El ritual de la primavera
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Le Sacre du printemps El rito de la primavera
Rito de la primavera de Roerich.jpg
Diseño conceptual para el acto 1, parte de los diseños de Nicholas Roerich para la producción de 1913 de Diaghilev de Le Sacre du printemps
Título nativoRuso: Весна священная , romanizado:  Vesna svyashchennaya , lit.  'Primavera sagrada'
CoreógrafoVaslav Nijinsky
MúsicaIgor Stravinsky
Residencia enMitos paganos
Estreno29 de mayo de 1913 Théâtre des Champs-Élysées París ( 29 de mayo de 1913 )

Compañía de ballet originalBallets Rusos
DiseñoNicolás Roerich

The Rite of Spring [n 1] (en francés: Le Sacre du printemps ) es una obra de ballet y concierto orquestal del compositor ruso Igor Stravinsky . Fue escrito para el 1913 Paris temporada de Sergei Diaghilev 's Ballets Russes empresa; la coreografía original fue de Vaslav Nijinsky con diseños de escenario y vestuario de Nicholas Roerich . Cuando se representó por primera vez en el Théâtre des Champs-Élysées el 29 de mayo de 1913, la vanguardiaLa naturaleza de la música y la coreografía causaron sensación. Muchos han calificado la reacción de la primera noche como un "motín" o "casi un motín", aunque esta redacción no se produjo hasta las revisiones de actuaciones posteriores en 1924, más de una década después. [1] Aunque diseñada como una obra para el escenario, con pasajes específicos que acompañan a los personajes y la acción, la música logró un reconocimiento igual, si no mayor, como pieza de concierto y es ampliamente considerada como una de las obras musicales más influyentes del siglo XX.

Stravinsky era un compositor joven y prácticamente desconocido cuando Diaghilev lo reclutó para crear obras para los Ballets Russes. Le Sacre du printemps fue el tercer gran proyecto de este tipo, después del aclamado Firebird (1910) y Petrushka (1911). [n 2] El concepto detrás de The Rite of Spring, desarrollado por Roerich a partir de la idea del bosquejo de Stravinsky, es sugerido por su subtítulo, "Imágenes de la Rusia pagana en dos partes"; el escenario representa varios rituales primitivos que celebran el advenimiento de la primavera, después de lo cual se elige a una joven como víctima del sacrificio y se baila hasta morir. Después de una recepción crítica mixta por su ejecución original y una breve gira por Londres, el ballet no se volvió a interpretar hasta la década de 1920, cuando una versión coreografiada por Léonide Massine reemplazó al original de Nijinsky, que tuvo solo ocho representaciones. [2] Massine's fue el precursor de muchas producciones innovadoras dirigidas por los principales coreógrafos del mundo, obteniendo la aceptación mundial del trabajo. En la década de 1980, la coreografía original de Nijinsky, que durante mucho tiempo se creyó perdida,fue reconstruido por elJoffrey Ballet en Los Ángeles.

La puntuación de Stravinsky contiene muchas características novedosas para la época, incluidos los experimentos en la tonalidad , metro , el ritmo, el estrés y la disonancia . Los analistas han notado en la partitura una base significativa en la música folclórica rusa , una relación que Stravinsky tendía a negar. Considerada como una de las primeras obras modernistas , la música influyó en muchos de los principales compositores del siglo XX y es una de las obras más grabadas del repertorio clásico.

Fondo

Igor Stravinsky era hijo de Fyodor Stravinsky , el principal cantante de bajo en la Ópera Imperial de San Petersburgo, y Anna, de soltera Kholodovskaya, una competente cantante y pianista aficionada de una antigua familia rusa. La asociación de Fyodor con muchas de las principales figuras de la música rusa, incluidos Rimsky-Korsakov , Borodin y Mussorgsky , significó que Igor creció en un hogar intensamente musical. [3] En 1901, Stravinsky comenzó a estudiar derecho en la Universidad de San Petersburgo mientras tomaba lecciones privadas de armonía y contrapunto.. Stravinsky trabajó bajo la dirección de Rimsky-Korsakov, habiéndolo impresionado con algunos de sus primeros esfuerzos de composición. En el momento de la muerte de su mentor en 1908, Stravinsky se había producido varias obras, entre ellas una Sonata para piano en fa ♯ menor (1903-1904), una sinfonía en mi ♭ mayor (1907), que catalogó como "Opus 1", y una pequeña pieza orquestal, Feu d'artifice ("Fuegos artificiales", compuesta en 1908). [4] [5]

Stravinsky, bosquejado por Picasso , 1920

En 1909, Feu d'artifice se realizó en un concierto en San Petersburgo. Entre los asistentes se encontraba el empresario Sergei Diaghilev , que en ese momento planeaba presentar la música y el arte rusos al público occidental. [6] Al igual que Stravinsky, Diaghilev inicialmente había estudiado derecho, pero había gravitado a través del periodismo en el mundo teatral. [7] En 1907 comenzó su carrera teatral presentando cinco conciertos en París; al año siguiente presentó la ópera Boris Godunov de Mussorgsky . En 1909, todavía en París, se puso en marcha los ballets rusos , inicialmente con de Borodin Polovtsian Danzas del Príncipe Igor y Rimsky-KorsakovScheherazade . Para presentar estas obras, Diaghilev reclutó al coreógrafo Michel Fokine , al diseñador Léon Bakst y al bailarín Vaslav Nijinsky . La intención de Diaghilev, sin embargo, era producir nuevas obras en un estilo distintivo del siglo XX, y estaba buscando nuevos talentos compositivos. [8] Habiendo escuchado Feu d'artifice, se acercó a Stravinsky, inicialmente con una solicitud de ayuda para orquestar la música de Chopin para crear nuevos arreglos para el ballet Les Sylphides . Stravinsky trabajó en el Nocturne de apertura en La bemol mayor y en la Grande valse brillante de cierre.; su recompensa fue un encargo mucho mayor: escribir la música de un nuevo ballet, El pájaro de fuego ( L'oiseau de feu ) para la temporada de 1910. [6]

Stravinsky trabajó durante el invierno de 1909–10, en estrecha asociación con Fokine, quien estaba coreografiando The Firebird . Durante este período, Stravinsky conoció a Nijinsky quien, aunque no bailaba en el ballet, fue un agudo observador de su desarrollo. Stravinsky no fue elogioso al registrar sus primeras impresiones del bailarín, y observó que parecía inmaduro y torpe para su edad (tenía 21 años). Por otro lado, Stravinsky encontró en Diaghilev una inspiración, "la esencia misma de una gran personalidad". [9] El pájaro de fuego se estrenó el 25 de junio de 1910, con Tamara Karsavina en el papel principal, y fue un gran éxito de público. [10]Esto aseguró que la colaboración Diaghilev-Stravinsky continuaría, en primera instancia con Petrushka (1911) y luego con The Rite of Spring . [6]

Sinopsis y estructura

En una nota dirigida al director Serge Koussevitzky en febrero de 1914, Stravinsky describió Le Sacre du printemps como "una obra musical-coreográfica, [que representa] a la Rusia pagana ... unificada por una sola idea: el misterio y el gran surgimiento del poder creativo de Primavera". En su análisis de The Rite , Pieter van den Toorn escribe que la obra carece de una trama o narrativa específica, y debe considerarse como una sucesión de episodios coreografiados. [11]

Los títulos en francés se dan en la forma dada en la partitura para piano de cuatro partes publicada en 1913. Ha habido numerosas variantes de las traducciones al inglés; los que se muestran son de la edición de 1967 de la partitura. [11]

