Oscar-Claude Monet ( francés: [klod mɔnɛ] ; 14 de noviembre de 1840 - 5 de diciembre de 1926) fue un pintor francés y fundador de la pintura impresionista que es visto como un precursor clave del modernismo , especialmente en sus intentos de pintar la naturaleza como él la percibía. . [1] Durante su larga carrera, fue el practicante más consistente y prolífico de la filosofía del impresionismo de expresar las percepciones de uno ante la naturaleza, especialmente en lo que respecta a la pintura de paisajes al aire libre ( plein air ). [2] El término "Impresionismo" se deriva del título de su pintura Impression, soleil levant , expuesta en 1874 en el primer Salon des Refusés("exhibición de rechazos") iniciada por Monet y sus asociados como alternativa al Salón .
Claude Monet | |
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Nació | Oscar-Claude Monet 14 de noviembre de 1840 París , Francia |
Fallecido | 5 de diciembre de 1926 Giverny , Francia | (86 años)
Nacionalidad | francés |
Conocido por | Pintor |
Trabajo notable | Impresión, sol naciente catedral de Rouen serie Parlamento de Londres de la serie Nenúfares Haystacks Álamos |
Movimiento | Impresionismo |
Patrón (s) | Gustave Caillebotte , Ernest Hoschedé , Georges Clemenceau |
Monet se crió en Le Havre , Normandía , y se interesó por el aire libre y el dibujo desde una edad temprana. Aunque su madre, Louise-Justine Aubrée Monet, apoyaba sus ambiciones de ser pintora, su padre, Claude-Adolphe, lo desaprobaba y quería que siguiera una carrera en los negocios. Él era muy cercano a su madre, pero ella murió en enero de 1857 cuando él tenía dieciséis años, y fue enviado a vivir con su tía sin hijos, viuda pero rica, Marie-Jeanne Lecadre. Luego pasó a estudiar en la Académie Suisse , y con el pintor de historia académica Charles Gleyre , donde fue compañero de Auguste Renoir . Sus primeras obras incluyen paisajes, paisajes marinos y retratos, pero atrajeron poca atención. Una influencia temprana clave fue Eugène Boudin, quien le presentó el concepto de pintura al aire libre . Desde 1883, Monet vivió en Giverny , también en el norte de Francia, donde compró una casa y una propiedad y comenzó un vasto proyecto de paisajismo, incluida una serie de nenúfares , que lo ocupó continuamente durante los siguientes 20 años de su vida.
Su ambición por documentar la campiña francesa lo llevó a un método de pintar la misma escena muchas veces para capturar el cambio de luz y el paso de las estaciones. Entre los ejemplos más conocidos se encuentran su serie de pajares (1890-1891), pinturas de la catedral de Rouen (1894) y del estanque de nenúfares que construyó en su casa de Giverny.
Exhibido con frecuencia y exitoso durante su vida, su fama y popularidad se dispararon en la segunda mitad del siglo XX cuando se convirtió en uno de los pintores más famosos del mundo y en una fuente de inspiración para grupos de artistas emergentes.
Biografía
Nacimiento e infancia
Claude Monet nació el 14 de noviembre de 1840 en el quinto piso del 45 rue Laffitte , en el noveno distrito de París . [3] Fue el segundo hijo de Claude Adolphe Monet y Louise Justine Aubrée Monet, ambos parisinos de segunda generación. El 20 de mayo de 1841, fue bautizado en la iglesia parroquial local, Notre-Dame-de-Lorette , como Oscar-Claude, pero sus padres lo llamaron simplemente Oscar. [3] [4] A pesar de ser bautizado como católico, Monet más tarde se convirtió en ateo. [5] [6]
En 1845, su familia se trasladó a Le Havre en Normandía . Su padre, un mayorista comerciante , quería que fuera en la familia de la nave-chandling y comestibles negocio, [7] [8] , pero Monet quería ser un artista. Su madre era cantante y apoyaba el deseo de Monet de una carrera en el arte. [9]
El 1 de abril de 1851 ingresó en la escuela secundaria de artes de Le Havre. [10] Era un estudiante apático que, después de mostrar habilidad en el arte desde joven, comenzó a dibujar caricaturas y retratos de conocidos a los 15 años por dinero. [11] Comenzó sus primeras lecciones de dibujo con Jacques-François Ochard , un ex alumno de Jacques-Louis David . [11] Alrededor de 1858, conoció a su colega artista Eugène Boudin , quien animó a Monet a desarrollar sus técnicas, le enseñaría las técnicas de pintura " en plein air " (al aire libre) y llevaría a Monet a excursiones de pintura. [12] [13] Monet pensó en Boudin como su maestro, a quien "le debía todo" por su éxito posterior. [14]
En 1857 murió su madre. [15] A la edad de dieciséis años, dejó la escuela. [ cita requerida ] Vivía con su padre y su tía, Marie-Jeanne Lecadre; Lecadre sería una fuente de apoyo para Monet en su carrera artística temprana. [13] [15]
Paris y Argelia
De 1858 a 1860, Monet continuó sus estudios en París, donde se inscribió en la Académie Suisse y conoció a Camille Pissarro en 1859. [16] [17] Fue llamado al servicio militar y sirvió bajo las órdenes de los Chasseurs d'Afrique (Cazadores africanos). en Argelia, de 1861 a 1862. [18] Su paso por Argelia tuvo un efecto poderoso en Monet, quien más tarde dijo que la luz y los colores vivos del norte de África "contenían el germen de mis futuras investigaciones". [19] La enfermedad lo obligó a regresar a Le Havre, donde compró el servicio que le quedaba y conoció a Johan Barthold Jongkind , quien junto con Boudin fue un importante mentor de Monet. [12] Su padre podría haber comprado la exención de su hijo del servicio militar obligatorio, pero se negó a hacerlo después de que su hijo se negó a dejar de pintar. [ cita requerida ]
Mientras estaba en Argelia, Monet completó solo algunos bocetos de escenas de casbah , un solo paisaje y varios retratos de oficiales, todos los cuales se han perdido. Después de la convalecencia, su tía intervino para sacarlo del ejército si aceptaba completar un curso en una escuela de arte. Es posible que Jongkind, a quien Monet conocía, haya incitado a su tía sobre este asunto. [ cita requerida ]
A su regreso a París, con el permiso de su padre, dividió su tiempo entre la casa de su infancia y el campo y se inscribió en el estudio de Charles Gleyre , donde conoció a Pierre-Auguste Renoir y Frédéric Bazille . [15] [21] [22] Bazille finalmente se convirtió en su mejor amigo; viajaron a Honfleur para encontrar sus motivos y admiraron el Sena, del cual Monet pintó varios "estudios". [14] [23] A menudo pintaba junto a Renoir y Alfred Sisley . [24] Ambos compartían el deseo de articular nuevos estándares de belleza en temas convencionales. [25]
