Musica medieval
| Parte de una serie sobre |
| Musica medieval |
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| Visión general |
| Historia de la música clásica occidental | ||||||||||||||||||
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| Musica antigua | ||||||||||||||||||
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| Periodo de práctica común | ||||||||||||||||||
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| Finales de los siglos XIX, XX y XXI | ||||||||||||||||||
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La música medieval abarca la música sacra y secular de Europa occidental durante la Edad Media , [1] aproximadamente desde los siglos VI al XV. Es la primera y más larga era importante de la música clásica occidental seguida por la música renacentista ; las dos épocas comprenden lo que los musicólogos generalmente denominan música antigua , que precede al período de práctica común . Siguiendo la división tradicional de la Edad Media, la música medieval se puede dividir en Temprana (500-1150) , Alta (1000-1300) yMúsica medieval tardía (1300-1400) .
La música medieval incluye música litúrgica utilizada para la iglesia y música secular , música no religiosa; únicamente música vocal, como el canto gregoriano y la música coral (música para un grupo de cantantes), únicamente música instrumental y música que utiliza tanto voces como instrumentos (normalmente con los instrumentos que acompañan a las voces). Los monjes cantaron el canto gregoriano durante la misa católica . La Misa es una recreación de la Última Cena de Cristo , destinada a proporcionar una conexión espiritual entre el hombre y Dios. Parte de esta conexión se estableció a través de la música. [2]
Durante el período medieval se sentaron las bases para las prácticas de notación musical y teoría musical que darían forma a la música occidental en las normas que se desarrollaron durante el período de práctica común de prácticas compartidas de escritura musical que abarcaron la era barroca (1600-1750), la era clásica ( 1750-1820) y época romántica (1800-1910). El más significativo de ellos es el desarrollo de una notación musical integral.sistema que permitía a los compositores escribir sus melodías y piezas instrumentales en pergamino o papel. Antes del desarrollo de la notación musical, las canciones y piezas debían ser aprendidas "de oído", de una persona que conocía una canción a otra. Esto limitó en gran medida la cantidad de personas a las que se les podía enseñar música nueva y la extensión de la música a otras regiones o países. El desarrollo de la notación musical facilitó la difusión de canciones y piezas musicales a un mayor número de personas y a un área geográfica más amplia. Sin embargo, los avances teóricos, particularmente en lo que respecta al ritmo —el momento de las notas— y la polifonía —utilizando múltiples melodías entrelazadas al mismo tiempo— son igualmente importantes para el desarrollo de la música occidental.
Visión general
Instrumentos
Muchos instrumentos utilizados para interpretar música medieval todavía existen en el siglo XXI, pero en formas diferentes y típicamente más desarrolladas tecnológicamente . [3] La flauta estaba hecha de madera en la época medieval en lugar de plata u otro metal , y podría fabricarse como un instrumento de soplado lateral o soplado por el extremo. Mientras que las flautas orquestales modernas generalmente están hechas de metal y tienen mecanismos de llave complejos y almohadillas herméticas, las flautas medievales tenían agujeros que el intérprete tenía que cubrir con los dedos (como con la flauta dulce). La flauta dulce se fabricó en madera durante la época medieval, y a pesar de que en el siglo XXI puede estar hecha de materiales sintéticos como el plástico., ha conservado más o menos su forma pasada. El gemshorn es similar a la grabadora, ya que tiene orificios para los dedos en la parte delantera, aunque en realidad es un miembro de la familia de las ocarinas . Uno de los predecesores de la flauta, la flauta de pan , fue popular en la época medieval y posiblemente sea de origen helénico . Los tubos de este instrumento estaban hechos de madera y estaban graduados en longitud para producir diferentes tonos. [ cita requerida ]
La música medieval utilizó muchos instrumentos de cuerda pulsada como el laúd , un instrumento con trastes con un cuerpo hueco en forma de pera que es el predecesor de la guitarra moderna . Otros instrumentos de cuerda pulsada incluyen el mandore , gittern , citole y salterio . Los dulcimers , similares en estructura al salterio y la cítara , fueron originalmente punteados, pero los músicos comenzaron a golpear el dulcimer con martillos en el siglo XIV después de la llegada de la nueva tecnología del metal que hizo posible las cuerdas de metal. [ cita requerida ]
La lira arqueada del Imperio Bizantino fue el primer instrumento de cuerda arco europeo registrado. Al igual que el violín moderno, un intérprete producía sonido moviendo un arco con el cabello tenso sobre cuerdas tensadas. El geógrafo persa Ibn Khurradadhbih del siglo IX (muerto en 911) citó la lyra bizantina , en su discusión lexicográfica de los instrumentos como un instrumento arqueado equivalente al rabāb árabe e instrumento típico de los bizantinos junto con el urghun ( órgano ), [4 ] [ verificación fallida ] shilyani (probablemente un tipo de arpa olira ) y el salandj (probablemente una gaita ). [5] La zanfona era (y sigue siendo) un violín mecánico que utiliza una rueda de madera colofonia unida a una manivela para "arquear" sus cuerdas. También eran populares los instrumentos sin cajas de resonancia como el arpa del judío . Se utilizaron las primeras versiones del órgano de tubos , el violín (o vielle ) y un precursor del trombón moderno (llamado sackbut ). [ cita requerida ]
Géneros
Se compuso música medieval y, en el caso de algunas músicas vocales e instrumentales, se improvisó para muchos géneros musicales diferentes (estilos de música). La música medieval creada para uso sagrado (uso de la iglesia) y secular (uso no religioso) fue escrita típicamente por compositores, [6] excepto por alguna música sagrada vocal e instrumental secular que fue improvisada (compuesta en el lugar). Durante el período medieval anterior , el género litúrgico , predominantemente el canto gregoriano realizado por monjes, era monofónico ("monofónico" significa una sola línea melódica, sin una parte de armonía o acompañamiento instrumental). [7] Los géneros polifónicos , en los que se interpretan simultáneamente múltiples líneas melódicas independientes, comenzaron a desarrollarse durante la alta era medieval , y se hicieron frecuentes a finales del siglo XIII y principios del XIV. El desarrollo de formas polifónicas, con diferentes voces entrelazadas, a menudo se asocia con el estilo Ars nova medieval tardío que floreció en el siglo XIII. El Ars Nova, que significa "arte nuevo", fue un estilo innovador de escritura musical que sirvió como una transición clave del estilo de música medieval a los estilos más expresivos de la era musical del Renacimiento posterior al 1400.
