La Fundación Solomon R. Guggenheim es una organización sin fines de lucro fundada en 1937 por el filántropo Solomon R. Guggenheim y su asesora de arte desde hace mucho tiempo, la artista Hilla von Rebay . La fundación es una institución líder para la colección, preservación e investigación de arte moderno y contemporáneo y opera varios museos en todo el mundo. El primer museo establecido por la fundación fue The Museum of Non-Objective Painting, en la ciudad de Nueva York. Esto se convirtió en el Museo Solomon R. Guggenheim en 1952, y la fundación trasladó la colección a su primer edificio de museo permanente, en la ciudad de Nueva York, en 1959. La fundación abrió a continuación la Colección Peggy Guggenheimen Venecia, Italia, en 1980. Su red internacional de museos se expandió en 1997 para incluir el Museo Guggenheim Bilbao en Bilbao , España, y espera abrir un nuevo museo, Guggenheim Abu Dhabi , en los Emiratos Árabes Unidos después de que se complete su construcción .
Formación | 1937 |
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Tipo | Organización sin ánimo de lucro |
Sede | Nueva York , Estados Unidos |
Director | Richard Armstrong |
Ingresos (2015) | $ 89,192,827 [1] |
Sitio web | www.guggenheim.org |
La misión de la fundación es "promover la comprensión y apreciación del arte, la arquitectura y otras manifestaciones de la cultura visual, principalmente de los períodos moderno y contemporáneo, y recolectar, conservar y estudiar" el arte moderno y contemporáneo. [2] La Fundación busca, en sus museos constituyentes, unir arquitectura y obras de arte distinguidas. El primer museo permanente de la fundación, el Solomon R. Guggenheim Museum, se encuentra en un moderno edificio en espiral diseñado por Frank Lloyd Wright , y el Guggenheim Bilbao fue diseñado por Frank Gehry . Ambos diseños innovadores recibieron una amplia atención de la prensa y la crítica. La Colección Peggy Guggenheim se encuentra en un palacio italiano del siglo XVIII, el Palazzo Venier dei Leoni, en el Gran Canal .
La colección permanente de la fundación se basa principalmente en nueve colecciones privadas: la colección de pinturas no objetivas de Solomon R. Guggenheim ; La colección de Karl Nierendorf sobre expresionismo alemán y expresionismo abstracto temprano ; El regalo de pinturas y esculturas de Katherine S. Dreier ; La colección de Peggy Guggenheim, centrada en la abstracción y el surrealismo ; Justin K. y recogida de Hilde Thannhauser de impresionistas , post impresionista obras maestras, y principios modernos; parte de la colección de Hilla von Rebay; De Giuseppe Panza di Biumo tenencia de América minimalista , post-minimalista , del medio ambiente y el arte conceptual de los años 1960 y 1970; una colección de fotografías y técnicas mixtas de la Fundación Robert Mapplethorpe ; y la colección de películas, videos, fotografías y nuevos medios de la Fundación Bohen. [3] Las colecciones de la fundación se han expandido enormemente a lo largo de ocho décadas e incluyen todos los movimientos importantes del arte de los siglos XX y XXI. Sus directores y curadores han intentado formar una colección única que no sea enciclopédica, sino basada en sus visiones únicas. [4] La colección ha crecido en alcance para incluir nuevos medios y arte escénico, y la fundación ha iniciado colaboraciones con YouTube y BMW .
Historia
Hilla Rebay y primeros años
Solomon R. Guggenheim , miembro de una rica familia minera, comenzó a coleccionar obras de los viejos maestros en la década de 1890. Se retiró de su negocio en 1919 para dedicar más tiempo al coleccionismo de arte. En 1926, a los 66 años, conoció a la artista Hilla von Rebay , a quien la esposa de Guggenheim, Irene Rothschild, le encargó que pintara su retrato. [5] Rebay lo introdujo en el arte europeo de vanguardia , en particular el arte abstracto que ella sentía que tenía un aspecto espiritual y utópico ( arte no objetivo ). [5] Guggenheim cambió por completo su estrategia de recolección. [6] En 1930, los dos visitaron el estudio de Wassily Kandinsky en Dessau , Alemania, y Guggenheim comenzó a comprar el trabajo de Kandinsky. El mismo año, Guggenheim comenzó a mostrar la colección al público en su apartamento del Plaza Hotel en la ciudad de Nueva York. Las compras de Guggenheim continuaron con las obras de Rudolf Bauer , Fernand Léger , Robert Delaunay y grandes artistas que no pertenecían a la escuela no objetiva, como Marc Chagall , Jean Metzinger , Albert Gleizes , Pablo Picasso y László Moholy-Nagy . [5] [6]
En 1937, Guggenheim estableció la Fundación Solomon R. Guggenheim para fomentar la apreciación del arte moderno . [6] El primer lugar de la fundación para la exhibición de arte se llamó "Museo de Pintura No Objetiva". Se inauguró en 1939 bajo la dirección de Rebay, su primer curador, en una antigua sala de exhibición de automóviles en East 54th Street en el centro de Manhattan . [7] Esto se mudó, en 1947, a otro espacio alquilado en el 1071 de la Quinta Avenida . [6] Bajo la guía de Rebay, Guggenheim buscó incluir en la colección los ejemplos más importantes de arte no objetivo disponibles en ese momento, como la Composición 8 de Kandinsky (1923), Contraste de formas de Léger (1913) y Ventanas simultáneas de Delaunay (2a. Motivo, primera parte) (1912). [8]