Sinopsis y estructura
EpisodioTraducción en inglésSinopsis [n 3]
Parte I: L'Adoration de la Terre (Adoración de la Tierra) [11]
IntroducciónIntroducciónAntes de que se levante el telón, una introducción orquestal se asemeja, según Stravinsky, a "un enjambre de tubos de resorte [ dudki ]" [12]
Impresoras Les AuguresAugurios de la primaveraLa celebración de la primavera comienza en los cerros. Una anciana entra y comienza a predecir el futuro.
Jeu du raptRitual de secuestroLlegan chicas jóvenes del río, en fila india. Comienzan la "Danza del rapto".
Rondes printanièresRondas de primaveraLas jóvenes bailan el Khorovod , las "Rondas de Primavera".
Jeux des cités rivalesRitual de las tribus rivalesLa gente se divide en dos grupos opuestos entre sí y comienza el "Ritual de las tribus rivales".
Cortège du sage : Le SageProcesión del Sabio: El SabioUna procesión sagrada conduce a la entrada de los sabios ancianos, encabezados por el Sabio que detiene los juegos y bendice la tierra. [n 4]
Danse de la terreDanza de la TierraLa gente estalla en una danza apasionada, santificando y haciéndose uno con la tierra.
Parte II: Le Sacrifice (El sacrificio) [11]
IntroducciónIntroducción
Cercles mystérieux des adolescentesCírculos místicos de las jóvenesLas jóvenes participan en juegos misteriosos, caminando en círculos.
Glorificación de l'élueGlorificación del elegidoUna de las jóvenes es seleccionada por el destino, siendo atrapada dos veces en el círculo perpetuo, y es honrada como la "Elegida" con una danza marcial.
Évocation des ancêtresEvocación de los antepasadosEn un breve baile, las jóvenes invocan a los antepasados.
Acción rituelle des ancêtresAcción ritual de los ancestrosEl Elegido está confiado al cuidado de los viejos sabios.
Danza sacrale (L'Élue)Danza de sacrificioEl Elegido baila hasta morir en presencia de los ancianos, en la gran "Danza del Sacrificio".

Creación

Concepción

Sergei Diaghilev , director de los Ballets Rusos de 1909 a 1929, pintado por Léon Bakst

Lawrence Morton, en un estudio de los orígenes de The Rite , registra que en 1907–08 Stravinsky puso música a dos poemas de la colección Yar de Sergey Gorodetsky . Otro poema de la antología, que Stravinsky no compuso, pero que probablemente haya leído, es "Yarila", que, observa Morton, contiene muchos de los elementos básicos a partir de los cuales se desarrolló El rito de la primavera , incluidos los ritos paganos, los sabios ancianos y el sacrificio propiciatorio de una joven doncella: "La semejanza es demasiado cercana para ser una coincidencia". [13] [14] El mismo Stravinsky dio relatos contradictorios sobre la génesis de The Rite. En un artículo de 1920, enfatizó que las ideas musicales habían sido lo primero, que la música había sugerido el escenario pagano y no al revés. [15] Sin embargo, en su autobiografía de 1936 describió el origen de la obra así: "Un día [en 1910], cuando estaba terminando las últimas páginas de L'Oiseau de Feu en San Petersburgo, tuve una visión fugaz ... . Vi en mi imaginación un rito pagano solemne: sabios ancianos, sentados en círculo, viendo a una joven bailar hasta morir. La estaban sacrificando para propiciar al dios de la primavera. Tal era el tema del Sacre du printemps ". [dieciséis]

En mayo de 1910, Stravinsky estaba discutiendo su idea con Nicholas Roerich , el principal experto ruso en arte popular y rituales antiguos. Roerich tenía reputación de artista y místico, y había proporcionado los diseños escénicos para la producción de 1909 de Diaghilev de las Danzas Polovtsianas . [17] La pareja rápidamente acordó un título provisional , "El gran sacrificio" (en ruso: Velikaia zhertva ); [18] Diaghilev dio su bendición a la obra, aunque la colaboración se suspendió durante un año mientras Stravinsky estaba ocupado con su segundo gran encargo para Diaghilev, el ballet Petrushka . [17]

En julio de 1911, Stravinsky visitó Talashkino, cerca de Smolensk , donde Roerich se hospedaba con la princesa Maria Tenisheva , una destacada mecenas de las artes y patrocinadora de la revista World of Art de Diaghilev . Aquí, durante varios días, Stravinsky y Roerich finalizaron la estructura del ballet. [19] Thomas F. Kelly , en su historia del estreno de Rite , sugiere que el escenario pagano de dos partes que surgió fue ideado principalmente por Roerich. [20] Stravinsky le explicó más tarde a Nikolai Findeyzen, el editor de la Russian Musical Gazette., que la primera parte de la obra se llamaría "El Beso de la Tierra", y consistiría en juegos y danzas rituales interrumpidos por una procesión de sabios , que culminaría con una danza frenética mientras la gente abrazaba la primavera. La segunda parte, "El sacrificio", tendría un aspecto más oscuro; juegos nocturnos secretos de doncellas, que llevaban a la elección de una para el sacrificio y su eventual baile hasta la muerte ante los sabios. [17] El título de trabajo original se cambió a "Holy Spring" (en ruso: Vesna sviashchennaia ), pero la obra se hizo conocida por la traducción francesa Le Sacre du printemps , o su equivalente en inglés The Rite of Spring , con el subtítulo "Imágenes de la Rusia pagana ".[18] [21]

Composición

Primera página de la partitura manuscrita de Le Sacre du printemps

Los cuadernos de bocetos de Stravinsky muestran que después de regresar a su casa en Ustilug en Ucrania en septiembre de 1911, trabajó en dos movimientos, los "augurios de la primavera" y las "rondas de primavera". [22] En octubre se fue de Ustilug a Clarens en Suiza, donde en una habitación diminuta y escasamente amueblada: un armario de 2,4 por 2,4 m (8 por 8 pies), con solo un piano vertical silenciado, una mesa y dos sillas [23]: trabajó durante el invierno de 1911-12 en la partitura. [24] En marzo de 1912, según la cronología del cuaderno de bocetos, Stravinsky había completado la Parte I y había redactado gran parte de la Parte II. [22] También preparó una versión para piano a dos manos, que posteriormente se perdió, [24]que pudo haber utilizado para demostrar la obra a Diaghilev y al director del Ballet Russes Pierre Monteux en abril de 1912. [25] También hizo un arreglo de piano a cuatro manos que se convirtió en la primera versión publicada de Le Sacre ; él y el compositor Claude Debussy tocaron juntos la primera mitad, en junio de 1912. [24]

Tras la decisión de Diaghilev de retrasar el estreno hasta 1913, Stravinsky dejó a un lado The Rite durante el verano de 1912. [26] Disfrutó de la temporada de París y acompañó a Diaghilev al Festival de Bayreuth para asistir a una representación de Parsifal . [27] Stravinsky reanudó su trabajo en The Rite en otoño; los cuadernos de bocetos indican que había terminado el esquema de la danza del sacrificio final el 17 de noviembre de 1912. [22] Durante los meses restantes del invierno trabajó en la partitura orquestal completa, que firmó y fechó como "completado en Clarens, el 8 de marzo de 1913 ". [28] Le mostró el manuscrito a Maurice Ravel., quien estaba entusiasmado y predijo, en una carta a un amigo, que la primera representación de Le Sacre sería tan importante como el estreno en 1902 de Pelléas et Mélisande de Debussy . [29] Después de que comenzaran los ensayos orquestales a fines de marzo, Monteux llamó la atención del compositor sobre varios pasajes que estaban causando problemas: trompas inaudibles, un solo de flauta ahogado por metales y cuerdas, y múltiples problemas con el equilibrio entre los instrumentos en la sección de metales. durante episodios de fortissimo . [28]Stravinsky enmendó estos pasajes, y hasta abril todavía estaba revisando y reescribiendo los últimos compases de la "Danza del sacrificio". La revisión de la partitura no terminó con la versión preparada para el estreno de 1913; más bien, Stravinsky continuó haciendo cambios durante los siguientes 30 años o más. Según Van den Toorn, "[n] u otro trabajo de Stravinsky se sometió a una serie de revisiones posteriores al estreno". [30]