Las primeras innovaciones sobre el canto llano monofónico fueron heterofónicas . "Heterofonía" es la interpretación de la misma melodía por dos intérpretes diferentes al mismo tiempo, en la que cada intérprete altera ligeramente los adornos que está usando. Otra forma simple de heterofonía es que los cantantes canten la misma forma de melodía, pero con una persona cantando la melodía y una segunda persona cantando la melodía en un tono más alto o más bajo. Organum , por ejemplo, se expandió sobre la melodía de canto llano utilizando una línea de acompañamiento, cantada en un intervalo fijo (a menudo una quinta perfecta o una cuarta perfecta alejada de la melodía principal), con una alternancia resultante entre una forma simple de polifonía y monofonía. [8]Los principios del organum se remontan a un tratado anónimo del siglo IX, la Musica enchiriadis , que estableció la tradición de duplicar un canto llano preexistente en movimiento paralelo en el intervalo de una octava, una quinta o una cuarta. [9]
De mayor sofisticación fue el motete , que se desarrolló a partir del género de la clausula del canto llano medieval . El motete se convertiría en la forma más popular de polifonía medieval. [10] Si bien los primeros motetes eran litúrgicos o sagrados (diseñados para usarse en un servicio religioso), a fines del siglo XIII el género se había expandido para incluir temas seculares, como el amor cortés . El amor cortés era la veneración respetuosa de una dama lejana por un hombre noble y amoroso. Muchos motetes populares tenían letras sobre el amor y la adoración de un hombre por una mujer hermosa, noble y muy admirada. [ cita requerida ]
El motete medieval se desarrolló durante la época de la música renacentista (después de 1400). Durante el Renacimiento, el género secular italiano del Madrigal se hizo popular. Similar al carácter polifónico del motete, los madrigales presentaban mayor fluidez y movimiento en la línea melódica principal. La forma madrigal también dio lugar a cánones polifónicos (canciones en las que varios cantantes cantan la misma melodía, pero comenzando en diferentes momentos), especialmente en Italia donde se les llamó caccie. Se trataba de piezas seculares de tres partes, que presentaban las dos voces más altas en el canon, con un acompañamiento instrumental subyacente de notas largas. [11]
Finalmente, la música puramente instrumental también se desarrolló durante este período, tanto en el contexto de una creciente tradición teatral como para las representaciones cortesanas de la aristocracia. La música de baile, a menudo improvisada en torno a tropos familiares, era el género puramente instrumental más importante. [12] La Ballata secular , que se hizo muy popular en el Trecento Italia, tuvo sus orígenes, por ejemplo, en la música de baile instrumental medieval. [13]
Notación
Durante el período medieval se sentaron las bases para las prácticas teóricas y de notación que darían forma a la música occidental en las normas que se desarrollaron durante la era de la práctica común . El más obvio de ellos es el desarrollo de un sistema de notación musical integral ; sin embargo, los avances teóricos, particularmente en lo que respecta al ritmo y la polifonía, son igualmente importantes para el desarrollo de la música occidental.
La música medieval más antigua no tenía ningún tipo de sistema de notación. Las melodías eran principalmente monofónicas (una sola melodía sin acompañamiento ) y transmitidas por tradición oral. [7] Cuando Roma trató de centralizar las diversas liturgias y establecer el rito romano como la principal tradición de la iglesia, la necesidad de transmitir estas melodías de canto a través de vastas distancias de manera efectiva fue igualmente evidente. [14]Mientras que la música solo pudiera enseñarse a la gente "de oído", limitaba la capacidad de la iglesia para lograr que diferentes regiones cantaran las mismas melodías, ya que cada nueva persona tendría que pasar tiempo con una persona que ya conocía una canción y aprenderlo "de oído". El primer paso para solucionar este problema vino con la introducción de varios signos escritos sobre los textos de los cánticos para indicar la dirección del movimiento del tono, llamados neumas . [7]
El origen de los neumas no está claro y está sujeto a cierto debate; sin embargo, la mayoría de los eruditos están de acuerdo en que sus antepasados más cercanos son los signos gramaticales clásicos griegos y romanos que indicaban puntos importantes de declamación al registrar el ascenso y descenso de la voz. [15] Los dos signos básicos de los gramáticos clásicos eran el acutus , /, que indica una elevación de la voz, y el gravis, \, indicando una bajada de la voz. Un cantante que lea un texto de cántico con marcas de neume podría tener una idea general de si la línea de la melodía subió de tono, se mantuvo igual o bajó de tono. Para un cantante que ya conocía una canción, ver las marcas de neume escritas sobre el texto podría ayudar a refrescar su memoria sobre cómo fue la melodía. Sin embargo, un cantante que lea un texto de cántico con marcas de neume no podrá leer a primera vista una canción que nunca antes había escuchado cantar. [ cita requerida ]
Estos neumas eventualmente evolucionaron hasta convertirse en los símbolos básicos de la notación neumática , la virga (o "vara") que indica una nota más alta y todavía se parece al acuto del que proviene; y el punctum (o "punto") que indica una nota más baja y, como sugiere el nombre, redujo el símbolo gravis a un punto. [15] Así, el acuto y el gravis podrían combinarse para representar inflexiones vocales gráficas en la sílaba. [15] Este tipo de notación parece haberse desarrollado no antes del siglo VIII, pero en el IX estaba firmemente establecido como el método principal de notación musical. [dieciséis]La notación básica de la virga y el punctum siguieron siendo los símbolos de las notas individuales, pero pronto se desarrollaron otros neumas que mostraban varias notas unidas. Estos nuevos neumas, llamados ligaduras, son esencialmente combinaciones de los dos signos originales. [17]
La primera notación musical fue el uso de puntos sobre la letra de un canto, con algunos puntos más altos o más bajos, lo que le da al lector un sentido general de la dirección de la melodía. Sin embargo, esta forma de notación solo sirvió como ayuda para la memoria para un cantante que ya conocía la melodía. [18] Esta notación neumática básica solo podía especificar el número de notas y si se movían hacia arriba o hacia abajo. No había forma de indicar el tono exacto, ningún ritmo o incluso la nota inicial. Estas limitaciones son una indicación más de que los neumas se desarrollaron como herramientas para apoyar la práctica de la tradición oral, en lugar de suplantarla. Sin embargo, aunque comenzó como una mera ayuda para la memoria, pronto se hizo evidente el valor de tener una notación más específica. [dieciséis]
El siguiente desarrollo en notación musical fue el de los " neumas elevados ", en los que los neumas se colocaron cuidadosamente a diferentes alturas entre sí. Esto permitió que los neumas dieran una indicación aproximada del tamaño de un intervalo dado, así como de la dirección. Esto llevó rápidamente a que una o dos líneas, cada una representando una nota en particular, se colocaran en la música con todos los neumas.relativo a los anteriores. Al principio, estas líneas no tenían un significado particular y, en cambio, tenían una letra colocada al principio que indicaba qué nota estaba representada. Sin embargo, las líneas que indican la C media y la F un quinto por debajo se volvieron más comunes lentamente. Habiendo sido al principio simplemente raspadas en el pergamino, las líneas ahora fueron dibujadas en dos tintas de colores diferentes: generalmente rojo para F y amarillo o verde para C. Este fue el comienzo del pentagrama musical. [19] La finalización del personal de cuatro líneas suele atribuirse a Guido d 'Arezzo(c. 1000-1050), uno de los teóricos musicales más importantes de la Edad Media. Si bien las fuentes más antiguas atribuyen el desarrollo del personal a Guido, algunos estudiosos modernos sugieren que actuó más como un codificador de un sistema que ya se estaba desarrollando. De cualquier manera, esta nueva notación permitió a un cantante aprender piezas completamente desconocidas para él en un período de tiempo mucho más corto. [14] [20] Sin embargo, aunque la notación del canto había progresado de muchas maneras, quedaba un problema fundamental: el ritmo. El sistema de notación neumática , incluso en su estado completamente desarrollado, no definía claramente ningún tipo de ritmo para el canto de notas. [21]
Teoría musical
La teoría musical del período medieval experimentó varios avances con respecto a la práctica anterior, tanto en lo que respecta al material tonal, la textura y el ritmo.
