experimentador técnico central de la industria (Yang et al., 1997, p. 75). El aún más prolífico Wong es, según la mayoría de los informes, el cineasta de Hong Kong más exitoso comercialmente y más criticado por la crítica de las últimas dos décadas, con su producción implacable de películas pulp agresivamente comercializadas y que complacen al público. [33] [34]
Otros sellos distintivos de esta época incluyeron la tendencia cinematográfica de gángsters o " Tríadas " lanzada por el director John Woo, el productor y actor Alan Tang y dominado por el actor Chow Yun-fat ; melodramas románticos y fantasías de artes marciales protagonizadas por Brigitte Lin ; las comedias de estrellas como Cherie Chung y Stephen Chow; películas tradicionales de kung fu dominadas por Jet Li ; y acción de kung fu contemporánea, impulsada por acrobacias , personificada por el trabajo de Jackie Chan.
Películas de categoría III
La introducción por parte del gobierno de un sistema de clasificación de películas en 1988 tuvo un efecto ciertamente involuntario en las tendencias posteriores. La clasificación de "Categoría III" (solo para adultos) se convirtió en un paraguas para el rápido crecimiento de películas pornográficas y, en general, extravagantes; sin embargo, aunque consideradas gráficas según los estándares chinos, estas películas estarían más a la par con las películas clasificadas como "R" o "NC-17" en los Estados Unidos, y no "XXX". En el apogeo del auge a principios de la década de 1990, aproximadamente la mitad de las funciones teatrales producidas eran obras de erótica softcore clasificadas como Categoría III, descendientes de las películas de fengyue de la década de 1970. (Yang, 2003) Un ejemplo definitivo de un éxito de categoría III fue Sex and Zen (1991), de Michael Mak , una comedia de época inspirada en The Carnal Prayer Mat , el clásico del siglo XVII de literatura cómico-erótica de Li Yu (Dannen y Long , 1997). Naked Killer (1992) también se convirtió en un clásico de culto internacional . [35]
La calificación también cubrió una tendencia de películas de terror y explotación espeluznantes y tabúes , a menudo supuestamente basadas en historias de crímenes reales, como Men Behind the Sun (1988), Dr. Lamb (1992), The Untold Story (1993) y Ébola. Síndrome (1996). Las películas que representan los rituales de la Tríada también recibirían una calificación de Categoría III, un ejemplo de esto es Crime Story (1993) protagonizada por Jackie Chan. [36]
Desde mediados de la década de 1990, la tendencia se ha debilitado con la contracción del mercado cinematográfico general de Hong Kong y la mayor disponibilidad de pornografía en formatos de video doméstico (Bordwell, 2000). Pero en la década de 2000, tres películas de Categoría III: Election , su secuela, Election 2 (también conocida como Triad Election ) y Mad Detective , todas dirigidas por Johnnie To , aún disfrutaron de sorprendentes éxitos de taquilla en Hong Kong.
Cine alternativo
En este paisaje de pulpa, quedaba algo de terreno para un cine alternativo o cine de arte , debido al menos en parte a la influencia de la Nueva Ola . Algunos cineastas de la Nueva Ola como Ann Hui y Yim Ho continuaron ganando elogios con películas personales y políticas realizadas al margen de la corriente principal.
La segunda mitad de la década de 1980 también vio el surgimiento de lo que a veces se llama una "segunda ola". Estos directores más jóvenes incluían nombres como Stanley Kwan , Clara Law y su socio Eddie Fong, Mabel Cheung , Lawrence Ah Mon y Wong Kar-wai . [37] Al igual que los New Wavers, tendían a ser graduados de escuelas de cine en el extranjero y pasantías en televisión local, y estaban interesados en ir más allá de los temas y estilos comerciales habituales. [38]
Estos artistas comenzaron a ganar una atención y un respeto sin precedentes en Hong Kong en los círculos críticos internacionales y en el circuito mundial de festivales de cine. En particular, las obras de Wong Kar-wai protagonizadas por Leslie Cheung , Tony Leung Chiu-Wai y Maggie Cheung en la década de 1990 lo han convertido en un cineasta galardonado y aclamado internacionalmente.
