Wangechi Mutu (nacida en 1972) es una artista visual keniano-estadounidense conocida principalmente por su trabajo de pintura, escultura, cine y performance. [2] Nacida en Kenia, ha vivido y establecido su carrera en Nueva York durante más de veinte años. [2] El trabajo de Mutu ha dirigido el cuerpo femenino como sujeto a través de la pintura de collage , la instalación inmersiva y la interpretación en vivo y en video, mientras explora cuestiones de autoimagen , construcciones de género , trauma cultural y destrucción ambiental , así como nociones de belleza y energía. [3]
Wangechi Mutu | |
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Nació | |
Educación | United World College of the Atlantic , Cooper Union , Escuela de Arte de Yale |
Trabajo notable | Una joya falsa en la corona (2007), Chorus Line (2008), Tiempo de juego suspendido (2008) [1] Sentado I, II, III y IV (2020) |
Movimiento | Afrofuturismo |
Sitio web | wangechimutu |
Antecedentes y educación
Mutu nació en 1972 en Nairobi , Kenia . [2] Se educó en el Loreto Convent Msongari (1978-1989) y luego estudió en el United World College of the Atlantic , Gales ( IB , 1991). Mutu se mudó a Nueva York en la década de 1990, concentrándose en Bellas Artes y Antropología en The New School for Social Research y Parsons School of Art and Design . Obtuvo un BFA de Cooper Union para el Avance de las Artes y las Ciencias en 1996 y una maestría en escultura de la Escuela de Arte de Yale en 2000. [4]
Carrera profesional
El trabajo de Mutu se ha exhibido en galerías y museos de todo el mundo, incluidos el Museo de Arte Moderno de San Francisco , The Contemporary Austin (Texas), el Museo de Arte de Miami , la Tate Modern de Londres, el Centro de Bellas Artes de Bruselas, el Museo Studio de Harlem en Nueva York. York, Museo Kunstpalast en Düsseldorf, Alemania, el Centro Georges Pompidou en París, y el Nasher Museum of Art en la Universidad de Duke . Su primera exposición individual en un importante museo norteamericano se inauguró en la Galería de Arte de Ontario en marzo de 2010. [5] Su primera exposición individual en los Estados Unidos , Wangechi Mutu: A Fantastic Journey [6] en los Estados Unidos se inauguró en el Nasher Museum of Art el 21 de marzo de 2013. Un viaje fantástico posteriormente viajó al Museo de Brooklyn 's Elizabeth A. Sackler Centro de Arte Feminista en octubre de 2013. [7] se ha desempeñado en los últimos espectáculos unipersonales en el Museo de Arte contemporáneo Australia ; Deutsche Guggenheim , Berlín; el Museo de Arte de Brooklyn ; Museo de Arte Contemporáneo de Montreal ; Museo de Arte Moderno de San Francisco ; Staatlichen Kunsthalle Baden-Baden, Alemania; Centro de Arte Contemporáneo Wiels , Bruselas; el Museo de Arte Nasher de la Universidad de Duke, Carolina del Norte; el Museo de Arte Block de la Universidad Northwestern, Illinois; y el Museo de Arte de Miami .
- Wangechi Mutu
Participó en la Bienal Prospect 1 de 2008 en Nueva Orleans y en la Bienal de Gwangju de 2004 en Corea del Sur . Su trabajo ha aparecido en exposiciones importantes como Greater New York en el PS1 Contemporary Art Center y el Museum of Modern Art de Nueva York, Black President: The Art and Legacy of Fela Anikulapo-Kuti en el New Museum of Contemporary Art de Nueva York y el Barbican Centre de Londres, y USA Today en la Royal Academy de Londres.
El 23 de febrero de 2010, Deutsche Bank honró a Wangechi Mutu como su primer "Artista del año". [8] El premio incluyó una exposición individual en el Deutsche Guggenheim de Berlín. Titulado My Dirty Little Heaven , la muestra viajó en junio de 2010 al Centro Wiels de Arte Contemporáneo en Forest, Bélgica .
En otoño de 2013, el equipo creativo de Wangechi Mutu participó en el proyecto principal de la 5ª Bienal de Arte Contemporáneo de Moscú . [9]
En 2013, Mutu recibió el Premio del Público del Festival de Cine BlackStar a la Película Experimental Favorita en Filadelfia, Pensilvania, por su película The End of Eating Everything , así como el Artista del Año del Museo de Brooklyn, Brooklyn, Nueva York. [10] [11]
En 2014 participó en La Divina Comedia. Heaven, hell, purgatory desde la perspectiva de los artistas africanos contemporáneos en el Museum of Modern Art (MMK) , Frankfurt / Main, comisariada por Simon Njami . Mutu recibió la Beca de Artista de los Estados Unidos de 2014. [12]
En 2015, Mutu participó en la 56ª Exposición de Arte Internacional de la Bienal de Venecia titulada All The World's Futures , comisariada por Okwui Enwezor en las sedes de Giardini y Arsenale. También participó en la Bienal Dak'Art , la Bienal Kochi-Muziris , la Trienal de París: Intensa Proximidad, la Trienal del Centro Internacional de Fotografía y la Bienal de Moscú .
