Grace Graupe-Pillard es una artista estadounidense de la ciudad de Nueva York , EE. UU. Fue conocida por su postura feminista durante la década de 1970. Más tarde, sus pinturas abordaron cuestiones políticas más amplias, como la guerra de Irak .
Vida temprana y carrera
Grace Graupe nació en Washington Heights , Nueva York , hija de Else Graupe, una modista / diseñadora y Gerhard Graupe, un arquitecto que fue el arquitecto principal de Herman Jessor and Co., que construyó viviendas para personas de ingresos medios en Nueva York, como Penn South . Co-op City , Van Cortlandt Park / Amalgamated, Rochdale Village , Seward Park Housing, etc. Ambos influyeron mucho en su trabajo. [1] También estaba influenciada por la individualidad, o la falta de ella, debido a que tenía una hermana gemela, Florence, y creía que la gente debería mirar más allá de las apariencias. [2] Asistió a la High School of Music and Art y al City College de Nueva York, donde obtuvo su licenciatura en historia y ciencias políticas. Pasó brevemente a la Escuela de Graduados de CUNY en Estudios del Área de Rusia, que abandonó para volver a la escuela de arte estudiando dibujo con Marshal Glasier en la Art Students League en Manhattan, donde recibió una Beca George Bridgman con jurado de Philip Guston .
Obras de arte
Graupe-Pillard es pintor, artista público, educador y hace videos, habiendo exhibido obras de arte en muchos lugares, incluyendo Cheim & Read Gallery, NYC, Carl Hammer Gallery, Chicago, The Proposition, NYC, Hal Bromm Gallery, NYC, Rupert Ravens Contemporary y Aljira-A Center for Contemporary Art en Newark, Nueva Jersey, etc. Ha participado en exposiciones colectivas en The Noyes Museum, PS 1, Bass Museum , Indianapolis Museum, The Maier Museum, The Aldrich Museum, The Drawing Center , The Hunterdon Museum, El Frist Center y el Museo de la Academia Nacional. Sus fotos y videos se han presentado en Gesamt de Lars von Trier , Festival de Cine Judío de Varsovia, Scope Miami, Scope London, Art Chicago , Art Fem. TV, Colonia OFF, Metraje encontrado y SHOAH, etc.
Obras tempranas
Al regresar a Nueva Jersey en 1974 después de vivir en Nuevo México durante seis años, donde conoció y se casó con Stephen Pillard, se unió al movimiento feminista y comenzó a pintar hombres y mujeres que normalmente no eran vistos como "atractivos" y que no encajaban en el arte. canon histórico del "desnudo", es decir: centrarse en mujeres con estrías. [1] A lo largo de los años 70, 80 y 90, Grace Graupe-Pillard no dibujó figuras desnudas de modelos sino de vecinos, amigos y otras personas comunes. Sus sujetos eran a menudo de mediana edad con físicos de mediana edad, y sus interpretaciones no estaban destinadas principalmente a ser sensuales o sexualmente atractivas. [3] Graupe-Pillard dijo: “Mi trabajo desde 1975 se ha ocupado de cuestiones feministas comenzando con pinturas de grandes desnudos frontales de hombres y mujeres de diversas edades que no“ encajaban ”en los dictados de la“ mirada ”del hombre. dominada la red de historia del arte / museos ”. [4]
De 1984 a 1994, Graupe-Pillard trabajó con un medio tradicional de una manera no tradicional creando grandes instalaciones de lienzos en colores pastel / recortados. Encontró que los pasteles , que a menudo se han considerado como una herramienta de la mujer para ser utilizada en los temas "delicados" de la mujer, eran el medio perfecto para que ella documentara el "arte de la supervivencia", a menudo difícil, en Nueva York. También descubrió que había una inmediatez y franqueza en el uso de pasteles que imita la velocidad y la emoción del entorno urbano con sus elementos contradictorios de miseria y glamour. Graupe-Pillard trabajó en grandes dibujos al pastel de gente común, incluidos bailarines de break dance, peatones y personas sin hogar, [5] para hacerlos parecer míticos y heroicos. Graupe-Pillard también usó estos retratos para comentar sobre temas sociales como la mortalidad, como se ve en la pieza Balance / Woman (1989), donde los ancianos están decayendo lentamente a medida que las generaciones más jóvenes desafían el tirón del mundo. [6] Según Graupe-Pillard, “El poder y el abuso de poder, como los conflictos entre hombres y mujeres tanto a nivel personal como político, están siempre presentes en mi conciencia y en mi obra de arte”. [7] La vida contemporánea se relató a través de la creación de grandes piezas recortadas que se instalaron en una o más paredes. Los individuos retratados en estos murales presentan diversas yuxtaposiciones de edad, sexo, clase, raza y vocación para producir un “teatro humano de tipos, gestos y emociones”. (Michael Brenson, NY Times 29/3/85.) Graupe-Pillard dijo que deseaba hacer que aquellas personas que a menudo son “invisibles” permanentemente sean “visibles”. También se incluyeron elementos arquitectónicos e imágenes fragmentadas de la vida y la cultura estadounidenses. Los cambios de lugar y escala, diferentes ritmos y una riqueza de color y forma produjeron una sensación del entorno. La síntesis de figuras, retratos y siluetas hizo una declaración de cómo los pensamientos privados y las posturas públicas interactúan en la metrópoli. A principios de la década de 1990, trabajó en su serie Silhouette empleando una gama más amplia de imágenes, utilizando siluetas para servir como un dispositivo de encuadre de contornos para conceptos más personales y poéticos.
