Stan Douglas (nacido el 11 de octubre de 1960) es un artista que vive en Vancouver , Columbia Británica .
Stan Douglas | |
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Nació | Vancouver , Columbia Británica , Canadá | 11 de octubre de 1960
Nacionalidad | canadiense |
Conocido por | artista de instalación , fotógrafo |
Trabajo notable | Ganar, colocar o mostrar , 1998 |
Movimiento | Escuela de Vancouver |
Premios |
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Las instalaciones de cine y video , la fotografía y el trabajo en televisión de Douglas con frecuencia tocan la historia de la literatura, el cine y la música, mientras examinan la " utopía fallida " del modernismo y las tecnologías obsoletas .
Ha expuesto internacionalmente, incluyendo Documenta IX , 1992, Documenta X, 1997, Documenta XI, 2002 y la Bienal de Venecia en 1990, 2001, 2005 y 2019. Douglas fue elegido para representar a Canadá en la Bienal de Venecia 2021. [1]
El coleccionista de arte Friedrich Christian Flick , en el prólogo de la monografía de Stan Douglas , describe a Douglas como "un análisis crítico de nuestra realidad social. Samuel Beckett y Marcel Proust , ETA Hoffmann y los hermanos Grimm , blues y free jazz , televisión y Hollywood , Karl Marx y Sigmund Freud frecuentan los extraños montajes del artista canadiense ". [2]
Fondo
Stan Douglas nació en 1960 en Vancouver , donde vive y trabaja actualmente. Educado en la Universidad de Arte y Diseño Emily Carr en Vancouver, Douglas ha expuesto ampliamente desde su primera exposición individual en 1981. Entre las numerosas exposiciones colectivas, Douglas fue incluido en el Carnegie International de 1995 , la Bienal de Whitney de 1995 , el Skulptur Projekte Münster de 1997 y Documenta X en Kassel . En 2007, Douglas recibió el premio inaugural de Artes Visuales de la Fundación Hnatyshyn , un premio de $ 25,000 a la excelencia en las artes visuales canadienses presentado por Gerda Hnatyshyn, presidente y presidenta de la junta de la Fundación Hnatyshyn. [3] En 2008 fue galardonado con el premio Bell en videoarte . [4] Douglas está representado por David Zwirner , Nueva York y Victoria Miro Gallery , Londres. Una reseña de su trabajo reciente, Stan Douglas: Mise en scène, viajó por Europa desde 2013 hasta finales de 2015. [5] Entre 2004 y 2006 fue profesor en la Universität der Künste Berlin y desde 2009 ha sido miembro del Core Facultad del Departamento de Arte de Posgrado del Centro de Arte de la Facultad de Diseño . [6]
Temas
Modernismo
El trabajo de Douglas refleja los aspectos técnicos y sociales de los medios de comunicación y desde finales de la década de 1980 ha sido influenciado por el trabajo de Samuel Beckett . [7] [8] También es motivo de preocupación tanto el modernismo como concepto teórico [9] como la modernidad, ya que ha afectado al urbanismo norteamericano desde la Segunda Guerra Mundial . [10] Al utilizar lo que el historiador de arte Hal Foster describe como el " género anticuado " [11] del cine, el interés de Douglas en " utopías fallidas y tecnologías obsoletas" [12] permite la creación de un "nuevo medio a partir de los restos de formas antiguas ". [11] La preocupación de Douglas por las utopías fallidas y lo obsoleto no se trata de una redención de "estos eventos pasados, sino [una forma] de reconsiderarlos: comprender por qué estos momentos utópicos no se cumplieron, qué fuerzas más grandes mantuvieron un momento local un momento menor: y lo que era valioso allí, lo que todavía podría ser útil hoy ". [13]
Política y raza
El trabajo de Douglas solo toca directamente la raza en algunos casos, [14] como el video corto I'm Not Gary (1991). [15] Esta interpretación de la raza es importante, ya que la breve narración involucra a un hombre blanco que confunde a un hombre negro con un hombre negro diferente llamado Gary, para la escritora Lisa Coulthard, esto es parte de una investigación más amplia del racismo como parte del imperialismo y la cultura. invisibilidad. [15] Para Coulthard, la falta de mención de la raza en las obras que presentan solo a artistas blancos dificulta cualquier lectura racial de la obra de Douglas. [15] En gran parte de las obras de Douglas, la clase más que la raza es el elemento clave. [16] Habiendo crecido en un vecindario de clase media mayoritariamente blanca en Vancouver, la raza era solo una cuestión de invisibilidad más que de derechos civiles para Douglas. [17]
Jazz y blues
Aunque la raza como tema a menudo no es una preocupación central u obvia de Douglas, su propia identidad como negro-canadiense a menudo se aborda a través del uso de la música y, en particular, los modismos musicales asociados con la cultura afroamericana , como el blues y el jazz. . [18] En particular, Douglas señala los prejuicios culturales que asocian lo "primitivo" con la música negra, mientras que la tradición musical europea se posiciona como " alta cultura ". Este binario entre primitivo y civilizado se complica aún más si se considera el jazz y su posición como " música racial ", pero también como muy culto y, en particular, la adopción europea del jazz como arte elevado . [19]
