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Cultura de Asia

El cine asiático se refiere a las industrias cinematográficas y las películas producidas en el continente asiático . Sin embargo, en países como Estados Unidos , a menudo se usa para referirse solo al cine del este de Asia , el sudeste asiático y el sur de Asia . El cine de Asia occidental a veces se clasifica como parte del cine de Oriente Medio , junto con el cine de Egipto . El cine de Asia Central a menudo se agrupa con el Medio Oriente o, en el pasado, el cine de la Unión Soviética durante la era soviética de Asia Central .El norte de Asia está dominado por el cine ruso siberiano y, por lo tanto, se considera parte del cine europeo .

El cine de Asia oriental se caracteriza por el cine de Japón , China , Hong Kong , Taiwán y Corea del Sur , incluida la industria del anime japonés y las películas de acción de Hong Kong . [1] cine del sur de Asia se caracteriza por el cine de la India (incluyendo Bollywood , el cine Telugu , sur de la India , el bengalí y el cine Punjabi ), el cine de Pakistán (incluyendo punjabi y el cine urdu ), el cine de Bangladesh(Cine bengalí) y el cine de Nepal . El cine del sudeste asiático se caracteriza por el cine de Singapur , Filipinas , Tailandia , Indonesia y otros países del sudeste asiático. El cine de Asia central y el sur del Cáucaso está tipificado por el cine iraní y el cine de Tayikistán . Asia occidental cine se caracteriza por el cine árabe , el cine iraní , cine israelí , el cine judío y cine turco .

Historia [ editar ]

Precursores del cine [ editar ]

Artículo principal: Precursores del cine

Un cuenco de barro de 5.200 años encontrado en Shahr-i Sokhta , Irán , tiene cinco imágenes de una cabra pintadas a los lados. Se cree que este es un ejemplo de animación temprana . [2] [3] [4]

Mo-Ti , un filósofo chino alrededor del año 500 a. C., reflexionó sobre el fenómeno de la luz invertida del mundo exterior que pasa a través de un pequeño agujero en la pared opuesta en una habitación oscura. Las obras de teatro de sombras aparecieron por primera vez durante la dinastía Han y luego ganaron popularidad en Asia . Alrededor del 180 d.C., Ting Huan (丁 緩) creó un zoótropo elemental en China.

En 1021, Alhazen , un científico iraquí , experimentó con el mismo principio óptico descrito por Mo-Ti, y escribió sobre los resultados en su Libro de Óptica , que proporcionó la primera descripción clara [5] y el análisis correcto de la cámara oscura . [6] Su experimento con la lámpara , en el que se disponen varias fuentes de luz diferentes en un área grande, fue el primero en proyectar con éxito una imagen completa desde el exterior en una pantalla interior con la cámara oscura . [7]

Era del cine mudo [ editar ]

Los primeros cortometrajes de Asia se produjeron durante la década de 1890. Los primeros cortometrajes producidos en Japón fueron Bake Jizo ( Jizo the Spook ) y Shinin no Sosei ( Resurrection of a Corpse ), ambos de 1898. [8] El primer cortometraje indio también se produjo en 1898, The Flower of Persia , dirigido por Hiralal Sen . [9]

A principios de la década de 1900, las películas mudas israelíes se proyectaban en cobertizos, cafés y otras estructuras temporales. [10] En 1905, Café Lorenz abrió en Jaffa Road en el barrio judío de Neve Tzedek . A partir de 1909, la familia Lorenz comenzó a proyectar películas en el café. En 1925, el Cine Kessem se instaló allí por un corto tiempo. [11] El primer largometraje de Asia oriental fue The Life Story of Tasuke Shiobara (1912) de Japón . Le siguió el primer largometraje mudo de la India, la pieza dramática de época Raja Harishchandra (1913), de Dadasaheb Phalke , considerado el padre del cine indio.. En la siguiente década, la producción de cine indio fue de un promedio de 27 películas por año. Por otro lado, en Filipinas, la primera película producida y realizada en Filipinas fue La Vida de Jose Rizal en 1912 por Edward Meyer Gross. José Nepomuceno , compró su primer equipo de filmación a Albert Yearsley y Edward Meyer Gross el 15 de mayo de 1917 y durante los siguientes dos años, Nepomuceno practicó el uso del equipo en preparación para hacer el primer largometraje de Filipinas producido localmente. La primera película de producción local en Filipinas es Dalagang Bukid . La película se estrenó con subtítulos en inglés, español y tagalo. Durante su recorrido teatral, la actriz principal Atang de la Rama tuvo que cantar Nabasag ang Banga(una canción que forma parte de la película) para cada proyección de la película en Manila, junto con otras tres personas que tocan un violín, una corneta y un piano [12]