Durante este tiempo pintó Mujeres en el jardín , su primera pintura a gran escala de éxito, y Le déjeuner sur l'herbe , la "pintura más importante de la primera época de Monet". [24] [26] [27] Habiendo debutado por primera vez en el Salón en 1865 con La Pointe de la Hève en la marea baja y la desembocadura del Sena en Honfleur con grandes elogios, esperaba que Le déjeuner sur l'herbe lo ayudara a abrirse paso en el Salón de 1866. No pudo terminarlo de manera oportuna y, en cambio, sometió a La mujer del vestido verde y Pavé de Chailly a la aceptación. [15] [28] A partir de entonces, presentó obras al Salón anualmente hasta 1870, pero fueron aceptadas por los jurados solo dos veces, en 1866 y 1868. [12] No envió más obras al Salón hasta su único intento final. en 1880. [12] Su trabajo fue considerado radical, "desanimado en todos los niveles oficiales". [21]
En 1867, su entonces amante, Camille Doncieux, a quien había conocido dos años antes como modelo para sus cuadros, dio a luz a su primer hijo, Jean . [13] Monet tenía una fuerte relación con Jean, afirmando que Camille era su esposa legítima, por lo que Jean sería considerada legítima . [29] En un momento de estrés para Monet, su padre dejó de apoyarlo económicamente como resultado de la relación. A principios de año, Monet se vio obligado a mudarse a la casa de su tía en Sainte-Adresse . [15] [28] Allí se sumergió en su obra, aunque su forma de pintar se vio obstaculizada por una pérdida parcial de la vista. [15] [28]
Con la ayuda del coleccionista de arte Louis-Joachim Gaudibert, se reencuentra con Camille y se traslada a Étretat al año siguiente. [14] [15] Alrededor de esta época, estaba tratando de establecerse como un pintor de figuras, que representaba "explícitamente contemporáneo, burgués" y estaba trabajando dentro de una mentalidad tradicional, un marco que continuaría en la década de 1870. [15] [30] [21] [22] Aunque evolucionó su técnica de pintura e integró la experimentación estilística en su estilo al aire libre, como lo demuestran The Beach at Sainte-Adresse y On the Seine, respectivamente, siendo la primera su "primera campaña de pintura sostenida que involucró al turismo". [15] [28]
Varias de sus pinturas habían sido compradas por Gaudibert, quien encargó una pintura de su esposa, junto con otros proyectos; los Gaudibert fueron durante dos años "los más solidarios de los mecenas de la ciudad natal de Monet ". [12] [29] Monet más tarde sería apoyado económicamente por el artista y coleccionista de arte Gustave Caillebotte , Bazille y quizás Gustave Courbet , aunque los acreedores todavía lo perseguían. [12] [21]
Exilio y Argenteuil
Se casó con Camille el 28 de junio de 1870, poco antes del estallido de la guerra franco-prusiana . [31] Durante la guerra, él y su familia vivieron en Londres y los Países Bajos para evitar el servicio militar obligatorio . [15] [16] Monet y Charles-François Daubigny vivieron en un exilio autoimpuesto . [16] [A] Mientras vivía en Londres, Monet conoció a su viejo amigo Pissaro, el pintor estadounidense James Abbott McNeill Whistler , y se hizo amigo de su primer y principal comerciante de arte Paul Durand-Ruel ; un encuentro que sería decisivo para su carrera. Allí vio y admiró las obras de John Constable y JMW Turner y quedó impresionado por el tratamiento de la luz por parte de Turner, especialmente en las obras que representan la niebla en el Támesis . [12] [15] [32] [33] Repetidamente pintó el Támesis, Hyde Park y Green Park . [15] En la primavera de 1871, a sus obras se les negó la autorización para su inclusión en la exposición de la Royal Academy y la policía sospechó que realizaba actividades revolucionarias. [34] [31] Ese mismo año se enteró de la muerte de su padre. [12]
La familia se mudó a Argenteuil en 1871, donde él, influenciado por su tiempo con los pintores holandeses, pintó principalmente los alrededores del Sena . [30] [35] Adquirió un velero para pintar en el río. [12] En 1874, firmó un contrato de arrendamiento de seis años y medio y se mudó a una "casa color de rosa con contraventanas verdes" de nueva construcción en Argenteuil, donde pintó quince cuadros de su jardín desde una perspectiva panorámica . [30] [36] Pinturas como Gladiolos marcaron lo que probablemente fue la primera vez que Monet cultivó un jardín con el propósito de su arte. [30] La casa y el jardín se convirtieron en el motivo "más importante" de sus últimos años en Argenteuil. [36] Durante los siguientes cuatro años, pintó principalmente en Argenteuil y se interesó por las teorías del color del químico Michel Eugène Chevreul . [12] Durante tres años de la década, alquiló una gran villa en Saint-Denis por mil francos al año. Camille Monet en un banco de jardín muestra el jardín de la villa y lo que algunos han argumentado que es el dolor de Camille al enterarse de la muerte de su padre. [37]
Monet y Camille a menudo se encontraban en dificultades financieras durante este período: no podían pagar la factura del hotel durante el verano de 1870 y probablemente vivían en las afueras de Londres como resultado de la insuficiencia de fondos. Sin embargo, una herencia de su padre, junto con la venta de sus pinturas, les permitió contratar a dos sirvientes y un jardinero en 1872. [13] [38] [39] Tras la exitosa exhibición de algunas pinturas marítimas y la obtención de una medalla de plata en Le Havre, las pinturas de Monet fueron confiscadas por los acreedores, a quienes un comerciante marítimo, Gaudibert, que también era un mecenas de Boudin, las recompró. [40]
Impresionismo
Cuando el apoyo previo de Durand-Ruel a Monet y sus pares comenzó a declinar, Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Paul Cézanne , Edgar Degas y Berthe Morisot exhibieron su trabajo de forma independiente; lo hicieron bajo el nombre de Sociedad Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores para la que Monet fue una figura destacada en su formación. [12] [15] Se inspiró en el estilo y el tema de sus contemporáneos un poco mayores, Pissarro y Édouard Manet. [41] El grupo, cuyo título fue elegido para evitar la asociación con cualquier estilo o movimiento, se unió en su independencia del Salón y el rechazo al academicismo imperante . [12] [42] Monet acumuló una reputación como el pintor de paisajes más destacado del grupo. [dieciséis]