Una obra temprana, Deux Devises (1983), presenta una proyección de texto, la letra de la canción del compositor del siglo XIX Charles Gounod "O ma belle, ma rebelle". Se reproduce una grabación de "Preaching Blues" de Robert Johnson , acompañada de imágenes de Douglas pronunciando fonéticamente las palabras de la canción, sin sincronizar con la grabación. El maridaje de la música de salón segura de Gounod y los sonidos crudos de Johnson, apunta al prejuicio típico que valida y promueve la supuesta seriedad de la música europea. Donde las palabras de Johnson son angustiadas, las de Gounod son seguras y cómodas. [19]
El uso que hace Douglas del jazz es una respuesta más directa a actitudes complejas hacia la música afroamericana. Exhibida por primera vez en la documenta 9 en 1992, Hors-champs (que significa "fuera de la pantalla") es una instalación de video que aborda el contexto político del free jazz en la década de 1960, como una extensión de la conciencia negra [20] y es una de sus pocos trabajos para abordar directamente la raza. [21]
Cuatro músicos estadounidenses, George Lewis (trombón), Douglas Ewart (saxofón), Kent Carter (bajo) y Oliver Johnson (batería) que vivieron en Francia durante el período del free jazz en la década de 1960, improvisaron la composición de 1965 de Albert Ayler "Spirits Rejoice". . [19] [22] El free jazz a menudo encontró una audiencia más amplia en Europa y se asoció con la política [23] y en particular en Francia, donde fue utilizado por el Partido Comunista Francés durante mayo de 1968 . [19]
La música se divide en cuatro partes, una melodía gospel , una llamada y respuesta atenuadas , una fanfarria heráldica y " La Marsellesa ". [19] Filmada al estilo de un programa de televisión francés de la década de 1960 y utilizando tecnología de época, [19] la obra se proyecta en una pantalla, verso y anverso . Por un lado está la versión "broadcast", un montaje tomado de dos cámaras, lo que se elegiría para ser transmitido al público local. El otro lado muestra el metraje en bruto, las imágenes que no están destinadas al público, lo que se editó. [14] [19] Los dos lados de la pantalla presentan un documento completo de la actuación, uno en el que el espectador debe negociar, [14] que muestra la versión "autorizada" pero también las condiciones de su producción. [20] Lo que se enfatiza es un contraste entre la banalidad de la televisión y la programación radical que se presentó en ese momento. [19]
Luanda-Kinshasa tiene una duración de más de seis horas. Su título apunta directamente a los orígenes y la historia del jazz en África. [24] Marcando la primera vez que el artista ha filmado en locaciones en Nueva York, [25] sin embargo, el escenario es un entorno de Manhattan reinventado en la década de 1970, a saber, el CBS 30th Street Studio . Con una banda de músicos profesionales improvisando juntos, Luanda-Kinshasa es la documentación de una grabación ficticia en el famoso estudio. [25] Aunque las plantas de Douglas sutiles detalles de la época en la ropa, carteles en las paredes y las marcas de cigarrillos, toda la atención está en la banda - que incluye entre sus 10 instrumentistas del senegalés baterista Abdou Mboup, la india tabla jugador Nitin Mitta, y el batería estadounidense Kimberly Thompson - y en la música que se está haciendo. [24]
Cine
Como artista de Vancouver que comenzó en la década de 1980 y utiliza medios basados en lentes, Stan Douglas a menudo se asocia con la Escuela de fotoconceptualismo de Vancouver . [26] [27] Su uso del video y el cine, además de la fotografía, así como sus intereses específicos en la historia del cine, las formas y las preocupaciones espaciales lo distinguen de sus compañeros como Jeff Wall . [15]
Douglas ha vuelto a trabajar películas como de Alfred Hitchcock Marnie (1964), Dario Argento 's Suspiria (1977) y Orson Welles ' s Journey into Fear (1943) que exploran "los parámetros, funciones y límites de la adaptación cinematográfica." [15] Sus obras hacen referencia a los originales pero también distancian las obras más nuevas mediante la manipulación de los textos, a menudo empleando bucles y técnicas de edición para " desfamiliarizar " los originales [15]
Subject to a Film: Marnie es una recreación de la escena del robo de la película de 1964 de Hitchcock. En su reseña de Art in America de 1995, Tom Eccles describe el trabajo como "creando el efecto de una pesadilla recurrente", ya que el personaje principal, en lugar de escapar, está "atrapado en el ciclo de la película, atrapado para siempre dentro de los confines de la oficina". [28] Douglas actualiza la oficina
con computadoras reemplazando máquinas de escribir y alfombras por linóleo de los años 50 . Esta versión está filmada en blanco y negro, lo que le da la sensación de una experiencia recordada, y Douglas ha ralentizado la acción, enfocando el voyeurismo inherente de Marnie . Casi se puede sentir el cuello estirado del cineasta. Las acciones bien ensayadas de Marnie de caminar al baño , regresar al escritorio y girar el dial de combinación de la caja fuerte se juegan cuidadosamente, pero mientras su mano enguantada recorre la combinación, la película vuelve a la toma inicial, mostrando un panorama general. vista de la oficina donde los trabajadores se preparan una vez más para salir por el día.