En la década de 1920, el cine soviético recién nacido fue el más radicalmente innovador. Allí, el arte de la edición, especialmente, avanzó, yendo más allá de su papel anterior en el avance de una historia. Sergei Eisenstein perfeccionó la técnica del llamado montaje dialéctico o intelectual , que se esforzó por hacer que las imágenes no lineales , a menudo violentas, expresen ideas y provoquen reacciones emocionales e intelectuales en el espectador.

El cine judío , en particular el teatro yiddish de los judíos asquenazíes , dejó su huella a partir de la década de 1930. Se hicieron más de 100 películas en yiddish, aunque muchas ahora se han perdido. Películas destacadas incluyen Shulamith (1931), el primer musical yiddish de la película His Wife's Lover (1931), A Daughter of Her People (1932), la película antinazi The Wandering Jew (1933), The Yiddish King Lear (1934), Shir Hashirim (1935), el mayor éxito cinematográfico en idish de todos los tiempos Yidl Mitn Fidl (1936), ¿Dónde está mi hijo? (1937), Campos verdes (1937), Dybuk (1937),El herrero cantante (1938), Tevya (1939), Mirele Efros (1939), Lang ist der Weg (1948) y Dios, hombre y diablo (1950). Además, las películas de los hermanos Marx , Mel Brooks y Woody Allen han dejado una huella duradera en el cine.

Era del sonido temprano [ editar ]

Las películas sonoras comenzaron a producirse en Asia a partir de la década de 1930. Primeras películas sonoras notables del cine de Japón incluyen de Kenji Mizoguchi hermanas de Gion ( Gion sin shimai , 1936), Osaka Elegy (1936) y La historia de los últimos crisantemos (1939), junto con Sadao Yamanaka 's Humanidad y globos de papel ( 1937) y la esposa de Mikio Naruse , ¡Sé como una rosa! ( Tsuma Yo Bara No Yoni , 1935), que fue una de las primeras películas japonesas en obtener un estreno en cines en los EE. UU. Sin embargo, con la creciente censura, las películas de tendencia izquierdistade directores como Daisuke Ito también comenzaron a ser atacados. Se hicieron algunos cortos de sonido japoneses en las décadas de 1920 y 1930, pero el primer cine sonoro de Japón fue Fujiwara Yoshie no furusato (1930), que utilizó el 'Mina Talkie System'. En 1935, Yasujirō Ozu también dirigió An Inn en Tokio , considerado un precursor del género neorrealista .

Ardeshir Irani estrenó Alam Ara , la primera película hablada india, el 14 de marzo de 1931. Tras el inicio de los "talkies" en la India, algunas estrellas de cine fueron muy buscadas y obtuvieron ingresos cómodos a través de la actuación. A medida que avanzaba la tecnología del sonido, la década de 1930 vio el auge de la música en el cine indio con musicales como Indra Sabha y Devi Devyani que marcaron el comienzo del canto y la danza en las películas de la India. [13] Los estudios surgieron en las principales ciudades como Chennai , Kolkata y Mumbai cuando el cine se convirtió en un oficio establecido en 1935, ejemplificado por el éxito de Devdas , que había logrado cautivar al público en todo el país.[14]

Edad de oro [ editar ]