A principios de la década de 1940, la fundación había acumulado una colección tan grande de pinturas de vanguardia que se hizo evidente la necesidad de un edificio permanente para albergar la colección de arte. [9] En 1943, Guggenheim y Rebay encargaron al arquitecto Frank Lloyd Wright que diseñara el edificio del museo. [10] Rebay concibió el espacio como un "templo del espíritu" que facilitaría una nueva forma de mirar las piezas modernas de la colección. [11] En 1948, la colección se amplió enormemente mediante la compra del patrimonio del marchante de arte Karl Nierendorf de unos 730 objetos, en particular pinturas expresionistas alemanas . [8] En ese momento, la colección de la fundación incluía un amplio espectro de obras expresionistas y surrealistas , incluidas pinturas de Paul Klee , Oskar Kokoschka y Joan Miró . [3] [8] Guggenheim murió en 1949, y el museo pasó a llamarse Museo Solomon R. Guggenheim en 1952. La fundación amplió sus actividades de exhibición con una serie de exposiciones itinerantes. [12]
Después de la muerte de Guggenheim, los miembros de la familia Guggenheim que formaban parte de la junta directiva de la fundación tenían diferencias personales y filosóficas con Rebay, y en 1952 ella dimitió como directora del museo. [12] Sin embargo, dejó una parte de su colección personal a la fundación en su testamento, incluidas obras de Kandinsky, Klee, Alexander Calder , Gleizes, Piet Mondrian y Kurt Schwitters . [3]
Sweeney y finalización del primer edificio
En 1953, los límites de la colección de la fundación se ampliaron aún más bajo su nuevo director, James Johnson Sweeney . Sweeney rechazó el despido de "objetivo" de la pintura y la escultura Rebay, y pronto adquirió Constantin Brancusi 's Adán y Eva (1921), seguidas por las obras de otros escultores modernistas, entre ellos Jean Arp , Alexander Calder , Alberto Giacometti y David Smith . [8] Sweeney llegó más allá del siglo XX para adquirir El hombre con los brazos cruzados de Paul Cézanne (c. 1899). [8] En 1953, la fundación recibió un regalo de 28 obras importantes de la finca de Katherine S. Dreier , fundadora de la primera colección de Estados Unidos que se denominó museo de arte moderno, la Société Anonyme . Dreier había sido colega de Rebay. Las obras incluyeron Little French Girl (1914–18) de Brâncuși, un bodegón sin título (1916) de Juan Gris , una escultura de bronce (1919) de Alexander Archipenko y tres collages (1919–21) del dadaísta alemán Hannoveriano Schwitters. También incluyó obras de Calder, Marcel Duchamp , El Lissitzky y Mondrian. [3] Entre otros, Sweeney también adquirió las obras de Alberto Giacometti , David Hayes , Willem de Kooning y Jackson Pollock . [13] También estableció los Premios Internacionales Guggenheim en 1956. Sweeney supervisó la última media docena de años de la construcción del edificio del museo, tiempo durante el cual tuvo una relación antagónica con Frank Lloyd Wright, especialmente con respecto a los problemas de iluminación del edificio. [14] [15]
El distintivo edificio cilíndrico, más ancho en la parte superior que en la parte inferior, con una rampa en espiral que sube suavemente desde el nivel del suelo hasta el tragaluz en la parte superior, resultó ser la última obra importante de Wright, ya que el arquitecto murió seis meses antes de su inauguración. [16] El edificio se abrió en octubre de 1959 a grandes multitudes [17] e instantáneamente polarizó a los críticos de arquitectura, [16] [18] aunque hoy en día es ampliamente elogiado. [19] Algunas de las críticas se centraron en la idea de que el edificio eclipsa las obras de arte exhibidas en el interior, [9] y que es difícil colgar pinturas correctamente en los nichos de exposición cóncavos, poco profundos y sin ventanas que rodean la espiral central. Antes de su inauguración, veintiún artistas firmaron una carta protestando por la exhibición de su trabajo en dicho espacio. [16] Tras su apertura, el museo recibió una respuesta ampliamente favorable del público, a pesar de las primeras dudas: "el diseño general de Wright fue, y sigue siendo, admirado por ser muy personal y atractivo". [20]
Messer y la rampa
Thomas M. Messer sucedió a Sweeney como director del museo (pero no de la fundación) en 1961 y permaneció durante 27 años, el mandato más largo de cualquiera de los directores de las principales instituciones artísticas de la ciudad. [21] Cuando Messer asumió el control, la capacidad del museo para presentar arte todavía estaba en duda debido a los desafíos presentados por la galería de rampa en espiral continua que está inclinada y tiene paredes curvas. [22] Casi de inmediato, en 1962, se arriesgó a realizar una gran exposición que combinaba las pinturas del Guggenheim con esculturas prestadas por el Museo Hirshhorn . [22] La escultura tridimensional, en particular, planteó "el problema de instalar una muestra de este tipo en un museo que se parezca tanto a la geografía circular del infierno ", donde cualquier objeto vertical aparece inclinado en una "sacudida de borrachera" porque el La pendiente del suelo y la curvatura de las paredes podrían combinarse para producir molestas ilusiones ópticas. [23]
Resultó que la combinación podría funcionar bien en el espacio del Guggenheim, pero Messer recordó que en ese momento "tenía miedo. Sentí a medias que esta sería mi última exposición". [22] Messer tuvo la previsión de prepararse organizando una exposición de esculturas más pequeña el año anterior, en la que descubrió cómo compensar la extraña geometría del espacio mediante la construcción de plintos especiales en un ángulo particular, por lo que las piezas aún no estaban en una verdadera vertical. parecía ser así. [23] En el programa de la escultura anterior, este truco resultó imposible para una sola pieza, un Alexander Calder móvil cuyo cable, inevitablemente, colgado en una verdadera plomada vertical "lo que sugiere la alucinación" en el contexto de desorientar al suelo inclinado. [23]
