Ellsworth Kelly (mayo 31, 1923 a diciembre 27, 2015 ) fue un pintor, escultor y grabador asociado con la pintura de borde duro , de campos de color de la pintura y el minimalismo . Sus trabajos demuestran técnicas sencillas que enfatizan la línea, el color y la forma, similar al trabajo de John McLaughlin y Kenneth Noland . Kelly empleaba a menudo colores brillantes. Vivió y trabajó en Spencertown, Nueva York .
Ellsworth Kelly | |
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Nació | Newburgh, Nueva York , EE. UU. | 31 de mayo de 1923
Fallecido | 27 de diciembre de 2015 Spencertown, Nueva York , EE. UU. | (92 años)
Nacionalidad | americano |
Educación | Pratt Institute École nationale supérieure des Beaux-Arts School of the Museum of Fine Arts, Boston |
Conocido por | Pintura , escultura , grabado |
Premios | Praemium Imperiale |
Infancia
Kelly nació como el segundo hijo de tres hijos de Allan Howe Kelly y Florence Rose Elizabeth (Githens) Kelly en Newburgh, Nueva York , aproximadamente a 60 millas al norte de la ciudad de Nueva York. [1] Su padre era un ejecutivo de una compañía de seguros de ascendencia escocesa-irlandesa y alemana. Su madre era una ex maestra de escuela de origen alemán de Gales y Pensilvania. Su familia se mudó de Newburgh a Oradell, Nueva Jersey , una ciudad de casi 7500 habitantes. Su familia vivía cerca del embalse de Oradell , donde su abuela paterna lo introdujo en la ornitología cuando tenía ocho o nueve años.
Allí desarrolló su pasión por la forma y el color. John James Audubon tuvo una influencia particularmente fuerte en el trabajo de Kelly a lo largo de su carrera. El autor Eugene Goossen especuló que las pinturas de dos y tres colores (como Three Panels: Red Yellow Blue, I 1963) por las que Kelly es tan conocido se pueden rastrear a su observación de aves y su estudio de los dos y tres- pájaros de colores que vio con tanta frecuencia a una edad temprana. Kelly ha dicho que a menudo estaba solo cuando era niño y se convirtió en algo así como un "solitario". Tuvo un ligero tartamudeo que persistió en su adolescencia. [1]
Educación
Kelly asistió a una escuela pública, donde las clases de arte enfatizaban los materiales y buscaba desarrollar la "imaginación artística". Este plan de estudios era típico de la tendencia más amplia en la educación que había surgido de la educación progresiva teorías promulgadas por la Universidad de Columbia 's profesor de la universidad , a la que el pintor modernista estadounidense Arthur Wesley Dow había enseñado. [1] Aunque sus padres se mostraron reacios a apoyar la formación artística de Kelly, un maestro de escuela lo animó a ir más allá. [2] Como sus padres pagarían solo por la capacitación técnica, Kelly estudió primero en el Instituto Pratt en Brooklyn , al que asistió desde 1941 hasta que fue admitido en el ejército el día de Año Nuevo de 1943. [ cita requerida ]
Militar
Al ingresar al servicio militar de los Estados Unidos en 1943, Kelly solicitó ser asignado al Batallón de Camuflaje de Ingenieros 603, que tomó muchos artistas. Fue admitido en Fort Dix, Nueva Jersey y enviado a Camp Hale, Colorado , donde se entrenó con tropas de esquí de montaña . Nunca antes había esquiado. De seis a ocho semanas después, fue trasladado a Fort Meade, Maryland . [1] Durante la Segunda Guerra Mundial , sirvió con otros artistas y diseñadores en una unidad de engaño conocida como The Ghost Army . Los soldados fantasma utilizaron tanques inflables, camiones y otros elementos de subterfugio para engañar a las fuerzas del Eje sobre la dirección y disposición de las fuerzas aliadas. Su exposición al camuflaje militar durante el tiempo que sirvió se convirtió en parte de su formación artística básica. [1] Kelly sirvió con la unidad desde 1943 hasta el final de la fase europea de la guerra.