Tras el final de la Segunda Guerra Mundial a mediados de la década de 1940, el período comprendido entre finales de la década de 1940 y la de 1960 se considera la "Edad de Oro" del cine asiático. [15] [16] [17] Muchas de las películas asiáticas más aclamados de todos los tiempos fueron producidos durante este período, incluyendo Yasujiro Ozu 's Final de la primavera (1949) y Cuentos de Tokio (1953); Akira Kurosawa 's Rashomon (1950), Ikiru (1952), Seven Samurai (1954) y Trono de sangre (1957); Kenji Mizoguchi 's The Life of Oharu (1952), intendente Sansho(1954) y Ugetsu (1954); Satyajit Ray 's La Trilogía de Apu (1955-1959), La Sala de Música (1958) y Charulata (1964); Guru Dutt 's Pyaasa (1957) y Kaagaz Ke Phool (1959); y Fei Mu 's primavera en una ciudad pequeña , (1948) Raj Kapoor ' s Awaara , (1951) Mikio Naruse 's nubes flotantes (1955), Mehboob Khan ' s Madre India (1957), y Ritwik Ghatak 's Subarnarekha ( 1962). [15][dieciséis]

Durante cine japonés 's 'edad de oro' de los años 1950 y 1960, películas de éxito incluyen Rashomon (1950), Los siete samuráis (1954) y La fortaleza escondida (1958) de Akira Kurosawa , así como Yasujiro Ozu ' s Cuentos de Tokio (1953 ) y Ishiro Honda 's Godzilla (1954). [18] Estas películas han tenido una profunda influencia en el cine mundial. En particular, Seven Samurai de Kurosawa se ha rehecho varias veces como películas occidentales , como The Magnificent Seven (1960) y Battle Beyond the Stars.(1980), y también ha inspirado varias películas de Bollywood , como Sholay (1975) y China Gate (1998). Rashomon también se rehizo como The Outrage (1964), e inspiró películas con métodos de narración del " efecto Rashomon ", como Andha Naal (1954), The Usual Suspects (1995) y Hero (2002). La fortaleza escondida también fue la inspiración detrás de George Lucas " Star Wars (1977). La nueva ola japonesa comenzó a fines de la década de 1950 y continuó hasta la década de 1960. Otros cineastas japoneses famosos de este período incluyenKenji Mizoguchi , Mikio Naruse , Hiroshi Inagaki y Nagisa Oshima . [16] El cine japonés se convirtió más tarde en una de las principales inspiraciones del movimiento New Hollywood de los años sesenta a ochenta.

Durante la 'Edad de Oro' del cine indio de las décadas de 1950 y 1960, producía 200 películas al año, mientras que las películas independientes de la India obtuvieron un mayor reconocimiento a través de festivales internacionales de cine . Uno de los más famosos fue The Apu Trilogy (1955-1959) del aclamado director de cine bengalí Satyajit Ray , cuyas películas tuvieron una profunda influencia en el cine mundial, con directores como Akira Kurosawa , [19] Martin Scorsese , [20] [ 21] James Ivory , [22] Abbas Kiarostami , Elia Kazan , François Truffaut, [23] Steven Spielberg , [24] [25] [26] Carlos Saura , [27] Jean-Luc Godard , [28] Isao Takahata , [29] Gregory Nava , Ira Sachs , Wes Anderson [30] y Danny Boyle [31] siendo influenciado por su estilo cinematográfico. Según Michael Sragow de The Atlantic Monthly , los " dramas juveniles sobre la mayoría de edad que han inundado las casas de arte desde mediados de los cincuenta tienen una tremenda deuda con la trilogía Apu". [32] Subrata Mitra La técnica cinematográfica de la iluminación de rebote también se origina en The Apu Trilogy . [33] El éxito de Satyajit Ray condujo al establecimiento del movimiento del ' Cine Paralelo ', que alcanzó su apogeo durante las décadas de 1950 y 1960. Otros cineastas indios famosos de este período incluyen a Guru Dutt , [16] Ritwik Ghatak , [15] Mrinal Sen , Bimal Roy , K. Asif y Mehboob Khan . [34]