Mediados de la década de 1990 - presente: post-boom
La industria en crisis
Durante la década de 1990, la industria cinematográfica de Hong Kong experimentó un declive drástico del que no se ha recuperado. Las ventas nacionales de boletos ya habían comenzado a caer a fines de la década de 1980, pero la audiencia regional mantuvo la industria en auge en los primeros años de la próxima década (Teo, 1997). Pero a mediados de la década de 1990 entró en caída libre. Los ingresos se redujeron a la mitad. Al final de la década, el número de películas producidas en un año típico cayó de un máximo de principios de la década de 1990 de más de 200 a alrededor de 100 (una gran parte de esta reducción se produjo en el área de pornografía softcore de "Categoría III". [39] ) Las importaciones estadounidenses de gran éxito comenzaron a encabezar regularmente la taquilla por primera vez en décadas. Irónicamente, este fue el mismo período durante el cual el cine de Hong Kong se convirtió en algo así como una visibilidad generalizada en los EE. UU. Y comenzó a exportar figuras populares a Hollywood.
Se ha culpado a numerosos factores convergentes de la recesión:
- La crisis financiera asiática , que secó las fuentes tradicionales de financiación del cine , así como el dinero para el ocio de las audiencias regionales.
- Sobreproducción, acompañada de una caída en el control de calidad y un agotamiento de las fórmulas sobreutilizadas (Yang, 2003).
- Un costoso auge a principios de la década de 1990 en la construcción de modernos multicines y el consiguiente aumento de los precios de las entradas (Teo, 1997).
- Una clase media de Hong Kong cada vez más cosmopolita y ascendente que a menudo mira las películas locales como baratas y de mal gusto.
- Piratería de video desenfrenada en todo el este de Asia.
- Un nuevo impulso agresivo de los estudios de Hollywood en el mercado asiático.
El mayor acceso al continente que se produjo con el traspaso de julio de 1997 a China no fue un boom como se esperaba y presentó sus propios problemas, particularmente con respecto a la censura.
La industria tuvo uno de sus años más oscuros en 2003. Además de la continua caída, un brote del virus del SARS mantuvo muchas salas prácticamente vacías durante un tiempo y cerró la producción de películas durante cuatro meses; sólo se hicieron cincuenta y cuatro películas (Li, 2004). Las muertes no relacionadas de dos de los famosos cantantes / actores de Hong Kong, Leslie Cheung , de 46 años, y Anita Mui , de 40, completaron las malas noticias.
En abril de 2003, el Gobierno de Hong Kong introdujo un Fondo de Garantía de Películas como incentivo para que los bancos locales se involucren en la industria cinematográfica. La garantía opera para asegurar un porcentaje del dinero prestado por los bancos a las productoras cinematográficas. El Fondo ha recibido una recepción mixta por parte de los participantes de la industria y una recepción poco entusiasta por parte de las instituciones financieras que perciben la inversión en películas locales como empresas de alto riesgo con pocas garantías. Los documentos legales de garantía de películas encargados por el gobierno de Hong Kong a fines de abril de 2003 se basan en documentos canadienses, que tienen una relevancia limitada para la industria local.
Tendencias recientes
Los esfuerzos de los cineastas locales para renovar su producto han tenido resultados mixtos en general. Estos incluyen imágenes técnicamente más brillantes, incluidas muchas imágenes digitales ; mayor uso de técnicas de marketing masivo al estilo de Hollywood; y una gran dependencia de la selección de estrellas de la música Cantopop aptas para adolescentes . Los ciclos de género exitosos a fines de la década de 1990 y principios de la de 2000 han incluido: películas de acción de alta tecnología de estilo estadounidense como Downtown Torpedoes (1997), Gen-X Cops y Purple Storm (ambas de 1999); el subgénero "Triad kids" lanzado por Young and Dangerous (1996); comedias románticas centradas en los yuppies como The Truth About Jane and Sam (1999), Needing You ... (2000), Love on a Diet (2001); y escalofriantes sobrenaturales como Horror Hotline: Big-Head Monster (2001) y The Eye (2002), a menudo inspirados en las películas de terror japonesas que entonces estaban causando sensación a nivel internacional.