Stravinsky reconoció que la melodía del fagot de apertura de la obra se derivó de una antología de canciones populares lituanas, [31] pero sostuvo que este era su único préstamo de tales fuentes; [32] si otros elementos sonaban como música folclórica aborigen, dijo, era debido a "alguna memoria 'popular' inconsciente". [33] Sin embargo, Morton ha identificado varias melodías más en la Parte I que tienen su origen en la colección lituana. [34] [35] Más recientemente, Richard Taruskin ha descubierto en la partitura una melodía adaptada de una de las "Cien canciones nacionales rusas" de Rimsky-Korsakov. [33] [36] Taruskin observa la paradoja por la cual The Rite, generalmente reconocida como la más revolucionaria de las primeras obras del compositor, tiene sus raíces en las tradiciones de la música rusa. [37]

Realización

Nijinsky en 1911, representado por John Singer Sargent disfrazado para su papel en el ballet Le Pavillon d'Armide de Nikolai Tcherepnin

Taruskin ha enumerado una serie de fuentes que Roerich consultó al crear sus diseños. Entre ellos se encuentran la Crónica Primaria , un compendio del siglo XII de las primeras costumbres paganas, y el estudio de Alexander Afanasyev sobre el folclore campesino y la prehistoria pagana. [38] La colección de trajes de la princesa Tenisheva fue una de las primeras fuentes de inspiración. [17] Cuando los diseños estuvieron completos, Stravinsky expresó su alegría y los declaró "un verdadero milagro". [38]

La relación de Stravinsky con su otro colaborador principal, Nijinsky, fue más complicada. Diaghilev había decidido que el genio de Nijinsky como bailarín se traduciría en el papel de coreógrafo y maestro de ballet; no se desanimó cuando el primer intento de coreografía de Nijinsky, L'après-midi d'un faune de Debussy , provocó controversia y casi escándalo debido a los movimientos estilizados novedosos del bailarín y su gesto abiertamente sexual al final de la obra. [39] [40] De la correspondencia contemporánea se desprende que, al menos inicialmente, Stravinsky veía con aprobación el talento de Nijinsky como coreógrafo; una carta que envió a Findeyzen elogia el "celo apasionado y la modestia total" del bailarín. [41]Sin embargo, en sus memorias de 1936, Stravinsky escribe que la decisión de emplear a Nijinsky en este papel lo llenó de aprensión; aunque admiraba a Nijinsky como bailarín, no confiaba en él como coreógrafo: "el pobre niño no sabía nada de música. No sabía leerlo ni tocar ningún instrumento". [42] [n 5] Más tarde aún, Stravinsky ridiculizaría a las doncellas bailarinas de Nijinsky como "Lolitas de rodillas y trenzas largas". [23]

El relato autobiográfico de Stravinsky se refiere a muchos "incidentes dolorosos" entre el coreógrafo y los bailarines durante el período de ensayo. [44] A principios de 1913, cuando Nijinsky estaba muy atrasado, Diaghilev advirtió a Stravinsky que "a menos que vengas aquí de inmediato ... el Sacré no se llevará a cabo". Los problemas se fueron superando lentamente, y cuando se llevaron a cabo los ensayos finales en mayo de 1913, los bailarines parecían haber dominado las dificultades de la obra. Incluso el escéptico director de escena de los Ballets Russes, Serge Grigoriev, elogió la originalidad y el dinamismo de la coreografía de Nijinsky. [45]

El director Pierre Monteux había trabajado con Diaghilev desde 1911 y había estado a cargo de la orquesta en el estreno de Petrushka . La primera reacción de Monteux a The Rite , después de escuchar a Stravinsky tocar una versión para piano, fue salir de la habitación y buscar un rincón tranquilo. Hizo a un lado a Diaghilev y le dijo que nunca dirigiría música así; Diaghilev logró cambiar de opinión. [46] Aunque desempeñaría sus funciones con profesionalismo concienzudo, nunca llegó a disfrutar del trabajo; casi cincuenta años después del estreno, dijo a los investigadores que lo detestaba. [47] En la vejez le dijo al biógrafo de Sir Thomas Beecham , Charles Reid: "No me gustaba Le Sacreluego. Lo he realizado cincuenta veces desde entonces. No me gusta ahora ". [46] El 30 de marzo, Monteux informó a Stravinsky de las modificaciones que creía necesarias en la partitura, todas las cuales el compositor implementó. [48] La orquesta, extraída principalmente de los Conciertos Colonne en París, estaba compuesta 99 músicos, mucho más grandes que los empleados normalmente en el teatro, tenían dificultades para encajar en el foso de la orquesta. [49]

Después de que la primera parte del ballet recibió dos ensayos orquestales completos en marzo, Monteux y la compañía partieron para actuar en Montecarlo. Los ensayos se reanudaron cuando regresaron; el inusualmente elevado número de ensayos — diecisiete exclusivamente orquestales y cinco con los bailarines— se realizaron los quince días previos a la inauguración, tras la llegada de Stravinsky a París el 13 de mayo. [50] La música contenía tantas combinaciones de notas inusuales que Monteux tuvo que pedir a los músicos que dejaran de interrumpir cuando pensaban que habían encontrado errores en la partitura, diciendo que les diría si algo se tocaba incorrectamente. Según Doris Monteux, "A los músicos les pareció una locura". [50]En un momento, un fortissimo de metales culminante, la orquesta rompió a reír nerviosamente por el sonido, lo que provocó que Stravinsky interviniera con enojo. [51] [n 6]

El papel de la víctima del sacrificio debía haber sido bailado por la hermana de Nijinsky, Bronislava Nijinska ; cuando quedó embarazada durante los ensayos, fue reemplazada por la entonces relativamente desconocida Maria Piltz. [43]

Historial de actuaciones y recepción

Estreno

Bailarines con los trajes originales de Nicholas Roerich. De izquierda a derecha, Julitska, Marie Rambert , Jejerska, Boni, Boniecka, Faithful

El Théâtre des Champs-Élysées de París era una nueva estructura, que se había inaugurado el 2 de abril de 1913 con un programa que celebraba las obras de muchos de los principales compositores de la época. El director del teatro, Gabriel Astruc , estaba decidido a albergar la temporada de Ballets Rusos de 1913 y pagó a Diaghilev la gran suma de 25.000 francos por actuación, el doble de lo que había pagado el año anterior. [53] El programa 29 de mayo de 1913, así como el estreno de Stravinsky, incluidos Sílfides , Weber 's Le espectro de la rosa y de Borodin Polovtsian Danzas . [54]La venta de entradas para la noche, duplicando el precio de las entradas para un estreno, ascendió a 35.000 francos. [55] Se llevó a cabo un ensayo general en presencia de miembros de la prensa y una variedad de invitados. Según Stravinsky, todo transcurrió en paz. [56] Sin embargo, el crítico de L'Écho de Paris , Adolphe Boschot , previó posibles problemas; se preguntó cómo recibiría el público el trabajo y sugirió que podrían reaccionar mal si pensaban que se estaban burlando de ellos. [57]

