Frank Piatek (nacido en 1944) es un artista estadounidense, conocido por pinturas abstractas e ilusionistas de formas tubulares y obras tridimensionales que exploran la espiritualidad, la memoria cultural y el proceso creativo. [1] [2] [3] [4] [5] Piatek surgió a mediados de la década de 1960, entre un grupo de artistas de Chicago que exploraban varios tipos de abstracción orgánica que compartían cualidades con los Chicago Imagists ; [6] [7] [8] su trabajo, sin embargo, se basa más en la sugestión que en la representación expresionista. [9] En Art in Chicago 1945-1995 , el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago(MCA) describió a Piatek como desempeñando "un papel crucial en el desarrollo y el refinamiento de la pintura abstracta en Chicago" con composiciones biomórficas cuidadosamente representadas que ilustran la relación dialéctica entre los estilos idiosincrásicos abstractos y figurativos de Chicago. [10] El trabajo de Piatek ha sido exhibido en instituciones como el Whitney Museum , [11] Art Institute of Chicago , [12] MCA Chicago, National Museum, Szczecin en Polonia, [13] y Terra Museum of American Art ; [14] pertenece a las colecciones de arte públicas de Art Instituto de Chicago y MCA Chicago, entre otros. [15] [16] La curadora Lynne Warren describe a Piatek como "el artista por excelencia de Chicago, un extraño introspectivo y altamente individualista" que ha desarrollado una "visión del mundo única y profundamente sentida desde un artista aislado mirador ". [8] Piatek vive y trabaja en Chicago con su esposa, la pintora y profesora de SAIC Judith Geichman, y ha enseñado en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago desde 197 4. [17] [18]
Frank Piatek | |
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Nació | 1944 Chicago , Illinois, Estados Unidos |
Nacionalidad | americano |
Educación | Escuela del Instituto de Arte de Chicago |
Conocido por | Pintura , Dibujo , Arte de instalación |
Esposos) | Judith Geichman |
Premios | Fondo Nacional de las Artes , Consejo de las Artes de Illinois |
Vida y carrera
Francis Piatek, Jr. nació en 1944 en Chicago en una familia polaca y sueco-estadounidense. [19] Su difunto padre, Frank, Sr., fue un activista comunitario y presidente de una asociación de vecinos y tiene letreros honoríficos en las calles a su nombre. [20] Piatek se crió en el vecindario étnico de Irving Park de la ciudad y comenzó a crear arte cuando asistió a la cercana Lane Technical High School , que bordeaba el parque de diversiones Riverview ; [19] [21] en la década de 1970, cuando alquiló un estudio frente al parque después de que cerró, sus ruinas jugaron un papel en su trabajo de la época. Después de una infancia en la que fue afectado por la poliomielitis, estudió en la Escuela del Instituto de Arte (SAIC), obteniendo los títulos BFA (1967) y MFA (1971). [19] [10] Atrajo la atención de la crítica como estudiante, incluida una visita al estudio en 1967 del curador del Whitney Museum John Baur y el director del Hyde Park Art Center (HPAC), Don Baum, que lo llevó a su inclusión en la Bienal Whitney de 1968 ; ese mismo año, recibió una beca de viaje Ryerson de SAIC. [11] [6]
Piatek utilizó la beca para estudiar y viajar por Europa durante un año, llenando cuadernos de bocetos, mientras desarrollaba un sentido de continuidad de la historia que alimentaría ideas a lo largo de su carrera. [10] [21] Durante la siguiente década, después de regresar a Chicago, Piatek apareció en exposiciones en el Instituto de Arte de Chicago (AIC), [22] [23] MCA Chicago, [24] [25] Galería Nacional de Canadá y Renaissance Society , y tuvo exposiciones individuales en NAME Gallery (1975), HPAC (1969) y Phyllis Kind Gallery (1972), que se asoció con los artistas Imagist de la ciudad. [6] [10] En los años siguientes, Piatek tuvo exposiciones individuales en las galerías Roy Boyd y Richard Gray, y apareció en exposiciones en el MCA Chicago, [8] [10] AIC, Chicago Cultural Center , [26] HPAC, [27] Museo Terra de Arte Americano , [14] y Museo de Arte Inteligente . [28]