Serie de guerra
De 1990 a 1993, Graupe-Pillard creó Nowhere To Go - One Family's Experience que trataba sobre los efectos destructivos del poder en una serie que se exhibió en el Museo Estatal de Nueva Jersey y en la Universidad de Rider , Nueva Jersey, titulada: El Holocausto: Masacre de inocentes. Esta serie consta de grandes lienzos que representan figuras de prisioneros judíos que reflexionan sobre la experiencia de su padre y abuelos paternos durante el Holocausto en la Alemania nazi y es un tema recurrente en su obra. [2] Creció con el conocimiento del dolor de su padre, que resultó de su incapacidad para salvar a setenta miembros de la familia durante la guerra. Ella usa el simbolismo para comentar los eventos: conejos para la experimentación médica, genocidio masivo y la velocidad arrolladora con la que creció la guerra. También dibujó las figuras para reflejar la propaganda del antisemitismo durante el Holocausto, con narices ganchudas y manos carteristas. También se encuentran en su trabajo imágenes de máscaras de gas, vallas de tela metálica, esvásticas y fotos de sus abuelos que murieron allí. Graupe-Pillard eligió la suavidad de los pasteles para crear esta serie y señaló que no era un medio generalmente utilizado para representar la dureza de la guerra. A pesar de sus múltiples series de guerra, Graupe-Pillard ha comentado: “No creo que el arte pueda marcar la diferencia. Otto Dix pintó los desastres de la guerra, pero muy poca gente lo conoce o ha visto sus cuadros porque no es una estrella de rock ni una estrella de los medios ”. [1] http://www.chgs.umn.edu/museum/responses/graupePillard/
Otra serie titulada PINTURAS MANIPULADAS / DESPLAZADAS 2002–2017 fue influenciada por el 11 de septiembre y el inicio de la guerra de Irak. En un mundo donde el terrorismo, la limpieza étnica y la agitación cultural han dominado los titulares de las noticias, estas pinturas se centran en el efecto devastador de la guerra y su impacto en la población civil. Titulada DESPLAZADOS, esta serie correlaciona el desplazamiento de civiles en países devastados por la guerra con una desintegración visual de la forma, evidente tanto en el proceso creativo como en el producto pintado final. En cada cuadro, el caos de la desintegración cultural está simbolizado por la fragmentación del plano pictórico. Con repetidas ediciones y "filtros" en programas informáticos que reiteran el filtrado de información, se apropia de imágenes de fuentes periodísticas, "destrozando la realidad" de la fotografía para que el resultado final se destile y desintegra de su contexto original, y se reduzca a imprevisible formas excéntricas de colores planos que enfatizan aún más la fragmentación de la forma y la eliminación de su fuente original.
Intervenciones, la serie de guerra de impresión de pigmentos de archivo de Graupe-Pillard, comenzó en 2003 y se centró en las guerras en el extranjero. Las intervenciones fueron una unión de sus medios de elección, la fotografía y la pintura, y un uso avanzado de la manipulación del color. Los collages muestran un declive de la santidad cultural y el sufrimiento debido a la guerra. Para crear Intervenciones, usó fotos de alta resolución de lugares familiares en las principales ciudades, incluidas la ciudad de Nueva York , Baltimore , Newark y Chicago, y las superpuso digitalmente con representaciones de la guerra en collages, como atentados con coches bomba, edificios destruidos, refugiados y soldados. . Ella usó esta combinación para provocar la idea de la guerra en el propio patio trasero de los espectadores. [8]
Otros trabajos
Serie de ojo de cerradura - 1995-2000.