En la noche del 29 de mayo, Gustav Linor informó: "Nunca ... la sala ha estado tan llena, o tan resplandeciente; las escaleras y los pasillos estaban llenos de espectadores ansiosos por ver y escuchar". [58] La velada comenzó con Les Sylphides , en la que Nijinsky y Karsavina bailaron los papeles principales. [54] Le siguió Le Sacre . Algunos testigos presenciales y comentaristas dijeron que los disturbios en la audiencia comenzaron durante la Introducción y se hicieron más ruidosos cuando se levantó el telón sobre los bailarines que estampaban en "Augurios de la primavera". Pero Taruskin afirma que "no fue la música de Stravinsky la que causó el impacto. Fueron los horribles golpes y pisadas terrestres ideados por Vaslav Nijinsky". [59] Marie Rambert, quien trabajaba como asistente de Nijinsky, recordó más tarde que pronto fue imposible escuchar la música en el escenario. [60] En su autobiografía, Stravinsky escribe que la risa burlona que recibió los primeros compases de la Introducción le disgustó y que abandonó el auditorio para ver el resto de la actuación desde las alas del escenario. Las manifestaciones, dice, se convirtieron en "un gran alboroto" que, junto con los ruidos en el escenario, ahogaron la voz de Nijinsky que gritaba los números de los pasos a los bailarines. [56] Dos años después del estreno, el periodista y fotógrafo Carl Van Vechten afirmó en su libro Music After the Great Warque la persona detrás de él se dejó llevar por la emoción, y "comenzó a golpear rítmicamente mi cabeza con los puños". [61] En 1916, en una carta no publicada hasta 2013, Van Vechten admitió que en realidad había asistido a la segunda noche, entre otros cambios de hecho. [62]

The New York Times informó del sensacional estreno, nueve días después del evento. [63]

En ese momento, una audiencia de ballet parisina consistía típicamente en dos grupos diversos: el grupo adinerado y de moda, que esperaría ver una actuación tradicional con música hermosa, y un grupo "bohemio" que, según afirmó el poeta y filósofo Jean Cocteau , "Aclamarían, bien o mal, todo lo que sea nuevo por su odio a las cajas". [64]Monteux creía que el problema comenzó cuando las dos facciones comenzaron a atacarse entre sí, pero su enojo mutuo pronto se desvió hacia la orquesta: "Todo lo disponible se arrojó en nuestra dirección, pero seguimos tocando". Alrededor de cuarenta de los peores infractores fueron expulsados, posiblemente con la intervención de la policía, aunque esto no está corroborado. A través de todos los disturbios, la actuación continuó sin interrupción. Los disturbios disminuyeron significativamente durante la Parte II y, según algunos relatos, la interpretación de Maria Piltz de la "Danza del sacrificio" final fue observada en un silencio razonable. Al final hubo varias llamadas de telón para los bailarines, para Monteux y la orquesta, y para Stravinsky y Nijinsky antes de que continuara el programa de la noche. [sesenta y cinco]

Entre los más hostiles revistas de prensa fue el de Le Figaro ' crítico s, Henri Quittard , que el trabajo es 'una barbaridad laborioso y pueril' y añadió "Lo sentimos para ver un artista como M. Stravinsky involucrarse en esta aventura desconcertante ". [66] Por otro lado, Gustav Linor, que escribía en la principal revista teatral Comœdia , pensó que la actuación fue excelente, especialmente la de Maria Piltz; los disturbios, aunque deplorables, fueron simplemente "un debate ruidoso" entre dos facciones maleducadas. [67] Emile Raudin, de Les Marges, que apenas había escuchado la música, escribió: "¿No podríamos pedirle a M. Astruc ... que reservara una actuación para espectadores bien intencionados? ... Al menos podríamos proponer desalojar al elemento femenino". [65] El compositor Alfredo Casella pensó que las demostraciones estaban dirigidas a la coreografía de Nijinsky más que a la música, [68] opinión compartida por el crítico Michel-Dimitri Calvocoressi , quien escribió: "La idea fue excelente, pero no se llevó a cabo con éxito fuera". Calvocoressi no observó ninguna hostilidad directa hacia el compositor, a diferencia, dijo, del estreno de Pelléas et Mélisande de Debussy en 1902. [69] De informes posteriores de que la veterana compositora Camille Saint-Saënshabía salido furioso del estreno, Stravinsky observó que esto era imposible; Saint-Saëns no asistió. [70] [n 7] Stravinsky también rechazó la historia de Cocteau de que, después de la actuación, Stravinsky, Nijinsky, Diaghilev y el propio Cocteau tomaron un taxi hasta el Bois de Boulogne, donde un lloroso Diaghilev recitó poemas de Pushkin . Stravinsky simplemente recordó una cena de celebración con Diaghilev y Nijinsky, en la que el empresario expresó su total satisfacción por el resultado. [72] Para Maximilien Steinberg, un antiguo compañero de Rimsky-Korsakov, Stravinsky escribió que la coreografía de Nijinsky había sido "incomparable: con la excepción de algunos lugares, todo estaba como yo quería". [41]

Ejecución inicial y avivamientos tempranos

El estreno fue seguido de cinco representaciones más de Le Sacre du printemps en el Théâtre des Champs-Élysées, la última el 13 de junio. Aunque estas ocasiones fueron relativamente pacíficas, quedó algo del estado de ánimo de la primera noche; el compositor Giacomo Puccini , que asistió a la segunda representación el 2 de junio, [73] [74] describió la coreografía como ridícula y la música cacofónica, "obra de un loco. El público siseó, rió y aplaudió". [75] Stravinsky, confinado en su cama por la fiebre tifoidea, [76] no se unió a la compañía cuando fue a Londres para cuatro funciones en el Theatre Royal, Drury Lane . [77]Al revisar la producción de Londres, el crítico de The Times quedó impresionado de cómo los diferentes elementos de la obra se unieron para formar un todo coherente, pero se mostró menos entusiasmado con la música en sí, y opinó que Stravinsky había sacrificado por completo la melodía y la armonía por el ritmo: "Si M. Stravinsky hubiera deseado ser realmente primitivo, habría sido prudente ... componer su ballet por nada más que batería ". [78] El historiador del ballet Cyril Beaumont comentó sobre los "movimientos lentos y toscos" de los bailarines, y los encontró "en completa oposición a las tradiciones del ballet clásico". [61]

Léonide Massine , quien coreografió el resurgimiento de 1920

Después de la carrera inaugural de París y las actuaciones de Londres, los acontecimientos conspiraron para evitar nuevas representaciones del ballet. La coreografía de Nijinsky, que Kelly describe como "tan llamativa, tan escandalosa, tan frágil en cuanto a su conservación", no volvió a aparecer hasta que se intentó reconstruirla en los años ochenta. [65] El 19 de septiembre de 1913, Nijinsky se casó con Romola de Pulszky mientras los Ballets Rusos estaban de gira sin Diaghilev en América del Sur. Cuando Diaghilev se enteró, estaba angustiado y furioso porque su amante se había casado y despidió a Nijinsky. Diaghilev se vio obligado a volver a contratar a Fokine, que había dimitido en 1912 porque se le había pedido a Nijinsky que hiciera la coreografía de Faune.. Fokine puso como condición para su reempleo que no se interpretara ninguna de las coreografías de Nijinsky. [79] En una carta al crítico de arte e historiador Alexandre Benois , Stravinsky escribió: "[L] a posibilidad ha desaparecido durante algún tiempo de ver algo valioso en el campo de la danza y, lo que es más importante, de volver a ver a esta descendencia de mía". [80]

Con la interrupción que siguió al estallido de la Primera Guerra Mundial en agosto de 1914 y la dispersión de muchos artistas, Diaghilev estaba listo para volver a involucrar a Nijinsky como bailarín y coreógrafo, pero Nijinsky había sido puesto bajo arresto domiciliario en Hungría como ciudadano ruso enemigo. . Diaghilev negoció su liberación en 1916 para una gira por los Estados Unidos, pero la salud mental del bailarín declinó constantemente y no participó más en el ballet profesional después de 1917. [81] En 1920, cuando Diaghilev decidió revivir The Rite , descubrió que nadie recordaba ahora la coreografía. [82] Después de pasar la mayor parte de los años de guerra en Suiza y convertirse en un exiliado permanente de su tierra natal después de la Revolución Rusa de 1917, Stravinsky reanudó su asociación con Diaghilev cuando terminó la guerra. En diciembre de 1920, Ernest Ansermet dirigió una nueva producción en París, coreografiada por Léonide Massine , conservando los diseños de Nicholas Roerich ; la bailarina principal fue Lydia Sokolova . [61] En sus memorias, Stravinsky es ambiguo sobre la producción de Massine; el joven coreógrafo, escribe, mostró "un talento incuestionable", pero había algo "forzado y artificial" en su coreografía, que carecía de la necesaria relación orgánica con la música. [83]Sokolova, en su relato posterior, recordó algunas de las tensiones que rodearon la producción, con Stravinsky, "con una expresión que habría asustado a cien Vírgenes Elegidas, haciendo cabriolas por el pasillo central" mientras Ansermet ensayaba con la orquesta. [84]