Al año siguiente, Messer adquirió una colección privada del marchante de arte Justin K. Thannhauser para la colección permanente de la fundación. [24] Estas 73 obras incluyen obras maestras impresionistas , postimpresionistas y modernas francesas, incluidas obras importantes de Paul Gauguin , Édouard Manet , Camille Pissarro , Vincent van Gogh y 32 obras de Pablo Picasso . [3] [25]
Expansión global
Peggy Guggenheim , la sobrina de Salomón, coleccionó y exhibió arte a partir de 1938. [26] A instancias de Messer, donó su colección de arte y su casa en Venecia, el Palazzo Venier dei Leoni , a la fundación en 1976. [27] Después de su muerte en 1979, la colección de más de 300 obras fue reabierta al público como la Colección Peggy Guggenheim en 1980 por la fundación, que entonces estaba bajo la dirección de Peter Lawson-Johnston. [28] [29] Incluye obras de principios del siglo XX de destacados modernistas estadounidenses y futuristas italianos . Las piezas de la colección abarcan el cubismo , el surrealismo y el expresionismo abstracto . Algunos de los artistas notables son Picasso, Dalí , Magritte , Brâncuși (incluida una escultura de la serie Bird in Space ), once obras de Pollock, Braque , Duchamp , Léger , Severini , Picabia , de Chirico , Mondrian , Kandinsky, Miró, Giacometti , Klee, Gorky , Calder, Max Ernst y la hija de Peggy Guggenheim, Pegeen Vail Guggenheim . [3] [26]
Desde 1985, Estados Unidos ha seleccionado la fundación para operar el Pabellón de los Estados Unidos de la Bienal de Venecia , una exposición que se celebra cada dos veranos. En 1986, la fundación compró el pabellón de estilo palladiano, construido en 1930. [29] [30]
Thomas Krens , director de la fundación de 1988 a 2008, dirigió una rápida expansión de las colecciones de la fundación. [31] En 1991, amplió los fondos de la fundación adquiriendo la Colección Panza. Reunida por el Conde Giuseppe di Biumo y su esposa, Giovanna, la Colección Panza incluye ejemplos de esculturas minimalistas de Carl Andre , Dan Flavin y Donald Judd , y pinturas minimalistas de Robert Mangold , Brice Marden y Robert Ryman , así como una variedad de Post -Arte mínimo , conceptual y perceptual de Robert Morris , Richard Serra , James Turrell , Lawrence Weiner y otros, especialmente ejemplos estadounidenses de las décadas de 1960 y 1970. [3] [32] En 1992, la Fundación Robert Mapplethorpe regaló 200 de sus mejores fotografías a la fundación. Las obras abarcaron toda su producción, desde sus primeros collages, Polaroids , retratos de celebridades, autorretratos, desnudos masculinos y femeninos, flores y estatuas. También contó con construcciones de técnica mixta e incluyó su conocido Autorretrato de 1998 . La adquisición inició el programa de exhibición fotográfica de la fundación. [3]
También en 1992, la exposición del edificio del museo de Nueva York y otros espacios se ampliaron mediante la adición de una torre rectangular contigua, más alta que la espiral original, y una renovación del edificio original. [33] El mismo año, la fundación abrió un pequeño Museo Guggenheim SoHo en el barrio SoHo del centro de Manhattan. Este espacio se mantuvo después de la reapertura del museo principal, pero cerró en 2002 debido a una recesión económica. [ cita requerida ] Para financiar estos movimientos, de manera controvertida, la fundación vendió obras de Kandinsky, Chagall y Modigliani para recaudar $ 47 millones, lo que generó críticas considerables por el intercambio de maestros por los recién llegados "de moda". En The New York Times , el crítico Michael Kimmelman escribió que las ventas "estiraron las reglas aceptadas de la baja más de lo que muchas instituciones estadounidenses han estado dispuestas a hacer". [34] Krens defendió la acción como coherente con los principios del museo, incluida la ampliación de su colección internacional y la construcción de su "colección de posguerra a la fuerza de nuestras existencias de antes de la guerra" [32] y señaló que tales ventas son una práctica habitual de los museos. . [34]
Una de las iniciativas más importantes de Krens fue ampliar la presencia internacional de la fundación. [35] El Museo Guggenheim Bilbao se inauguró en 1997. Diseñado por Frank Gehry , el Guggenheim Bilbao de titanio, vidrio y piedra caliza es una pieza central de la revitalización de la ciudad vasca de Bilbao , España. [36] El edificio fue recibido con entusiastas elogios de los críticos de arquitectura. [37] El gobierno vasco financió la construcción, mientras que la Fundación compró las obras de arte y gestiona las instalaciones. [36] La colección permanente del museo incluye obras de artistas vascos y españoles modernos y contemporáneos como Eduardo Chillida , Juan Muñoz y Antonio Saura , así como obras de la fundación, y ha organizado diversas exposiciones comisariadas por el Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York. [38]
También en 1997, la fundación abrió una pequeña galería en el área de Unter den Linden de Berlín, Alemania, como Deutsche Guggenheim , en cooperación con Deutsche Bank. [9] El Deutsche Guggenheim tenía cuatro exposiciones cada año, complementadas con programación educativa, y anualmente encargaba una, u ocasionalmente dos, nuevas obras de arte o series de artistas contemporáneos, que luego se mostraban en el museo en una exposición especial. [39] Tras 14 años de funcionamiento, Deutsche Guggenheim cerró a finales de 2012. [40]
Actividades posteriores