Educación de posguerra
Kelly utilizó el GI Bill para estudiar de 1946 a 1947 en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston , donde aprovechó las colecciones del museo, y luego en la École nationale supérieure des Beaux-Arts de París. Mientras estaba en Boston, expuso en su primera muestra colectiva en la Galería Boris Mirski y dio clases de arte en el Norfolk House Center en Roxbury . [3] Mientras estuvo en París, Kelly estableció su estética. [4] Asistió a clases con poca frecuencia, pero se sumergió en los ricos recursos artísticos de la capital francesa. [5] Había escuchado una conferencia de Max Beckmann sobre el artista francés Paul Cézanne en 1948 y se mudó a París ese año. [6] Allí se encontró con sus compatriotas John Cage y Merce Cunningham , experimentando con la música y la danza, respectivamente; el artista surrealista francés Jean Arp ; y el escultor abstracto Constantin Brâncuși , cuya simplificación de las formas naturales tuvo un efecto duradero en él. [7] La experiencia de artistas visitantes como Alberto Magnelli , Francis Picabia , Alberto Giacometti y Georges Vantongerloo en sus estudios fue transformadora. [8]
Carrera profesional
Después de estar en el extranjero durante seis años, el francés de Kelly todavía era pobre y solo había vendido una pintura. En 1953 fue desalojado de su estudio y regresó a Estados Unidos al año siguiente. [9] Se había interesado después de leer una reseña de una exposición de Ad Reinhardt , un artista cuyo trabajo sentía relacionado con su trabajo. A su regreso a Nueva York, encontró el mundo del arte "muy duro". [1] Aunque Kelly ahora se considera un innovador y contribuyente esencial al movimiento artístico estadounidense, a muchos les resultó difícil encontrar la conexión entre el arte de Kelly y las tendencias estilísticas dominantes. [4] En mayo de 1956 Kelly tuvo su primera exposición en la ciudad de Nueva York en la galería de Betty Parsons . Su arte fue considerado más europeo de lo que era popular en Nueva York en ese momento. Mostró nuevamente en su galería en el otoño de 1957. Tres de sus piezas: Atlántico , Bar y Pintura en tres paneles, fueron seleccionadas y mostradas en la exhibición del Whitney Museum of American Art , "Young America 1957". Sus piezas fueron consideradas radicalmente diferentes de las obras de los otros veintinueve artistas. La pintura en tres paneles, por ejemplo, se destacó especialmente; En ese momento, los críticos cuestionaron su creación de una obra a partir de tres lienzos. [1] Por ejemplo, Michael Plante ha dicho que, la mayoría de las veces, las piezas de múltiples paneles de Kelly estaban abarrotadas debido a las restricciones de instalación, lo que reducía la interacción entre las piezas y la arquitectura de la habitación. [10]
Kelly finalmente se mudó de Coenties Slip , donde a veces había compartido un estudio con su compañera artista y amiga Agnes Martin , al noveno piso del estudio de gran altura / cooperativa Hotel des Artistes en 27 West 67th Street. [11]
Kelly se fue de Nueva York a Spencertown en 1970 y se unió allí a su socio, el fotógrafo Jack Shear, en 1984. [12] Desde 2001 hasta su muerte, Kelly trabajó en un estudio de 20.000 pies cuadrados en Spencertown reconfigurado y ampliado por el arquitecto. Richard Gluckman . Kelly y Shear se mudaron en 2005 a la residencia que compartieron hasta la muerte del pintor, una casa colonial revestida de madera construida alrededor de 1815. [12] Shear es la directora de la Fundación Ellsworth Kelly. [8] En 2015, Kelly regaló su concepto de diseño de edificio para un sitio de contemplación al Museo de Arte Blanton de la Universidad de Texas en Austin. Titulado Austin , el edificio de piedra de 2715 pies cuadrados, que cuenta con ventanas de vidrio de colores, una escultura de madera totémica y paneles de mármol en blanco y negro, es el único edificio que diseñó Kelly y es su obra más monumental. [13] Austin , que Kelly diseñó treinta años antes, abrió sus puertas en febrero de 2018. [14]
Kelly murió en Spencertown, Nueva York el 27 de diciembre de 2015, a los 92 años [15].