En 2016, su película The End of Carrying All se exhibió en el Museo de Bellas Artes de Houston , Texas. La película muestra a Mutu cruzando un paisaje con una canasta que se llena de bienes de consumo a medida que el paisaje cambia y termina con una erupción volcánica. [13] En 2016, también participó en varias exposiciones colectivas, incluida "Blackness in Abstraction", en la Pace Gallery de Nueva York, "Black Pulp!" en el International Print Center de Nueva York y "Africans in America" en la Goodman Gallery de Johannesburgo. [14]
En 2017, su escultura de bronce negro Water Woman, de la cual representaba una nguva, se colocó al pie del anfiteatro en el parque de esculturas de catorce acres Contemporary Austins en Laguna Gloria . Basado en el folclore de África oriental de la criatura mitad mujer y mitad marina es una representación de historias narrativas de mujeres como astutas tentadoras. La exposición se desarrolló desde el 23 de septiembre de 2017 hasta el 14 de enero de 2018, cuando pasó a formar parte de la colección permanente del museo. [15]
En septiembre de 2019, cuatro esculturas femeninas en bronce de Mutu, "Sentada I, II, III y IV", se colocaron para ocupar los nichos vacíos siempre destinados a albergar esculturas independientes en la fachada del Museo Metropolitano de Arte en la primera instilación y exhibición ("Los nuevos nos liberarán" del 9 de septiembre al otoño de 2020) de lo que será una comisión anual destinada a presentar el trabajo de artistas contemporáneos. [16] Mutu ha descrito las estatuas de bronce como inspiradas en cariátides . [17] [18] Inicialmente, se planeó que las esculturas se exhibieran hasta el 12 de enero de 2020, pero su exhibición se extendió hasta el 8 de junio de 2020, [19] y se extendió aún más hasta el otoño de 2020 debido a la pandemia de COVID-19 . [20] "Seated I" y "Seated III" fueron adquiridos posteriormente para la colección permanente de The Met. [21] El 28 de julio de 2020 se grabó una discusión con ella sobre la exposición y la época contemporánea para una serie titulada Mujeres y el ojo crítico. [20]
En enero de 2020, Mutu formó parte de la exposición de Artpace titulada Visibilidades: Mujeres intrépidas de Artpace . [22] [23] Comisariada por Erin K. Murphy, Visibility no solo da inicio a la celebración del 25 aniversario de Artpace, sino que también destaca a los artistas pasados de su programa de Artista Internacional en Residencia, como Mutu, quien residió allí en el otoño de 2004. . [24] de Mutu serie de 12 paneles Histología de las diferentes clases de tumores uterinos, [25] compuso de impresiones digitales collage, se exhibió en la sala de exhibición de Hudson.
Su trabajo está incluido en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York ; El Museo Whitney de Arte Americano ; El Studio Museum de Harlem ; Museo de Arte Contemporáneo de Chicago ; el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles ; el Museo de Arte Nasher de la Universidad de Duke; el Musée d'art contemporain de Montréal (Museo de Arte Contemporáneo de Montreal); el Museo de Brooklyn; y Tate Modern en Londres. [ cita requerida ]
Obras
El trabajo de Mutu atraviesa una variedad de medios, incluidos el collage, el video, la performance y la escultura, e investiga temas de género, raza y colonialismo. [4] Su trabajo, en parte, se centra en la violencia y la tergiversación que experimentan las mujeres negras en la sociedad contemporánea. [26] Un tema recurrente del trabajo de Mutu son sus diversas representaciones de la feminidad. Mutu utiliza el tema femenino en su arte, incluso cuando las figuras son más o menos irreconocibles, ya sea usando la forma en sí misma o la textura y patrones de los que está hecha la figura. Su uso de representaciones de mujeres de otro mundo, muchas veces mostradas en una pose aparentemente sexual o sensual, provoca una discusión sobre la objetivación de las mujeres. [27] Específicamente, Mutu aborda la hipercosificación de los cuerpos femeninos negros y ha utilizado una naturaleza de otro mundo para reiterar la naturaleza ficticia de las representaciones sociales de las mujeres negras. [28] Ya sea a través de delicados patrones de líneas o construcciones femeninas familiares, se dice que las diversas formas de Mutu de representar las cualidades femeninas mejoran la fuerza de las imágenes o la importancia de los temas presentados. Se sabe que muchas de las obras de arte de Mutu se interpretan de maneras contradictorias, consideradas cómplices de la sociedad problemática y esperanzadoras de cambios futuros en la sociedad. [29] También se ha dicho que el uso de Mutu de tales imágenes intencionalmente repulsivas o de otro mundo puede ayudar a la mujer a alejarse de la perfección tal como se presenta en la sociedad y, en cambio, abrazar sus propias imperfecciones y aceptar más los defectos de los demás también. [30] En una entrevista con la curadora del Museo de Arte Contemporáneo de Australia , Rachel Kent, afirma: "Intento extender mis propias ideas sobre las formas apropiadas de representar a las mujeres. La crítica, la curiosidad y el voyerismo me guían cuando veo las cosas Encuentro difícil de ver, cosas que a veces son desagradables o poco éticas ". [31] Mutu utiliza con frecuencia texturas "grotescas" en su obra de arte y ha citado los libros de medicina de su madre sobre enfermedades tropicales como inspiración, [1] afirmando que "no hay nada más increíblemente interesante y repulsivo visualmente que un cuerpo infectado con una enfermedad tropical; estas son enfermedades que crecen y se infectan y se vuelven más grandes que el ser que han infectado, casi ". [32]