Ritmo
En cuanto al ritmo , este período tuvo varios cambios dramáticos tanto en su concepción como en su notación. Durante el período medieval temprano no existía un método para anotar el ritmo y, por lo tanto, la práctica rítmica de esta música antigua está sujeta a debate entre los estudiosos. [21] El primer tipo de sistema rítmico escrito se desarrolló durante el siglo XIII y se basó en una serie de modos. Este plan rítmico fue codificado por el teórico de la música Johannes de Garlandia , autor de De Mensurabili Musica (c.1250), el tratado que definió y esclareció más completamente estos modos rítmicos . [22] En su tratado Johannes de Garlandia describe seis especiesde modo, o seis formas diferentes en las que se pueden organizar longs y breves. Cada modo establece un patrón rítmico en tiempos (o tempora ) dentro de una unidad común de tres tempora (un perfectio ) que se repite una y otra vez. Además, la notación sin texto se basa en cadenas de ligadura s (las notaciones característica por la cual grupos de notas están obligados el uno al otro).
El modo rítmico generalmente se puede determinar por los patrones de ligaduras utilizadas. [23] Una vez que se había asignado un modo rítmico a una línea melódica, generalmente había poca desviación de ese modo, aunque los ajustes rítmicos podían estar indicados por cambios en el patrón esperado de ligaduras, incluso hasta el punto de cambiar a otro modo rítmico. [24] El siguiente paso adelante en cuanto al ritmo vino del teórico alemán Franco de Colonia . En su tratado Ars cantus mensurabilis("El arte de la música mensurable"), escrito alrededor de 1280, describe un sistema de notación en el que las notas de formas diferentes tienen valores rítmicos completamente diferentes. Este es un cambio sorprendente con respecto al sistema anterior de de Garlandia. Mientras que antes la duración de la nota individual solo podía obtenerse del modo en sí, esta nueva relación invertida hacía que el modo dependiera y determinara por las notas individuales o figurae que tienen valores de duración incontrovertibles, [25] una innovación que tenía una impacto masivo en la historia posterior de la música europea. La mayor parte de la música con anotaciones superviviente del siglo XIII utiliza los modos rítmicos definidos por Garlandia. El paso en la evolución del ritmo se produjo después del cambio del siglo XIII con el desarrollo de laEstilo Ars Nova .
El teórico más reconocido con respecto a este nuevo estilo es Philippe de Vitry , famoso por escribir el tratado Ars Nova ("Arte Nuevo") hacia 1320. Este tratado de música dio nombre al estilo de toda esta época. [26] De alguna manera, el sistema moderno de notación rítmica comenzó con Vitry, quien se liberó por completo de la antigua idea de los modos rítmicos. Los predecesores notacionales de los medidores de tiempo modernos también se originan en el Ars Nova . Este nuevo estilo se basó claramente en la obra de Franco de Colonia. En el sistema de Franco, la relación entre un breve y un semibreves (es decir, medio breves) era equivalente a la que existe entre un breve y un largo: y, ya que para élel modus era siempre perfecto (agrupado de tres en tres), el tempus o ritmo también era inherentemente perfecto y, por lo tanto, contenía tres semibreves. A veces el contexto del modo requeriría un grupo de solo dos semibrevas, sin embargo, estas dos semibreves serían siempre una de longitud normal y una de doble longitud, ocupando así el mismo espacio de tiempo, y así preservando la perfecta subdivisión del tempus. . [27] Esta división ternaria se mantuvo para todos los valores de nota. Por el contrario, el período Ars Nova introdujo dos cambios importantes: el primero fue una subdivisión de notas aún más pequeña (semibreves, ahora podrían dividirse en mínimas ), y el segundo fue el desarrollo de la "medición".
Las mediciones se pueden combinar de varias maneras para producir agrupaciones métricas. Estas agrupaciones de mediciones son las precursoras de la métrica simple y compuesta. [28] En la época de Ars Nova , la división perfecta del tempus no era la única opción, ya que las divisiones dobles se hicieron más aceptadas. Para Vitry, el breve podría dividirse, para una composición completa, o una sección de una, en grupos de dos o tres semibrevas más pequeñas. De esta manera, el tempus (término que llegó a denotar la división del breve) podría ser "perfecto" ( tempus perfectum ), con subdivisión ternaria, o "imperfecto" ( tempus imperfectum ), con subdivisión binaria. [29]De manera similar, la división de semibreve (denominada prolación ) podría dividirse en tres mínimos ( prolatio perfectus o prolación mayor) o dos mínimos ( prolatio imperfectus o prolación menor) y, en el nivel superior, la división de largos (llamada modus ) podría ser tres o dos breves ( modus perfectus o modo perfecto, o modus imperfectus o modo imperfecto, respectivamente). [30] [31]Vitry llevó esto un paso más allá al indicar la división adecuada de una pieza dada al principio mediante el uso de un "signo de medición", equivalente a nuestra moderna "firma de tiempo". [32]
Tempus perfectum se indica con un círculo, mientras que tempus imperfectum se denota con un semicírculo [32] (el símbolo actual , utilizado como una alternativa para el4 4la firma de tiempo, es en realidad un vestigio de este símbolo, no una letra C como abreviatura de "tiempo común", como se cree popularmente). Si bien muchas de estas innovaciones se atribuyen a Vitry, y de alguna manera están presentes en el tratado de Ars Nova , fue un conocido contemporáneo y personal de de Vitry, llamado Johannes de Muris (o Jehan des Mars ) quien ofreció el tratamiento más completo y sistemático. de las nuevas innovaciones mensurales del Ars Nova [28] (para una breve explicación de la notación mensural en general, consulte el artículo Música renacentista). Muchos estudiosos, citando la falta de evidencia atribuible positiva, ahora consideran que el tratado de "Vitry" es anónimo, pero esto no disminuye su importancia para la historia de la notación rítmica. Sin embargo, esto hace que el primer erudito definitivamente identificable en aceptar y explicar el sistema mensural sea de Muris, de quien se puede decir que hizo por él lo que Garlandia hizo por los modos rítmicos.