Trabajo y recepción
Escritores de arte como Mary Mathews Gedo y James Yood han descrito el trabajo de Piatek como algo ajeno a los órdenes artísticos dominantes, como el expresionismo abstracto , el arte pop , el minimalismo o (en Chicago) el imaginismo, eludiendo las limitaciones de tales movimientos con respecto a las formas del mundo real, ilusión o contenido. [6] [29] [30] Clasifican su arte en dos cuerpos: imágenes más conocidas de formas tubulares entrelazadas; y obras primordiales de escultura, collage e instalación que revelan sus pensamientos internos y su proceso creativo. [31] [6] [32] A pesar de su abstracción, sus obras tubulares se basan en el arte figurativo, desde artistas renacentistas y barrocos como Miguel Ángel , Caravaggio y Velásquez hasta figuras más modernas como Manet , Léger y Balthus, y abstraccionistas como Frank. Stella ; Ambos cuerpos explorar formas simbólicas de las fuentes antiguas, como el Libro de Kells , el caduceo , y azteca , minoica y faraónica iconografía egipcia . [29] [33] [32] [34] Gedo y Yood han escrito que el trabajo de Piatek oscila entre la abstracción y la figuración, proporcionando una pantalla para escenificar "dramas sensuales y seductores" de final abierto [29] que aluden a la biología, la sexualidad, elementos de la máquina y espiritualidad. [6] [35] [32] [34] Dennis Adrian vinculó los intereses de Piatek en lo mítico, metafísico y elemental tanto con el temperamento romántico como con los aspectos visionarios del arte de Chicago. [36]
Trabajo temprano
Como estudiante universitario, Piatek creó dos grupos de pinturas que trajeron reconocimiento temprano. Uno empleaba lienzos con formas (ondas, "X" o formas de "U" invertidas) que presentaban rayas o tubos, a menudo siguiendo los contornos del borde del lienzo, como Sin título (pintura con una X pequeña) (1967). [8] [37] [26] Los escritores los describieron como respuestas directas a las pinturas minimalistas de franjas de Frank Stella que, sin embargo, rompieron con el formalismo greenbergiano dominante de la época al emplear modelos de claroscuro y espacio ilusionista en lugar de afirmar la planitud del plano de la imagen (como lo hizo Stella ). [6] [8] [26] Piatek también experimentó con un motivo de formas tubulares retorcidas y monumentales (p. Ej., Sin título , 1967); estas obras fueron sus primeros premios otorgados (en las exposiciones AIC 1967 y 1968 "Chicago y alrededores") [38] [39] y adquiridos por un museo (AIC, 1970). [40]
Las pinturas tubulares se convirtieron en un cuerpo de trabajo característico que ha explorado una amplia variedad de variaciones durante cuatro décadas. Piatek los ha pintado como formas retorcidas, estampadas y simétricas que emergen de un espacio oscuro, compacto y enigmático; revisores como Franz Schulze y Jane Allen los describieron como evocadores de aumento de primer plano de orgánicos (cuerpos, extremidades, falos, gusanos, intestinos, árboles), artificiales (bobinas, cuerdas, cadenas, ribetes metálicos, nudos, globos), y formas simbólicas. [41] [42] [43] [36] Además, caracterizan este trabajo como un dibujo contundente y un diseño rítmico que sugiere energía enrollada, modelado sutil húmedo sobre húmedo, pinceladas cruzadas y superficies activas, color luminoso y resplandor. luz etérea. [44] [42] [45] [46] [36] [41] En la década de 1970, Allen los llamó "ojos de buey en un mundo fluorescente tenuemente iluminado de formas ondulantes entrelazadas" que se convirtió en un "ejercicio fascinante en las sensaciones primarias de formulario"; [41] Schulze los describió como trabajos formalmente sobrios, aparentemente abstractos que sugieren asociaciones figurativas viscerales, erotismo, fantasía y magia. [44] [35] [1]