Más recientemente, Mutu ha exhibido instalaciones escultóricas. [33] En 2006, Mutu y el arquitecto británico David Adjaye colaboraron en un proyecto. Transformaron la casa adosada del Upper East Side Salon 94 en Nueva York en un escenario subterráneo para una cena titulado Exhumar la glotonería: Réquiem de un amante . Las pieles y los agujeros de bala adornaban las paredes, mientras que las botellas de vino colgaban descuidadamente como una araña sobre la mesa manchada. Las múltiples patas de la mesa parecían fémures gruesos con tibias visiblemente delicadas, y todo el espacio tenía un aroma acre. Los artistas se esforzaron por mostrar un momento de glotonería cuando dijo: "Quería crear una fiesta, una comunión de mentes y espectadores. Algo salió mal, hay una tragedia o el desarrollo del mal". [34] Este hambre viciosa fue vista como una conexión entre las imágenes de La Última Cena , el clima del mundo actual de la compra de arte y la guerra en Irak. [35]
Otra instalación de Mutu, Suspended Playtime (2008) es una serie de paquetes de bolsas de basura, envueltos en cordeles de oro como si estuvieran suspendidos en telarañas , todos suspendidos del techo sobre el espectador. La instalación hace referencia al uso común de bolsas de basura como pelotas improvisadas y otros juguetes por parte de los niños africanos.
Mutu es capaz de representar transfiguraciones personales y culturales al pasar de la pintura a la escultura y viceversa. Mutu dice: "Esta transición fue tan poderosa porque usé mi mente como creadora de objetos; creo que siempre pinté como una escultora. [36] " En el trabajo de collage de Mutu, ella comenzó a responder a los estándares de belleza y publicidad occidentales: "Comencé un crítica permanente y un intelectual un vandalismo real de esas imágenes, que me violaban haciéndome invisible. [37] "
En 2013, el primer video animado de Wangechi Mutu, The End of Eating Everything , [38] fue creado en colaboración con el artista Santigold , encargado por el Nasher Museum of Art . El video fue animado por Awesome + Modest. [39]
En 2014, el arte de Mutu se exhibió en una exposición titulada Nguva na Nyoka, en Victoria Miro Gallery en Londres. En la noche de inauguración de la exposición, Mutu mostró una pieza de actuación, en la que se animaba a los invitados a consumir sirenas de chocolate Wangechi Mutu hechas a medida. Los invitados podían obtener una sirena sólo "tomando una foto de su primer bocado, lamido, sabor", operando como un comentario sobre "el consumo público de cuerpos morenos". [40]
Influencia del afrofuturismo
El trabajo de Mutu ha sido llamado "firmemente afrofuturista ", [41] como se ejemplifica en su pieza, El fin de comer todo . [38] En su instalación 2013-2014 en el Museo de Brooklyn, el cartel curatorial que acompaña a su trabajo A'gave describió el afrofuturismo como "una estética que utiliza las estrategias imaginativas de la ciencia ficción para visualizar realidades alternativas para África y los afrodescendientes". [42] Para los críticos, Mutu imaginó realidades alternativas para África a través del medio de la ciencia ficción, definitivamente situó a Mutu en el género del afrofuturismo.
Elementos específicos del arte de Mutu que la sitúan dentro de este género incluyen sus amalgamaciones de humanos y máquinas, o Cyborgs , dentro de collages como Family Tree [43] y la película The End of Eating Everything . Además, el trabajo de Mutu implica consistentemente re-imaginaciones intencionales de la experiencia africana. En Misguided Little Unforgivable Hierarchies , examina la jerarquía social y las relaciones de poder a través del collage, ya que "las clasificaciones de pueblos se han construido históricamente en torno a categorías raciales y étnicas fabricadas". [44] En Family Tree , como en muchas de sus obras, Mutu construye deliberadamente tanto un pasado como un futuro dentro de la única figura mediante la visualización de diagramas de revistas médicas antiguas, así como imágenes mecánicas. [43]
Referencias
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Otras lecturas
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enlaces externos
- Wangechi Mutu Studio , Nueva York
- Wangetchi Mutu en Gladstone Gallery , Nueva York
- Wangechi Mutu en el Deutsche Guggenheim , Berlín