Durante el período medieval, la mayoría de la música se compondría principalmente en tempus perfecto, con efectos especiales creados por secciones de tempus imperfecto; Existe una gran controversia entre los musicólogos sobre si tales secciones se interpretaron con un breve de igual extensión o si cambió, y si es así, en qué proporción. Este estilo Ars Nova siguió siendo el sistema rítmico principal hasta las obras altamente sincopadas del Ars subtilior a finales del siglo XIV, caracterizadas por extremos de complejidad rítmica y notación. [33] Este subgénero impulsó la libertad rítmica proporcionada por Ars Novahasta sus límites, con algunas composiciones que tienen diferentes voces escritas en diferentes medidas simultáneamente. La complejidad rítmica que se realizó en esta música es comparable a la del siglo XX. [34]
Polifonía
De igual importancia para la historia general de la teoría de la música occidental fueron los cambios de textura que vinieron con el advenimiento de la polifonía. Esta práctica transformó la música occidental en la música armónicamente dominada que conocemos hoy. [35] Los primeros relatos de este desarrollo textural se encontraron en dos tratados anónimos pero de amplia circulación sobre música, la Musica y la Scolica enchiriadis . Estos textos están fechados en algún momento de la última mitad del siglo IX. [36] Los tratados describen una técnica que ya parecía estar bien establecida en la práctica. [36]Esta polifonía temprana se basa en tres intervalos simples y tres compuestos. El primer grupo comprende cuartos, quintos y octavas; mientras que el segundo grupo tiene octava más cuartos, octava más quintos y octavas dobles. [36] Esta nueva práctica recibe el nombre de organum por el autor de los tratados. [36] Organum se puede clasificar además según el período de tiempo en el que fue escrito. El organum temprano como se describe en los enchiriadis puede denominarse "estricto organum " [37] Strict organum puede, a su vez, subdividirse en dos tipos: diapente (organum en el intervalo de una quinta) ydiatesseron (organum en el intervalo de un cuarto). [37] Sin embargo, ambos tipos de órgano estricto tenían problemas con las reglas musicales de la época. Si alguno de los dos acompañaba a un canto original durante demasiado tiempo (según el modo), se produciría un tritono . [38]
Este problema se superó un poco con el uso de un segundo tipo de organum . Este segundo estilo de organum se denominó " organum libre ". Su factor distintivo es que las partes no tenían que moverse solo en movimiento paralelo, sino que también podían moverse en movimiento oblicuo o contrario. Esto hizo que fuera mucho más fácil evitar el temido tritono. [39] El estilo final de organum que se desarrolló fue conocido como " organum melismático ", que fue una desviación bastante dramática del resto de la música polifónica hasta este punto. Este nuevo estilo no era nota contra nota, sino más bien una línea sostenida acompañada de una línea melismática florida. [40] Este tipo final deorganum también fue incorporado por el compositor polifónico más famoso de esta época: Léonin . Unió este estilo con pasajes medidos y discantes , que utilizaron los modos rítmicos para crear el pináculo de la composición de órgano . [40] Esta etapa final del organum a veces se conoce como escuela de polifonía de Notre Dame , ya que era allí donde estaban apostados Léonin (y su alumno Pérotin ). Además, este tipo de polifonía influyó en todos los estilos posteriores, y los géneros polifónicos de motetes posteriores comenzaron como un tropo de los órganos existentes de Notre Dame .
Otro elemento importante de la teoría de la música medieval fue el sistema mediante el cual se ordenaron y entendieron los tonos. Durante la Edad Media, esta disposición sistemática de una serie de pasos completos y semitonos, lo que ahora llamamos escala , se conocía como modo . [ cita requerida ] El sistema modal funcionó como las escalas de hoy, en la medida en que proporcionó las reglas y el material para la escritura melódica. [41] Los ocho modos eclesiásticos son: Dorian , Hypodorian , frigio , Hypophrygian , Lidia , Hypolydian , Mixolidio y Hypomixolydian. [42] Gran parte de la información relativa a estos modos, así como su aplicación práctica, fue codificada en el siglo XI por el teórico Johannes Afflighemensis . En su trabajo describe tres elementos que definen cada modo: el final (o finalis) , el tono de recitación ( tenor o confinalis ) y el rango (o ambitus ). La finalises el tono que sirve como punto focal para el modo y, como sugiere el nombre, casi siempre se usa como tono final. El tono de recitación es el tono que sirve como punto focal principal en la melodía (particularmente internamente). Generalmente también es el tono que más se repite en la pieza, y finalmente el rango delimita los tonos superiores e inferiores para un modo dado. [43] Los ocho modos se pueden dividir en cuatro categorías en función de su final ( finalis ).
Los teóricos medievales llamaron a estos pares maneriae y los etiquetaron de acuerdo con los números ordinales griegos. Los modos que tienen d, e, f y g como su final se colocan en los grupos protus , deuterus , tritus y tetrardus respectivamente. [44] Estos se pueden dividir aún más en función de si el modo es "auténtico" o "plagal". Estas distinciones se refieren al rango de la modalidad en relación con la final. Los modos auténticos tienen un rango de aproximadamente una octava (se permite un tono por encima o por debajo) y comienzan en la final, mientras que los modos plagal, aunque todavía cubren aproximadamente una octava, comienzan una cuarta perfecta por debajo del auténtico. [45]Otro aspecto interesante del sistema modal es la concesión universal para alterar B ♮ a B ♭ sin importar cuál sea el modo. [46] [ verificación necesaria ] La inclusión de este tono tiene varios usos, pero uno que parece particularmente común es para evitar las dificultades melódicas causadas, una vez más, por el tritono. [47]
Estos modos eclesiásticos, aunque tienen nombres griegos, tienen poca relación con los modos establecidos por los teóricos griegos. Más bien, la mayor parte de la terminología parece ser una apropiación indebida por parte de los teóricos medievales [42]. Aunque los modos de la iglesia no tienen relación con los modos de la antigua Grecia, la sobreabundancia de la terminología griega apunta a un posible origen interesante en las melodías litúrgicas. de la tradición bizantina . Este sistema se llama octoechos y también se divide en ocho categorías, llamadas echoi . [48]
Para teóricos de la música medieval específicos, ver también: Isidoro de Sevilla , Aureliano de Réôme , Odo de Cluny , Guido de Arezzo , Hermannus Contractus , Johannes Cotto (Johannes Afflighemensis), Johannes de Muris , Franco de Colonia , Johannes de Garlandia (Johannes Gallicus) , Anónimo IV , Marchetto da Padova (Marchettus de Padua), Jacques de Lieja , Johannes de Grocheo , Petrus de Cruce (Pierre de la Croix) y Philippe de Vitry .
Música medieval temprana (500–1000)
Tradiciones de canto temprano
El canto (o canto llano ) es una forma sagrada monofónica (melodía única, sin acompañamiento) que representa la música más antigua conocida de la iglesia cristiana. El canto se desarrolló por separado en varios centros europeos. Aunque los más importantes fueron Roma , Hispania , Galia , Milán e Irlanda , también hubo otros. Todos estos estilos se desarrollaron para apoyar las liturgias regionales utilizadas al celebrar la Misa allí. Cada área desarrolló su propio canto y reglas para la celebración. En España y Portugal , canto mozárabe fue utilizado y muestra la influencia de la música del norte de África. La liturgia mozárabe incluso sobrevivió a través del dominio musulmán , aunque se trataba de una rama aislada y esta música fue posteriormente suprimida en un intento de imponer la conformidad en toda la liturgia. En Milán, el canto ambrosiano , que lleva el nombre de San Ambrosio , era el estándar, mientras que el canto beneventano se desarrollaba alrededor de Benevento , otro centro litúrgico italiano. El canto galicano se utilizó en la Galia y el canto celta en Irlanda y Gran Bretaña.