[28]
Inconsolable Memories (2005) se basa en la película Memorias del subdesarrollo de 1968 de Tomás Gutiérrez Alea , actualizada para incluir referencias al embarcadero del Mariel de 1980. La instalación de Douglas consiste en una proyección de 16 mm con una serie fotográfica de la Habana contemporánea. , Cuba . La película está en bucle y cuando se presenta como una instalación, la película y las fotografías crean una sensación de repetición, una característica común del trabajo de Douglas. [15] En lugar de trabajar estrictamente a partir de la película de Alea en la forma en que Douglas trabajó con Marnie de Hitchcock , Inconsolable Memories juega con las capas de sus diversas fuentes (Cuba en los años sesenta, ochenta y el presente). [15] Algunas de las fotografías hacen referencia a los lugares utilizados en la película original de Alea [15] vinculando los temas de la historia y la memoria. La cuestión es la promesa utópica de la revolución cubana y su declive, y también los eventos paralelos de la Guerra Fría de la Crisis de los Misiles Cubanos de 1962 (examinada en la película de Alea) y el levantamiento de barcos de 1980. [15]
Samuel Beckett
Douglas ha estado interesado durante mucho tiempo en el trabajo de Samuel Beckett . En 1988 fue comisario de Samuel Beckett: Teleplays , ocho obras de Beckett para cine y televisión. [29] En 1991, Douglas produjo Monodramas, una serie de videos cortos para transmisión televisiva, basados en sus estudios de los teleplays de Beckett. [30] Desarrollados para televisión, estos trabajos en video de 30 a 60 segundos se transmitieron todas las noches en la Columbia Británica en 1992 durante tres semanas. Las narraciones cortas "imitan las técnicas de edición de la televisión" y cuando los videos se transmitían durante las pausas comerciales regulares, los espectadores llamaban a la estación para preguntar qué se estaba vendiendo. [31] El primer proyecto de Douglas para televisión, Television Spots (1987–88) consistió en doce que se transmitieron en Saskatoon y Ottawa durante la programación regular y presentaron escenas cortas y banales en narrativas abiertas. [32] Uno de los primeros trabajos en video, Mime (la segunda parte de Deux Devises , 1983) consistía en un primer plano de la boca de Douglas en forma de fonemas , que luego se editaban para sincronizarse con la canción "Preachin 'Blues" por Robert Johnson . Douglas no estaba al tanto del propio trabajo de Beckett Not I , una boca incorpórea en una pantalla negra. En una conferencia dada en YYZ Artists 'Outlet en Toronto, Douglas comentó que la elección de una canción de blues fue
uno bastante personal, derivado en cierto modo de mi experiencia de ser negro en una cultura predominantemente blanca, teniendo muy poco contacto con la cultura negra estadounidense, pero al mismo tiempo se esperaba que representara eso a la gente, tanto a personas que eran antagónicas racistas ya tipos liberales. Entonces, lo que tienes es que mi imagen no se sincroniza ni se relaciona con una figura negra muy arquetípica, Robert Johnson.
