El uso de la tecnología de la música electrónica en la música rock coincidió con la disponibilidad práctica de instrumentos musicales electrónicos y el surgimiento del género como un estilo distinto. La música rock ha dependido en gran medida de los avances tecnológicos, en particular la invención y el perfeccionamiento del sintetizador, el desarrollo del formato digital MIDI y la tecnología informática.
A finales de la década de 1960, los músicos de rock comenzaron a utilizar instrumentos electrónicos, como el theremin y el Mellotron , para complementar y definir su sonido; a finales de la década, el sintetizador Moog ocupó un lugar destacado en el sonido de las bandas emergentes de rock progresivo que dominarían el rock a principios de la década de 1970. En la década de 1980, el synthpop con una orientación más comercial dominaba el rock electrónico. En el nuevo milenio, la difusión del software de grabación condujo al desarrollo de nuevos géneros distintos, incluidos electroclash , dance-punk y new rave .
Tecnología
Los experimentos en la manipulación de cintas o la música concreta , la primera música por computadora y las primeras tecnologías de muestreo y manipulación de sonido allanaron el camino tanto para la manipulación como para la creación de nuevos sonidos a través de la tecnología. La primera computadora del mundo en reproducir música fue CSIRAC en 1950-1, diseñada y construida por Trevor Pearcey y Maston Beard y programada por el matemático Geoff Hill. [1] [2] Los primeros instrumentos electrónicos incluían el theremin , que usa dos antenas de metal que detectan la posición de las manos de un jugador y controlan los osciladores de frecuencia con una mano y amplitud (volumen) para producir un sonido extraño pero difícil de manipular. Fue utilizado por músicos de vanguardia y clásicos a principios del siglo XX y se utilizó en un gran número de películas de ciencia ficción y suspenso de los años cuarenta y cincuenta. [3]
Los sintetizadores musicales electrónicos que podían usarse prácticamente en un estudio de grabación estuvieron disponibles a mediados de la década de 1960, casi al mismo tiempo que la música rock comenzó a emerger como un género musical distinto. [4] El Mellotron , un electro-mecánico , polifónico de reproducción de muestras teclado, que utiliza un banco de lineal paralela tiras de cinta magnética de audio para producir una variedad de sonidos gozado de popularidad desde mediados de la década de 1960. [5] La popularidad inicial del Mellotron sería superada por el sintetizador Moog , creado por Robert Moog en 1964, que producía sonidos completamente generados electrónicamente que podían manipularse por tono y frecuencia, permitiendo la "flexión" de notas y una considerable variedad y virtuosismo musical para ser expresado. El primer sintetizador comercial de Moog era grande y difícil de manipular, pero en 1970 Moog respondió a su uso en la música rock y pop lanzando el Mini-moog portátil , que era mucho más simple, más fácil de usar y resultó más práctico para presentaciones en vivo. [6] Los primeros sintetizadores eran monofónicos (solo podían tocar una nota a la vez), pero las versiones polifónicas comenzaron a producirse a mediados de la década de 1970, siendo las primeras el Prophet-5 . [7]
MIDI (Interfaz digital de instrumentos musicales) se creó en 1982, como un protocolo estándar de la industria que permite que los instrumentos musicales electrónicos ( sintetizadores , cajas de ritmos ), computadoras y otros equipos electrónicos ( controladores MIDI , tarjetas de sonido , muestreadores ) se comuniquen y sincronicen con cada uno. otro. A diferencia de los dispositivos analógicos anteriores , MIDI no transmite una señal de audio , sino que envía mensajes de eventos sobre el tono y la intensidad, controla las señales de parámetros como el volumen, el vibrato y la panorámica , las señales y las señales de reloj para establecer el tempo , lo que permite la construcción de señales más complejas. la música y la integración de diferentes dispositivos. [8]
En el nuevo milenio, a medida que la tecnología informática se vuelve más accesible y el software musical ha avanzado, ahora es posible interactuar con la tecnología de producción musical utilizando medios que no guardan relación con las prácticas tradicionales de interpretación musical : [9] por ejemplo, la interpretación en portátiles ( laptronica ) [10 ] y codificación en vivo . [11] En la última década han surgido una serie de entornos de estudio virtual basados en software, con productos como Reason de Propellerhead , Ableton Live y Native Instruments Reaktor encontrando un gran atractivo. [12] Estas herramientas proporcionan alternativas viables y rentables a los típicos estudios de producción basados en hardware, y gracias a los avances en la tecnología de microprocesadores , ahora es posible crear música de alta calidad utilizando poco más que una sola computadora portátil. Se ha considerado que estos avances democratizan la creación musical [13], lo que lleva a un aumento masivo de la cantidad de música electrónica de producción casera disponible para el público en general a través de Internet. [10]