El cine de China experimentó una 'Edad de Oro' a fines de la década de 1940. En 1946, Cai Chusheng regresó a Shanghai para revivir el nombre de Lianhua como la "Sociedad Cinematográfica de Lianhua". [35] Esto a su vez se convirtió en Kunlun Studios, que se convertiría en uno de los estudios chinos más importantes de la época, con los clásicos Myriads of Lights (1948), The Spring River Flows East (1947) y Crows and Gorriones (1949). [36] El drama romántico Spring in a Small Town (1948) de Wenhua , una película del director Fei Mupoco antes de la revolución, los críticos de cine chinos la consideran a menudo una de las películas más importantes de la historia del cine chino, y los Hong Kong Film Awards de 2004 la nombraron la mejor película en idioma chino jamás realizada. [37]

El cine de Malasia también tuvo su 'Edad de Oro' en el período de posguerra de las décadas de 1950 y 1960. El período vio la introducción del sistema de filmación de estudios en Malasia y la afluencia de influencias de Hollywood , el cine emergente de Hong Kong y, en particular, las industrias cinematográficas de India y Japón que estaban experimentando una Edad de Oro. [38] [39]

El cine de Corea del Sur también experimentó una 'Edad de Oro' a finales de los años cincuenta y sesenta, [40] comenzando con la tremendamente exitosa remake del director Lee Kyu-hwan de Chunhyang-jon (1955). [41] Ese año también vio el lanzamiento de la provincia de Yangsan por el renombrado director, Kim Ki-young , marcando el comienzo de su productiva carrera. Tanto la calidad como la cantidad de películas habían aumentado rápidamente a finales de la década de 1950. Películas de Corea del Sur, como la comedia de Lee Byeong-il de 1956 Sijibganeun nal (El día de la boda), había comenzado a ganar premios internacionales. En contraste con el comienzo de la década de 1950, cuando solo se hicieron 5 películas por año, en 1959 se produjeron 111 películas en Corea del Sur. [42] El año 1960 vio la producción de The Housemaid y Yu Hyun-mok ' de Kim Ki-young . s Aimless Bullet , ambas incluidas entre las mejores películas coreanas jamás realizadas. [43]

El final de la década de 1950 y 1960 también fue una "Edad de Oro" para el cine filipino , con la aparición de películas más artísticas y maduras, y una mejora significativa en las técnicas cinematográficas entre los cineastas. El sistema de estudios produjo una actividad frenética en la industria cinematográfica local, ya que se hicieron muchas películas anualmente y varios talentos locales comenzaron a ganar reconocimiento en el extranjero. Uno de esos honores fue otorgado a la inmortal película de Manuel Conde Gengis Khan (1950) cuando fue aceptada para su proyección en el XIII Festival de Cine de Venecia . Otros premios incluyen "Ifugao" de Gerardo de León (1954) y " Anak Dalita " de Lamberto Avellana .A finales de la década, el cine filipino se había convertido en una fuerza importante en la región asiática.[44] Los principales directores filipinos de la época incluyeron a Gerardo de León , Gregorio Fernández , Eddie Romero , Lamberto Avellana y Cirio Santiago . [45] [46]

La década de 1960 se cita a menudo como la "edad de oro" del cine paquistaní . Muchas estrellas A se introdujeron en este período y se convirtieron en leyendas en la pantalla grande . A medida que el blanco y negro se volvió obsoleto, Pakistán vio la introducción de sus primeras películas en color, la primera fue Azra de Munshi Dil a principios de la década de 1960, Sangam de Zahir Rehan (primer largometraje a color) en 1964 y Mala (primera película de cinemascope en color). ). En 1961, se estrenó la película política Bombay Wallah , basada en la ciudad de Bombay en la vecina India, a raíz de la creciente tensión entre las naciones. [47] En 1962, Shaheed (Mártir ) pronunció la cuestión de Palestina en la pantalla grande y se convirtió en un éxito instantáneo, lo que provocó un cambio en la actitud de los cineastas. [ cita requerida ]

La década de 1960 fue la "edad de oro" del cine camboyano . Se iniciaron varias productoras y se construyeron más salas de cine en todo el país. Se hicieron más de 300 películas en Camboya durante la época. [48] Varias películas en idioma jemer fueron bien recibidas en sus países vecinos en ese momento. [49] Entre las películas clásicas de Camboya durante este período se encuentran Lea Haey Duong Dara ( Goodbye Duong Dara ) y Pos Keng Kang ( La esposa del rey serpiente ) de Tea Lim Kun y Sabbseth, y An Euil Srey An ( Khmer After Angkor ) de Ly Bun Yim.