Piatek desarrolló su segundo cuerpo de trabajo chamánico e introvertido a principios de la década de 1970, durante una época de crisis personal y artística; los escritores identifican sus temas clave como muerte y renacimiento, macrocosmos y microcosmos, mito y el inconsciente colectivo. [6] [47] [21] Inicialmente se inspiró en un encargo mural [43] que buscaba una imagen de paisaje o árbol, lo que lo llevó a experimentar con formas sinuosas, arquetípicas y jeroglíficos emblemáticos. [43] [26] Siguió esta dirección en privado en dibujos simbólicos y directamente referenciales de arañas y árboles, esculturas en forma de artefactos y tallas de serpientes, estrellas, sarcófagos en forma de vainas y hombres muertos en botes, cubiertos de barro, cordeles y tela. [9] [6] [47] [21] El nuevo trabajo puso fin a su relación con Phyllis Kind Gallery, pero culminó en una instalación experimental en la alternativa NAME Gallery (1975), presentando un arreglo similar a un ritual junto con sus imágenes de tubo establecidas. [48] [31] [49] Varias reseñas señalaron la interacción entre las imágenes primarias y las pinturas contemporáneas, así como las ideas sobre los procesos e inspiraciones hasta ahora ocultos de Piatek. [49] [31] [48] Franz Schulze llamó a las tallas persuasivas, "objetos fetichistas ... cosas privadas y siniestras, como efigies, llenas de implicaciones atávicas"; [49] Derek Guthrie, sin embargo, encontró el enfoque primitivo menos convincente y sobre-intelectualizado. [50] Piatek ha continuado explorando este trabajo más íntimo en varios medios y formatos a lo largo de su carrera.
"Abstracción alusiva"
A principios de la década de 1980, Piatek y los pintores de Chicago William Conger , Miyoko Ito y Richard Loving formaron un grupo basado en un interés compartido por la abstracción que abrazó las asociaciones del mundo real, el ilusionismo y la forma como metáfora. [51] [52] [10] Acuñaron la etiqueta "Abstracción alusiva" por su enfoque, y finalmente promocionaron sus ideas a través de Chicago Art Write , una publicación escrita por artistas y coeditada por Piatek, Conger y Loving. [53] [54] El esfuerzo colectivo del grupo atrajo la atención crítica en las publicaciones nacionales [51] [55] [56] [57] y generó exposiciones itinerantes de la abstracción de Chicago. [36] [27] Piatek también se mudó a la Roy Boyd Gallery (seis exposiciones individuales, 1984-2001), bien conocida por su enfoque en abstraccionistas, incluidos Conger y Loving, para resaltar aún más sus preocupaciones mutuas. [6]
Durante ese período, Piatek continuó explorando preocupaciones formales similares en su motivo de tubo, pero experimentó ampliamente con técnicas de pintura y materiales que iban desde técnicas de vidriado de maestros antiguos hasta métodos adaptados de modernistas como Willem de Kooning a la pintura acrílica. [3] [58] [4] Estos nuevos métodos, inspirados por la investigación para un curso de pintura de SAIC que desarrolló, cambiaron su trabajo hacia un enfoque pictórico más en capas, con bordes suaves [30] [47] [58] con un relajamiento de forma, actividad superficial más rítmica, [3] y color y profundidad espacial más brillantes (por ejemplo, Glowing Forms , 1984). [1] Críticos como Alan Artner y Christopher Lyon identificaron un mayor sentido de erotismo en la obra, comparándola alternativamente con la carnosidad rubicunda de Rubens , las odaliscas de Ingres y la musculatura de Miguel Ángel. [59] [60] [30] [61] [62] Al revisar varias exposiciones, también notaron que el trabajo de este período enfatizaba más el dibujo de Piatek, tanto dentro de sus pinturas como en delicadas obras de sauce y carbón vegetal sobre papel que exhibía. . [58] [62] [2] [61]
Collages, ensamblajes e instalaciones