Historia
1960
Uno de los primeros compositores en utilizar instrumentos electrónicos en la música popular fue Joe Meek con el álbum I Hear A New World (grabado en 1959, pero no lanzado por completo hasta 1991), [14] y la canción de 1962 " Telstar ", originalmente grabada por Los Tornados . [15] La década de 1960 vio la utilización de técnicas de estudio y nuevas tecnologías para lograr sonidos nuevos e inusuales. Se desarrollan pequeños pedales de guitarra y varios efectos de guitarra que distorsionan o alteran la calidad del sonido de la guitarra eléctrica de diversas formas. [16] El Mellotron fue utilizado por el multiinstrumentista Graham Bond de 1965 [17] y pronto adoptado por Mike Pinder de The Moody Blues de 1966 en canciones como " Nights In White Satin " y por The Beatles de " Strawberry Fields Forever " ( 1967). [18] Ian McDonald de King Crimson , Rick Wakeman de Yes y Tony Banks de Genesis también se convirtieron en usuarios importantes de Mellotron en este momento, infundiendo los sonidos de violín, violonchelo, metales, flauta y coro como una textura importante en la música de sus respectivas bandas. . [19]
La pista de los Beach Boys " I Just Wasn't Made for These Times " de Pet Sounds (1966) fue el primer uso grabado de un Electro-Theremin en un álbum de rock, y el primer álbum de rock en incorporar un instrumento similar al de Theremin . [20] [21] A finales de los 60 también se popularizó el sintetizador Moog . Micky Dolenz de The Monkees compró uno de los primeros sintetizadores Moog y la banda fue la primera en presentarlo en un álbum con Pisces, Aquarius, Capricorn & Jones Ltd. en 1967, que alcanzó el número 1 en las listas estadounidenses. [22] Unos meses más tarde, la canción principal del álbum de 1967 de The Doors , Strange Days , también incluiría un Moog, interpretado por Paul Beaver . [23] Wendy Carlos 's Switched-On Bach (1968), grabado usando un Moog influenciado numerosos músicos de la época y es una de las grabaciones más populares de la música clásica que se han hecho. [24] El sonido del Moog también llegó al mercado masivo con Simon y Garfunkel 's sujetalibros en 1968 [25] y los Beatles ' Abbey Road (1969). [26]
1970
Músicos de rock progresivo como Richard Wright de Pink Floyd y Rick Wakeman de Yes pronto empezaron a utilizar ampliamente los nuevos sintetizadores portátiles. Otros usuarios tempranos incluyen Emerson, Lake & Palmer 's Keith Emerson , Pete Townshend , Electric Light Orchestra , Génesis , Return to Forever , y Weather Report . El rock progresivo instrumental fue particularmente significativo en Europa continental, permitiendo a bandas como Kraftwerk , Tangerine Dream , Can , Faust y Klaus Schulze sortear la barrera del idioma. [27] Su " Kraut rock " con sintetizadores , junto con el trabajo de Brian Eno (durante un tiempo el teclista de Roxy Music ), sería una gran influencia en el rock electrónico posterior. [28] En 1972, el músico de jazz Stan Free , bajo el seudónimo de Hot Butter, alcanzó un top 10 en los Estados Unidos y el Reino Unido con una versión de la canción de 1969 de Gershon Kingsley " Popcorn ". Se considera un precursor del synthpop debido al uso del sintetizador Moog . [29] El mismo año, el músico japonés Isao Tomita lanzó el álbum electrónico Electric Samurai: Switched on Rock , una colección de interpretaciones del sintetizador Moog de canciones de rock contemporáneo. Presentaba síntesis de voz y programación de sintetizadores que luego trasladaría a su exitoso álbum de 1974 Snowflakes Are Dancing . Su trabajo fue considerado una revolución en la programación de sintetizadores. [30] El álbum de rock psicodélico progresivo de 1974 de Osamu Kitajima , Benzaiten , con Haruomi Hosono , utilizó un sintetizador, una máquina de ritmo y una batería electrónica . [31] [ ¿importancia del ejemplo? ] A mediados de la década de 1970 se produjo el surgimiento de músicos de arte electrónico como Jean Michel Jarre , Vangelis y Tomita , quienes con Brian Eno fueron una influencia significativa en el desarrollo de la música new-age . [32]
Los sintetizadores no fueron universalmente bienvenidos por los músicos de rock en la década de 1970. Algunas bandas, incluida Queen , declararon en las notas de su álbum que no usaban sintetizadores. [33] De manera similar, el punk rock temprano basado en la guitarra fue inicialmente hostil al sonido "inauténtico" del sintetizador, [34] pero muchas bandas new wave y post-punk que surgieron del movimiento comenzaron a adoptarlo como una parte importante de su sonido. [35] El dúo estadounidense Suicide , que surgió de la escena post-punk en Nueva York, utilizó cajas de ritmos y sintetizadores en un extraño híbrido entre la electrónica y el post punk en su álbum homónimo de 1977. [36] Junto con las bandas británicas Throbbing Gristle y Cabaret Voltaire , pasaron a utilizar una variedad de técnicas electrónicas y de muestreo que emulaban el sonido de la producción industrial para producir música industrial . [37]