La gama de empresarios judíos en la industria cinematográfica estadounidense es considerable: Samuel Goldwyn, Louis B. Mayer, los hermanos Warner, David O. Selznick, Marcus Loew y Adolph Zukor, Fox, etc. Una sensibilidad más específicamente judía se puede ver en las películas de los hermanos Marx, Mel Brooks o Woody Allen; otros ejemplos de películas específicamente judías de la industria cinematográfica de Hollywood son el vehículo de Barbra Streisand, Yentl (1983), o The Fixer (1968) de John Frankenheimer. En 1966, 2,6 millones de israelíes fueron al cine más de 50 millones de veces. A partir de 1968, cuando se inició la transmisión televisiva , los cines comenzaron a cerrar, primero en la periferia y luego en las principales ciudades. 330 teatros independientes fueron demolidos o rediseñados como teatros multiplex. [10]

Era moderna [ editar ]

A finales de los 60 y principios de los 70, el cine japonés había comenzado a verse seriamente afectado por el colapso del sistema de estudios. A medida que el cine japonés se deslizó hacia un período de relativa baja visibilidad, el cine de Hong Kong entró en un dramático renacimiento propio, en gran parte un efecto secundario del desarrollo de la mezcla wuxia de acción, historia y preocupaciones espirituales. Varias figuras importantes surgieron en Hong Kong en este momento, quizás el más famoso, King Hu , cuyo Come Drink With Me de 1966 fue una influencia clave en muchos desarrollos cinematográficos posteriores de Hong Kong. Poco después, Bruce Lee, nacido en Estados Unidos, se convirtió en un ícono mundial en la década de 1970.

A partir de 1969, la nueva ola iraní condujo al crecimiento del cine iraní , que luego alcanzaría el reconocimiento internacional en los años ochenta y noventa. Las figuras más notables de la nueva ola iraní son Abbas Kiarostami , Jafar Panahi , Majid Majidi , Bahram Beizai , Darius Mehrjui , Mohsen Makhmalbaf , Masoud Kimiay , Sohrab Shahid-Saless , Parviz Kimiavi , Samira Makhmalbaf , Amir Naderi y Abolfazl Jalili.. Algunos han clasificado como posmodernas las características del cine iraní de la nueva ola, en particular las obras de Kiarostami . [50]

La década de 1970 también vio el establecimiento del cine bangladesí después de la independencia del país en 1971. Una de las primeras películas producidas en Bangladesh después de la independencia fue Titash Ekti Nadir Naam ( Un río llamado Titas ) en 1973 del aclamado director Ritwik Ghatak , cuya talla en el cine bengalí es comparable a la de Satyajit Ray y Mrinal Sen . Otra gran película de Bangladesh es 'Lathial' (El delantero) de Mita, fueron las mejores películas del año de 1975. 'Lathial' obtuvo el primer premio nacional como mejor película, y mita obtuvo el primer premio nacional como mejor director.

En el cine de la India , la década de 1970 vio un declive en el ' cine paralelo ' y el auge del cine hindi comercial en forma de películas masala duraderas , un género en el que fue pionero en gran medida el dúo de guionistas Salim-Javed , con películas como el crimen del inframundo de Mumbai el drama Deewaar (1975) y la película " Curry Western " Sholay (1975), que solidificó la posición de Amitabh Bachchan como actor principal. El cine comercial siguió creciendo a lo largo de los años 80 y 90 con el lanzamiento de películas como Mr. India (1987), Qayamat Se Qayamat Tak(1988), Tezaab (1988), Chandni (1989), Maine Pyar Kiya (1989), Baazigar (1993), Darr (1993), Hum Aapke Hain Koun ..! (1994) y Dilwale Dulhaniya Le Jayenge (1995). [51] En ese momento, el término " Bollywood " fue acuñado para referirse a la industria cinematográfica de Bombay (ahora Mumbai) en idioma hindi . Los actores indios más exitosos entre las décadas de 1990 y 2010 son Aamir Khan , Akshay Kumar , Salman Khan y Shah Rukh Khan .