Cuadro
Mientras estaba en París, Kelly continuó pintando la figura, pero en mayo de 1949 hizo sus primeras pinturas abstractas. [2] Observando cómo la luz se dispersaba sobre la superficie del agua, pintó Seine (1950), formado por rectángulos en blanco y negro dispuestos al azar. En 1951 comenzó una serie de ocho collages titulada Spectrum Colors Arranged by Chance I to VIII . Lo creó usando tiras de papel numeradas; cada uno se refería a un color, uno de los dieciocho tonos diferentes que se colocarían en una cuadrícula de 40 pulgadas por 40 pulgadas. Cada uno de los ocho collages empleó un proceso diferente. [dieciséis]
El descubrimiento de Kelly en 1952 de la obra tardía de Monet le infundió una nueva libertad de expresión pictórica: comenzó a trabajar en formatos extremadamente grandes y exploró los conceptos de serialidad y pinturas monocromáticas. [17] Como pintor trabajó desde entonces de forma exclusivamente abstracta. A fines de la década de 1950, su pintura enfatizó la forma y las masas planas (a menudo asumiendo formatos no rectilíneos). Su trabajo de este período también proporcionó un puente útil desde la abstracción geométrica estadounidense de vanguardia de los años treinta y principios de los cuarenta hasta el minimalismo y el arte reductivo de mediados de los sesenta y setenta. [2] La pintura en relieve de Kelly Tableta azul (1962), por ejemplo, se incluyó en la exposición seminal de 1963, Hacia una nueva abstracción , en el Museo Judío . [18]
Durante la década de 1960 comenzó a trabajar con lienzos de ángulos irregulares. Yellow Piece (1966), el primer lienzo con forma del artista, representa la ruptura fundamental de Kelly con el soporte rectangular y su redefinición de la relación figura / suelo de la pintura. Con sus esquinas curvas y un color único que lo abarca todo, el lienzo mismo se convierte en la composición, transformando la pared detrás de él en el suelo del cuadro. [19]
En la década de 1970 añadió formas curvas a su repertorio. [17] Green White (1968) marca el debut del triángulo en la obra de Kelly, una forma que se repite a lo largo de su carrera; la pintura se compone de dos lienzos monocromáticos de formas distintas, que se instalan uno encima del otro: un trapezoide verde invertido a gran escala se coloca verticalmente sobre un triángulo blanco más pequeño, formando una nueva composición geométrica. [20]
Después de irse de la ciudad de Nueva York a Spencertown en 1970, alquiló un antiguo teatro en la cercana ciudad de Chatham, lo que le permitió trabajar en un estudio más espacioso que cualquiera que hubiera ocupado anteriormente. Después de trabajar allí durante un año, Kelly se embarcó en una serie de 14 pinturas que se convertirían en la Serie Chatham . Cada obra toma la forma de un codo invertido, y está hecha de dos lienzos unidos, cada lienzo es monocromático de un color diferente. Las obras varían en proporción y paleta de una a otra; Se prestó especial atención al tamaño de cada panel y al color seleccionado para lograr el equilibrio y el contraste entre los dos. [21]
Una serie más grande de doce obras que Kelly comenzó en 1972 y no terminó hasta 1983, Gray fue originalmente concebida como una declaración contra la guerra y está desprovista de color. [22] En 1979 utilizó curvas en pinturas de dos colores hechas de paneles separados. [2]
En pinturas posteriores, Kelly destiló su paleta e introdujo nuevas formas. En cada obra, comenzó con un lienzo rectangular que pintó cuidadosamente con muchas capas de pintura blanca; encima se coloca un lienzo con forma, en su mayoría pintado de negro. [23]
En referencia a su propio trabajo, Kelly dijo en una entrevista en 1996: "Creo que lo que todos queremos del arte es una sensación de fijación, una sensación de oponerse al caos de la vida diaria. Esto es una ilusión, por supuesto. El lienzo se pudre. Pintura cambia de color. Pero sigues intentando congelar el mundo como si pudieras hacerlo durar para siempre. En cierto sentido, lo que he intentado capturar es la realidad del flujo, para mantener el arte como una situación abierta e incompleta, para llegar a la éxtasis de ver ". [24]