Con Krens, la fundación organizó algunas de sus exposiciones más populares: "África: el arte de un continente" en 1996; "China: 5.000 años" en 1998, "Brasil: cuerpo y alma" en 2001; y "El Imperio Azteca" en 2004. [41] En ocasiones ha mostrado exposiciones inusuales, por ejemplo , instalaciones de arte comercial de trajes y motocicletas de Giorgio Armani . El nuevo criterio ' s Hilton Kramer condenado tanto el arte de la motocicleta [42] y la retrospectiva de la obra del diseñador de moda Armani. [43] Otros no estuvieron de acuerdo. [44] Una retrospectiva de 2009 de Frank Lloyd Wright en el edificio original en Nueva York mostró al arquitecto en el 50 aniversario de la apertura del edificio y fue la exhibición más popular del museo desde que comenzó a mantener tales registros de asistencia en 1992. [9]
En 2001, la fundación abrió dos nuevos museos en Las Vegas, Guggenheim Las Vegas y Guggenheim Hermitage Museum , ambos diseñados por el arquitecto Rem Koolhaas . Los museos exhibieron aspectos destacados de las colecciones, respectivamente, de la fundación y el Museo del Hermitage en San Petersburgo , Rusia. [45] [46] La primera y más grande de las dos acogió una exposición: "El arte de la motocicleta", antes de cerrar en 2003. [47] Esta última, celebró diez exposiciones de obras maestras de artistas destacados de los últimos seis siglos. incluidos Van Eyck , Tiziano , Velázquez , Van Gogh , Picasso , Pollock y Lichtenstein . El Museo del Hermitage Guggenheim cerró en 2008. [45]
En 2001, la fundación también estableció el Sackler Center for Arts Education en el campus del edificio original de Nueva York. [48] El mismo año, la fundación recibió un obsequio de la gran colección de la Fundación Bohen, que, durante dos décadas, encargó nuevas obras de arte con énfasis en cine, video, fotografía y nuevos medios. Los artistas incluidos en la colección son Pierre Huyghe , Sophie Calle y Jac Leirner . [5] La fundación planeó un gran museo Guggenheim en el paseo marítimo en el bajo Manhattan , y contrató a Frank Gehry como arquitecto. Sus diseños esencialmente completos para el edificio se exhibieron en 2001 en el museo de la Quinta Avenida, [49] pero estos planes se vieron interrumpidos por la recesión económica de principios de la década de 2000 y los ataques del 11 de septiembre de 2001 , que provocaron la reconsideración de cualquier plan en el bajo Manhattan. . [50] Otros proyectos en Río de Janeiro , Vilnius , Salzburgo , [51] Guadalajara [52] y Taichung también fueron considerados pero no terminados.
El 19 de enero de 2005, el filántropo Peter B. Lewis renunció a su cargo como presidente de la fundación, expresando su oposición a los planes de Krens para una mayor expansión global de los museos Guggenheim. Lewis había sido el mayor donante en la historia del Guggenheim. [53] Sin embargo, las tensiones continuaron y el 27 de febrero de 2008, Krens renunció a su puesto en la fundación. Sin embargo, se ha mantenido como asesor de asuntos internacionales. [54] Durante sus dos décadas al frente de la fundación, Krens fue criticado no solo por la desaparición de obras más antiguas del museo [34], sino tanto por su estilo empresarial como por su percepción de populismo y comercialización. [44] [55] Un escritor comentó: "Krens ha sido tanto elogiado como vilipendiado por convertir lo que alguna vez fue una pequeña institución de Nueva York en una marca mundial, creando la primera institución artística verdaderamente multinacional ... Krens transformó el Guggenheim en uno de la marca más conocida en las artes ". [56]
Richard Armstrong se convirtió en el quinto director de la fundación el 4 de noviembre de 2008. Había sido director del Museo de Arte Carnegie en Pittsburgh , Pensilvania durante 12 años, donde también se había desempeñado como curador en jefe y curador de arte contemporáneo. [57] Además de sus colecciones permanentes, que continúan creciendo, [5] la fundación administra exposiciones en préstamo y coorganiza exposiciones con otros museos para fomentar la divulgación pública. [58]
En 2006, Abu Dhabi , la capital de los Emiratos Árabes Unidos, anunció un acuerdo con la Fundación Guggenheim para construir un nuevo museo, " Guggenheim Abu Dhabi ". Gehry diseñó la estructura, [59] que, si se completa, será la más grande de los cimientos con diferencia. [60] Comenzó a construirse en el extremo noroeste de la isla Saadiyat , [29] donde se han construido un centro de artes escénicas y otros museos. [61] La fecha de finalización se ha retrasado repetidamente, y ahora se espera que el museo abra sus puertas alrededor de 2023 como muy pronto. [62] [63] Se espera que el museo albergue colecciones modernas y contemporáneas que se centren en el arte contemporáneo de Oriente Medio y exhiba exposiciones especiales de la colección principal de la fundación. [29]
En 2011, la ciudad de Helsinki , Finlandia, encargó a la fundación que estudiara la viabilidad de construir un museo allí . [60] El estudio de viabilidad recomendó la construcción del museo en el puerto sur de Helsinki. En 2012, la propuesta fue rechazada por la junta de la ciudad "por preocupaciones sobre el costo y una fusión propuesta con el Museo de Arte de Helsinki ". En 2013, la fundación hizo una propuesta revisada [64] que establecía que el arquitecto del proyecto sería elegido a través de un concurso internacional. La propuesta anticipó que la tarifa de licencia del Guggenheim sería financiada por fuentes privadas, con menores costos operativos y mayores ingresos; un periodista calificó las estimaciones de la Fundación como "especulativas en el mejor de los casos". [65] En 2014, el ayuntamiento aprobó un concurso internacional de arquitectura para solicitar diseños para el museo, [66] y al año siguiente, se eligió un diseño. [67] En 2016, el ayuntamiento de Helsinki votó a favor de rechazar el plan. [68]
Arquitectura