En la década de 2000, ha habido algunos puntos brillantes. Milkyway Image , fundada por los cineastas Johnnie To y Wai Ka-Fai a mediados de la década de 1990, ha tenido un éxito crítico y comercial considerable, especialmente con películas criminales poco convencionales y basadas en personajes como The Mission (1999) y Running on Karma (2003). Un ejemplo aún más exitoso del género fue la exitosa trilogía Infernal Affairs (2002-03) de thrillers policiales codirigidos por Andrew Lau y Alan Mak (la película ganadora del Oscar The Departed , se basó en esta película). El comediante Stephen Chow, la estrella de la pantalla más popular de la década de 1990, dirigió y protagonizó Shaolin Soccer (2001) y Kung Fu Hustle (2004); estos utilizaron efectos especiales digitales para llevar su humor distintivo a nuevos reinos de lo surrealista y se convirtieron en las dos películas más taquilleras del territorio hasta la fecha, obteniendo numerosos premios a nivel local e internacional. Las dos películas de Johnnie To de Categoría III: Election y Election 2 también disfrutaron de éxitos de taquilla en Hong Kong. Election 2 incluso se ha estrenado en los EE. UU. Bajo el nuevo título Triad Election ; esta película recibió críticas muy positivas en los Estados Unidos, con una calificación de más del 90% como "Fresca" en Rotten Tomatoes . [40] Nuevas películas LGBT como City Without Baseball (2008), Permanent Residence (2009) y Amphetamine (2009) siguieron el éxito de películas de principios de la década de 1990 como Bugis Street (una coproducción de 1995 entre Hong Kong y Singapur) y Hold Estás apretado (1998). [41]
Aún así, algunos observadores creen que, dado el estado deprimido de la industria y el rápido fortalecimiento de los lazos económicos y políticos entre Hong Kong, China continental y Taiwán, la entidad distintiva del cine de Hong Kong que surgió después de la Segunda Guerra Mundial puede tener una vida útil limitada. Las líneas entre las industrias del continente y de Hong Kong son cada vez más borrosas, especialmente ahora que China está produciendo un número cada vez mayor de películas populares elegantes y de gran atractivo. Las predicciones son notoriamente difíciles en esta parte del mundo que cambia rápidamente, pero la tendencia puede ser hacia un cine más panchino, como existía en la primera mitad del siglo XX. [42]
En junio de 2021, la Autoridad de Censura Cinematográfica de Hong Kong introdujo una política para permanecer "atento a la representación, descripción o tratamiento de cualquier acto o actividad que pueda constituir un delito que ponga en peligro la seguridad nacional". [43]
Ver también
- Cine de China
- Cine asiático
- Cine del mundo
- Cine de acción de Hong Kong
- Hong Kong en las películas
- Base de datos de películas de Hong Kong
- Derramamiento de sangre heroico
- Comedias de mo lei tau
- Emperor Entertainment Group
- Lista de películas de Hong Kong
- Lista de cines en Hong Kong
- Animación china
- Premios de cine
- Premios de Cine de Hong Kong
- Premios de la Sociedad de Críticos de Cine de Hong Kong
- Festivales
- Festival Internacional de Cine de Hong Kong
Referencias
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enlaces externos
- Cine de Hong Kong en Curlie
- HKMDB.com: la base de datos más grande y completa del cine de Hong Kong en inglés y chino
- Hong Kong Cinema: celebración del cine de acción de Hong Kong
- Carteles de películas de Hong Kong : colección completa de carteles de películas
- LoveHKFilm.com: revisa la gran mayoría de las películas que salen actualmente de Hong Kong.
- LoveAsianFilm.com —Celebrando películas asiáticas
- The Wonderful World of Hong Kong Action Cinema: incluye una extensa bibliografía sobre películas de artes marciales.
- Cine chino, medios chinos, cultura impresa 1: otra extensa bibliografía sobre el cine chino.
- Hong Kong Cinemagic es una base de datos de películas y personas mezcladas con un contenido editorial , en inglés y francés.
- Base de datos de publicaciones de cine y televisión de Hong Kong , una colección cada vez mayor de publicaciones de texto completo (actualmente más de 1.850) publicadas entre 1946 y 1997. Desarrollado por la biblioteca HKBU