Kelly comentó: "Me di cuenta de que no quería componer imágenes ... quería encontrarlas. Sentí que mi visión estaba eligiendo cosas en el mundo y presentándolas. Para mí, la investigación de la percepción era de gran interés. había mucho que ver, y todo me pareció fantástico ". [24]
Litografías y dibujos
Kelly ofreció dibujos de plantas y flores desde finales de la década de 1940 en adelante. [25] Ailanthus (1948) es el primer dibujo de plantas que realizó en Boston, Hyacinth (1949) fue el primero que hizo cuando estaba en París. [26] A partir de 1949, mientras vivía en París (e influenciado en esta elección de tema por Henri Matisse y Jean Arp ), comenzó a dibujar formas simples de plantas y algas. [27] Los estudios de plantas son, en su mayor parte, dibujos de contornos de hojas, tallos y flores hechos con trazos limpios de lápiz o bolígrafo y centrados en la página. [28]
Comenzó a grabar de manera concertada a mediados de la década de 1960, cuando produjo su Suite de veintisiete litografías (1964–66) con Maeght Éditeur en París. Fue entonces cuando creó su primer grupo de litografías vegetales. [27] A partir de 1970 colaboró principalmente con Gemini GEL . Su serie inicial de 28 litografías de transferencia, titulada Suite of Plant Lithographs , marcó el comienzo de un corpus que crecería a 72 impresiones e innumerables dibujos de follaje. [29] En 1971, completó cuatro ediciones de grabados y una edición de los múltiples Mirrored Concorde en Gemini GEL [30] Su púrpura / rojo / gris / naranja (1988), de dieciocho pies de largo, puede ser el single más grande. litografía en hoja jamás realizada. [31] Sus ediciones recientes, The River , States of the River y River II , reflejan la fascinación por el agua que Kelly poseía desde sus primeros días en París. [32] En 1975, Kelly fue el primer artista en exponer para la serie MATRIX del Museo de Arte Wadsworth Atheneum. La exposición mostraba la serie de dibujos Corn Stalk de Kelly y dos de sus esculturas de acero cor-ten de 1974. [33]
Escultura
Aunque Kelly puede ser más conocido por sus pinturas, también trabajó en la escultura a lo largo de su carrera. En 1958, Kelly concibió una de sus primeras esculturas en madera, Concorde Relief I (1958), un relieve mural de olmo modestamente escalado, que explora el juego visual y el equilibrio entre dos formas rectangulares superpuestas, la superior con su parte superior. - Se quitaron las esquinas derecha e inferior izquierda. Realizó 30 esculturas en madera a lo largo de su carrera. [34] A partir de 1959, creó esculturas plegadas independientes. [35] La serie Rocker comenzó en 1959 después de la conversación informal de Kelly con Agnes Martin , que vivía debajo de él en Coenties Slip en el Bajo Manhattan. Jugando con la tapa de papel de una taza de café para llevar, Kelly cortó y dobló una sección del objeto redondo, que luego puso sobre la mesa y lo balanceó hacia adelante y hacia atrás. Poco después, construyó su primera escultura redonda, Pony . El título se refiere al caballo de juguete de un niño con soportes de balancín curvos. [36]
En 1973 Kelly comenzó a realizar esculturas al aire libre a gran escala con regularidad. Kelly renunció a las superficies pintadas, eligiendo en su lugar acero sin barnizar, aluminio o bronce, [37] a menudo en configuraciones tipo tótem como Curve XXIII (1981). Si bien las formas totémicas de sus esculturas independientes pueden medir hasta 15 pies de altura, los relieves de sus paredes pueden abarcar más de 14 pies de ancho. [34] La escultura de Kelly "se basa en su adhesión a la absoluta simplicidad y claridad de forma". [38] Para sus esculturas de la década de 1980, durante este período de su tiempo en Spencertown, el artista dedicó por primera vez tanta energía a sus esculturas como a su pintura, y en el proceso produjo más del sesenta por ciento de sus 140 esculturas totales. [36]
Kelly creó sus piezas utilizando una sucesión de ideas en varias formas. Pudo haber comenzado con un dibujo, mejorado el dibujo para crear una impresión, tomado la impresión y creado una pieza independiente, que luego se convirtió en una escultura. Sus esculturas están destinadas a ser completamente simples y se pueden ver rápidamente, a menudo solo de un vistazo. El espectador observa superficies lisas y planas que están apartadas del espacio que las rodea. Esta sensación de planitud y minimalismo hace que sea difícil distinguir entre el primer plano y el fondo. [38] El disco azul de Kelly se incluyó en la exposición seminal de 1966 en el Museo Judío de Nueva York titulada Estructuras primarias , junto con muchos artistas mucho más jóvenes que recién comienzan a trabajar con formas mínimas. [ cita requerida ]