En la primera exposición, en 1874, Monet exhibió, entre otros, Impression, Sunrise , The Luncheon y Boulevard des Capucines . [43] El crítico de arte Louis Leroy escribió una crítica hostil. Prestando especial atención a Impression, Sunrise (1872), una representación borrosa del puerto de Le Havre y un desvío estilístico, acuñó el término " Impresionismo ". Los críticos conservadores y el público se burlaron del grupo, con el término inicialmente irónico y denotando la pintura como inacabada. [15] [42] Los críticos más progresistas elogiaron la descripción de la vida moderna; Louis Edmond Duranty llamó a su estilo una "revolución en la pintura". [42] Más tarde lamentó haber inspirado el nombre, ya que creía que eran un grupo "cuya mayoría no tenía nada de impresionista". [14]
La asistencia total se estima en 3500. Monet valoró la Impresión: Sunrise en 1000 francos, pero no la vendió. [44] [45] [46] La exposición estaba abierta a cualquier persona dispuesta a pagar 60 francos y dio a los artistas la oportunidad de mostrar su trabajo sin la interferencia de un jurado. [44] [45] [46] Otra exposición se llevó a cabo en 1876, nuevamente en oposición al Salón. Monet exhibió 18 pinturas, incluida La playa de Sainte-Adresse, que mostraba múltiples características impresionistas. [28] [47]
Para la tercera exposición, el 5 de abril de 1877, seleccionó siete pinturas de la docena que había hecho de la Gare Saint-Lazare en los últimos tres meses, la primera vez que había "sincronizado tantas pinturas del mismo sitio, coordinando cuidadosamente sus escenas y temporalidades ". [48] Las pinturas fueron bien recibidas por los críticos, quienes elogiaron especialmente la forma en que capturó la llegada y salida de los trenes. [48] En la cuarta exposición, su participación fue mediante la negociación por parte de Caillebotte. [15] Su última exposición con los impresionistas fue en 1882, cuatro años antes de la exposición impresionista final. [49] [50]
Monet, Renoir, Pissarro, Morisot, Cézanne y Sisley procedieron a experimentar con nuevos métodos de representar la realidad. Rechazaron la iluminación oscura y contrastante de las pinturas románticas y realistas, a favor de los tonos pálidos de las pinturas de sus compañeros, como las de Jean-Baptiste-Camille Corot y Boudin. [51] Después de desarrollar métodos para pintar efectos transitorios, Monet pasó a buscar sujetos más exigentes, nuevos mecenas y coleccionistas; sus pinturas producidas a principios de la década de 1870 dejaron un impacto duradero en el movimiento y sus compañeros, muchos de los cuales se mudaron a Argenteuil como resultado de admirar su representación. [15] [52]
Ver en Rouelles, Le Havre 1858, colección privada; una obra temprana que muestra la influencia de Corotà Sainte-Adress y Courbet
Boca del Sena en Honfleur , 1865, Norton Simon Foundation , Pasadena, California; indica la influencia de la pintura marítima holandesa. [53]
La Ola Verde , 1866, Museo Metropolitano de Arte
Mujeres en el jardín , 1866–1867, Musée d'Orsay , París. [54]
Mujer en el jardín , 1867, Hermitage , San Petersburgo; un estudio sobre el efecto de la luz solar y la sombra sobre el color.
Jardín de Sainte-Adresse ("Jardin à Sainte-Adresse"), 1867, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York. [55]
El almuerzo de 1868, Städel , que presenta a Camille Doncieux y Jean Monet, fue rechazado por el Salón de París de 1870, pero se incluyó en la primera exposición de impresionistas en 1874. [56]
La Grenouillére 1869, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York; una pequeña pintura al aire libre creada con amplios trazos de color intenso. [57]
En la orilla del Sena, Bennecourt , 1868, Art Institute of Chicago
La urraca , 1868–1869. Musée d'Orsay, París; uno de los primeros intentos de Monet de capturar el efecto de la nieve en el paisaje. Véase también Nieve en Argenteuil .
Le port de Trouville (Rompeolas en Trouville, marea baja) , 1870, Museo de Bellas Artes de Budapest. [58]
La plage de Trouville , 1870, National Gallery , Londres. La figura de la izquierda puede ser Camille, a la derecha posiblemente la esposa de Eugène Boudin , cuyas escenas de playa influyeron en Monet. [59]
Houses on the Achterzaan , 1871, Metropolitan Museum of Art, Nueva York
Jean Monet On His Hobby Horse , 1872. Museo Metropolitano de Artaving al salir de su casa, Nueva York
Primavera de 1872, Museo de Arte Walters
Barcos en el Sena en Rouen , 1872, Galería Nacional de Arte , Washington DC
Muerte de Camille y Vétheuil
En 1876, Camille Monet enfermó gravemente. [60] Su segundo hijo, Michel , nació en 1878, después de lo cual la salud de Camille se deterioró aún más. [60] En el otoño de ese año, se mudaron al pueblo de Vétheuil donde compartieron una casa con la familia de Ernest Hoschedé , un rico dueño de una tienda departamental y mecenas de las artes que había encargado cuatro pinturas a Monet. [12] [15] En 1878, a Camille le diagnosticaron cáncer de útero . [61] Murió al año siguiente. [15] Su muerte, junto con las dificultades financieras —una vez tuvo que dejar su casa para evitar a los acreedores— afectaron la carrera de Monet; Hoschedé había comprado recientemente varios cuadros, pero pronto se declaró en quiebra y se fue a París con la esperanza de recuperar su fortuna, a medida que el interés por los impresionistas disminuía. [16] [12] [15]
Monet hizo un estudio al óleo de su difunta esposa. Muchos años después, le confesó a su amigo Georges Clemenceau que su necesidad de analizar los colores era una alegría y un tormento para él. Explicó: "Un día me encontré mirando la cara muerta de mi amada esposa y simplemente notando sistemáticamente los colores de acuerdo con un reflejo automático". [62] John Berger describe la obra como "una tormenta de pintura blanca, gris, violácea ... una terrible tormenta de pérdida que borrará para siempre sus rasgos. De hecho, puede haber muy pocas pinturas del lecho de muerte que hayan sido tan intensamente sentida o subjetivamente expresiva ". [63]
Continuó el estudio de Monet sobre el Sena; fue exhibido por primera vez en el Salón en 1880. [12] En este momento, comenzó a abandonar las técnicas impresionistas ya que sus pinturas utilizaban tonos más oscuros y mostraban ambientes, como el río Sena, en un clima severo, durante el resto de la década, se centró en el aspecto elemental de la naturaleza. [24] [52] Su vida personal influyó en su distanciamiento de los impresionistas. [15] Regresó a Étretat y expresó en cartas a Alice Hoschedé, con quien se casaría en 1892, tras la muerte de su marido el año anterior, un deseo de morir. [14] [15] [64] En 1881, se mudó con Alice y sus hijos a Poissy y nuevamente vendió sus pinturas a Durand-Reul. [12] La tercera hija de Alice, Suzanne, se convertiría en el "modelo preferido" de Monet, después de Camile. [64]
