Jake Berthot (1939-2014) fue un artista estadounidense cuyas pinturas abstractas contenían elementos de los estilos minimalista y expresionista . Durante los primeros 36 años de su carrera, sus pinturas fueron completamente no figurativas . Su estilo cambió en 1995 cuando trasladó su estudio de la ciudad de Nueva York a una comunidad rural en el norte del estado de Nueva York . Si bien continuaron siendo abstractos, sus pinturas a partir de entonces contenían elementos figurativos y se consideró que tenían un mayor contenido emocional. [1] A lo largo de su carrera, su trabajo apareció con frecuencia en exposiciones individuales y colectivas en galerías comerciales y públicas. Ha sido coleccionado por el Museo de Arte Moderno ,Museo Metropolitano de Arte , Museo Guggenheim , Galería Nacional de Arte y otros importantes museos de arte estadounidenses. Recibió una beca Guggenheim en 1981 y una beca del National Endowment for the Arts en 1983. [2]
Jake Berthot | |
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Nació | John Alex Berthot 30 de marzo de 1939 Filadelfia , Pensilvania |
Fallecido | 30 de diciembre de 2014 | (75 años)
Nacionalidad | Ciudadano estadounidense |
Conocido por | Artista, profesora de arte |
Entrenamiento y vida temprana
Berthot nació el 30 de marzo de 1939 en las Cataratas del Niágara, Nueva York, y, desde los dos años, se crió en una granja de camiones en Clearfield, Pensilvania , a 175 millas al sur. Cuando era niño, recibió sus primeras lecciones de dibujo de su abuela materna, quien también era su principal cuidadora. [3] Habiendo completado su educación en escuelas públicas locales, se inscribió brevemente en una escuela de arte comercial en Pittsburgh antes de mudarse a Nueva York donde, de 1960 a 1962, asistió a clases nocturnas en el Pratt Institute [4] y de 1960 a 1961. en la Nueva Escuela de Investigaciones Sociales . [5] Berthot luego le dio crédito a un instructor de Pratt, Hank Raleigh, por haberle dado un comienzo como pintor profesional. [3] Las clases que tomó le dieron relativamente poca base en la técnica o la historia del arte, pero aprendió mucho de las horas que pasó en los museos. También aprendió mucho de otros artistas, en particular de Milton Resnick , quien, como él dijo más tarde, lo tomó bajo su protección y, a través de su amistad y guía, me volví más consciente de la posibilidad real de la pintura " [6].
Carrera profesional
Estilo artístico
Berthot comenzó su carrera haciendo pinturas abstractas en la tradición minimalista . Aplicaba una superficie pictórica gruesa a lienzos de formas grandes [3] que se consideraba que empleaban los medios reductores del minimalismo, pero que expresaban en lugar de restringir la emoción. [7] A pesar de la sencillez de sus medios, se decía que su trabajo trataba "más de sentimientos que de análisis". [8] Pintado en 1969, "Lovella's Thing" es un buen ejemplo de su estilo en este momento. [7] Poco antes de su muerte, Berthot explicó la forma en que evolucionó: "Con Lovella's Thing originalmente pensé en pintar el medio de un color plano y en blanco, pero cuando me metí en él, colocando muchos lavados acrílicos, simplemente comencé a pintarlo de una manera más sentida. Entonces se convirtió en una especie de dialecto entre algo muy concreto y algo muy sentido. Me gustó la presencia contundente que tenía la forma en la pared y luego penetrar la superficie en el medio en lo que supongo podría llamarse una especie de camino rothkoesque ". [9]
A mediados de la década de 1970, el estilo de Berthot evolucionó. Su trabajo continuó teniendo una calidad pictórica y lírica, pero agregó colores brillantes a la paleta apagada de trabajos anteriores [10] e introdujo barras rectangulares y óvalos en lienzos que ahora eran simples rectángulos. [11] Con respecto a las barras, luego dijo que trabajó para descubrir los puntos de tensión, o focos, que eran inherentes a los ejes vertical y horizontal de una cuadrícula. Dijo que buscaba "un equilibrio entre el objeto y la apertura", y así "lograr gradualmente el equilibrio entre mis dos influencias: la sistémica y la sentida". [3] "Barra amarilla con rojo", de 1977, es típica de las pinturas de este período. [5] ( p207 ) Otra pintura muy conocida de este período, "Walken's Ridge", 1975-1976, es algo inusual. Aunque es una abstracción pura, tiene el tamaño y la forma de las pinturas de Nenúfares de Monet (14 pies de ancho en dos secciones iguales) y tiene, como dijo Berthot, la sensación de un paisaje. [9] [nota 1]