Estilo
William Rubin señaló que "el desarrollo de Kelly había sido decididamente dirigido hacia el interior: ni una reacción al expresionismo abstracto ni el resultado de un diálogo con sus contemporáneos". [39] Muchas de sus pinturas consisten en un solo color (generalmente brillante), con algunos lienzos de forma irregular, a veces llamados " lienzos con forma ". La calidad de la línea que se ve en sus pinturas y en la forma de sus lienzos moldeados es muy sutil e implica perfección. Esto se demuestra en su artículo Block Island Study (1959). [ cita requerida ]
Influencias
Se ha sugerido que los antecedentes de Kelly en el ejército son una fuente de la seriedad de sus trabajos. [1] Mientras estuvo en el ejército, Kelly estuvo expuesto e influenciado por el camuflaje con el que trabajaba su batallón específico. Esto le enseñó el uso de la forma y la sombra, así como la construcción y deconstrucción de lo visible. Fue fundamental para su educación inicial como artista. Ralph Coburn, un amigo de Kelly de Boston, le presentó la técnica del dibujo automático durante una visita a París. Kelly adoptó esta técnica de hacer una imagen sin mirar la hoja de papel. Estas técnicas ayudaron a Kelly a aflojar su estilo de dibujo y ampliaron su aceptación de lo que él creía que era arte. [1] Durante su último año en París, Kelly estuvo enfermo y también sufrió depresión; Sims pensó que eso influyó en su uso predominante del blanco y negro durante ese período. [38]
La admiración de Kelly por Henri Matisse y Pablo Picasso es evidente en su trabajo. Se entrenó a sí mismo para ver las cosas de varias maneras y trabajar en diferentes medios debido a su inspiración. [4] Piet Mondrian influyó en las formas no objetivas que utilizó tanto en sus pinturas como en sus esculturas. [4] Kelly fue influenciado por primera vez por el arte y la arquitectura de las épocas románica y bizantina mientras estudiaba en París. Su introducción al surrealismo y al neoplasticismo influyó en su trabajo y lo llevó a probar la abstracción de las formas geométricas. [4]
Comisariado
En 2014, Kelly organizó una muestra de dibujos de Matisse en el Museo de Arte de Mount Holyoke College en South Hadley, Massachusetts . [40] En 2015, fue comisario de "Monet / Kelly" en el Clark Art Institute . [41]
Vida personal
En 1956, conoció a Robert Indiana que se mudó al mismo edificio y se convirtieron en socios e Indiana se convirtió en su mentor. Se separaron alrededor de 1964. Una de las razones fue el uso de palabras por parte de Indiana en sus pinturas y Kelly consideró que tal técnica no era digna de un gran arte. [42]
Desde 1984 hasta su muerte, Kelly vivió con su esposo, el fotógrafo Jack Shear, quien se desempeña como director de la Fundación Ellsworth Kelly. [43] [44] [45]
Obras de arte (selección)
- Rojo Amarillo Azul Blanco y Negro, [1] 1953, óleo sobre lienzo, Art Institute of Chicago , Chicago
- White Disk III, [2] 1961, pintura al óleo sobre madera, Art Institute of Chicago , Chicago
- Ventana, Museo de Arte Moderno, París , 1949, óleo y madera sobre lienzo, Colección Privada.
- Espectro de colores dispuestos por azar , 1951–53, óleo sobre madera, Museo de Arte Moderno de San Francisco
- Black Ripe , 1955, óleo sobre lienzo, Colección de Harry W. y Mary Margaret Anderson
- Escultura en una gran pared , 1956-1957, aluminio anodizado, Museo de Arte Moderno , Nueva York
- Rojo naranja (Inca) , 1959, óleo sobre lienzo, Wadsworth Atheneum , Hartford
- Rojo, azul , verde , 1963, óleo sobre lienzo, Museo de Arte Contemporáneo , San Diego
- Curve IX , 1974, aluminio pulido, Colección Privada
- Tríptico de Houston , 1986, bronce, Museo de Bellas Artes de Houston
- Tres paneles: naranja, gris oscuro, verde , 1986, óleo sobre lienzo, Museo de Arte Moderno , Nueva York
- Red Curves , 1996, óleo sobre lienzo, Colección Privada.