En abril de 1883, mirando por la ventanilla del tren entre Vernon y Gasny, descubrió a Giverny en Normandía. [65] Ese mismo año se llevó a cabo su primera gran retrospectiva. [52]
Las luchas de Monet con los acreedores concluyeron después de prósperos viajes; fue a Bordighera, en 1884, y trajo 50 paisajes. [12] [52] Viajó a los Países Bajos en 1886 para pintar los tulipanes. Pronto conoció y se hizo amigo de Gustave Geffroy , quien publicó un artículo sobre Monet. [12] A pesar de sus escrúpulos, las pinturas de Monet se vendieron en Estados Unidos y contribuyeron a su seguridad financiera. [15] En contraste con las dos últimas décadas de su carrera, Monet prefería trabajar solo, y sentía que siempre era mejor cuando lo hacía, habiendo "anhelado la soledad, lejos de los complejos turísticos abarrotados y los entornos urbanos sofisticados". . [66] [52] Ese deseo era recurrente en sus cartas a Alice. [66]
En 1875, volvió a pintar figuras con Mujer con sombrilla - Madame Monet y su hijo , después de abandonarla con El almuerzo . Continuó el estilo durante los siguientes cuatro años, alcanzando su cúspide en 1877 y concluyendo por completo en 1890. [29] [64] En una carta "inusualmente reveladora" a Théodore Duret , Monet habló sobre su interés revitalizado: "Estoy trabajando como nunca antes en un nuevo esfuerzo figuras en plein air, como yo las entiendo. Este es un viejo sueño, uno que siempre me ha obsesionado y que me gustaría dominar de una vez por todas. ¡Pero todo es tan difícil! Estoy trabajando muy duro, casi hasta el punto de enfermarme ". [64]
Camille Monet en un banco de jardín , 1873, Museo Metropolitano de Arte , Nueva York
La casa del artista en Argenteuil , 1873, The Art Institute of Chicago
Coquelicots, La promenade (Amapolas) , 1873, Musée d'Orsay , París
Argenteuil , 1874, Galería Nacional de Arte , Washington DC
The Studio Boat , 1874, Museo Kröller-Müller , Otterlo, Países Bajos
Camille au métier , 1875, colección Barnes
Mujer con sombrilla - Madame Monet y su hijo , 1875, Galería Nacional de Arte, Washington, DC
Madame Monet con un kimono japonés , 1876, Museo de Bellas Artes de Boston.
Le Bateau-atelier , 1876, colección Barnes
Flores en la orilla del río en Argenteuil , 1877, Museo de Arte Pola , Japón
Vétheuil en la niebla , 1879, Musée Marmottan Monet , París
Estudio de una figura al aire libre: mujer con sombrilla, mirando hacia la izquierda , 1886, Musée d'Orsay
Giverny
En 1883, Monet y su familia alquilaron una casa y jardines en Giverny , que le proporcionaron una estabilidad doméstica que aún no había disfrutado. [15] La casa estaba situada cerca de la carretera principal entre las ciudades de Vernon y Gasny en Giverny. Había un granero que funcionaba como estudio de pintura, huertas y un pequeño jardín. La casa estaba lo suficientemente cerca de las escuelas locales para que los niños asistieran, y el paisaje circundante proporcionaba numerosas áreas naturales para que Monet las pintara. [ cita requerida ]
La familia trabajó y construyó los jardines, y la suerte de Monet comenzó a mejorar a medida que Durand-Ruel tenía un éxito creciente en la venta de sus pinturas. [67] Los jardines fueron la mayor fuente de inspiración de Monet durante 40 años y, con escasas excepciones, pintó exclusivamente los jardines acuáticos durante los últimos 30 años. [68] [69] En 1890, Monet compró la casa. [52] Durante la década de 1890, Monet construyó un invernadero y un segundo estudio, un edificio espacioso bien iluminado con tragaluces.
Monet escribía instrucciones diarias a su jardinero, diseños y diseños precisos para las plantaciones, y facturas por sus compras florales y su colección de libros de botánica. A medida que la riqueza de Monet creció, su jardín evolucionó. Siguió siendo su arquitecto, incluso después de contratar a siete jardineros. [70] Monet compró terrenos adicionales con un prado de agua. [12] Se plantaron nenúfares blancos locales de Francia junto con cultivares importados de Sudamérica y Egipto, lo que resultó en una gama de colores que incluía lirios amarillos, azules y blancos que se volvían rosados con la edad. [71] En 1902, aumentó el tamaño de su jardín acuático en casi 4000 metros cuadrados; el estanque se amplió en 1901 y 1910 con caballetes instalados alrededor para permitir capturar diferentes perspectivas. [15] [69]
Insatisfecho con las limitaciones del impresionismo, Monet comenzó a trabajar en una serie de pinturas que mostraban temas únicos —pajares, álamos y la catedral de Rouen— para resolver su frustración. [24] [64] Estas series de pinturas proporcionaron un éxito crítico y financiero generalizado; en 1898, se exhibieron 61 pinturas en la galería Petit. [72] También comenzó una serie de Mañanas en el Sena, que retrataba las horas del amanecer del río. [15] En 1887 y 1889 exhibió una serie de pinturas de Belle ÎleIn que recibió críticas entusiastas de los críticos. [66] Monet eligió la ubicación con la esperanza de encontrar un "nuevo lenguaje estético que pasara por alto las fórmulas aprendidas, uno que fuera fiel a la naturaleza y único para él como individuo, no como cualquier otra persona". [66]
En 1899 comienza a pintar los nenúfares que lo ocuparán continuamente durante los siguientes 20 años de su vida, siendo su última y "más ambiciosa" secuencia de pinturas. [30] [73] Había exhibido este primer grupo de imágenes del jardín, dedicado principalmente a su puente japonés, en 1900. [15] Regresó a Londres, ahora residiendo en el prestigioso Hotel Savoy, en 1889 para producir una serie. que incluía 41 pinturas del puente de Waterloo , 34 del puente de Charing Cross y 19 de la Casa del Parlamento . [74] El último viaje de Monet sería a Venecia, con Alice en 1908. [15]
Las representaciones de los nenúfares, con luz alterna y reflejos espejados, se convirtieron en una parte integral de su trabajo. [75] A mediados de la década de 1910, Monet había logrado "un estilo de pintura completamente nuevo, fluido y algo audaz en el que el estanque de nenúfares se convirtió en el punto de partida de un arte casi abstracto". [76] Claude Roger-Marx señaló en una reseña de la exitosa exposición de 1909 de Monet de la primera serie de Nenúfares que había "alcanzado el máximo grado de abstracción e imaginación unidas a lo real". [77] Esta exposición, titulada Nenúfares, una serie de paisajes acuáticos, constaba de 42 lienzos, su "serie más grande y unificada hasta la fecha" . [15] En última instancia, haría más de 250 pinturas de los nenúfares . [49]