[33]
Douglas comenzó a estudiar las obras de Beckett y su siguiente trabajo en video Panoramic Rotunda (1985) provino de recordar mal una línea del Frasco No. 7 de Beckett . [33] La repetición y los bucles aparentemente interminables de la misma narrativa en Win, Place o Show recuerdan el uso de la repetición por parte de Beckett para señalar pero también socavar la "igualdad" de la realidad. El absurdo de la narrativa que se repite para siempre, de los dos protagonistas en un bucle sin fin, siempre las mismas palabras pero desde diferentes puntos de referencia es una alusión a Vladimir y Estragon en Esperando a Godot . [34]
Obras
Primeros trabajos 1983–1991
Las obras de Stan Douglas de la década de 1980 se refieren a los medios obsoletos y su estética . El tiempo perdido es un elemento continuo en sus obras. [35] La instalación Overture (1986) utiliza metraje de un viaje en tren a través de las Montañas Rocosas filmado entre 1899 y 1901. La banda sonora consiste en el escritor de Vancouver Gerald Creede leyendo la reelaboración de Douglas de varias frases tomadas de la sección inicial de A la recherche de Marcel Proust. de temps perdu . Para el escritor Peter Culley, que escribió sobre dos de las obras de Douglas en 1986,
Douglas sitúa a Overture en el momento histórico que comparten los inicios del cine con el final de la novela, cuando la fe de Proust en las tentadoras estructuras de sus grandes predecesores, Balzac y Wagner , se ve socavada por las discontinuidades perceptivas que el cine contribuyó a generar. [36]
En Onomatopeya (1985-1986), una pantalla cuelga sobre un piano vertical iluminado por un foco . El piano toca compases de la Sonata para piano n. ° 32 de Beethoven , Opus 111 . Las imágenes de una fábrica textil vacía se proyectan sobre el piano, activadas por los signos de puntuación en el pergamino del piano. Los pergaminos perforados que se utilizaron para programar el tejido en patrones de tela, hacen eco de los pergaminos del piano. Las imágenes son de una fábrica textil cerca de la casa del artista y específicamente esa sección de la fábrica que emplea las tarjetas perforadas que determinan los diferentes patrones de diseño de tejido. Las tarjetas perforadas son parte del mismo tipo de tecnología que el piano, que para Culley "establece una simultaneidad de sujeto que la obra inmediatamente comienza a subvertir; la imagen y la música se mueven constantemente dentro y fuera de una sincronización precisa, manteniendo a la audiencia en un nivel constante de anticipación ansiosa ". [36]
Los Monodramas de Douglas son diez videos de 30 a 60 segundos de 1991, concebidos como intervenciones en la televisión comercial, transmitidos todas las noches en la Columbia Británica durante tres semanas en 1992. [37] Estas narraciones breves, ambientadas en lugares suburbanos sombríos, imitan las técnicas de edición de la televisión, con tramas que tratan situaciones a menudo mundanas y con un ligero giro al final. El segmento "No soy Gary" está ambientado en una franja industrial anodina. Un hombre blanco pasa a un segundo hombre que es negro, llamándolo "¿Gary?" y está visiblemente irritado por no ser reconocido. Finalmente, el segundo hombre se vuelve hacia él y le responde: "No soy Gary". Para la escritora Lisa Coulthard, la raza es el marco interpretativo, porque para el hombre blanco del video, "su interlocutor es simplemente un hombre negro, intercambiable con cualquier otro por ejemplo y claramente intercambiable con Gary". [15]
Instalaciones
Un elemento clave en una serie de instalaciones de Douglas es el uso del tiempo y, en particular, una investigación sobre la ralentización del tiempo o la quietud. [38] [39] Su instalación de 1995 Der Sandmann , basada en el cuento original de 1816 de ETA Hoffmann y el ensayo de Sigmund Freud de 1919 "The Uncanny" , consiste en una doble proyección en la que la película se divide literalmente por la mitad y se vuelve a ensamblar de manera que los dos lados están ligeramente desincronizados. Esto crea una "brecha temporal", que rompe el sentido de unidad tan crucial para el modernismo, de modo que "todo se aplaza y se retrasa". [40]