- High Yellow , 1960, óleo sobre lienzo, Blanton Museum of Art en Austin, TX
- Nine Squares 1976–77, óleo sobre lienzo, Colección de Tate
- Austin , 2015, estructura, Blanton Museum of Art en Austin, TX
Exposiciones
La primera exposición individual de Kelly se llevó a cabo en la Galerie Arnaud, París, en 1951. Su primera exposición individual en Nueva York se llevó a cabo en la Betty Parsons Gallery en 1956. En 1957, mostró sus obras en una exposición colectiva en la Ferus Gallery , Los Ángeles. . [46] En 1959 fue incluido en la innovadora exposición del Museo de Arte Moderno , Dieciséis estadounidenses. [47] Kelly fue invitado a exponer en la Bienal de São Paulo en 1961. Su obra fue incluida más tarde en la documenta en 1964, 1968, 1977, 1992. Una sala de sus pinturas se incluyó en la Bienal de Venecia de 2007 .
La primera retrospectiva de Kelly se llevó a cabo en el Museo de Arte Moderno en 1973. Desde entonces, su trabajo ha sido reconocido en numerosas exposiciones retrospectivas, incluida una exposición de esculturas en el Museo Whitney de Arte Americano , Nueva York, en 1982; una exposición de obras en papel y una muestra de sus trabajos impresos que viajaron extensamente por los Estados Unidos y Canadá entre 1987 y 1988; y una retrospectiva de carrera en 1996 organizada por el Museo Solomon R. Guggenheim , que viajó al Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, la Tate Gallery de Londres y la Haus der Kunst de Munich. Desde entonces, se han realizado exposiciones individuales de la obra de Kelly en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (1998), el Museo de Arte Fogg en Cambridge (1999), el Museo de Arte Moderno de San Francisco (1988/2002), el Museo de Arte de Filadelfia ( 2007) y Museo de Arte Moderno de Nueva York (2007). [48]
En 1993 la Galerie nationale du Jeu de Paume de París montó la exposición "Ellsworth Kelly: The French Years, 1948-1954", basada en la relación del artista con la ciudad, que viajó a la National Gallery of Art , Washington DC; en 2008, el Musée d'Orsay honró a Kelly con la exposición "Correspondencias: Paul Cézanne Ellsworth Kelly". [49] Haus der Kunst exhibió la primera retrospectiva completa de las obras en blanco y negro de Kelly en 2012. [50]
Con motivo del 90 cumpleaños del artista en 2013, la Galería Nacional de Arte de Washington montó una exposición de sus grabados; la Fundación Barnes en Filadelfia reunió cinco esculturas en una muestra; la Colección Phillips en Washington exhibió sus pinturas de panel; y el Museo de Arte Moderno inauguró una muestra de la “Serie Chatham”. [51]
Exposiciones individuales seleccionadas
- 1951 Kelly Peintures et reliefs Galerie Arnaud, París
- 1956 Betty Parsons Gallery, Nueva York
- 1957 Betty Parsons Gallery, Nueva York
- 1957 Young America 1957 , Whitney Museum of American Art , Nueva York
- 1973 Ellsworth Kelly , Museo de Arte Moderno de Nueva York
- 1977 Ellsworth Kelly: Paintings , Leo Castelli Gallery, Nueva York
- 1982 Ellsworth Kelly: Escultura , Museo Whitney de Arte Americano , Nueva York
- 1985 Ellsworth Kelly: White Panel II ", High Museum of Art , Atlanta
- 1987 Ellsworth Kelly: Obras sobre papel , Museo de Arte de Fort Worth, Fort Worth
- 1994 Ellsworth Kelly: Recent Paintings , Matthew Marks Gallery , Nueva York
- 1996 Ellsworth Kelly: A Retrospective , Museo Guggenheim , Nueva York
- 2002 Ellsworth Kelly en San Francisco , Museo de Arte Moderno de San Francisco, San Francisco
- 2003 Ellsworth Kelly: The Self-Portrait Drawings, 1944–1992 , Matthew Marks Gallery , Nueva York
- 2006 Ellsworth Kelly: New Paintings , Matthew Marks Gallery , Nueva York
- 2010 Ellsworth Kelly: Dibujos 1954-1962, Instituto de Arte Moderno de Middlesbrough , Middlesbrough , Reino Unido
- 2012 Ellsworth Kelly: Schwarz und Weiss , Museo Wiesbaden , Wiesbaden
- 2014 Monet | Kelly , Instituto de Arte Clark , Williamstown , Massachusetts
Comisiones públicas