Alrededor del año 1011 d.C., la Iglesia Católica Romana quería estandarizar la Misa y el canto en todo su imperio. En este momento, Roma era el centro religioso de Europa occidental y París era el centro político. El esfuerzo de estandarización consistió principalmente en combinar estas dos liturgias regionales ( romana y galicana ). El Papa Gregorio I (540–604) y Carlomagno (742–814) enviaron cantantes entrenados por todo el Sacro Imperio Romano Germánico (800 | 962–1806) para enseñar esta nueva forma de canto. [49] Este cuerpo de canto se conoció como Canto Gregoriano , llamado así por el Papa Gregorio I. En los siglos XII y XIII, el canto gregoriano había reemplazado a todas las demás tradiciones de canto occidentales, con la excepción del canto ambrosiano en Milán y el canto mozárabe en algunas capillas españolas especialmente designadas. Hildegard von Bingen (1098-1179) fue una de las primeras compositoras conocidas. Escribió muchas obras monofónicas para la Iglesia Católica, casi todas para voces femeninas.
Polifonía temprana: organum
Hacia fines del siglo IX, los cantantes de monasterios como San Galo en Suiza comenzaron a experimentar con la adición de otra parte al canto, generalmente una voz en movimiento paralelo , cantando principalmente en cuartos o quintos perfectos por encima de la melodía original (ver intervalo ). . Este desarrollo se llama organum y representa el comienzo del contrapunto y, en última instancia, la armonía . [50] Durante los siguientes siglos, el organum se desarrolló de varias formas.
El más significativo de estos desarrollos fue la creación de un "organum florido" alrededor de 1100, a veces conocido como la escuela de San Marcial (el nombre de un monasterio en el centro-sur de Francia, que contiene el manuscrito mejor conservado de este repertorio). En "florid organum", la melodía original se cantaría en notas largas, mientras que una voz acompañante cantaría muchas notas a cada una de las originales, a menudo de una manera muy elaborada, enfatizando al mismo tiempo las consonancias perfectas (cuartas, quintas y octavas). , como en la organa anterior. Desarrollos posteriores del organum ocurrieron en Inglaterra, donde el intervalo de la tercera fue particularmente favorecido, y donde la organa probablemente se improvisó contra una melodía de canto existente, y en Notre Dame.en París, que sería el centro de la actividad creativa musical a lo largo del siglo XIII.
Gran parte de la música del período medieval temprano es anónima . Algunos de los nombres pueden haber sido poetas y escritores líricos, y las melodías para las que escribieron palabras pueden haber sido compuestas por otros. La atribución de música monofónica del período medieval no siempre es confiable. Los manuscritos sobrevivientes de este período incluyen Musica Enchiriadis , Codex Calixtinus de Santiago de Compostela , Magnus Liber y Winchester Troper . Para obtener información sobre compositores o poetas específicos que escribieron durante el período medieval temprano, consulte Pope Gregory I , St. Godric , Hildegard of Bingen , Hucbald, Notker Balbulus , Odón de Arezzo , Odón de Cluny y Tutilo .
Drama litúrgico
Otra tradición musical de Europa que se originó durante la Alta Edad Media fue el drama litúrgico .
El drama litúrgico se desarrolló posiblemente en el siglo X a partir de los tropos: adornos poéticos de los textos litúrgicos. Uno de los tropos, el llamado Quem Quaeritis, perteneciente a la liturgia de la mañana de Pascua, se convirtió en una pequeña obra de teatro alrededor del año 950. [51] La fuente escrita más antigua que se conserva es el Winchester Troper. Alrededor del año 1000 se cantó ampliamente en el norte de Europa. [52] [ verificación fallida ]
En breve, [se necesita aclaración ] se desarrolló una obra de teatro navideña similar, musical y textualmente después de la de Pascua, y le siguieron otras obras.
Existe controversia entre los musicólogos en cuanto al acompañamiento instrumental de tales obras, dado que las direcciones escénicas, muy elaboradas y precisas en otros aspectos, no solicitan la participación de instrumentos. [ cita requerida ] Estos dramas fueron realizados por monjes, monjas y sacerdotes. [ cita requerida ] En contraste con las obras seculares, que se hablaban, el drama litúrgico siempre se cantaba. [ cita requerida ] Muchos se han conservado lo suficiente como para permitir la reconstrucción y la interpretación modernas (por ejemplo, la obra de teatro de Daniel , que se ha grabado recientemente al menos diez veces).
Música alta medieval (1000-1300)
Goliards
Los Goliards fueron poetas- músicos itinerantes de Europa desde el siglo X hasta mediados del siglo XIII. La mayoría eran eruditos o eclesiásticos , y escribían y cantaban en latín. Aunque muchos de los poemas han sobrevivido, muy poca música ha sobrevivido. Eran posiblemente influyente, incluso con decisión así en el trovador - trovador tradición que iba a seguir. La mayor parte de su poesía es secular y, aunque algunas de las canciones celebran los ideales religiosos, otras son francamente profanas y tratan de la borrachera, el libertinaje y la lujuria. Una de las fuentes existentes más importantes de chansons Goliards es el Carmina Burana . [53]
Ars antiqua
El florecimiento de la escuela de polifonía de Notre Dame desde alrededor de 1150 a 1250 correspondió a los logros igualmente impresionantes de la arquitectura gótica : de hecho, el centro de actividad estaba en la propia catedral de Notre Dame . A veces, la música de este período se llama escuela parisina, o organum parisino, y representa el comienzo de lo que convencionalmente se conoce como Ars antiqua . Este fue el período en el que la notación rítmica apareció por primera vez en la música occidental, principalmente un método de notación rítmica basado en el contexto conocido como modos rítmicos .
Este fue también el período en el que se desarrollaron conceptos de estructura formal atentos a la proporción, textura y efecto arquitectónico. Los compositores de la época alternaron el organum florido y discante (más nota contra nota, en oposición a la sucesión de melismas de muchas notas contra notas prolongadas que se encuentran en el tipo florido), y crearon varias formas musicales nuevas: clausulae , que fueron secciones melismáticas de organa extraídas y acondicionadas con nuevas palabras y mayor elaboración musical; conductus , que eran canciones para que una o más voces se cantaran rítmicamente, muy probablemente en una procesión de algún tipo; y tropos, que eran adiciones de nuevas palabras y, a veces, nueva música a secciones de cánticos antiguos. Todos estos géneros, salvo uno, se basaron en el canto; es decir, una de las voces (normalmente tres, aunque a veces cuatro) casi siempre la más grave (el tenor en este punto) cantaba una melodía cantada, aunque con notas de longitud libre, sobre las que las otras voces cantaban organum. La excepción a este método fue el conductus, una composición a dos voces compuesta libremente en su totalidad. [ cita requerida ]
El motete , una de las formas musicales más importantes de la alta Edad Media y el Renacimiento, se desarrolló inicialmente durante el período de Notre Dame a partir de la clausula, especialmente la forma que utiliza múltiples voces elaborada por Pérotin , quien allanó el camino para esto particularmente reemplazando muchos de su predecesor (como canónigo de la catedral) LéoninClausulae florida y larga con sustitutos en un estilo discante. Gradualmente, llegó a haber libros completos de estos sustitutos, disponibles para ser incluidos dentro y fuera de los diversos cánticos. Dado que, de hecho, hubo más de los que posiblemente se hayan utilizado en contexto, es probable que las clausulae se realizaran de forma independiente, ya sea en otras partes de la misa o en devociones privadas. La clausula, así practicada, se convirtió en el motete cuando se tropezó con palabras no litúrgicas, y esto se desarrolló aún más en una forma de gran elaboración, sofisticación y sutileza en el siglo XIV, el período de Ars nova . Manuscritos supervivientes de esta época incluyen el Codex Montpellier , Bamberg Codex , y Codex Las Huelgas .