En abril de 1977, Cat Stevens ' Izitso actualizó su rock pop y rock folk estilo con el amplio uso de sintetizadores, [38] dándole un aspecto más synthpop estilo; [39] "Was Dog a Donut" en particular fue una de las primeras pistas de fusión de techno-pop, [40] que hizo un uso temprano de un secuenciador de música . [41] 1977 también fue el año en que el miembro de Ultravox , Warren Cann, compró una caja de ritmos Roland TR-77 , que apareció por primera vez en su single de octubre de 1977 " Hiroshima Mon Amour ". El arreglo de la balada, la percusión tipo metrónomo y el uso intensivo del sintetizador ARP Odyssey fue un intento temprano de fusionar el rock tradicional con la nueva tecnología musical. [42] La banda japonesa Yellow Magic Orchestra fue pionera en el synthpop con su álbum homónimo (1978) y Solid State Survivor (1979), [43] este último incluye varias canciones tempranas de rock computarizado, [44] [45] como un versión mecanizada de la portada de " Day Tripper " de The Beatles (1965). [44] También en 1978, la primera encarnación de The Human League lanzó su sencillo debut " Being Boiled " y Devo se movió hacia un sonido más electrónico. [ importancia del ejemplo? ] Otros pronto lo seguirían, incluido Tubeway Army , un grupo poco conocido del oeste de Londres, que abandonó su imagen de punk rock y se subió al carro de la banda, encabezando las listas del Reino Unido en el verano de 1979 con el sencillo " Are Friends Electric? " . Esto llevó al cantante Gary Numan a ir en solitario y en el mismo año lanzó el álbum inspirado en Kraftwerk, The Pleasure Principle y encabezó las listas por segunda vez con el sencillo " Cars ". [46] [ la importancia del ejemplo? ]
Los ochenta
La definición de MIDI y el desarrollo del audio digital facilitaron mucho la creación de sonidos puramente electrónicos. [47] Esto llevó al crecimiento del synthpop , por el cual, particularmente a través de su adopción por el movimiento New Romantic , los sintetizadores llegaron a dominar la música pop y rock de principios de los 80. [48] El sonido inicial del synthpop era "inquietante, estéril y vagamente amenazante", pero bandas con una orientación más comercial como Duran Duran adoptaron ritmos de baile para producir un sonido más pegadizo y cálido. [48] Pronto fueron seguidos en las listas de éxitos por un gran número de bandas que usaban sintetizadores para crear singles pop de tres minutos. Estos incluyeron New Romantics que adoptaron un estilo visual elaborado que combinaba elementos de glam rock , ciencia ficción y romanticismo como Spandau Ballet , A Flock of Seagulls , Culture Club , ABC , Soft Cell , Talk Talk , B-Movie y Eurythmics , a veces utilizando sintetizadores para reemplazar todos los demás instrumentos, [49] hasta que el estilo comenzó a perder popularidad a mediados de la década de 1980. [48]
Decenio de 1990
En los 90, muchos artistas electrónicos aplicaron la sensibilidad del rock a su música en un género que se conoció como big beat. Fusionó "breakbeats de fiesta de la vieja escuela" con muestras diversas, de una manera que recordaba al hip hop de la vieja escuela . Big Beat fue criticado por simplificar la ola electrónica de finales de los noventa. Este sonido fue popularizado por grupos británicos como Fatboy Slim , The Prodigy y The Chemical Brothers y los estadounidenses The Crystal Method , Überzone y Lunatic Calm . [50]
Este período también vio el surgimiento de artistas que combinaron el rock industrial y el metal. Ministry y Nine Inch Nails grabaron álbumes de platino . [51] [52] Su éxito llevó a la atención generalizada de otros músicos industriales; incluidos el feto y la bobina . La mitad de los 90 fue un punto culminante para el rock industrial, cuando, además de las bandas que habían existido desde la década de 1980, como KMFDM , surgieron bandas más nuevas como Gravity Kills como actos comerciales. [53]
2000
En la década de 2000, con el aumento de la accesibilidad de la tecnología informática y los avances en el software musical , fue posible crear música de alta calidad utilizando poco más que una sola computadora portátil . [10] Esto resultó en un aumento masivo en la cantidad de música electrónica producida en casa disponible para el público en general a través de Internet en expansión, [54] y nuevas formas de interpretación como laptronica [10] y codificación en vivo . [11] Estas técnicas también comenzaron a ser utilizadas por bandas existentes, como con el álbum Year Zero (2007) del acto de rock industrial Nine Inch Nails , [51] y desarrollando géneros que mezclaban el rock con técnicas y sonidos digitales, incluyendo indietronica, electroclash. , dance-punk y new rave.