La fundación ha buscado durante mucho tiempo, en sus museos constituyentes, unir sus obras de arte con una arquitectura distinguida. En 1943, Hilla von Rebay y Solomon R. Guggenheim encargaron a Frank Lloyd Wright la construcción del primer museo permanente de la fundación. [69] Rebay escribió a Wright que "cada una de estas grandes obras maestras debería organizarse en el espacio, y solo tú ... probarías las posibilidades de hacerlo ... ¡Quiero un templo del espíritu, un monumento!" [70] El logro resultante, el Museo Solomon R. Guggenheim, en la ciudad de Nueva York, atestigua no solo el genio arquitectónico de Wright, sino también el espíritu aventurero que caracterizó a sus fundadores. [71] El crítico Paul Goldberger escribió más tarde que, antes del edificio modernista de Wright, "sólo había dos modelos comunes para el diseño de museos: el Palacio de Bellas Artes ... y el Pabellón de Estilo Internacional". [72] Goldberger pensó que el edificio era un catalizador para el cambio, por lo que era "social y culturalmente aceptable para un arquitecto diseñar un museo muy expresivo e intensamente personal. En este sentido, casi todos los museos de nuestro tiempo son hijos del Guggenheim". [72]
Nueva York
Antes de establecerse en el sitio actual para el Museo Solomon R. Guggenheim en la Quinta Avenida entre las calles 88 y 89, Wright, Rebay y Guggenheim consideraron numerosas ubicaciones en Manhattan, así como en la sección Riverdale del Bronx, con vista al río Hudson . [73] Guggenheim sintió que la proximidad del sitio a Central Park era importante; el parque alivió el ruido, la congestión y el cemento de la ciudad. [74] La naturaleza también inspiró al museo. [73] El edificio encarna los intentos de Wright de "representar la plasticidad inherente de las formas orgánicas en la arquitectura". [75] El Guggenheim iba a ser el único museo diseñado por Wright. La ubicación de la ciudad requirió que Wright diseñara el edificio en forma vertical en lugar de horizontal, muy diferente de sus trabajos rurales anteriores. [74]
El concepto original de Wright se llamaba " zigurat " invertido , porque se parecía a los empinados escalones de los zigurats construidos en la antigua Mesopotamia . [74] Su diseño prescindió del enfoque convencional del diseño del museo, en el que los visitantes son guiados a través de una serie de salas interconectadas y obligados a volver sobre sus pasos al salir. [75] El plan de Wright era que los visitantes del museo subieran a la parte superior del edificio en ascensor, descendieran a paso lento por la suave pendiente de la rampa continua y vieran el atrio del edificio como la última obra de arte. . La rotonda abierta brindó a los espectadores la posibilidad única de ver varias áreas de trabajo en diferentes niveles simultáneamente e incluso interactuar con invitados en otros niveles. [76] El diseño en espiral recordaba una concha de nautilus, con espacios continuos que fluían libremente entre sí. [77]
Incluso cuando abrazó la naturaleza, el diseño de Wright también expresa su visión de la rígida geometría de la arquitectura modernista. [77] Wright atribuyó un significado simbólico a las formas del edificio. Explicó que "estas formas geométricas sugieren ciertas ideas, estados de ánimo, sentimientos humanos, como por ejemplo: el círculo, el infinito; el triángulo, la unidad estructural; la espiral, el progreso orgánico; el cuadrado, la integridad". [78] Las formas se repiten en todas partes: las columnas de forma ovalada, por ejemplo, reiteran la geometría de la fuente. La circularidad es el hilo conductor, desde la rotonda hasta el diseño con incrustaciones de los suelos de terrazo. [73]
La visión de Wright tardó 16 años en cumplirse. En marcado contraste con los edificios típicamente rectangulares de Manhattan que lo rodean, el edificio del Museo Solomon R. Guggenheim se inauguró en octubre de 1959. Incluso antes de su inauguración, el diseño polarizó a los críticos de la arquitectura. [16] [18] Algunos creían que el edificio eclipsaría las obras de arte del museo. [9] [79] [80] "Al contrario", escribió el arquitecto, el diseño hace que "el edificio y la pintura sean una sinfonía ininterrumpida y hermosa como nunca antes existió en el Mundo del Arte". [79] Otros críticos, y muchos artistas, sintieron que es incómodo colgar cuadros correctamente en los nichos de exhibición cóncavos, poco profundos y sin ventanas que rodean la espiral central. [16] El edificio, sin embargo, fue ampliamente elogiado [19] [71] [81] e inspiró a muchos otros arquitectos. [74]
La superficie del edificio estaba hecha de hormigón para reducir el costo, inferior al acabado de piedra que Wright había querido. [82] La pequeña rotonda (o "edificio Monitor", como lo llamó Wright) junto a la gran rotonda estaba destinada a albergar apartamentos para Rebay y Guggenheim, pero en su lugar se convirtió en oficinas y espacio de almacenamiento. [83] En 1965, el segundo piso del edificio Monitor fue renovado para exhibir la creciente colección permanente del museo, y con la restauración del museo en 1990-92, se entregó por completo al espacio de exhibición y se bautizó como Edificio Thannhauser, en honor a uno de los legados más importantes del museo. [84] El plan original de Wright para una torre contigua, estudios de artistas y apartamentos no se realizó, en gran parte por razones financieras. Sin embargo, como parte de la restauración, los arquitectos Gwathmey Siegel and Associates analizaron los bocetos originales de Wright para diseñar la torre rectangular de piedra caliza de 10 pisos, que se encuentra detrás y es más alta que el edificio en espiral original (reemplazando una estructura mucho más pequeña), que tiene cuatro galerías de exhibición adicionales con paredes planas que son "más apropiadas para la exhibición de arte". [33] [76] También en la construcción original, el tragaluz de la galería principal había sido cubierto, lo que comprometía los efectos de iluminación cuidadosamente articulados de Wight. Esto cambió en 1992 cuando se restauró el tragaluz a su diseño original. [82] Los fondos para las modificaciones se obtuvieron en parte a través de la controvertida venta de obras maestras por la fundación en 1991. [82]