En su casa, Monet se reunió con artistas, escritores, intelectuales y políticos de Francia, Inglaterra, Japón y Estados Unidos. [16] En el verano de 1887 conoció a John Singer Sargent, cuya experimentación con la pintura de figuras al aire libre lo intrigó; la pareja pasó a influirse con frecuencia entre sí. [64]
En el jardín , 1895, Colección EG Buehrle, Zürich
Agapanthus , entre 1914 y 1926, Museo de Arte Moderno de Nueva York
Arcos florecientes, Giverny , 1913, Museo de Arte de Phoenix
Nenúfares y el puente japonés , 1897–1899, Museo de Arte de la Universidad de Princeton
Nenúfares , 1906, Art Institute of Chicago
Nenúfares , Musée Marmottan Monet
Nenúfares , c. 1915, Neue Pinakothek , Múnich
Nenúfares , c. 1915, Museo Marmottan Monet
Falta de vista
La segunda esposa de Monet, Alice, murió en 1911, y su hijo mayor, Jean, que se había casado con Blanche, la hija de Alice, la favorita de Monet, murió en 1914. [78] Sus muertes dejaron a Monet deprimido, mientras Blanche lo cuidaba. [15] [79] Fue durante este tiempo que Monet comenzó a desarrollar los primeros signos de cataratas . [79] En 1913, Monet viajó a Londres para consultar al oftalmólogo alemán Richard Liebreich . Le recetaron anteojos nuevos y rechazó la cirugía de cataratas en el ojo derecho. [80] Al año siguiente, Monet, animado por Clemenceau, hizo planes para construir un nuevo y gran estudio que podría utilizar para crear un "ciclo decorativo de pinturas dedicadas al jardín acuático". [15]
En los años siguientes, su percepción del color se resintió; sus trazos amplios eran más amplios y sus cuadros cada vez más oscuros. Para lograr el resultado deseado, comenzó a etiquetar sus tubos de pintura, mantuvo un orden estricto en su paleta y usó un sombrero de paja para negar el deslumbramiento . [80] Se acercó a la pintura formulando ideas y rasgos en su mente, tomando el "motivo en grandes masas" y transcribiéndolos a través de la memoria y la imaginación. Esto se debió a que él era "insensible" a los "tonos más finos de tonalidades y colores y visto de cerca". [69]
La producción de Monet disminuyó a medida que se retiraba, aunque produjo varias pinturas sobre paneles para el gobierno francés , de 1914 a 1918 con gran éxito financiero y luego crearía obras para el estado. [80] [69] [77] Su trabajo sobre el "ciclo de la pintura" ocurrió principalmente alrededor de 1916-1921. [15] Una vez más, Clemenceau recomendó la cirugía de cataratas. [80] Monet —que estaba preocupado por las cirugías fallidas de Honoré Daumier y Mary Cassatt— declaró que preferiría tener mala vista y quizás abandonar la pintura antes que renunciar a "un poco de estas cosas que amo". [80] En 1919, Monet comenzó una serie de pinturas de paisajes, "con toda su fuerza", aunque no estaba satisfecho con el resultado. [77] En octubre, el clima hizo que Monet dejara de pintar al aire libre y al mes siguiente vendió cuatro de las once pinturas de Nenúfares , a pesar de su entonces renuencia a renunciar a su trabajo. [77] La serie inspiró elogios de sus compañeros; sus obras posteriores fueron bien recibidas por comerciantes y coleccionistas, y recibió 200.000 francos de un coleccionista. [77]
En 1922, una prescripción de midriáticos proporcionó un alivio de corta duración. Finalmente se sometió a una cirugía de cataratas en 1923. La cianopsia persistente y los anteojos afáquicos demostraron ser una lucha. Ahora "capaz de ver los colores reales", comenzó a destruir lienzos de su período preoperatorio. [80] Al recibir lentes Zeiss tintados , Monet fue elogioso, aunque su ojo izquierdo pronto tuvo que estar completamente cubierto por una lente negra. Para 1925, su discapacidad visual mejoró y comenzó a retocar algunos de sus trabajos preoperatorios, con nenúfares más azules que antes. [81] [80]
Durante la Primera Guerra Mundial , en la que sirvió su hijo menor Michel, Monet pintó una serie de Sauce llorón como homenaje a los soldados franceses caídos. [82] Se dedicó profundamente a la decoración de su jardín durante la guerra. [69]
Nenúfares y reflejos de un sauce (1916-1919), Musée Marmottan Monet
Estanque de nenúfares y sauce llorón , 1916-1919, Sale Christie's Nueva York, 1998
Sauce llorón , 1918, Museo de Arte de Columbus
Sauce llorón , 1918-19, Museo de Arte Kimball , Fort Worth , las pinturas de Sauce llorón de Monet fueron un homenaje a los soldados franceses caídos de la Primera Guerra Mundial
Casa entre las rosas , entre 1917 y 1919, Albertina , Viena
The Rose Walk, Giverny , 1920-1922, Musée Marmottan Monet
La pasarela japonesa , 1920-1922, Museo de Arte Moderno
Wisteria , 1920-1925, Kunstmuseum Den Haag
Método
Monet ha sido descrito como "la fuerza impulsora detrás del impresionismo". [83] Para el arte de los pintores impresionistas fue crucial la comprensión de los efectos de la luz sobre el color local de los objetos y los efectos de la yuxtaposición de colores entre sí. [84] Su estilo fluido y el uso del color han sido descritos como "casi etéreos" y el "[epítome] del estilo impresionista"; Impresión, amanecer es un ejemplo del principio impresionista "fundamental" de representar solo lo que es puramente visible. [24] [85] Monet estaba fascinado con los efectos de la luz y la pintura en plein air ; creía que su único "mérito radicaba en haber pintado directamente frente a la naturaleza, buscando plasmar mis impresiones de los efectos más fugaces" [ 14] [85] Queriendo "pintar el aire", a menudo combinaba temas de la vida moderna con luz exterior. [27] [86]
Monet hizo de la luz el foco central de sus pinturas. Para capturar sus variaciones, a veces completaba una pintura de una sola vez, a menudo sin preparación. [87] Quería demostrar cómo la luz alteraba el color y la percepción de la realidad. [24] Su interés por la luz y la reflexión comenzó a finales de la década de 1860 y se prolongó durante toda su carrera. [21] Durante su primera vez en Londres, desarrolló una admiración por la relación entre el artista y los motivos, por lo que él consideraba el "sobre". [74] Utilizaba dibujos a lápiz para anotar rápidamente temas y motivos para referencia futura. [15]