La instalación de 1998 de Douglas, Win, Place or Show, está filmada al estilo del drama de CBC de finales de la década de 1960 , The Client , que se destaca por su estilo áspero, tomas largas y falta de tomas establecidas . Ambientada en la década de 1950 en Vancouver en la remodelación de Strathcona , la instalación explora la noción modernista de renovación urbana con la demolición de la arquitectura existente a favor de las rejillas de los bloques de apartamentos. Dos hombres comparten un dormitorio en un día lluvioso libre de sus trabajos manuales. La conversación se enciende durante una discusión sobre las carreras de caballos del día y el bucle filmado de 6 minutos se repite desde diferentes ángulos en una pantalla dividida, cada ciclo presenta configuraciones de puntos de vista en constante cambio. Las tomas son editadas juntas en tiempo real por un ordenador durante la exposición, generando una serie de montajes casi interminable. [10]
Su instalación interactiva de 2014, Circa 1948, fue coproducida por la National Film Board of Canada y se estrenó en abril en la sección Storyscapes del Tribeca Film Festival . [41] Douglas también creó la obra de teatro Helen Lawrence , que comparte gráficos, historia y personajes con Circa 1948 . [42]
Bienal de Venecia
La Galería Nacional de Canadá eligió a Douglas para representar a Canadá en la Bienal de Venecia de 2021 . [43] Douglas ha expuesto anteriormente en la Bienal de Venecia, la más reciente en 2019, donde debutó con la obra de la instalación de video de dos canales Doppelgänger (2019), "ambientada en un presente alternativo en el que una astronauta solitaria y su contraparte del otro mundo Llega a 'casa' y descubre que todo es al revés de lo que ella conoció. Representada simultáneamente en dos pantallas, la estructura de la obra sugirió la posibilidad de convivir experiencias y realidades ". [44] El jurado, incluido el director de la Galería Nacional Sasha Suda y la curadora en jefe Kitty Scott, eligió a Douglas citando "la relevancia de su trabajo para los debates globales que tienen lugar en Venecia". [45]
Catálogos
- Douglas, Stan y Philip Monk. Stan Douglas . Colonia: Colección Friedrich Christian Flick y DuMont, 2006. ISBN 3-8321-7730-2
- Douglas, Stan y Michael Turner. Viaja al miedo . Londres: Serpentine Gallery, 2002. ISBN 3-88375-554-0
- Douglas, Stan y Reid Shier, ed. Stan Douglas: todos los edificios de 100 West Hastings . Vancouver: Arsenal Pulp Press, Galería de Arte Contemporáneo, 2002. ISBN 978-1-55152-135-0
- Douglas, Stan, Boris Groys, Isabel Zürcher, Peter Pakesch y Terence Dick. Stan Douglas: Le Détroit . Basilea: Kunsthalle Basel, 2001. ISBN 3-7965-1710-2
- Douglas, Stan. Stan Douglas . Toronto: Centro de arte Macdonald Stewart , 1994. ISBN 0-920810-56-X
- Douglas, Stan y Christine VanAssche. Stan Douglas . París: Centre Georges Pompidou, 1993. ISBN 2-85850-747-3
- Fischer, Barbara y Stan Douglas. Perspectiva 87: Stan Douglas . Toronto: Galería de Arte de Ontario, 1987. ISBN 0-919777-52-X
Exposiciones individuales
- Serpentine Gallery , Londres (2002) [46]
- Kestner Gesellschaft , Hannover (2004) [47]
- Studio Museum en Harlem , Nueva York (2005) [48]
- Staatsgalerie Stuttgart y Württembergischer Kunstverein, Stuttgart (2007) [49] [50]
- The Power Plant , Toronto (2011) [51]
- Instituto de Artes de Minneapolis , Minnesota (2012) [52]
- Fruitmarket Gallery , Edimburgo (2014-2015) [53]
- Museo Irlandés de Arte Moderno , Dublín (2015) [54]
Premios
- 2007: Premio de Artes Visuales de la Fundación Hnatyshyn [3]
- 2008: Premio Bell en Videoarte
- 2012: Premio Infinity de Arte del Centro Internacional de Fotografía , Nueva York [55]
- 2013: Premio Scotiabank de Fotografía [25] [56]
- 2016: Premio Hasselblad [57]
- 2019: Premio Audain de Artes Visuales [58]
Colecciones permanentes
[59] [se necesita una mejor fuente ]
- Galería de arte de Ontario , Toronto
- Centre Georges Pompidou , París
- Museo de Israel , Jerusalén
- Museo de Arte Contemporáneo de Chicago
- Museo de Arte Moderno de Nueva York
- Galería Nacional de Canadá , Ottawa
- Museo de Arte Moderno de San Francisco
- Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York
- Tate Gallery , Londres
- Galería de arte de Vancouver
- Walker Art Center , Minneapolis, Minnesota
Referencias
Notas
- ^ "Stan Douglas representará a Canadá en la Bienal de Venecia 2021" . La revista Cite requiere
|magazine=
( ayuda ) - ^ Stan Douglas y Philip Monk, Stan Douglas , p. 7
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Fuentes primarias
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Fuentes secundarias
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enlaces externos
- Stan Douglas por David Zwirner
- Colección Tate