Coreografías posteriores

El ballet se mostró por primera vez en los Estados Unidos el 11 de abril de 1930, cuando la Orquesta de Filadelfia interpretó la versión de 1920 de Massine en Filadelfia bajo la dirección de Leopold Stokowski , con Martha Graham interpretando el papel del Elegido. [85] La producción se trasladó a Nueva York, donde Massine se sintió aliviado al encontrar al público receptivo, una señal, pensó, de que los neoyorquinos finalmente estaban comenzando a tomarse el ballet en serio. [86] La primera producción de diseño estadounidense, en 1937, fue la del exponente de la danza moderna Lester Horton , cuya versión reemplazó el escenario ruso pagano original con un fondo del salvaje oeste y el uso deDanzas nativas americanas . [86]

El Teatro Bolshoi de Moscú, donde un crítico describió la producción de 1965 de The Rite como "la mejor propaganda soviética".

En 1944 Massine inició una nueva colaboración con Roerich, quien antes de su muerte en 1947 completó una serie de bocetos para una nueva producción que Massine llevó a cabo en La Scala de Milán en 1948. [85] Esto anunció una serie de importantes posguerra Producciones europeas. Mary Wigman en Berlín (1957) siguió a Horton al destacar los aspectos eróticos del sacrificio virgen, al igual que Maurice Béjart en Bruselas (1959). La representación de Béjart reemplazó el sacrificio culminante con una descripción de lo que el crítico Robert Johnson describe como "coito ceremonial". [86] El Royal Ballet 'S 1962 producción , coreografía de Kenneth MacMillany diseñado por Sidney Nolan , se estrenó por primera vez el 3 de mayo y fue un triunfo crítico. Ha permanecido en el repertorio de la compañía durante más de 50 años; después de su reactivación en mayo de 2011 , el crítico de The Daily Telegraph , Mark Monahan, lo calificó como uno de los mayores logros del Royal Ballet. [87] Moscú vio por primera vez The Rite en 1965, en una versión coreografiada para el Ballet Bolshoi por Natalia Kasatkina y Vladimir Vasiliev . Esta producción se mostró en Leningrado cuatro años más tarde, en el Teatro de la Ópera de Maly , [88]e introdujo una historia que proporcionó al Elegido un amante que se venga de los ancianos después del sacrificio. Johnson describe la producción como "un producto del ateísmo estatal ... la mejor propaganda soviética". [86]

Tanztheater Wuppertal en la producción de Pina Bausch

En 1975, la coreógrafa de danza moderna Pina Bausch , que transformó el Ballett der Wuppertaler Bühnen en Tanztheater Wuppertal , causó revuelo en el mundo de la danza con su cruda representación, representada en un escenario cubierto de tierra, en el que el Elegido es sacrificado para gratificar al público. misoginia de los hombres circundantes. [89] [90] [91] En el extremo, de acuerdo con The Guardian ' s Lucas Jennings "el reparto es sudor-rayada, sucio y audible jadeo". [89] Parte de este baile aparece en la película Pina . [86] La versión de Bausch también había sido bailada por dos compañías de ballet, el Ballet de la Ópera de París.y Ballet Nacional Inglés . [92] [93] En Estados Unidos, en 1980, Paul Taylor utilizó la versión de piano a cuatro manos de la partitura de Stravinsky como fondo para un escenario basado en imágenes de películas de gánsteres y asesinatos de niños. [86] En febrero de 1984 Martha Graham, a los 90 años, reanudó su asociación con The Rite al coreografiar una nueva producción en el New York State Theatre . [94] El crítico del New York Times declaró la actuación "un triunfo ... totalmente elemental, tan primordial en la expresión de la emoción básica como cualquier ceremonia tribal, tan inquietantemente escenificada en su deliberada desolación como rica en implicaciones". [95]

El 30 de septiembre de 1987, el Joffrey Ballet actuó en Los Ángeles The Rite basado en una reconstrucción de la coreografía de Nijinsky de 1913, hasta ese momento se creía perdido más allá de la memoria. La actuación fue el resultado de años de investigación, principalmente de Millicent Hodson, quien reconstruyó la coreografía a partir de los libros originales, bocetos y fotografías contemporáneos y los recuerdos de Marie Rambert y otros sobrevivientes. [96] Desde entonces, la versión de Hodson ha sido realizada por el Kirov Ballet , en el Teatro Mariinsky en 2003 y más tarde ese año en Covent Garden. [97] [98] En su temporada 2012-13, el Joffrey Ballet ofreció actuaciones centenarias en numerosos lugares, incluido elUniversidad de Texas el 5 y 6 de marzo de 2013, la Universidad de Massachusetts el 14 de marzo de 2013 y con la Orquesta de Cleveland el 17 y 18 de agosto de 2013. [99] [100] [101]

Las editoriales de música Boosey & Hawkes han estimado que desde su estreno, el ballet ha sido objeto de al menos 150 producciones, muchas de las cuales se han convertido en clásicos y se han representado en todo el mundo. [102] Entre las interpretaciones más radicales se encuentra la versión de 1974 de Glen Tetley , en la que el Elegido es un hombre joven. [103] Más recientemente ha habido versiones de baile en solitario ideadas por Molissa Fenley [104] [105] y Javier de Frutos y una interpretación punk rock de Michael Clark . [102] La película de 2004 Rhythm Is It! documenta un proyecto del director Simon Rattlecon la Filarmónica de Berlín y el coreógrafo Royston Maldoom para representar un espectáculo de ballet con un elenco de 250 niños reclutados de las escuelas públicas de Berlín, de 25 países. [106] En Rites (2008), de The Australian Ballet junto con Bangarra Dance Theatre , se presentan las percepciones aborígenes de los elementos de la tierra, el aire, el fuego y el agua. [107]

Actuaciones de conciertos

El 18 de febrero de 1914, The Rite recibió su primer concierto (la música sin ballet), en San Petersburgo, bajo la dirección de Serge Koussevitzky . [108] El 5 de abril de ese año, Stravinsky experimentó por sí mismo el éxito popular de Le Sacre como obra de concierto, en el Casino de París. Después de la actuación, nuevamente bajo la dirección de Monteux, el compositor fue llevado triunfalmente desde la sala sobre los hombros de sus admiradores. [109] The Rite tuvo su primer concierto británico el 7 de junio de 1921, en el Queen's Hall de Londres bajo la dirección de Eugene Goossens . Su estreno en Estados Unidos se produjo el 3 de marzo de 1922, cuando Stokowski lo incluyó en un programa de la Orquesta de Filadelfia.[110] Goossens también fue responsable de presentar The Rite en Australia el 23 de agosto de 1946 en el Ayuntamiento de Sydney, como director invitado de la Orquesta Sinfónica de Sydney . [111] [112]