Durante la década de 1980, el cine japonés, ayudado por el auge del cine independiente y el espectacular éxito del anime , comenzó a hacer una especie de regreso internacional. Simultáneamente, una nueva generación de cineastas chinos post- Mao Zedong comenzó a ganar la atención mundial. Otro grupo de cineastas, centrado en Edward Yang y Hou Hsiao-hsien , lanzó lo que se conoce como la "Nueva Ola Taiwanesa".

La década de 1980 también se considera la Edad de Oro del cine de acción de Hong Kong . Jackie Chan reinventó el género cinematográfico de artes marciales con un nuevo énfasis en las acrobacias elaboradas y peligrosas y el humor de payasadas, comenzando con el Proyecto A (1983). John Woo inició el género del " derramamiento de sangre heroico " basado en tríadas , comenzando con A Better Tomorrow (1986). La Nueva Ola de Hong Kong también se produjo durante este período, liderada por cineastas como Tsui Hark .

Con el aumento de la popularidad del cine de Asia oriental en Occidente después de 1980, el público occidental se está familiarizando nuevamente con muchos de los cineastas y estrellas de la industria. Varios de estos actores clave, como Chow Yun-fat y Zhang Ziyi , se han "cruzado" y han trabajado en películas occidentales. Otros han ganado exposición a través del éxito internacional de sus películas, aunque muchos más conservan un atractivo más de " culto ", encontrando cierto grado de éxito occidental a través de las ventas de DVD en lugar de los estrenos en cine.

En la era moderna, el éxito del cine judío israelí y de la diáspora se puede observar en gigantes de la industria que van desde Michael Ovitz , Michael Eisner , Lew Wasserman , Jeffrey Katzenberg , Steven Spielberg y David Geffen . Sin embargo, pocos de estos se enfocaron alguna vez en asuntos judíos, con la excepción ocasional de Spielberg. En la primera década del siglo XXI, varias películas israelíes ganaron premios en festivales de cine de todo el mundo. Películas destacadas de este período incluyen Matrimonio tardío ( Dover Koshashvili ), Alas rotas , Caminar sobre el agua yYossi & Jagger ( Eytan Fox ), Las tragedias de Nina , Campfire y Beaufort ( Joseph Cedar ), O (My Treasure) ( Keren Yedaya ), Gire a la izquierda en el fin del mundo ( Avi Nesher ), La visita de la banda ( Eran Kolirin ) Vals Con Bashir ( Ari Folman ) y Ajami . En 2011, Strangers No More ganó el Oscar al mejor cortometraje documental. [52]

Notas [ editar ]

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  52. ^ Película sobre la escuela de Tel Aviv gana el Oscar. Archivado el 9 de agosto de 2011 en la Wayback Machine.

Ver también [ editar ]

  • Cine del mundo
  • Cine mundial
  • Sandeep Marwah productor de 1000 cortometrajes
  • La película asiática más rápida del mundo
  • Confederación de Festivales de Cine de Asia Central y del Cáucaso Meridional
  • La Red de Promoción del Cine Asiático
  • Bollywood
  • Mollywood
  • Tollywood
  • Sándalo
  • Cine tamil
  • Lista de actores de cine indios

Referencias [ editar ]

  • Baskett, Michael (2008). El atractivo imperio: cultura cinematográfica transnacional en el Japón imperial . Honolulu: University of Hawai'i Press . ISBN 978-0-8248-3223-0.
  • Burra, Rani Day & Rao, Maithili (2006), "Cinema", Encyclopedia of India (vol. 1) , Thomson Gale, ISBN 0-684-31350-2 . 
  • Min, Eungjun; Joo Jinsook; Kwak HanJu (2003). Cine coreano: historia, resistencia e imaginación democrática . Westport, Connecticut: Praeger Publishers. ISBN 0-275-95811-6.
  • Rajadhyaksa, Ashish (1996), "India: Filmar la nación", La historia de Oxford del cine mundial , Oxford University Press, ISBN 0-19-811257-2 .