En 1957, Kelly recibió el encargo de producir una escultura de pared de 65 pies de largo para el Edificio de Transporte en Penn Center en Filadelfia, su obra más grande hasta esa fecha. En gran parte olvidada, la escultura titulada Escultura para un gran muro (1957) finalmente fue desmantelada. Desde entonces, Kelly ha ejecutado muchos encargos públicos, entre ellos Wright Curve (1966), una escultura de acero diseñada para su instalación permanente en el Teatro Peter B. Lewis del Guggenheim; [52] un mural para la sede de la UNESCO en París en 1969; Curve XXII (Lo haré) en Lincoln Park en Chicago en 1981; un encargo de 1985 de IM Pei para el edificio Raffles City en Singapur; el Tríptico de Houston , planos verticales de bronce montados sobre un hormigón alto en el Museo de Bellas Artes de Houston , en 1986; Totem (1987), escultura para el Parc de la Creueta del Coll , Barcelona; los Dallas Panels (Blue Green Black Red) (1989) para el Morton H. Meyerson Symphony Center , Dallas; [53] una escultura de 1989 para la sede de Nestlé en Vevey , Suiza; [30] Galia (1993), una escultura monumental encargada por el Instituto de Arte Contemporáneo, Nîmes, Francia; un monumento en dos partes para el Museo Conmemorativo del Holocausto de los Estados Unidos , Washington, DC, en 1993; y paneles de Berlín a gran escala para el Deutscher Bundestag , Berlín, en 1998. Para el Palacio de Justicia de los Estados Unidos John Joseph Moakley (diseñado por Henry N. Cobb ) en Boston, diseñó The Boston Panels, 21 paneles de aluminio de colores brillantes instalados en la rotonda central como obra única en todo el edificio. [54]
El Blue Black (2001) de dos paneles de Kelly , de 28 pies de alto y hecho de aluminio pintado en forma de panal, fue encargado para la Pulitzer Arts Foundation , St. Louis, [55] y el bronce a gran escala Sin título (2005) se encargó específicamente para el patio de la Colección Phillips . [56] En 2005, Kelly fue encargado con la única obra site-specific para el ala moderna del Instituto de Arte de Chicago por Renzo Piano . Creó White Curve, la escultura mural más grande que jamás haya realizado, que se exhibe desde 2009. [57] Kelly instaló Berlin Totem , una escultura de acero inoxidable de 40 pies, en el patio de la Embajada de los Estados Unidos en Berlín . en 2008. [58] Posteriormente realizó un telón, Spectrum VIII (2014), que consta de 12 tiras de colores, para el auditorio de la Fundación Louis Vuitton en París.
En 1986 Kelly concibió su primer edificio independiente para un coleccionista privado, pero nunca se realizó. Solo en 2015, el Museo de Arte Blanton adquirió su diseño para un edificio de piedra de 2715 pies cuadrados, incluidos 14 paneles de mármol blanco y negro y ventanas de vidrio de colores, planeando construirlo en los terrenos del museo en la Universidad de Texas. Austin . [59] El edificio se abrió al público el 18 de febrero de 2018. Una obra de arte y arquitectura, Austin , se considera la culminación de la carrera de Kelly. [60]
Kelly recibió el encargo de crear una gran escultura al aire libre en 1968 para la colección de arte Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza en Albany, NY. La escultura titulada Yellow Blue se inspiró en el escenario de Empire State Plaza y es la escultura de pie más grande de Kelly con nueve pies de alto y casi dieciséis pies de ancho. Yellow Blue fue su primera escultura de acero y sigue siendo la única hasta la fecha en acero pintado. [61]
Colecciones
En 1957, el Museo Whitney de Arte Americano compró una pintura, Atlantic , que mostraba dos arcos blancos en forma de onda contra un negro sólido; fue la primera compra de un museo por parte de Kelly. [62] Hoy en día, su trabajo se encuentra en muchas colecciones públicas, incluidas las del Centro Pompidou , París, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid, la Colección de Arte del Gobernador Nelson A. Rockefeller Empire State Plaza , Albany, NY, y Tate Modern , Londres. En 1999, el Museo de Arte Moderno de San Francisco anunció que había comprado 22 obras, pinturas, relieves murales y esculturas de Ellsworth Kelly. Han sido valorados en más de 20 millones de dólares. [63] En 2003, la Colección Menil recibió la tableta de Kelly , 188 obras enmarcadas en papel, incluidos bocetos, dibujos de trabajo y collages. [64] Los coleccionistas privados notables incluyen, entre otros, Eli Broad y Gwyneth Paltrow . [11]