La representación de paisajes de Monet enfatizó elementos industriales como ferrocarriles y fábricas; sus primeros paisajes marinos presentaban una naturaleza inquietante representada con colores apagados y residentes locales. [28] [42] Crítico y amigo de Monet, Théodore Duret señaló, en 1874, que se sentía "poco atraído por las escenas rústicas ... Se sentía particularmente atraído por la naturaleza cuando está embellecida y por las escenas urbanas y por prefirió pintar [ed] jardines floridos, parques y arboledas ". [30] Al representar figuras y paisajes en conjunto, Monet deseaba que el paisaje no fuera un mero telón de fondo y que las figuras no dominaran la composición. [64] Su dedicación a tal representación de paisajes resultó en que Monet reprendiera a Renoir por desafiarlo. [64] A menudo representó las actividades de ocio suburbano y rural de París y, como joven artista, experimentó con naturalezas muertas . [21] [42] A partir de la década de 1870 en adelante, se alejó gradualmente de los paisajes urbanos y suburbanos; cuando fueron representados, fue para profundizar en su estudio de la luz. [49] Los críticos contemporáneos, y los académicos posteriores, sintieron que con su elección de exhibir Belle ÎleIn había indicado un deseo de alejarse de la cultura moderna de las pinturas impresionistas y, en cambio, hacia la naturaleza primitiva . [66]
Después de conocer a Boudin, Monet se dedicó a buscar métodos nuevos y mejorados de expresión pictórica. Con este fin, de joven, visitó el Salón y se familiarizó con las obras de pintores mayores, y se hizo amigo de otros artistas jóvenes. [83] Los cinco años que pasó en Argenteuil , pasando mucho tiempo en el río Sena en un pequeño estudio flotante, fueron formativos en su estudio de los efectos de la luz y los reflejos. Comenzó a pensar en términos de colores y formas en lugar de escenas y objetos. Usó colores brillantes en pinceladas, rayas y garabatos de pintura. Habiendo rechazado las enseñanzas académicas del estudio de Gleyre, se liberó de la teoría y dijo: "Me gusta pintar como canta un pájaro". [88] Boudin, Daubigny, Jongkind, Courbet y Corot se encontraban entre las influencias de Monet y, a menudo, trabajaba de acuerdo con los desarrollos del arte de vanguardia . [22] [14] [64] [89]
En 1877, una serie de pinturas en la estación St-Lazare hizo que Monet observara el humo y el vapor y la forma en que afectaban el color y la visibilidad, siendo a veces opacos y a veces translúcidos. Además, utilizaría este estudio en la pintura de los efectos de la niebla y la lluvia en el paisaje. [90] El estudio de los efectos de la atmósfera evolucionaría en una serie de series de pinturas en las que Monet pintó repetidamente el mismo tema (como su serie de nenúfares) [91] con diferentes luces, a diferentes horas del día, ya través de los cambios de clima y estación. Este proceso comenzó en la década de 1880 y continuó hasta el final de su vida en 1926. [ cita requerida ] En su carrera posterior, Monet "trascendió" el estilo impresionista y comenzó a traspasar los límites del arte. [24] [92]
Monet refinó su paleta en la década de 1870, minimizando conscientemente el uso de tonos más oscuros y favoreciendo los colores pastel. Esto coincidió con su enfoque más suave, utilizando pinceladas más pequeñas y variadas. Su paleta volvería a sufrir cambios en la década de 1880, con más énfasis que antes en la armonía entre los tonos cálidos y fríos . [15] Después de su operación óptica en 1923, Monet volvió a su estilo de hace una década. Renunció a los colores chillones o la "aplicación tosca" por esquemas de color enfatizados de azul y verde. [80] Aunque sufría de cataratas, sus pinturas eran más amplias y abstractas; desde finales de la década de 1880 en adelante, había simplificado sus composiciones y buscado temas que pudieran ofrecer colores y tonos amplios. [80] [93] Utilizó cada vez más los tonos rojos y amarillos, una tendencia que comenzó después de su viaje a Venecia. [85] Monet viajaba a menudo solo en este momento: de Francia a Normanday a Londres; a Rivera y Rouen, en busca de temas nuevos y más desafiantes. [16] [94]
El cambio de estilo probablemente fue un subproducto del desorden y no una elección intencional. [80] Monet solía trabajar en lienzos grandes debido al deterioro de su vista y en 1920 admitió que se había acostumbrado demasiado a la pintura amplia como para volver a los lienzos pequeños. [95] [77] La influencia de sus cataratas en su producción ha sido un tema de discusión entre los académicos; Lane et. al (1997) argumenta que la ocurrencia de un deterioro desde finales de la década de 1860 en adelante condujo a una disminución de las líneas definidas. [85] Los jardines fueron un foco en todo su arte, y se hicieron prominentes en su trabajo posterior, especialmente durante la última década de su vida. [30] [69] Daniel Wildenstein notó una continuidad "perfecta" en sus pinturas que fue "enriquecida por la innovación". [94]
Desde la década de 1880 en adelante, y particularmente en la década de 1890, la serie de pinturas de Monet sobre temas específicos buscó documentar las diferentes condiciones de luz y clima. [15] A medida que la luz y el clima cambiaban a lo largo del día, cambiaba entre lienzos, a veces trabajando en hasta ocho a la vez, por lo general dedicando una hora a cada uno. [15] En 1895, exhibió 20 pinturas de la Catedral de Rouen , mostrando la fachada en diferentes condiciones de luz, clima y atmósfera. [15] Las pinturas no se centran en el gran edificio medieval, sino en el juego de luces y sombras en su superficie, transformando la sólida mampostería. [96] Para esta serie, experimentó con la creación de sus propios marcos. [97]
Su primera serie expuesta fue de pajares , pintados desde diferentes puntos de vista y en diferentes momentos del día. Quince de las pinturas se exhibieron en la Galerie Durand-Ruel en 1891. En 1892 realizó veintiséis vistas de la catedral de Rouen . [84] Entre 1883 y 1908, Monet viajó al Mediterráneo , donde pintó monumentos, paisajes y paisajes marinos, incluida una serie de pinturas en Venecia . En Londres pintó cuatro series: las Casas del Parlamento, Londres , Charing Cross Bridge , Waterloo Bridge y Views of Westminster Bridge . Helen Gardner escribe:
Monet, con precisión científica, nos ha proporcionado un registro incomparable e insuperable del paso del tiempo tal como se ve en el movimiento de la luz sobre formas idénticas. [98]
La Gare Saint-Lazare , 1877, Museo de Orsay
Llegada del tren de Normandía, Gare Saint-Lazare , 1877, The Art Institute of Chicago , [99] parte de la serie Gare Saint-Lazare de Monet.