Este cuerpo de trabajo trata de fotografías en collages directamente sobre el lienzo; las imágenes de estas grandes pinturas proceden de una gran cantidad de libros y revistas de historia del arte. Consisten en reproducciones de fotografías que ya se han recortado y alterado, que luego se escanean en la computadora y se recortan y alteran cambiando la escala y el contexto. Usando una estructura formal simple - un ojo de cerradura y una silueta, colocando formas apropiadas dentro de esos parámetros, Graupe-Pillard crea un diálogo entre la fisicalidad de la foto en collage y el ilusionismo de la pintura. Como lo indica el título, KEYHOLE SERIES es un vistazo voyeurista a los muchos trastornos físicos y psicológicos que ocurren a medida que maduramos y pasamos por experiencias de vida. [9]
En 2007, Graupe-Pillard también creó una serie titulada Stop Stealing My Face , [10] una colaboración de dibujos reimpresos dibujados a mano que llevan al espectador durante el último mes de la vida de su madre en un hospicio . Las fotos son desde el punto de vista de la cama y están reimpresas, lo que impide que los espectadores tengan acceso a los documentos originales que compartieron el mismo espacio que los últimos suspiros de su madre, una forma simbólica de Graupe-Pillard manteniendo una intimidad con su madre que el público no puede tocar. . [8]
Grace Delving Into Art es una serie fotográfica que comenzó en 2012 con ella misma desnuda, interactuando con el arte público, planteando problemas de imagen corporal en mujeres maduras, performance y voyerismo contribuyendo a un diálogo contemporáneo sobre el feminismo y el cuerpo de la artista y la fusión de la reinos públicos y privados. [11]
Arte público 1992-2004
Grace Graupe-Pillard ha recibido encargos de arte público de Shearson Lehman American Express , AT&T , Peat Marwick , Wonder Woman Wall en la terminal de autobuses de la Autoridad Portuaria de Nueva York, el Hospital Universitario Robert Wood Johnson , New Brunswick, Nueva Jersey y “Celebrating Orange”. encargado para la ciudad de Orange, Nueva Jersey . Los proyectos de arte público también incluyen encargos de NJ Transit para su nuevo sistema de tránsito de tren ligero Hudson Bergen en la estación Garfield en Jersey City, y la estación 2nd Street en Hoboken instalada en 2004, así como una obra de arte para la estación Aberdeen-Matawan de NJ Transit en Aberdeen. NUEVA JERSEY. En 1995 fue elegida para formar parte del Comité de Arte de Tránsito de NJ Transit, desarrollando un “Plan Maestro” que estableció pautas y enfoques para la inclusión del arte en su nuevo Sistema de Tránsito de Tren Ligero Hudson-Bergen. También se desempeñó como líder del equipo de diseño para 3 de las estaciones. En 1998, se le pidió a la Sra. Graupe-Pillard que formara parte del equipo de diseño para la planificación de la obra de arte que se colocaría en la estación Hoboken 2nd St. [12] 2nd Street (estación HBLR)
Enseñando
Graupe-Pillard luego se convirtió en educador de arte, una carrera que abarcó más de cuarenta años trabajando para el Sistema de Parques del Condado de Monmouth (1975-2016) y también dirigió el Taller de Becas de Mural Abby en el Museo y Escuela de Arte de la Academia Nacional (2003-2010).
Notas
- ↑ a b c Dube, 2010.
- ^ a b DeNicola, Linda "Dualidad de Grace Graupe Pillard: retrato de un artista como profesor" Archivado el 9 de junio de 2011 en Wayback Machine , Middletown Patch , 4 de abril de 2011
- ↑ Henry, 1978
- ^ Graupe-Pillard, 2012.
- ^ Glueck 1984
- ^ Schwendenwien, 1989
- ^ Graupe-Pillard, 2012
- ^ a b ARTCAT
- ^ Reseñas de revistas de artnet.com - GRACE GRAUPE-PILLARD
- ^ https://vimeo.com/2760998 Video de Deja de robarme la cara
- ^ "Grace Graupe Pillard, artista | WYBC" . Archivado desde el original el 19 de mayo de 2013 . Consultado el 8 de mayo de 2013 .
- ^ http://www.njtransit.com/var/var_servlet.srv?hdnPageAction=TransitArtsTo http://www.neoimages.net/artistportfolio.aspx?pid=3533
Referencias
- Dube, Ilene. "US1 Home". PrincetonInfo. 2010.
- Henry, Gerrit. Revisar. Noticias de arte. Febrero de 1978. Vol. 77, número 2: pág. 151.
- Graupe-Pillard, Grace. Portafolio del artista. 2012.
- Glueck, Grace. "ARTE: PINTURAS DE PALOMAS Y OTRAS 'EXTRACCIONES'" The New York Times [Nueva York] 9 de noviembre de 1984: n. pag. Impresión.
- Schwendenwien, Jude. Revisar. Revista Artforum. 1989. Artforum International Magazine, Inc. Vol. 28, número 10: pág. 145.
- ARTCAT. "Grace Graupe Pillard, desplazados / intervenciones + cuatro espectáculos simultáneos - Rupert Ravens Contemporary - ArtCat".
enlaces externos
- Su página web es http://gracegraupepillard.neoimages.net
- https://vimeo.com/graupepillard
- http://www.huffingtonpost.com/marcia-g-yerman/a-conversation-with-grace_b_5696458.html