En 2001, el museo abrió al público el Sackler Center for Arts Education, que era otra parte del diseño original de Wright para el edificio, a través de un regalo de la familia Mortimer D. Sackler. Ubicada justo debajo de la gran rotonda, esta instalación educativa de 8.200 pies cuadrados brinda clases y conferencias sobre las artes visuales y escénicas y oportunidades para interactuar con las colecciones del museo y exposiciones especiales a través de sus laboratorios, espacios de exhibición, salas de conferencias y el Peter B. Lewis Theatre. [48] Entre septiembre de 2005 y julio de 2008, el Museo Guggenheim se sometió a una importante restauración exterior para reparar grietas y [85] modernizar sistemas y detalles exteriores. [86] La artista Jenny Holzer pintó un tributo, For the Guggenheim , en honor a Peter B. Lewis, un importante benefactor del proyecto de restauración. [87] El museo fue registrado como Monumento Histórico Nacional el 6 de octubre de 2008. [88]
Venecia
Peggy Guggenheim compró el Palazzo Venier dei Leoni en 1948 para albergar y mostrar su colección al público, y residió allí durante treinta años. [89] [90] Aunque a veces se confunde con un edificio moderno, [91] es un palacio del siglo XVIII diseñado por el arquitecto veneciano Lorenzo Boschetti. [90] El edificio estaba sin terminar y tiene una elevación inusualmente baja en el Gran Canal. El sitio web del museo describe su "fachada larga y baja, hecha de piedra de Istria y contrastada con los árboles en el jardín detrás que suavizan sus líneas, forma una" cesura "de bienvenida en la marcha majestuosa de los palacios del Gran Canal desde la Accademia hasta el Salute . " [92]
La Fundación tomó el control del edificio en 1979 tras la muerte de Guggenheim y tomó medidas para ampliar el espacio de la galería. En 1985, "todas las habitaciones de la planta principal se habían convertido en galerías ... se habían restaurado la fachada de piedra blanca de Istria y la exclusiva terraza del canal", y el arquitecto había reconstruido un ala de arcada que sobresalía, llamada barchessa Giorgio Bellavitis. [93] Desde 1985, el museo ha estado abierto todo el año. [92] En 1993, la fundación convirtió apartamentos adyacentes al museo en un anexo con jardín, una tienda y más galerías. [93] En 1995, se completó el Jardín de Esculturas Nasher, [93] Desde 1993, el museo ha duplicado su tamaño, de 2.000 a 4.000 metros cuadrados. [29] y fue renovado en 2012. [94]
Bilbao
En 1991, el gobierno vasco sugirió a la fundación que financiaría la construcción de un museo Guggenheim en Bilbao . [95] [96] La fundación seleccionó a Frank Gehry como arquitecto, y su director, Thomas Krens , lo alentó a diseñar algo atrevido e innovador. [97] Se pretendía que las curvas en el exterior del edificio parecieran aleatorias; el arquitecto dijo que "la aleatoriedad de las curvas está pensada para captar la luz". [98] El interior "está diseñado alrededor de un gran atrio lleno de luz con vistas a la ría de Bilbao y las colinas circundantes del País Vasco". [29]
Cuando el Museo Guggenheim Bilbao se abrió al público en 1997, fue inmediatamente aclamado como uno de los edificios más espectaculares del mundo, una obra maestra del siglo XX. [99] El arquitecto Philip Johnson lo describió como "el edificio más grande de nuestro tiempo", [100] mientras que el crítico Calvin Tomkins , en The New Yorker , lo caracterizó como "un fantástico barco de ensueño de forma ondulada en un manto de titanio ", su Paneles brillantemente reflectantes que también recuerdan a escamas de pescado. [99] Herbert Muschamp elogió su "brillo mercurial" en The New York Times Magazine . [101] The Independent llama al museo "una hazaña arquitectónica asombrosa". [29]
El museo se integra perfectamente en el contexto urbano, desplegando sus formas interconectadas de piedra, vidrio y titanio en un sitio de 32.500 metros cuadrados a lo largo del río Nervión en el antiguo corazón industrial de la ciudad; aunque modesta desde el nivel de la calle, es más impresionante cuando se ve desde el río. [95] [101] Once mil metros cuadrados de superficie expositiva se distribuyen en diecinueve galerías, diez de las cuales siguen una clásica planta ortogonal que se identifica desde el exterior por sus acabados en piedra. Las nueve galerías restantes tienen formas irregulares y se pueden identificar desde el exterior por sus formas orgánicas arremolinadas y sus revestimientos de titanio. La galería más grande mide 30 metros de ancho y 130 metros de largo. [96] [101] Desde 2005 alberga la monumental instalación de Richard Serra "La materia del tiempo". [102] [103]
Berlina
Deutsche Guggenheim, en Berlín, abrió sus puertas un mes después que el Museo Guggenheim Bilbao, en 1997. [104] Diseñada por el arquitecto estadounidense Richard Gluckman en un estilo minimalista, la modesta galería de Berlín ocupaba una esquina de la planta baja del edificio de piedra arenisca del Deutsche Bank . en el bulevar Unter der Linden , construido en 1920. [29] [105] Cerró en 2013. [106]
Abu Dhabi