Los acantilados de Etretat , 1885, Clark Institute, Williamstown
Veleros detrás de la aguja en Etretat , 1885
Dos pinturas de una serie de grainstacks, 1890-1891: Grainstacks in the Sunlight, Morning Effect ,
Grainstacks, final del día, otoño , 1890–1891, Art Institute of Chicago
Álamos (otoño) , 1891, Museo de Arte de Filadelfia
Álamos en el río Epte , 1891 Tate , Londres
Catedral de Rouen al atardecer , 1893, Musée Marmottan Monet
Catedral de Rouen, Luz de la mañana , 1894, Museo J. Paul Getty .
El Sena cerca de Giverny , 1897, Museo de Bellas Artes, Boston.
Mañana en el Sena , 1898, Museo Nacional de Arte Occidental , Tokio
Puente de Charing Cross , 1899, Museo Thyssen-Bornemisza Madrid
Charing Cross Bridge, Londres , 1899-1901, Museo de Arte de Saint Louis
Dos pinturas de una serie de Las Casas del Parlamento, Londres , 1900–01, Art Institute of Chicago
Londres, Casas del Parlamento. El sol brillando a través de la niebla , 1904, Musée d'Orsay
Gran Canal, Venecia , 1908, Museo de Bellas Artes, Boston.
Gran Canal, Venecia , 1908, Museos de Bellas Artes de San Francisco
San Giorgio Maggiore al anochecer , 1908, Museo Nacional de Cardiff , Gales
San Giorgio Maggiore , 1908, Museo de Arte de Indianápolis
Nenúfares
Tras su regreso de Londres, Monet pintó principalmente de la naturaleza, en su propio jardín; sus nenúfares, su estanque y su puente. Del 22 de noviembre al 15 de diciembre de 1900 se celebró en la galería Durand-Ruel otra exposición dedicada a él, con una decena de versiones de los Nenúfares expuestos. Esta misma exposición se organizó en febrero de 1901 en la ciudad de Nueva York, donde tuvo un gran éxito. [33]
En 1901, Monet amplió el estanque de su casa comprando un prado ubicado al otro lado del Ru, el curso de agua local. Luego dividió su tiempo entre el trabajo sobre la naturaleza y el trabajo en su estudio. [100]
Los lienzos dedicados a los nenúfares evolucionaron con los cambios realizados en su jardín. Además, hacia 1905, Monet modificó paulatinamente su estética abandonando el perímetro del cuerpo de agua y, por tanto, modificando la perspectiva. También cambió la forma y el tamaño de sus lienzos al pasar de camillas rectangulares a cuadradas y luego a camillas circulares. [33]
Estos lienzos se crearon con gran dificultad: Monet dedicó una gran cantidad de tiempo a reelaborarlos para encontrar los efectos e impresiones perfectos. Cuando los consideró infructuosos, no dudó en destruirlos. Continuamente pospuso la exposición Durand-Ruel hasta quedar satisfecho con las obras. Después de varias postergaciones desde 1906, la exposición titulada Les Nymphéas terminó de inaugurarse el 6 de mayo de 1909. Compuesto por cuarenta y ocho pinturas que datan de 1903 a 1908, que representan una serie de paisajes y escenas de nenúfares, esta exposición volvió a ser un éxito. [33]
Le Bassin Aux Nymphéas , 1919. Las últimas series de pinturas de nenúfares de Monet se encuentran entre sus obras más conocidas.
Nenúfares , 1919, Museo Metropolitano de Arte , Nueva York
Nenúfares , 1917-1919, Museo de Arte de Honolulu
Nenúfares , 1920, National Gallery , Londres
Nenúfares , c. 1915-1926, Museo de Arte Nelson-Atkins , Kansas City, Misuri
Reflexiones de nubes en el estanque de nenúfares, hacia 1920, Museo de Arte Moderno de Nueva York
Muerte
Monet murió de cáncer de pulmón el 5 de diciembre de 1926 a la edad de 86 años y está enterrado en el cementerio de la iglesia de Giverny. Monet había insistido en que la ocasión fuera sencilla; por tanto, sólo unas cincuenta personas asistieron a la ceremonia. [101] En su funeral, Clemenceau se quitó la tela negra que cubría el ataúd y dijo: "¡No negro para Monet!" y lo reemplazó con una tela con dibujos de flores. [102] Monet no dejó testamento, por lo que su hijo Michel heredó toda su propiedad. [ cita requerida ] En el momento de su muerte, Waterlilies estaba "técnicamente inacabado". [49]
La casa, el jardín y el estanque de nenúfares de Monet fueron legados por Michel a la Academia Francesa de Bellas Artes (parte del Institut de France ) en 1966. A través de la Fondation Claude Monet , la casa y los jardines se abrieron para visitas en 1980, después de la restauración. . [103] Además de los recuerdos de Monet y otros objetos de su vida, la casa contiene su colección de grabados en madera japoneses . La casa y el jardín, junto con el Museo del Impresionismo, son las principales atracciones de Giverny, que alberga a turistas de todo el mundo.