Los compositores de esta época incluyen a Léonin , Pérotin , W. de Wycombe , Adam de St. Victor y Petrus de Cruce (Pierre de la Croix). A Petrus se le atribuye la innovación de escribir más de tres semibrevas para adaptarse a la longitud de una breve. Esta práctica, anterior a la innovación del tempus imperfecto, inauguró la era de los que ahora se llaman motetes "petronianos". Estas obras de finales del siglo XIII están divididas en tres o cuatro partes y tienen varios textos cantados simultáneamente. Originalmente, la línea de tenor (del latín tenere , "sostener") contenía una línea de canto litúrgico preexistente en el latín original, mientras que el texto de una, dos o incluso tres voces anteriores se llamaba voces organales, proporcionó comentarios sobre el tema litúrgico en latín o en francés vernáculo. Los valores rítmicos de las voces organales disminuyeron a medida que se multiplicaron las partes, teniendo el duplum (la parte sobre el tenor) valores rítmicos más pequeños que el tenor, el triplum (la línea sobre el duplum ) teniendo valores rítmicos más pequeños que el duplum , y así sobre. Con el paso del tiempo, los textos de las voces organales se volvieron cada vez más seculares y tenían una conexión cada vez menos abierta con el texto litúrgico en la línea de tenor. [54]
El motete petroniano es un género muy complejo, dada su mezcla de varios breves semibreve con modos rítmicos y en ocasiones (con frecuencia creciente) sustitución de cantos profanos por cantos en tenor. De hecho, la complejidad rítmica cada vez mayor sería una característica fundamental del siglo XIV, aunque la música en Francia, Italia e Inglaterra tomaría caminos bastante diferentes durante ese tiempo. [ cita requerida ]
Cantigas de Santa Maria
Las Cantigas de Santa María son 420 poemas con notación musical, escritos en gallego-portugués durante el reinado de Alfonso X el Sabio (1221-1284). [55] El manuscrito probablemente se compiló entre 1270 y 1280, y está muy decorado, con una iluminación cada 10 poemas. [56] Las iluminaciones a menudo representan a músicos que hacen del manuscrito una fuente particularmente importante de iconografía de la música medieval. [55] Aunque las Cantigas a menudo se atribuyen a Alfonso, no queda claro si él mismo fue compositor, o quizás un compilador; [56]Alfonso es conocido por invitar regularmente a músicos y poetas a la corte, quienes sin duda estuvieron involucrados en la producción de Cantigas . [57]
Es una de las mayores colecciones de canciones monofónicas (solistas) de la Edad Media y se caracteriza por la mención de la Virgen María en cada canción, mientras que cada décima canción es un himno. Los manuscritos han sobrevivido en cuatro códices: dos en El Escorial , uno en Madrid 's Biblioteca Nacional , y uno en Florencia, Italia . Algunas tienen miniaturas de colores que muestran parejas de músicos tocando una amplia variedad de instrumentos .
Trovadores, trouvères y Minnesänger
La música de los trovadores y trouvères era una tradición vernácula de canto secular monofónico, probablemente acompañado de instrumentos, cantado por músicos profesionales, ocasionalmente itinerantes, que eran tan hábiles como poetas como cantantes e instrumentistas. El idioma de los trovadores era el occitano (también conocido como langue d'oc o provenzal); el idioma de los trouvères era el francés antiguo (también conocido como langue d'oil ). El período de los trovadores correspondió al florecimiento de la vida cultural en la Provenza que duró hasta el siglo XII y la primera década del XIII. Los temas típicos de la canción trovadoresca eran la guerra., caballerosidad y amor cortés , el amor de una mujer idealizada desde lejos. El período de los trovadores terminó después de la Cruzada contra los albigenses , la feroz campaña del Papa Inocencio III para eliminar la herejía cátara (y el deseo de los barones del norte de apropiarse de las riquezas del sur). Los trovadores sobrevivientes fueron a Portugal , España, el norte de Italia o el norte de Francia (donde vivía la tradición de los trouvère), donde sus habilidades y técnicas contribuyeron al desarrollo posterior de la cultura musical secular en esos lugares. [49]
Los trouvères y los trovadores compartían orzuelos musicales similares, pero los trouvères eran generalmente nobles. [49] La música de los trouvères era similar a la de los trovadores, pero pudo sobrevivir hasta el siglo XIII sin verse afectado por la cruzada albigense. La mayoría de las más de dos mil canciones de trouvère que se conservan incluyen música y muestran una sofisticación tan grande como la de la poesía que acompaña. [ cita requerida ]
La tradición de Minnesänger fue la contraparte germánica de la actividad de los trovadores y trouvères del oeste. Desafortunadamente, pocas fuentes sobreviven de la época; las fuentes de Minnesang son en su mayoría de dos o tres siglos después del apogeo del movimiento, lo que genera cierta controversia sobre la precisión de estas fuentes. [58] Entre los Minnesängers con música sobreviviente se encuentran Wolfram von Eschenbach , Walther von der Vogelweide y Niedhart von Reuenthal .
Trovadorismo
En la Edad Media, el gallego-portugués era la lengua utilizada en casi toda Iberia para la poesía lírica. [59] De esta lengua se derivan tanto el gallego moderno como el portugués. La escuela gallego-portuguesa, en cierta medida influenciada (principalmente en ciertos aspectos formales) por los trovadores occitanos, se documenta por primera vez a finales del siglo XII y se prolongó hasta mediados del XIV.
Se suele acordar que la composición más antigua que se conserva en esta escuela es Ora faz ost 'o senhor de Navarra del portugués João Soares de Paiva , normalmente fechada justo antes o después de 1200. Los trovadores del movimiento, no confundir con los trovadores occitanos (que frecuentaba los tribunales de las cercanas León y Castilla), escribía casi en su totalidad cantigas. Probablemente a mediados del siglo XIII, estas canciones, conocidas también como cantares o trovas, comenzaron a compilarse en colecciones conocidas como cancioneiros (cancioneros). Se conocen tres de estas antologías: el Cancioneiro da Ajuda , el Cancioneiro Colocci-Brancuti (o Cancioneiro da Biblioteca Nacional de Lisboa) y elCancioneiro da Vaticana . A estos se suma la invaluable colección de más de 400 cantigas gallego-portuguesas en las Cantigas de Santa María, que la tradición atribuye a Alfonso X.