Stravinsky dirigió la obra por primera vez en 1926, en un concierto ofrecido por la Concertgebouw Orchestra en Amsterdam; [30] [113] dos años más tarde lo llevó a la Salle Pleyel en París para dos funciones bajo su batuta. De estas ocasiones escribió más tarde que "gracias a la experiencia que había adquirido con todo tipo de orquestas ... había llegado a un punto en el que podía obtener exactamente lo que quería, como lo quería". [114] Los comentaristas han coincidido en general en que la obra ha tenido un mayor impacto en la sala de conciertos que en el escenario; muchas de las revisiones de la música de Stravinsky se hicieron pensando en la sala de conciertos más que en el teatro. [115]La obra se ha convertido en un elemento básico en los repertorios de todas las principales orquestas y ha sido citada por Leonard Bernstein como "la pieza musical más importante del siglo XX". [116]

En 1963, 50 años después del estreno, Monteux (entonces de 88 años) acordó realizar una actuación conmemorativa en el Royal Albert Hall de Londres . Según Isaiah Berlin , un amigo cercano del compositor, Stravinsky le informó que no tenía ninguna intención de que su música fuera "asesinada por ese espantoso carnicero". En cambio, consiguió entradas para la actuación de esa noche en particular de la ópera de Mozart Las bodas de Fígaro , en Covent Garden . Bajo la presión de sus amigos, Stravinsky fue persuadido de dejar la ópera después del primer acto. Llegó al Albert Hall justo cuando terminaba la representación de The Rite ; [n 8]El compositor y el director compartieron un cálido abrazo frente a la audiencia inconsciente y frenéticamente animada. [118] El biógrafo de Monteux, John Canarina, ofrece una inclinación diferente en esta ocasión, registrando que al final de la velada Stravinsky había afirmado que "Monteux, casi solo entre los directores, nunca abarató a Rite ni buscó su propia gloria en él, y continuó a jugarlo toda su vida con la mayor fidelidad ”. [119]

Música

Carácter general

Los comentaristas han descrito a menudo el rito ' música de s en términos vivos; Paul Rosenfeld, en 1920, escribió que "golpeando con el ritmo de los motores, giros y espirales como tornillos y volantes, rechina y chirría como metal trabajado". [120] En un análisis más reciente, el crítico de The New York Times Donal Henahan se refiere a "grandes acordes crujientes y gruñidos de los metales y truenos de los timbales". [121] El compositor Julius HarrisonReconoció negativamente la singularidad de la obra: demostró el "aborrecimiento de Stravinsky por todo lo que la música ha representado durante muchos siglos ... todo esfuerzo y progreso humanos se están haciendo a un lado para dejar lugar a sonidos horribles". [122]

En The Firebird , Stravinsky había comenzado a experimentar con la bitonalidad (el uso de dos claves diferentes simultáneamente). Llevó esta técnica más lejos en Petrushka , pero reservó su efecto completo para The Rite donde, como explica el analista EW White, "la llevó a su conclusión lógica". [123] White también observa el complejo carácter métrico de la música, con combinaciones de tiempo doble y triple en las que un fuerte ritmo irregular se enfatiza mediante una potente percusión. [124] El crítico musical Alex Rossha descrito el proceso irregular mediante el cual Stravinsky adaptó y absorbió material folclórico tradicional ruso en la partitura. Él "procedió a pulverizarlos en motívicas, apilarlos en capas y reensamblarlos en collages y montajes cubistas". [125]

La duración del trabajo es de unos 35 minutos.

Instrumentación

La partitura requiere una gran orquesta compuesta por los siguientes instrumentos.

A pesar de la gran orquesta, gran parte de la partitura está escrita al estilo de cámara, con instrumentos individuales y pequeños grupos que tienen roles distintos .: [49]

Parte I: La Adoración de la Tierra

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La melodía de apertura es tocada por un fagot solo en un registro muy alto, lo que hace que el instrumento sea casi inidentificable; [128] gradualmente se hacen sonar otros instrumentos de viento madera y finalmente se unen mediante cuerdas. [129] El sonido se acumula antes de detenerse repentinamente, dice Hill, "justo cuando está floreciendo extasiado". Luego hay una reiteración del solo de fagot de apertura, ahora tocado un semitono más bajo. [130]

{\ new PianoStaff << \ new Staff \ related c '{\ set Staff.midiInstrument = # "violín" \ clef treble \ key ees \ major \ time 2/4 \ tempo "Tempo giusto" 2 = 50 <ees des bes g> 8 \ arco hacia abajo [<ees des bes g> \ arco hacia abajo <ees des bes g> \ arco hacia abajo <ees des bes g> \ arco hacia abajo]} \ new Staff \ related c {\ override DynamicText.X-offset = # -4 \ override DynamicLineSpanner.staff-padding = # 3.5 \ set Staff.midiInstrument = # "cello" \ clef bass \ key ees \ major \ time 2/4 <fes ces aes fes> 8 ^ \ f \ downbow [<fes ces aes fes> \ downbow <fes ces aes fes> \ downbow <fes ces aes fes> \ downbow]} >>}

El primer baile, "Augurs of Spring", se caracteriza por un acorde de estampado repetitivo en los cuernos y cuerdas, basado en E ♭ dominante 7 superpuesto a una tríada de E, G ♯ y B. [131] White sugiere que esta combinación bitonal , que Stravinsky consideró el punto focal de toda la obra, fue ideado en el piano, ya que los acordes constituyentes son ajustes cómodos para las manos en un teclado. [132] El ritmo de la estampación se ve perturbado por el constante cambio de acento de Stravinsky , dentro y fuera del ritmo, [133] antes de que la danza termine en un colapso, como por agotamiento. [129] Alex Ross [133] ha resumido el patrón (cursiva = acentos rítmicos) de la siguiente manera:

uno dos tres cuatro cinco seis siete ocho
uno dos tres cuatro cinco seis siete ocho
uno dos tres cuatro cinco seis siete ocho
uno dos tres cuatro cinco seis siete ocho

Según Roger Nichols "A primera vista no parece haber un patrón en la distribución de acentos de los acordes de estampación. Tomando la corchea inicial del compás 1 como acento natural tenemos para la primera explosión los siguientes grupos de corcheas: 9, 2, 6 , 3, 4, 5, 3. Sin embargo, estos números aparentemente aleatorios tienen sentido cuando se dividen en dos grupos:

9 6 4 3
2 3 5

Claramente, la línea superior está disminuyendo, la línea inferior está aumentando y, respectivamente, disminuyendo y aumentando las cantidades ... Probablemente nunca sabremos si Stravinsky los resolvió de esta manera. Pero la forma en que dos 'órdenes' rítmicos diferentes interfieren entre sí para producir un caos aparente es ... una noción típicamente stravinskyana ". [134]

El "Ritual of Abduction" que sigue es descrito por Hill como "la más aterradora de las cacerías musicales". [135] Concluye con una serie de trinos de flauta que dan paso a las "Rondas de primavera", en las que un tema lento y laborioso se eleva gradualmente hasta un fortissimo disonante, una "caricatura espantosa" de la melodía principal del episodio. [129]

\ relativamente c '' {\ set Staff.midiInstrument = # "tuba" \ clef treble \ numericTimeSignature \ time 4/4 \ tempo "Molto allegro" 4 = 166 gis2. g4 | gis2. g4 | gis2. fis4 | gis ais cis ais}

Predominan el metal y la percusión cuando comienza el "Ritual de las tribus rivales". Una melodía emerge en las tubas de tenor y bajo, que lleva después de mucha repetición a la entrada de la procesión del Sabio. [129] La música entonces se detiene virtualmente, "blanqueada sin color" (Hill), [136] mientras el Sabio bendice la tierra. Entonces comienza la "Danza de la Tierra", que cierra la Parte I con una serie de frases de gran vigor que terminan abruptamente en lo que Hill describe como una "amputación brutal y contundente". [137]

Parte II: El sacrificio

\ related c '' '' {\ set Staff.midiInstrument = # "violín" \ clef treble \ numericTimeSignature \ time 4/4 \ tempo "Largo" 4 = 48 a4 ~ \ flageolet (a8 \ flageolet g \ flageolet) a4 ( \ flageolet e8 \ flageolet d \ flageolet) | \ tiempo 2/4 g4 (\ flageolet e) \ flageolet}
Bocetos de Maria Piltz realizando la danza del sacrificio