Legado
Hablando del cuerpo de trabajo de Monet, Wildenstein dijo que es "tan extenso que su misma ambición y diversidad desafía nuestra comprensión de su importancia". [94] Se ha dicho que sus pinturas producidas en Giverny y bajo la influencia de cataratas crean un vínculo entre el impresionismo y el arte del siglo XX y el arte abstracto moderno , respectivamente. [80] [94] Sus trabajos posteriores fueron una inspiración "importante" para la abstracción objetiva . [104] Ellsworth Kelly , tras una experiencia formativa en Giverny, rindió homenaje a las obras de Monet creadas allí con Tableau Vert (1952). [92] También ha dicho ser un "intermediario" entre la tradición y el modernismo —su obra ha sido examinada en relación con el posmodernismo— y fue una influencia para Bazille, Sisley, Renoir y Pissaro. [24] [21] [92] Monet es ahora el más famoso de los impresionistas; como resultado de sus contribuciones al movimiento, "ejerció una gran influencia en el arte de finales del siglo XIX". [16] [105]
En mayo de 1927, se exhibieron 27 pinturas sobre paneles en la Orangerie , luego de largas negociaciones con el gobierno francés. [77] Debido a que sus obras posteriores fueron ignoradas por artistas, historiadores del arte, críticos y el público, pocos asistieron a la muestra. [92] En la década de 1950, los últimos trabajos de Monet fueron "redescubiertos" por los expresionistas abstractos y los adyacentes como Clement Greenberg , que usaba lienzos similares y mostraba un desinterés por el arte contundente e ideológico de la guerra. [92] [106] Un ensayo de 1952 de André Masson ayudó a cambiar la percepción de las pinturas e inspirar aprecio que comenzaron a tomar forma en 1956-1957. [92] Al año siguiente, un incendio en el Museo de Arte Moderno vería arder las pinturas de Nenúfares adquiridas por ellos. [92] La naturaleza a gran escala de las pinturas posteriores de Monet resultó ser difícil para algunos museos, lo que provocó que modificaran el encuadre. [92]
En 1978, el jardín de Monet en Giverny, que se había vuelto decrépito durante cincuenta años, fue restaurado y abierto al público. [68] En 2004, el Parlamento de Londres, Efectos del sol en la niebla ( Londres, le Parlement, trouée de soleil dans le brouillard ; 1904), se vendió por 20,1 millones de dólares EE.UU. [107] En 2006, la revista Proceedings of the Royal Society publicó un artículo en el que se proporcionaban pruebas de que se pintaron in situ en el St Thomas 'Hospital sobre el río Támesis . [108] En 1981, Ronald Pickvance señaló que las obras de Monet después de 1880 estaban recibiendo cada vez más atención académica. [109]
Falaises près de Dieppe ( acantilados cerca de Dieppe ) ha sido robado en dos ocasiones: una en 1998 (en la que el conservador del museo fue condenado por el robo y encarcelado durante cinco años y dos meses junto con dos cómplices) y la última en agosto de 2007. [110] Fue recuperado en junio de 2008. [111]
Le Pont du chemin de fer à Argenteuil de Monet , una pintura de 1873 de un puente ferroviario que cruza el Sena cerca de París, fue comprada por un postor telefónico anónimo por un récord de $ 41,4 millones en la subasta de Christie's en Nueva York el 6 de mayo de 2008. El récord anterior de su pintura se situó en 36,5 millones de dólares. [112] Unas semanas más tarde, Le bassin aux nymphéas (de la serie nenúfares) se vendió en la subasta de Christie's el 24 de junio de 2008 en Londres [113] por £ 40,921,250 ($ 80,451,178), casi duplicando el récord del artista. [114] Esta compra representó uno de los 20 precios más altos pagados por una pintura en ese momento.
En octubre de 2013, las pinturas de Monet, L'Eglise de Vétheuil y Le Bassin aux Nympheas , se convirtieron en objeto de un caso legal en Nueva York contra Vilma Bautista, ex asistente de Imelda Marcos , esposa del dictador Ferdinand Marcos , [115 ] después de que vendiera Le Bassin aux Nympheas por 32 millones de dólares a un comprador suizo. Las mencionadas pinturas de Monet, junto con otras dos, fueron adquiridas por Imelda durante la presidencia de su esposo y supuestamente compradas con fondos de la nación. El abogado de Bautista afirmó que la asistente vendió la pintura por Imelda pero no tuvo la oportunidad de darle el dinero. El gobierno filipino busca la devolución del cuadro. [115] Le Bassin aux Nympheas , también conocido como Pasarela japonesa sobre el estanque de nenúfares en Giverny , es parte de la famosa serie Nenúfares de Monet.
Saqueo nazi
Bajo el régimen nazi, tanto en Alemania desde 1933 como en los países ocupados por Alemania hasta 1945, los coleccionistas de arte judíos de Monet fueron saqueados por los nazis y sus agentes. Varias de las obras de arte robadas han sido restituidas a sus antiguos dueños, otras han sido objeto de batallas judiciales. En 2014, durante el espectacular descubrimiento de un tesoro de arte oculto en Munich, un Monet que había pertenecido a un magnate minorista judío fue encontrado en la maleta de Cornelius Gurlitt, el hijo de uno de los marchantes de arte saqueados oficiales de Hitler, Hildebrand Gurlitt. . [116] [117] Ejemplos de Monet saqueados por los nazis incluyen:
- La Seine à Asnières / Les Péniches sur la Seine , anteriormente propiedad de la Sra. Fernand Halphen, tomada por agentes de la Embajada de Alemania en París el 10 de julio de 1940 [118]
- Le Repos Dans Le Jardin Argenteuil , anteriormente propiedad de Henry y Maria Newman, robado de la bóveda de un banco de Berlín, acuerdo con el Museo Metropolitano de Arte [119]
- Ninfas robadas por los nazis en 1940 a Paul Rosenberg [120]
- Au Parc Monceau , anteriormente propiedad de Ludwig Kainer, cuya vasta colección fue saqueada por los nazis. [121]
- Los pajar de Giverny pertenecían a Rene Gimpel , un comerciante de arte judío francés asesinado en un campo de concentración nazi. [122] [123]
Ver también
- Lista de cuadros de Claude Monet
Notas al pie
- ^ Khan et. al (2010), por el contrario, describe el exilio como contundente.
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Fuentes
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enlaces externos
- Claude Monet en el Museo de Arte Moderno
- Claude Monet, Ministère de la culture et de la communication
- Claude Monet, Joconde, Portail des collections des musées de France
- Monet en Giverny
- Lista sindical de nombres de artistas, vocabularios de Getty
- Claude Monet en el Guggenheim
- Monet en Norton Simon Museum
- Impresionismo: una exposición del centenario , un catálogo de la exposición del Museo Metropolitano de Arte (totalmente disponible en línea como PDF), que contiene material sobre Monet (p. 131-167)
- Monet: exposición de los últimos años en el Museo de Arte Kimbell