Durante la década de 1980, Berthot comenzó a exhibir grabados y dibujos junto con sus pinturas. [12] Los dibujos eran a menudo de grafito sobre un fondo de esmalte gris. Las líneas formaban con frecuencia formas ovoides y estaban acompañadas de marcas cuasi caligráficas. [12] Un crítico dijo que esta obra contenía un "lirismo poético" al que se podía acceder "no a un nivel cognitivo sino a uno más elemental e intuitivo". [13] Berthot le dijo más tarde a un entrevistador que en él "gradualmente comenzó a predominar el sentimiento". [12] Las pinturas de este período continuaron empleando óvalos y rectángulos en lienzos en los que la "materialidad del pigmento", como señaló un crítico, producía "una superficie altamente táctil". [14] Otro crítico escribió que "las superficies brillantes e incrustadas de los 'óvalos' son una reminiscencia de los últimos ninfas de Claude Monet. El uso del oro con rojos profundos y azules brillantes recuerda los iconos medievales". [12] De su trabajo en este momento, Berthot dijo: "Intento romper el código de la pintura y dejar que tome vida propia sin ningún código". [14]
A principios de la década de 1990, Berthot continuó empleando barras y óvalos en pinturas. De este período de su carrera, Berthot dijo más tarde: "Llegué a otro punto en el que la idea se estaba cerrando sobre sí misma, había demasiada idea; las pinturas comenzaron a sentirse demasiado literales, demasiado como una figura en el espacio. Quería algo". más orgánico, más sentido ". Dijo que quería "hacer de la pintura algo que se experimente en lugar de simplemente ver". [9] Su "Hard Line" de 1980-83 es un ejemplo temprano de este enfoque, que muestra un rectángulo en un fondo apagado con acentos brillantes que un crítico dijo que eran y una llama ardiente inesperada. [11] En 1994, Pepe Karmel, escribiendo en el New York Times , dijo de obras como estas: "A pesar de la falta de imágenes reconocibles, las pinturas parecen obsesionadas por una nostalgia por la representación". [15] La forma ovalada también aparece en los dibujos y aguafuertes de Berthot de este período, algunos de los cuales tenían contenido representativo, incluido con mayor frecuencia un cráneo ovoide. [12]
Aparte de un breve período que pasó en Maine, Berthot había vivido en la ciudad de Nueva York desde el momento en que se mudó allí en 1959 hasta el día en 1994 cuando mudó su casa y estudio a unas 100 millas al norte de la ciudad a un lugar rural en el condado de Ulster. a lo largo del valle de Hudson en las estribaciones de las montañas Catskill . [16] En este momento hizo una transición gradual de pinturas abstractas que no tenían un tema claro a otras que, si bien continuaban siendo de carácter abstracto, tenían el medio ambiente natural como tema. [17] [nota 2] De esta transición, Berthot dijo: "Aunque mi trabajo ahora está basado en el paisaje, es más abstracto que hace unos años. Se trata del espacio en el medio. Al principio estaba pintando el volumen del árbol en el espacio. Luego, lo que sentí fue que el espacio mismo tiene volumen. Y ahora, es la luz la que tiene volumen ". [3] La pintura, "Chapel Trail Near Alter Road" muestra la dirección que tomó su trabajo en este momento. De manera similar, sus dibujos ampliaron el alcance de sus temas, como muestra el dibujo del árbol sin título de 2002. [nota 3]
A lo largo de su carrera, Berthot se mantuvo conscientemente al margen de los movimientos artísticos etiquetados de su tiempo. Una vez dijo: "No me interesa lo nuevo, sino intentar hacer pinturas que se nieguen a envejecer", [12] y en otra ocasión, hablando de una afinidad que sentía con el enfoque de Cézanne sobre su trabajo, dijo: " Su método claro ... no es un cierre sino una apertura ... Tienes que tener una forma y un método y dentro de esa forma y método, en cierto punto tienes que convertirte en el sirviente de la pintura ". [19] Resumiendo esta actitud en otra ocasión dijo que mientras trabajaba llegaría un momento en el que sentiría que un cuadro se apoderaría de su conciencia "para dictar lo que quería ser". [9] Sus pinturas fueron sus compañeras y el centro de su vida. Cuando la Colección Phillips pidió montar una gran retrospectiva de combinar las muchas obras suyas que poseía junto con la obra que tenía entonces en su estudio, se negó diciendo que no podría vivir sin las pinturas a su alrededor. [4] [nota 4]
Durante el transcurso de su carrera, los críticos habían señalado un creciente impacto emocional en sus pinturas y uno o dos de ellos habían dicho que, si bien las pinturas podían entenderse completamente por sus propios méritos, era posible ver en ellas las respuestas de Berthot a lo personal. dificultades que encontró a lo largo de los años de su carrera. [9] [nota 5] Mientras estaba en tratamiento por leucemia durante los últimos años de su vida, Berthot produjo pinturas que se ha visto que poseen un alto nivel de contenido emocional. [6] Escribiendo en 2015, una amiga suya, la artista Elisa Jensen, se refirió a ellos como "inquietantes, embrujados, vivos, respirando y absolutamente innegablemente vivos". [1] [nota 6] En cuanto a uno de ellos, llamado "Noche, bosque y roca", un amigo dijo que era "esencia pura, despojada de todo lo no esencial", y que su observación atenta le infundió un "sereno aceptación de la gloria de la vida, suspendida siempre por encima de la muerte, sin importar la inminencia de la muerte o su aparente finalidad ". [18]