La Parte II tiene una mayor cohesión que su predecesora. Hill describe la música como siguiendo un arco que se extiende desde el comienzo de la Introducción hasta la conclusión del baile final. [137]Los instrumentos de viento de madera y las trompetas apagadas son prominentes a lo largo de la Introducción, que termina con una serie de cadencias ascendentes en cuerdas y flautas. La transición a los "Círculos Místicos" es casi imperceptible; el tema principal de la sección ha sido prefigurado en la Introducción. Un acorde fuerte y repetido, que Berger compara con una llamada al orden, anuncia el momento de elegir a la víctima del sacrificio. La "Glorificación del Elegido" es breve y violenta; en la "Evocación de los antepasados" que sigue, se intercalan frases cortas con redobles de tambores. El "Ritual Action of the Ancestors" comienza en silencio, pero poco a poco se acumula en una serie de clímax antes de desaparecer repentinamente en las frases tranquilas que comenzaron el episodio. [129]

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La transición final introduce la "Danza del sacrificio". Esto está escrito como un ritual más disciplinado que el baile extravagante que terminó la Parte I, aunque contiene algunos momentos salvajes, con la gran sección de percusión de la orquesta con plena voz. Stravinsky tuvo dificultades con esta sección, especialmente con los compases finales que concluyen la obra. El abrupto final disgustó a varios críticos, uno de los cuales escribió que la música "cae de repente de su lado". El propio Stravinsky se refirió despectivamente al acorde final como "un ruido", pero en sus varios intentos de enmendar o reescribir la sección, no pudo producir una solución más aceptable. [84]

Influencia y adaptaciones

El historiador de la música Donald Jay Grout ha escrito: " El Sacré es sin duda la composición más famosa de principios del siglo XX ... tuvo el efecto de una explosión que dispersó tanto los elementos del lenguaje musical que nunca más se pudieron juntar como antes de". [21] El académico y crítico Jan Smaczny, haciéndose eco de Bernstein, la llama una de las composiciones más influyentes del siglo XX, que proporciona "un estímulo sin fin para los intérpretes y los oyentes". [116] [138] Taruskin escribe que "una de las marcas del estatus único de The Rite es la cantidad de libros que se le han dedicado, ciertamente un número mayor que el que se ha dedicado a cualquier otro ballet, posiblemente a cualquier otro musical individual composición ..."[139] Según Kelly, el estreno de 1913 podría considerarse "el momento único más importante en la historia de la música del siglo XX", y sus repercusiones continúan resonando en el siglo XXI. [140] Ross ha descrito The Rite como una obra profética, que presagia la era de la "segunda vanguardia" en la composición clásica: música del cuerpo más que de la mente, en la que "[m] elodias seguirían los patrones del habla; los ritmos coincidirían con la energía de la danza ... las sonoridades tendrían la dureza de la vida tal como se vive realmente ”. [141] La obra se considera uno de los primeros ejemplos del modernismo en la música . [142]

Entre los compositores del siglo XX más influenciados por The Rite se encuentra el casi contemporáneo de Stravinsky, Edgard Varèse , que había asistido al estreno de 1913. Varèse, según Ross, se sintió particularmente atraído por las "armonías crueles y ritmos estimulantes" de The Rite , que empleó con pleno efecto en su trabajo de concierto Amériques (1921), compuso para una orquesta masiva con efectos de sonido añadidos, incluido el rugido de un león. y una sirena aullante. [143] [144] Aaron Copland , para quien Stravinsky fue una inspiración particular en los días de estudiante del primero, consideró The Rite una obra maestra que había creado "la década del acento desplazado y el acorde politonal". [145]Copland adoptó la técnica de Stravinsky de componer en pequeñas secciones que luego barajó y reorganizó, en lugar de trabajar de principio a fin. [146] Ross cita la música del ballet Billy the Kid de Copland como proveniente directamente de la sección "Spring Rounds" de The Rite . [147] Para Olivier Messiaen, el Rito tenía un significado especial; constantemente analizaba y exponía la obra, lo que le daba un modelo perdurable de impulso rítmico y ensamblaje de material. [148]Stravinsky se mostró escéptico sobre el análisis intelectual excesivo de la obra. "El hombre ha encontrado razones para cada nota y que la línea del clarinete en la página 3 es el contrapunto invertido del cuerno en la página 19. Nunca pensé en eso", supuestamente respondió a Michel Legrand cuando se le preguntó sobre la versión de Pierre Boulez . el asunto. [149]

Tras el estreno, el escritor Léon Vallas opinó que Stravinsky había escrito música 30 años antes de su tiempo, apta para ser escuchada en 1940. Casualmente, fue en ese año que Walt Disney estrenó Fantasia , un largometraje animado con música de The Rite y otras composiciones clásicas, dirigidas por Stokowski. [140] El segmento de Rite de la película describió la prehistoria de la Tierra, con la creación de vida, que llevó a la extinción de los dinosaurios como final. Entre los impresionados por la película se encontraba Gunther Schuller , más tarde compositor, director de orquesta y estudioso del jazz. El rito de la primaveraLa secuencia, dice, lo abrumó y determinó su futura carrera en la música: "Espero que [Stravinsky] aprecie que cientos, tal vez miles, de músicos se convirtieron en The Rite of Spring  ... a través de Fantasia , músicos que de otra manera nunca hubieran escuchado el trabajo, o al menos no hasta muchos años después ". [150] En su vida posterior, Stravinsky afirmó que no le gustaba la adaptación, aunque, como señala Ross, no dijo nada crítico en ese momento; según Ross, el compositor Paul Hindemith observó que "Igor parece amarlo". [151]

Grabaciones

Artículo principal: Discografía de The Rite of Spring

Antes de que se publicaran las primeras grabaciones en disco de gramófono de The Rite en 1929, Stravinsky había ayudado a producir una versión para pianola de la obra para la sucursal londinense de Aeolian Company . [152] También creó un arreglo mucho más completo para Pleyela, fabricado por la compañía francesa de piano Pleyel , con quien firmó dos contratos en abril y mayo de 1921, bajo los cuales muchas de sus primeras obras se reprodujeron en este medio. [153] [154] La versión Pleyela de The Rite of Spring se publicó en 1921; el pianolista británico Rex Lawson registró por primera vez la obra de esta forma en 1990. [155]

En 1929, Stravinsky y Monteux compitieron entre sí para realizar la primera grabación de gramófono orquestal de The Rite . Mientras Stravinsky dirigía L'Orchestre des Concerts Straram en una grabación para el sello Columbia, al mismo tiempo Monteux lo grababa para el sello HMV. La versión de Stokowski siguió en 1930. Stravinsky hizo dos grabaciones más, en 1940 y 1960. [155] [156] Según el crítico Edward Greenfield , Stravinsky no era técnicamente un gran director, pero, dice Greenfield, en la grabación de 1960 con la Sinfónica de Columbia Orquesta el compositor inspiró una actuación con "extraordinario empuje y resistencia". [157] En conversaciones conRobert Craft , Stravinsky revisó varias grabaciones de The Rite realizadas en la década de 1960. Pensaba que la grabación de 1963 de Herbert von Karajan con la Filarmónica de Berlín era buena, pero "la interpretación es ... demasiado pulida, más salvaje que una auténtica". Stravinsky pensó que Pierre Boulez , con la Orquesta Nacional de Francia (1963), era "menos bueno de lo que esperaba ... muy malos tempos y algunas alteraciones de mal gusto". Elogió una grabación de 1962 de la Orquesta Sinfónica Estatal de Moscú por hacer que la música sonara rusa, "lo cual es justo", pero el juicio final de Stravinsky fue que ninguna de estas tres interpretaciones valía la pena conservar. [158]