Las cantigas gallego-portuguesas se pueden dividir en tres géneros básicos: poesía amorosa con voz masculina, llamada cantigas de amor (o cantigas d'amor); poesía amorosa con voz femenina, llamada cantigas de amigo (cantigas d'amigo); y poesía de insulto y burla llamada cantigas d'escarnho e de mal dizer. Los tres son géneros líricos en el sentido técnico de que eran canciones estróficas con acompañamiento musical o introducción en un instrumento de cuerda. Pero los tres géneros también tienen elementos dramáticos, lo que llevó a los primeros estudiosos a caracterizarlos como lírico-dramáticos.
Los orígenes de las cantigas d'amor se remontan generalmente a la poesía lírica provenzal y al francés antiguo, pero formal y retóricamente son bastante diferentes. Las cantigas d'amigo probablemente tienen sus raíces en una tradición de canciones nativas, [60] aunque esta opinión ha sido cuestionada. Las cantigas d'escarnho e maldizer también pueden (según Lang) tener profundas raíces locales. Estos dos últimos géneros (que suman alrededor de 900 textos) hacen que la lírica gallego-portuguesa sea única en todo el panorama de la poesía románica medieval.
- Trovadores con melodías sobrevivientes
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- Compositores de la alta y tardía época medieval
Música medieval tardía (1300-1400)
Francia: Ars nova
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El comienzo del Ars nova es una de las pocas divisiones cronológicas claras en la música medieval, ya que corresponde a la publicación del Roman de Fauvel , una gran recopilación de poesía y música, en 1310 y 1314. El Roman de Fauvel es una sátira sobre abusos en la iglesia medieval, y está lleno de motetes medievales, lais , rondeaux y otras nuevas formas seculares. Si bien la mayor parte de la música es anónima, contiene varias piezas de Philippe de Vitry , uno de los primeros compositores del motete isorrítmico , desarrollo que distingue al siglo XIV. El motete isorrítmico fue perfeccionado por Guillaume de Machaut, el mejor compositor de la época.
Durante la era Ars nova , la música secular adquirió una sofisticación polifónica que antes solo se encontraba en la música sacra, un desarrollo que no es sorprendente si se considera el carácter secular del Renacimiento temprano (aunque esta música se considera típicamente "medieval", las fuerzas sociales que la produjeron fueron responsables para el comienzo del Renacimiento literario y artístico en Italia, la distinción entre la Edad Media y el Renacimiento es borrosa, especialmente considerando artes tan diferentes como la música y la pintura). El término " Ars nova " (arte nuevo o nueva técnica) fue acuñado por Philippe de Vitry en su tratado de ese nombre (probablemente escrito en 1322), para distinguir la práctica de la música de la época inmediatamente anterior.
El género secular dominante del Ars Nova fue la chanson , como lo seguiría siendo en Francia durante otros dos siglos. Estas canciones estaban compuestas en formas musicales correspondientes a la poesía que establecían, [61] que estaban en las llamadas formas fijas de rondeau , balada y virelai . Estas formas afectaron significativamente el desarrollo de la estructura musical en formas que se sienten incluso hoy; por ejemplo, el ouvert-closEl esquema de rima compartido por los tres exigía una realización musical que contribuía directamente a la noción moderna de frases antecedente y consecuente. Fue también en este período en el que comenzó la larga tradición de convertir la masa en algo ordinario. Esta tradición comenzó a mediados de siglo con escenarios aislados o emparejados de Kyries, Glorias, etc., pero Machaut compuso lo que se cree que es la primera misa completa concebida como una sola composición. El mundo sonoro de la música de Ars Nova es en gran medida uno de primacía lineal y complejidad rítmica. Los intervalos de "reposo" son la quinta y la octava, y las terceras y las sextas se consideran disonancias. Los saltos de más de una sexta parte en las voces individuales no son infrecuentes, lo que lleva a la especulación de la participación instrumental, al menos en la interpretación secular.Los manuscritos franceses supervivientes incluyenIvrea Codex y Apt Codex .
Para obtener información sobre compositores franceses específicos que escribieron a finales de la época medieval, consulte Jehan de Lescurel , Philippe de Vitry , Guillaume de Machaut , Borlet , Solage y François Andrieu .
Italia: Trecento
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La mayor parte de la música de Ars nova era de origen francés; sin embargo, el término a menudo se aplica vagamente a toda la música del siglo XIV, especialmente para incluir la música secular en Italia. Allí, este período a menudo se conoce como Trecento . La música italiana siempre ha sido conocida por su carácter lírico o melódico, y esto se remonta al siglo XIV en muchos aspectos. La música secular italiana de esta época (la poca música litúrgica que sobrevive es similar a la francesa, excepto por una notación algo diferente) presentaba lo que se ha llamado la cantalina.estilo, con una voz superior florida apoyada por dos (o incluso una; una buena cantidad de música italiana de Trecento es para solo dos voces) que son más regulares y de movimiento más lento. Este tipo de textura siguió siendo una característica de la música italiana en los géneros seculares populares de los siglos XV y XVI, y fue una influencia importante en el eventual desarrollo de la textura trío que revolucionó la música en el siglo XVII.
Había tres formas principales de obras seculares en el Trecento. Uno era el madrigal , no el mismo que el de 150-250 años después, pero con una forma de verso / estribillo. Estrofas de tres líneas, cada una con palabras diferentes, alternadas con un ritornello de dos líneas , con el mismo texto en cada aparición. Quizás podamos ver las semillas del posterior ritornello del Renacimiento tardío y del Barroco en este dispositivo; también vuelve una y otra vez, reconocible cada vez, en contraste con las distintas secciones circundantes. Otra forma, la caccia("persecución") fue escrito para dos voces en un canon al unísono. A veces, esta forma también presentaba un ritornello, que ocasionalmente también tenía un estilo canónico. Por lo general, el nombre de este género proporcionaba un doble significado, ya que los textos de caccia trataban principalmente de cacerías y actividades al aire libre relacionadas, o al menos escenas llenas de acción. La tercera forma principal era la ballata , que era aproximadamente equivalente al francés virelai .
Los manuscritos italianos sobrevivientes incluyen el Códice Squarcialupi y el Códice Rossi . Para obtener información sobre compositores italianos específicos que escribieron en la era medieval tardía, consulte Francesco Landini , Gherardello da Firenze , Andrea da Firenze , Lorenzo da Firenze , Giovanni da Firenze (también conocido como Giovanni da Cascia), Bartolino da Padova , Jacopo da Bologna , Donato da Cascia , Lorenzo Masini , Niccolò da Perugia y el Maestro Piero .