Indietronica, que había comenzado a principios de los 90 con bandas como Stereolab y Disco Inferno , despegó en el nuevo milenio a medida que se desarrollaba la nueva tecnología digital, con actos que incluían Broadcast desde el Reino Unido, Justice de Francia, Lali Puna de Alemania y The Postal. Service y Ratatat de los EE. UU., Que mezclan una variedad de sonidos independientes con música electrónica, producida en gran parte en pequeños sellos independientes. [55] [56] El subgénero Electroclash comenzó en Nueva York a finales de la década de 1990, combinando synth pop, techno, punk y performance art. Fue pionero en IF con su tema "Space Invaders Are Smoking Grass" (1998), [57] y fue seguido por artistas como Felix da Housecat , [58] Peaches , Chicks on Speed [59] y Fischerspooner . [60] Inicialmente, algunos periodistas etiquetaron a Ladytron como electroclash, [61] pero rechazaron esta etiqueta. [62] [63] Ganó atención internacional al comienzo del nuevo milenio y se extendió a escenas en Londres y Berlín, pero rápidamente se desvaneció como un género reconocible. [64] El dance-punk, que mezcla sonidos post-punk con disco y funk , se desarrolló en la década de 1980, pero fue revivido entre algunas bandas del renacimiento del garage rock / post-punk en los primeros años del nuevo milenio, particularmente entre Actos neoyorquinos como LCD Soundsystem , Liars , The Rapture y Radio 4 , a los que se unieron actos orientados al baile que adoptaron sonidos de rock como Out Hud . [65] En Gran Bretaña, la combinación de indie con dance-punk se denominó nuevo rave en la publicidad de Klaxons y el término fue recogido y aplicado por la NME a bandas [66] como Trash Fashion , [67] New Young Pony Club , [ 68] ¡Hadouken! , Late of the Pier , Test Icicles [69] y Shitdisco , [66] formando una escena con una estética visual similar a la música rave anterior . [66] [70]
El renovado interés por la música electrónica y la nostalgia por la década de 1980 llevaron al comienzo de un resurgimiento del synthpop, con actos que incluyeron Adult y Fischerspooner . En 2003-4 comenzó a moverse hacia la corriente principal con Ladytron , The Postal Service , Cut Copy , The Bravery y The Killers, todos produciendo discos que incorporaban sonidos y estilos de sintetizadores vintage que contrastaban con los sonidos dominantes del post-grunge y nu-metal. . En particular, The Killers disfrutaron de una considerable difusión y exposición y su álbum debut Hot Fuss (2004) alcanzó el Billboard Top Ten. [71] The Killers, The Bravery and the Stills dejaron atrás su sonido de synthpop después de sus álbumes de debut y comenzaron a explorar el rock clásico de los setenta. [72]
Algunos practicantes modernos de subgéneros de metal y hardcore punk como el post-hardcore y el metalcore han sido influenciados por la música electrónica. [81] Además de las características típicas del metal y el hardcore, estos grupos hacen uso de sintetizadores , ritmos y ritmos producidos electrónicamente y voces autoajustadas . [73] [79] [82] Estos grupos se han formado en Inglaterra , [80] [83] los Estados Unidos , [75] [77] Canadá , [73] Brasil , Hong Kong [84] y la República Checa . La tendencia se ha referido al uso de los términos electronicore , [79] [82] synthcore, [79] y trancecore, [74] entre otros. Algunas bandas de post-hardcore y metalcore recientemente formadas utilizan características de la electrónica . [75] [76] [77] Sumerian Records señala que "últimamente ha habido un excedente de música 'electrónica / hardcore'". [76] Las bandas notables que demuestran una fusión de subgéneros de hardcore punk y música electrónica de baile incluyen Abandon All Ships , [73] [79] Attack Attack! , [79] [85] Preguntando a Alexandria , [79] [80] [83] Todo por una visión, [86] Entra Shikari , [74] [87] Veo estrellas [75] [76] [79] [82 ] Respira Carolina, Pueblo Fantasma y Relaciones Públicas . [88] Horse the Band actuó de una manera algo diferente al combinar el hardcore con bitpop y chiptunes llamados Nintendocore . [78]
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