Reconocimiento
- 1963: Premio Brandeis Creative Arts, Universidad Brandeis , Waltham, Massachusetts
- 1964: Carnegie Internacional
- 1974: Miembro del Instituto Nacional de Artes y Letras
- 1987: Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres [30]
- 1999: Medalla Edward MacDowell [65]
- 2000: Praemium Imperiale
- 2013: Doctorado honorario de la Universidad de Brandeis en Letras Humanas, Universidad de Brandeis , Waltham, Massachusetts
- 2013: Medalla Nacional de las Artes , presentada por el presidente de los Estados Unidos [66]
Kelly también ha recibido numerosos títulos honoríficos, entre otros, de Bard College (1996), Annandale-on-Hudson, Nueva York; [67] Royal College of Art , Londres (1997); [30] Universidad de Harvard , Cambridge (2003); y Williams College (2005). [68]
Sellos de Kelly
El Servicio Postal de los Estados Unidos anunció en enero de 2019 que se emitiría un conjunto de sellos en honor a la obra de arte de Kelly en 2019. El comunicado de prensa de USPS reconoce el pionero de Kelly de un "estilo distintivo de abstracción basado en elementos reales reducidos a sus formas esenciales". Están representadas diez obras, entre ellas Yellow White, Colors for a Large Wall, Blue Red Rocker, Spectrum I, South Ferry, Blue Green, Orange Red Relief (para Delphine Seyrig), Meschers, Red Blue y Gaza. [69] [70] El juego de sellos se emitirá el 31 de mayo de 2019. [71]
Mercado del arte
La marchante Betty Parsons le ofreció por primera vez una exposición individual en 1956. En 1965, después de casi una década con Parsons, comenzó a exponer en la Sidney Janis Gallery . [62] En las décadas de 1970 y 1980, su trabajo fue manejado conjuntamente por Leo Castelli y Blum Helman en Nueva York. [62] En 1992, se unió a la Galería Matthew Marks , Nueva York y Los Ángeles, y a la Galería Anthony d'Offay en Londres. La fachada de la galería de Marks en Los Ángeles se inspiró en Study for Black and White Panels , un collage que hizo mientras vivía en París en 1954, y una pintura, Black Over White . [72] Desde 1964 produjo grabados y editó esculturas en Gemini GEL en Los Ángeles y Tyler Graphics Ltd cerca de la ciudad de Nueva York.
En 2014, el cuadro Red Curve (1982) de Kelly se vendió en una subasta por $ 4.5 millones en Christie's Nueva York. [73] Ese récord de subasta para una obra de Ellsworth Kelly fue establecido por la pintura de 13 partes Spectrum VI (1969), que se vendió por $ 5,2 millones en Sotheby's New York, Contemporary Art Evening sale, 14 de noviembre de 2007. [74]
Registro de subasta
En noviembre de 2019, Christie's estableció un récord de subasta por la obra de artistas Red Curve VII, vendida por $ 9,8 millones [75]
Referencias
- ^ a b c d e f g h i Goossen, EC Ellsworth Kelly , Greenwich, CT: New York Graphic Society, 1973.
- ^ a b c d "Ellsworth Kelly" . MoMA . Consultado el 24 de octubre de 2014 .
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enlaces externos
- Página web oficial
- Ellsworth Kelly en el Museo de Arte Moderno
- Exposición de Ellsworth Kelly en St Ives en Tate St Ives , Reino Unido, 2006
- Ellsworth Kelly en "Blue Green Black Red: The Dallas Panels" en la pared norte del vestíbulo principal del Meyerson Symphony Center en Dallas, Texas.
- Biografía del Museo de Arte Moderno, incluye imágenes y bibliografía seleccionadas
- La biografía del Museo Guggenheim incluye obras seleccionadas y una lista de lecturas sugeridas.
- Entrevista de VernissageTV con Ellsworth Kelly en la Feria Art 39 de Basilea.
- Ellsworth Kelly en la colección Kenneth Tyler de la Galería Nacional de Australia
- Ellsworth Kelly: Sculpture on the Wall Catálogo de la exposición de la Fundación Barnes, 2013
- Smithsonian , diciembre de 2015: Por qué Ellsworth Kelly fue un gigante en el mundo del arte estadounidense
Anuncio de USPS de los sellos de Ellsworth Kelly
- https://about.usps.com/postal-bulletin/2019/pb22518/html/info-1_003.htm