A partir de 2013, había más de 100 grabaciones diferentes de The Rite disponibles comercialmente, y muchas más guardadas en archivos de sonido de bibliotecas. Se ha convertido en una de las obras musicales más grabadas del siglo XX. [155] [159]

Ediciones

Portada de la reducción para piano a cuatro manos de 1913 de Le Sacre du printemps , la primera versión publicada de la obra

La primera partitura publicada fue el arreglo para piano a cuatro manos ( Edition Russe de Musique , RV196), con fecha de 1913. El estallido de la guerra en agosto de 1914 impidió la publicación de la partitura orquestal completa.Después del resurgimiento de la obra en 1920 Stravinsky, que no había escuchado la música durante siete años, hizo numerosas revisiones a la partitura, que finalmente se publicó en 1921 (Edición Russe de Musique, RV 197 / 197b. partituras grandes y de bolsillo). [30] [160]

En 1922 Ansermet, que se estaba preparando para realizar la obra en Berlín, envió a Stravinsky una lista de errores que había encontrado en la partitura publicada. [160] En 1926, como parte de su preparación para la actuación de ese año con la Orquesta Concertgebouw , Stravinsky reescribió la sección "Evocación de los antepasados" e hizo cambios sustanciales en la "Danza del sacrificio". El alcance de estas revisiones, junto con las recomendaciones de Ansermet, convencieron a Stravinsky de que era necesaria una nueva edición, y apareció en forma grande y de bolsillo en 1929. Sin embargo, no incorporaba todas las enmiendas de Ansermet y, de manera confusa, llevaba la fecha y Código RV de la edición de 1921, lo que dificulta la identificación de la nueva edición. [30]

Stravinsky continuó revisando el trabajo y en 1943 reescribió la "Danza del sacrificio". En 1948, Boosey & Hawkes publicaron una versión corregida de la partitura de 1929 (B&H 16333), aunque la enmienda sustancial de 1943 de Stravinsky de la "Danza del sacrificio" no se incorporó a la nueva versión y permaneció sin interpretar, para decepción del compositor. Lo consideró "mucho más fácil de tocar ... y superior en equilibrio y sonoridad" a las versiones anteriores. [160]Un motivo menos musical para las revisiones y ediciones corregidas fue la ley de derechos de autor. El compositor había dejado Galaxy Music Corporation (agentes de Editions Russe de la Musique, el editor original) por Associated Music Publishers en ese momento, y las orquestas se mostraban reacias a pagar un segundo cargo de alquiler de dos editores para igualar el trabajo completo y el revisado. Danza de sacrificio; además, la danza revisada solo se pudo publicar en Estados Unidos. La partitura de 1948 proporcionó protección de derechos de autor a la obra en Estados Unidos, donde había caducado, pero Boosey (que adquirió el catálogo de Editions Russe) no tenía los derechos sobre el final revisado. [161]

La partitura de 1929 revisada en 1948 constituye la base de la mayoría de las interpretaciones modernas de The Rite. Boosey & Hawkes reeditó su edición de 1948 en 1965 y produjo una edición recién grabada (B&H 19441) en 1967. La firma también publicó una reimpresión sin modificar de la reducción para piano de 1913 en 1952 (B&H 17271) y una versión revisada para piano, incorporando la versión de 1929. revisiones, en 1967. [30]

La Fundación Paul Sacher , en asociación con Boosey & Hawkes, anunció en mayo de 2013, como parte de las celebraciones del centenario de The Rite , su intención de publicar la partitura autógrafa de 1913, como se utilizó en las primeras actuaciones. Después de permanecer en Rusia durante décadas, la partitura autógrafa fue adquirida por Boosey & Hawkes en 1947. La firma presentó la partitura a Stravinsky en 1962, en su 80 cumpleaños. Después de la muerte del compositor en 1971, el manuscrito fue adquirido por la Fundación Paul Sacher. Además de la partitura autógrafa, han publicado la partitura manuscrita para piano a cuatro manos. [162] [163]

En 2000, Kalmus Music Publishers publicó una edición en la que el ex bibliotecario de la Orquesta de Filadelfia Clint Nieweg hizo más de 21.000 correcciones a la partitura y las partes. Desde entonces, una lista de erratas publicada ha agregado unas 310 correcciones más, y se considera que esta es la versión más precisa del trabajo a partir de 2013. [164] [se necesita una mejor fuente ]

notas y referencias

Notas

  1. ^ Ruso : Весна священная , romanizado :  Vesna svyashchennaya , lit.  'manantial sagrado'. Nombre completo: The Rite of Spring: Pictures from Pagan Russia in Two Parts ( Francés : Le Sacre du printemps: tableaux de la Russie païenne en deux Parties )
  2. ↑ Aunque The Firebird fue su primer gran proyecto, la primera colaboración de Stravinsky con Diaghilev fue la creación de nuevas orquestaciones para dos piezas en una versión de 1909 de Les Sylphides.
  3. ↑ Salvo que se indique en una cita específica, la información de la sinopsis se tomó de la nota de febrero de 1914 de Stravinsky a Koussevitsky. [11]
  4. ↑ En muchas de las primeras ediciones de la partitura, la sección final de este episodio, en la que el sabio bendice la tierra, se divide en su propia pieza, llamada "Embrasse de la terre" (El beso de la tierra) o "Le sabio "(El Sabio).
  5. ↑ La hermana de Nijinsky, Bronislava Nijinska, insistió más tarde en que su hermano podía tocar varios instrumentos, incluidos la balalaika , el clarinete y el piano. [43]
  6. ↑ Kelly y Walsh citan a Henri Girard, miembro de la sección de contrabajo. [51] Según Truman Bullard, la sección a la que se hace referencia se encuentra al final de las "Rondas de primavera". [52]
  7. ↑ El biógrafo de Monteux registra que Saint-Saëns salió del estreno en París de la versión en concierto de The Rite , que Monteux dirigió en abril de 1914; Saint-Saëns opinó que Stravinsky estaba "loco". [71]
  8. ↑ En un relato diferente del incidente, el historiador musical Richard Morrison escribe que Stravinsky llegó al final de la primera parte, en lugar de al final de la pieza. [117]

Citas

  1. ^ Levitz, págs. 146-178
  2. ^ Everdell, págs. 323, 331–333
  3. ^ Walsh 2012, § 1: Antecedentes y primeros años, 1882-1905
  4. ^ Walsh 2012, § 2: Hacia el pájaro de fuego , 1902-09
  5. ^ Walsh 2012, § 11: Reputación póstuma y legado: Obras
  6. ↑ a b c White, 1961, págs. 52–53
  7. ^ "Diaghilev, Serge" . The Oxford Dictionary of Music Edición en línea . 2012 . Consultado el 9 de agosto de 2012 . (requiere suscripción)
  8. ^ Griffiths, Paul (2001). "Diaghilev (Dyagilev), Sergey Pavlovich" . Grove Music Online . Prensa de la Universidad de Oxford . doi : 10.1093 / gmo / 9781561592630.article.08450 . ISBN 978-1-56159-263-0. Consultado el 24 de abril de 2021 .
  9. ↑ Stravinsky, 1962, págs. 24-28.
  10. ^ Walsh 2012, § 3: Los primeros ballets de Diaghilev, 1910–14
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enlaces externos

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  • Primera grabación orquestal de 1929 realizada por el compositor en formato MP3
  • Interpretación del arreglo para piano a cuatro manos de Stravinsky de The Rite of Spring por Jonathan Biss y Jeremy Denk del Museo Isabella Stewart Gardner en formato MP3
  • The Rite of Spring : Puntajes en el Proyecto de Biblioteca Internacional de Partituras Musicales
  • The Rite of Spring : 'El trabajo de un loco' por Tom Service , The Guardian , 13 de febrero de 2013
  • BBC Proms 2011 El rito de la primavera de Stravinsky
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