En una exposición en formato "arriba-abajo" (Roy Boyd Gallery, 1987) que refleja la configuración de su estudio, Piatek introdujo un nuevo medio en su cuerpo de trabajo más íntimo: una década de ensamblajes de collage sobre el tema de la creación artística. , que exhibió en una galería inferior debajo de sus pinturas en el piso principal. [63] [32] El trabajo del collage rompe con el tiempo lineal, uniendo las primeras imágenes transferidas por fotocopias del cuaderno (de Piatek, su estudio y objetos ceremoniales), el trabajo presente, el texto y las formas míticas en una superposición de memoria y arquetipo que sugiere tanto una arqueología psíquica como una conexión con una colectividad mayor. [5] [32] [64] Críticos como Alan Artner y Andy Argy describieron estas combinaciones de medios mixtos, marcas en capas y procesos como algunas de sus obras más elaboradas: diarios pictóricos oscuros y destilados de flujo consciente que involucran genealogías de culturas historia que revela la sensibilidad y la interacción de la abstracción y la figuración que subyacen a sus pinturas. [63] [32] [58] [62] [2]
Piatek amplió esta exploración del proceso creativo en varias instalaciones posteriores. Montó dos instalaciones dobles con su esposa, la pintora Judith Geichman, Studio Process Residue (1999) y Picturing the Studio (2009), que exploraban los residuos del estudio (materias primas, bocetos, libros, fuentes) como un texto complementario que iluminaba el trabajo del artista. ; en ambos espectáculos, cada uno creó representaciones de sus estudios, incluido el trabajo terminado. [18] [65] [66] Almost Voyage Time / Traveler's Report (2008) fue una instalación similar a un altar de dos formas de bote / cápsula de las cuales colgaban etiquetas de papel marcadas con dibujos, símbolos y fragmentos de texto, lo que sugiere una reunión de material para transformación. [21] Las instalaciones Kerux Aion (2007–8) y Theatre of the Concealed Index (2014) continuaron el énfasis de Piatek en el texto y el acto de marcar, combinando dibujos de palabras con una miríada de etiquetas o trozos de papel cortados que estaban marcados y pintados, a menudo con símbolos o patrones icónicos, y colgados en filas con un cordel. [67]
Enseñanza y escritura
Piatek ha enseñado arte durante más de cuatro décadas, principalmente en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC). Después de un año en la Universidad de Washington en St. Louis (1973-4), y varios años enseñando a tiempo parcial en SAIC (1971-2, 1974-84), aceptó un puesto de tiempo completo en SAIC en 1984, que continúa sostener . [17] De 1990 a 2003, se desempeñó como copresidente del programa de pintura con Richard Loving. En 1976, Piatek investigó y volvió a concebir el curso discontinuado de la escuela "Materiales y técnicas de pintura", introduciendo el discurso teórico contemporáneo, como la llamada "Crisis de la muerte [fin] de la pintura" de esa época, así como una amplia gama de pintura histórica. procesos; el curso ha continuado durante más de cuatro décadas. [8] [6] [47] También concibió y desarrolló un curso de conferencia / estudio de larga data, "Lo espiritual en el arte", en 1991. [68] [69] Piatek ha escribió y dio conferencias sobre dibujo, abstracción, regionalismo y lo espiritual en el arte en Whitewalls y Chicago / Art / Write y en la College Art Association. [70] [53] [54] [71]
Colecciones y reconocimiento
El trabajo de Piatek pertenece a varias colecciones de arte públicas, incluidas las del Art Institute of Chicago, [15] MCA Chicago, [16] Arkansas Art Center , [72] CN Gorman Museum en UC Davis, [73] Elmhurst College , [52] Museo del Estado de Illinois , [74] Mary and Leigh Block Museum of Art , [75] Minneapolis Institute of Art , [76] Smart Museum of Art, [77] University Club of Chicago , [78] y Washington State University Museum of Art . [79] Ha sido galardonado con las becas National Endowment for the Arts (1985), Illinois Arts Council (1980), [80] y Francis Ryerson Foreign Travel (1967), así como el Premio Pauline Palmer y el Premio John G. Curtis de el Art Institute of Chicago, entre los honores. [39] [23] [17]
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enlaces externos
- Frank Piatek, Archivo de Historia Oral de Artistas, Art Institute of Chicago . Entrevista a Linda L. Kramer y Sandra Binion, 2010.
- Obras de arte de Frank Piatek , colección permanente del Art Institute of Chicago.