Alemania: Geisslerlieder
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Los Geisslerlieder eran las canciones de bandas errantes de flagelantes , que buscaban apaciguar la ira de un Dios enojado con música penitencial acompañada de mortificación de sus cuerpos. Hubo dos períodos separados de actividad de Geisslerlied: uno hacia mediados del siglo XIII, del cual, desafortunadamente, no sobrevive ninguna música (aunque sí lo hacen numerosas letras); y otro de 1349, en el que tanto la letra como la música sobreviven intactas gracias a la atención de un solo sacerdote que escribió sobre el movimiento y grabó su música. Este segundo período corresponde a la propagación de la peste negra en Europa y documenta uno de los acontecimientos más terribles de la historia europea. Ambos períodos de actividad de Geisslerlied se desarrollaron principalmente en Alemania.
Ars subtilior
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Como se ve a menudo al final de cualquier era musical, el final de la era medieval está marcado por un estilo muy manierista conocido como Ars subtilior . De alguna manera, este fue un intento de fusionar los estilos francés e italiano. Esta música fue muy estilizada, con una complejidad rítmica que no fue igualada hasta el siglo XX. De hecho, no solo la complejidad rítmica de este repertorio fue en gran medida incomparable durante cinco siglos y medio, con síncopas extremas, engaños mensurales e incluso ejemplos de augenmusik (como una chanson de Baude Cordierescrito en manuscrito en forma de corazón), pero también su material melódico era bastante complejo, particularmente en su interacción con las estructuras rítmicas. Ya se ha discutido en Ars Nova la práctica del isorritmo, que continuó desarrollándose hasta finales de siglo y, de hecho, no alcanzó su mayor grado de sofisticación hasta principios del siglo XV. En lugar de utilizar técnicas isorrítmicas en una o dos voces, o intercambiarlas entre voces, algunas obras llegaron a presentar una textura isorrítmica omnipresente que rivaliza con el serialismo integral del siglo XX en su ordenamiento sistemático de elementos rítmicos y tonales. El término "manierismo" fue aplicado por estudiosos posteriores, como suele serlo, en respuesta a una impresión de sofisticación que se practica por sí misma,una enfermedad que algunos autores han sentido infectadosArs subtilior .
Una de las fuentes existentes más importantes de chansons Ars Subtilior es el Códice Chantilly . Para obtener información sobre compositores específicos que escriben música en estilo Ars subtilior , consulte Anthonello de Caserta , Philippus de Caserta (también conocido como Philipoctus de Caserta), Johannes Ciconia , Matteo da Perugia , Lorenzo da Firenze , Grimace , Jacob Senleches y Baude Cordier .
Transición al Renacimiento
Demarcando el final de la era medieval y el comienzo de la era del Renacimiento, en lo que respecta a la composición musical, es difícil. Si bien la música del siglo XIV tiene una concepción bastante obviamente medieval, la música de principios del siglo XV a menudo se concibe como perteneciente a un período de transición, no solo conservando algunos de los ideales de finales de la Edad Media (como un tipo de escritura polifónica en la que las partes difieren ampliamente entre sí en carácter, ya que cada una tiene su función textural específica), pero también mostrando algunos de los rasgos característicos del Renacimiento (como el estilo cada vez más internacional que se desarrolló a través de la difusión de la lengua franco-flamenca). músicos de toda Europa, y en términos de textura una creciente igualdad de partes). Los historiadores de la música no se ponen de acuerdo sobre cuándo comenzó la era del Renacimiento,pero la mayoría de los historiadores están de acuerdo en que Inglaterra todavía era una sociedad medieval a principios del siglo XV (verEdiciones de periodización de la Edad Media). Si bien no hay consenso, 1400 es un marcador útil, porque fue en esa época cuando el Renacimiento entró en pleno apogeo en Italia . [ cita requerida ]
La creciente dependencia del intervalo de la tercera como consonancia es una de las características más pronunciadas de la transición al Renacimiento. La polifonía, en uso desde el siglo XII, se volvió cada vez más elaborada con voces muy independientes a lo largo del siglo XIV. Con John Dunstaple y otros compositores ingleses, en parte a través de la técnica local de faburden (un proceso de improvisación en el que una melodía cantada y una parte escrita predominantemente en sextas paralelas por encima de ella están ornamentadas por una cantada en cuartas perfectas debajo de esta última, y que luego tomó sostenido en el continente como "fauxbordon"), el intervalo de la tercera emerge como un desarrollo musical importante; a causa de esta contención anglosajona("Semblante inglés"), la música de los compositores ingleses a menudo se considera la primera en sonar menos extraña para el público de la era de 2000 que no está capacitado en historia de la música. [ cita requerida ]
Las tendencias estilísticas inglesas en este sentido se habían hecho realidad y comenzaron a influir en los compositores continentales ya en la década de 1420, como se puede ver en las obras del joven Dufay , entre otros. Mientras continuaba la Guerra de los Cien Años , los nobles ingleses, los ejércitos, sus capillas y séquitos, y por tanto algunos de sus compositores, viajaron por Francia y tocaron allí su música; También debe recordarse, por supuesto, que los ingleses controlaban partes del norte de Francia en ese momento. Los manuscritos en inglés incluyen los Fragmentos de Worcester , el Libro de Música de Old St. Andrews, el Manuscrito de Old Hall y el Manuscrito de Egerton. Para obtener información sobre compositores específicos que se consideran de transición entre la Edad Media y el Renacimiento, consulteZacara da Teramo , Paolo da Firenze , Giovanni Mazzuoli , Antonio da Cividale , Antonius Romanus , Bartolomeo da Bologna , Roy Henry , Arnold de Lantins , Leonel Power y John Dunstaple . [ cita requerida ]
Uno de los primeros compositores de la Escuela Franco-Flamenca del Renacimiento fue Johannes Ockeghem (1410/1425 –1497). Fue el miembro más famoso de la escuela franco-flamenca en la última mitad del siglo XV, ya menudo se lo considera [ comadreja ] el compositor más influyente entre Dufay y Josquin des Prez . Ockeghem probablemente estudió con Gilles Binchois , y al menos estuvo estrechamente asociado con él en la corte de Borgoña. Antoine Busnois escribió un motete en honor a Ockeghem. Ockeghem es un vínculo directo del estilo borgoñón a la próxima generación de holandeses, como Obrecht.y Josquin. Una fuerte influencia en Josquin des Prez y la siguiente generación de holandeses, Ockeghem fue famoso en toda Europa por su música expresiva Carlos VII , aunque igualmente conocido por su destreza técnica. [62]
Influencia
Los estilos musicales de Pérotin influyeron en compositores del siglo XX como John Luther Adams [63] y el compositor minimalista Steve Reich . [64]
Bardcore , que consiste en remezclar canciones populares famosas para que tengan una instrumentación medieval, se convirtió en un meme popular en 2020. [65]
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enlaces externos
 | Wikiquote tiene citas relacionadas con: Música medieval |
- Fundación de Música y Artes Medievales
- DIAMM , el Archivo de Imágenes Digitales de Música Medieval
- Compositores medievales : partituras en el proyecto de biblioteca internacional de partituras musicales
- Colección Schøyen: Música (escaneos de notación musical medieval )
- Répertoire International des Sources Musicales (RISM) , una base de datos de búsqueda gratuita de ubicaciones en todo el mundo para manuscritos de música hasta ca. 1800
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