Está previsto que el museo de Abu Dhabi sea, con mucho, la instalación más grande de la fundación. [60] [107] El diseño de Gehry incluye galerías de exhibición, espacio de educación e investigación, un laboratorio de conservación, un centro para la cultura contemporánea árabe, islámica y del Medio Oriente, y un centro de "arte y tecnología". [108] Inspirado en los tradicionales patios cubiertos y torres de viento del Medio Oriente, utilizados para enfriar las estructuras expuestas al sol del desierto, los grupos de galerías horizontales y verticales de varios tamaños del museo están conectados por pasarelas y planeados alrededor de un patio central cubierto, incorporando características naturales destinadas a maximizar la eficiencia energética del edificio. Las galerías más grandes ofrecerán una gran escala para la exhibición de grandes instalaciones de arte contemporáneo. [108] Partes del edificio tendrán cuatro pisos de altura, con "grupos de galerías conectadas de bloques y en forma de cono aparentemente apiladas una encima de la otra". [29] [109] El museo está destinado a ser una pieza central en el plan de la isla para el arte y la cultura contemporáneos ". [110]
El nuevo museo comenzó a construirse en una península en el extremo noroeste de la isla Saadiyat adyacente a Abu Dhabi. [108] [111] Gehry comentó: "El sitio en sí, prácticamente en el agua o cerca del agua por todos lados, en un paisaje desértico con el hermoso mar y la calidad de la luz del lugar sugirió algo de la dirección". [109] La fecha de finalización se retrasó de 2011 al menos a 2017. [63] En marzo de 2011, más de 130 artistas anunciaron un plan para boicotear el museo de Abu Dhabi, citando informes de abusos de trabajadores extranjeros, incluida la retención arbitraria de salarios. , condiciones de trabajo inseguras y falta de pago por parte de las empresas de las tarifas de contratación a los trabajadores. [112] El progreso continuo aguarda la aprobación de las solicitudes y contratos de construcción por parte de la Compañía de Inversión y Desarrollo Turístico (TDIC). [113] A principios de 2016, no se habían realizado avances en la construcción, y la Fundación Guggenheim confirmó que "TDIC aún no ha adjudicado un contrato". [114]
Diseño de Helsinki (nunca construido)
El Concurso de Diseño Guggenheim Helsinki en 2014–2015 fue el primer concurso de arquitectura internacional abierto de la Fundación Solomon R. Guggenheim. Recibió 1.715 presentaciones de 77 países, un récord para un concurso de diseño de museos. [115] El diseño elegido para un museo Guggenheim propuesto de 130 millones de euros en Helsinki , Finlandia, imaginaba "un revoltijo indistinto de pabellones revestidos de madera carbonizada" y vidrio. [67] El diseño ganador fue de Moreau Kusunoki Architectes, con sede en París. [67] [115] Los críticos objetaron el color oscuro del exterior del diseño, que contrasta con la arquitectura circundante, así como con la forma del edificio. Osku Pajamaki, vicepresidente de la junta ejecutiva de la ciudad, dijo: "El símbolo del faro es arrogante en medio del centro histórico ... [como] un museo Guggenheim junto a Notre Dame en París. La gente se acerca desde el mar , y lo primero que verán es que los ciudadanos de Helsinki compraron su identidad al Guggenheim ". [116] El museo propuesto fue rechazado por el ayuntamiento de Helsinki en 2016. [68]
Colaboraciones
La fundación presta anualmente cientos de obras de arte de sus colecciones a otros museos e instituciones de todo el mundo. También participa en colaboraciones con socios en todo el mundo para interactuar con audiencias diversas y promover el discurso cultural. De 2006 a 2011, se vieron exposiciones de las obras de la fundación en más de 80 museos, como el Museo Nacional de Arte de China en Beijing durante los Juegos Olímpicos de Beijing 2008 . [117]
YouTube Play
En 2010, la Fundación Solomon R. Guggenheim y YouTube, en colaboración con Hewlett-Packard e Intel , presentaron YouTube Play, A Biennial of Creative Video . Se enviaron más de 23.000 videos de 91 países en respuesta a una convocatoria abierta destinada a "descubrir y mostrar el talento más excepcional que trabaja en el ámbito en constante expansión de los videos en línea". [118] [119] Los curadores de la Fundación seleccionaron una lista corta de 125 videos de los cuales un jurado, que incluía a los artistas Laurie Anderson y Takashi Murakami y el grupo musical Animal Collective , eligió una lista de reproducción de 25 obras. [119] Estos se presentaron en el evento YouTube Play en el Museo Solomon R. Guggenheim en Nueva York el 21 de octubre de 2010, durante el cual los videos se proyectaron en el exterior del edificio del museo y dentro de la rotonda del museo. [118]
Las 25 obras seleccionadas continuaron expuestas en el museo hasta el 24 de octubre de 2010. Los 125 videos de la lista corta estuvieron a la vista durante el otoño de 2010 en los quioscos de los museos Guggenheim de Nueva York, Berlín, Bilbao y Venecia. El canal de YouTube del proyecto, youtube.com/play, presenta todos los videos de la lista corta, así como los aspectos más destacados del evento en Nueva York e información sobre el proyecto. [120] La colaboración estaba destinada a llegar a un público amplio más allá del entorno del museo. [119] La crítica de arte del New York Times , Roberta Smith, comentó: "Es una idea cuyo momento ha llegado ... En muchos sentidos, es simplemente una exposición anticuada de presentación abierta del tipo que los museos regionales y los centros de arte "El país ha estado en escena durante décadas, excepto que se ha vuelto digital". [118]
Laboratorio BMW Guggenheim
El BMW Guggenheim Lab es un proyecto itinerante interdisciplinario que comenzó en 2011. [121] [122] Una colaboración entre BMW Group y la fundación, el laboratorio es en parte un think tank urbano , en parte un centro comunitario y en parte un espacio de reunión, que explora temas de la vida urbana a través de la programación y el discurso públicos. [123] [124] El programa está diseñado para involucrar de manera proactiva a los residentes de cada ciudad que visita, y a los participantes en Internet y de todo el mundo, en programas y experimentos gratuitos, y para abordar ideas y problemas de la vida urbana con especial relevancia. a cada ciudad. [125] El Comité Asesor de expertos del Laboratorio nomina al equipo de laboratorio de cada ciudad, un grupo interdisciplinario que crea la programación para esa ubicación. [121] [122] Se esperaba que el laboratorio visitara nueve ciudades durante tres meses cada una en el transcurso de seis años, con tres estructuras diferentes que albergarían el laboratorio, cada una de las cuales viajaría a tres ciudades. [126] [127] En 2013, sin embargo, BMW puso fin a su apoyo al proyecto. [128]
La estructura del laboratorio fue diseñada por la firma de arquitectura con sede en Tokio Atelier Bow-Wow . [126] [127] El ciclo de tres ciudades del proyecto se diseñó en torno al tema Confrontando el confort , que exploró formas de hacer que los entornos urbanos respondan mejor a las necesidades de las personas, logrando un equilibrio entre el confort individual y colectivo y promoviendo la responsabilidad ambiental y social. [125] Los miembros del Comité Asesor del Laboratorio fueron: Daniel Barenboim , Elizabeth Diller , Nicholas Humphrey , Muchadeyi Masunda , Enrique Peñalosa , Juliet Schor , Rirkrit Tiravanija y Wang Shi . [121] [122] El laboratorio estuvo abierto del 3 de agosto al 16 de octubre de 2011 en el East Village de la ciudad de Nueva York y contó con la asistencia de más de 54.000 visitantes de 60 países. [126] [127] El Laboratorio estuvo abierto en Berlín del 24 de mayo al 29 de julio de 2012. [127] [129] La programación del Laboratorio de Berlín se centró en cuatro temas principales: Tecnologías de Empoderamiento (Gómez-Márquez), Conexiones Dinámicas ( Smith), Urban Micro-Lens (Rose) y la Senseable (SENSEable) City (Ratti). [ cita requerida ] El laboratorio abrió en Mumbai , India, el 9 de diciembre de 2012 y funcionó hasta el 20 de enero de 2013. La ubicación central estaba en los terrenos del Museo Dr. Bhau Daji Lad , con ubicaciones satélites adicionales alrededor de la ciudad. [130] Junto con la programación pública específica del vecindario, el programa Mumbai Lab incluyó estudios de investigación participativa y proyectos de diseño. [131]
El programa finalizó con una exposición, Participatory City: 100 Urban Trends from the BMW Guggenheim Lab , que estuvo expuesta en el museo de Nueva York desde el 11 de octubre de 2013 hasta el 5 de enero de 2014. [128]
Iniciativa de arte global Guggenheim UBS MAP
La Iniciativa de Arte Global Guggenheim UBS MAP es un programa de cinco años, apoyado por el banco suizo UBS en el que la Fundación identifica y trabaja con artistas, curadores y educadores de Asia, América Latina, Medio Oriente y África del Norte para expandir su alcance en el mundo del arte internacional. Para cada una de las tres fases del proyecto, el museo invita a un curador de la región elegida al Museo Guggenheim en la ciudad de Nueva York para una residencia curatorial de dos años, donde trabaja con un equipo del personal de Guggenheim para identificar nuevas obras de arte. que reflejan la variedad de talentos en sus partes del mundo. Los curadores residentes organizan exposiciones itinerantes internacionales que destacan estas obras de arte y ayudan a organizar actividades educativas. [132] [133] La Fundación adquiere estas obras de arte para su colección permanente y las incluye como el foco de exposiciones que se abren en el museo de Nueva York y posteriormente viajan a otras dos instituciones culturales u otros lugares de todo el mundo. La Fundación complementa las exposiciones con una serie de programas públicos y en línea basados en el tema del intercambio intercultural. [134] [135] Se informa que UBS está contribuyendo con más de $ 40 millones al proyecto para pagar sus actividades y las adquisiciones de arte. [136] El director de la Fundación, Richard Armstrong, comentó: "Esperamos desafiar nuestra visión occidental de la historia del arte". [132]
La primera exposición (fase 1) se centra en el arte del sur y el sudeste de Asia y está comisariada por la singapurense June Yap, quien ha trabajado durante seis años en los departamentos de curaduría de museos de arte moderno y contemporáneo, incluido el Instituto de Arte Contemporáneo de Singapur y Singapur. Museo de Arte . [137] La segunda y tercera fases del proyecto se centrarán en América Latina y Oriente Medio y África del Norte. [132]
Fundación de la familia Robert HN Ho
La Fundación de la Familia Robert HN Ho, con sede en Hong Kong (fundada por Robert Hung-Ngai Ho ) otorgó una subvención de $ 10 millones para ayudar al museo de Nueva York a encargar obras para su colección permanente de al menos tres artistas nacidos en China y contratar a un curador. dedicado a su colección de arte chino. Se espera que las obras se exhiban en el museo de Nueva York en tres exposiciones entre 2014 y 2017 y también en los otros museos Guggenheim. [138] Las comisiones son parte de un esfuerzo del museo para ampliar el alcance geográfico de su colección, y la Fundación de la Familia Robert HN Ho espera que la colaboración fomente "una mayor comprensión de la cultura china". [139]
Ver también
- Lista de museos Guggenheim
- Lista de museos de arte en los EE. UU.
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Referencias
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enlaces externos
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