Exposiciones y premios
Las primeras exposiciones de Berthot se realizaron en las galerías Feiner, Park Place y OK Harris [3] [nota 7] y en los museos Judío y Whitney de Nueva York. Realizó exposiciones individuales en la Galería Feiner, 42 Fifth Avenue, en 1963, [21] y la Galería OK Harris, 465 West Broadway, en 1970, [22] y fue incluido en exposiciones colectivas en el Museo Judío, en 1970, [22] el Museo Whitney, en 1971. [23] Antes de exponer en OK, Harris Berthot se había mantenido como instructor de arte. Más tarde dijo que el propietario de la galería, Ivan Karp, le había permitido trabajar a tiempo completo en su estudio al darle una asignación para vivir equivalente a su salario de profesor. [24]
Durante la década de 1970 expuso con frecuencia en galerías comerciales y museos. Recibió una exposición individual en OK Harris en 1975, apareció en una exposición benéfica en la Cayman Gallery en 1977, fue seleccionado para aparecer en una muestra llamada "Artists Choose Artists" en la CDS Gallery (1982), [25] y apareció en una exposición individual en la McKee Gallery (1983). [11] Además, sus pinturas aparecieron en exposiciones en el Whitney Museum Downtown Branch (1974), [8] Corcoran Gallery (1975), [26] Baltimore Museum of Art (1975), [27] Venice Biennale (1976) , [28] Museo Aldrich (1978), Museo de Arte Brockton (1980), [29] y Museo del Río Hudson (1983). [30]
Durante la década de 1980, Berthot continuó exhibiendo en la Galería McKee. También expuso en la Galería Cava, Filadelfia, en 1987 [13] y la Galería Nielson, Boston, en 1998 [17] y 2000. [31] Durante este tiempo, su trabajo continuó apareciendo en exposiciones de museos, incluido el Museo de Arte Moderno. . El Museo de Arte Moderno incluyó obras de Berthot en "Nuevas obras sobre papel" (1981), [32] "Un estudio internacional de pintura y escultura recientes" (1984), [33] y "Contrastes de forma: arte abstracto geométrico, 1910-1980 "(1985). [5] Su trabajo también se incluyó en exposiciones en el Museo de Arte de Berkeley (1984), [12] las galerías de las universidades Muhlenberg y Lafayette (1984), [34] Galería Mandeville, Universidad de California, San Diego (1986), [ 35] el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego , [35] y el Museo de Bellas Artes de Boston (1987). [36] En 1988 se le ofreció una exposición retrospectiva en el Rose Art Museum , Brandeis University. [14]
Hasta aproximadamente 2004 continuó siendo representado por la McKee Gallery [37] y posteriormente por la Betty Cunningham Gallery [38] que, desde su muerte, también ha representado su patrimonio. [39] Las exposiciones del museo de principios de la década de 1990 incluyen: "Slow Art: Painting in New York Now" en PS1, Long Island City, Nueva York (1992), "Square Painting / Plane Painting en el Center on Contemporary Art , Seattle, Washington (1997), [33] "Jake Berthot" en la Colección Phillips (1998), "Against The Grain" en el Museo de Arte Moderno (2006), una exposición en el Museo de Arte Hood , Dartmouth (2009), [40] y exposición en la galería de SUNY Ulster (2010), [41] y "Jake Berthot: From the Collection and Promised Gifts" en la Phillips Collection (2016). [42]
Las obras de Berthot son propiedad del Museo de Arte Moderno, el Museo Metropolitano de Arte , el Museo Whitney de Arte Americano, el Museo Guggenheim , la Galería Nacional de Arte , el Museo de Bellas Artes de Houston y el Museo de Arte de Berkeley y Pacific Film Archive . [2] Poco antes de morir, legó las pinturas que quedaron en su estudio a la Colección Phillips. [4] Recibió una beca Guggenheim en 1981 y una beca del National Endowment for the Arts en 1983. [2]
Profesor de arte
Mientras Berthot estaba en la escuela nocturna en Pratt, un maestro le pidió que se hiciera cargo de una clase para otro maestro que no se había presentado. Lo hizo lo suficientemente bien como para que le ofrecieran un trabajo en el otoño de 1961. Más tarde dijo que le gustaba el trabajo en parte porque requería que le dijera a la gente qué hacer, "en lugar de que ellos me dijeran qué hacer". [3] Berthot posteriormente impartió clases en Cooper Union (1974–81), la Universidad de Yale (1982-92), la Universidad de Pennsylvania (1993) y la Escuela de Artes Visuales (1994-2013). [2]
Vida personal y familiar
Berthot nació el 30 de marzo de 1939 en Niagara Falls, Nueva York. [4] Su padre fue Earl H. Berthot (1911–1962) y su madre Sara Catherine Barr Berthot (1912–2002). Su nombre de nacimiento era John Alex Berthot. [33] Cuando tenía dos años, sus padres se separaron y su madre lo llevó a la granja de camiones de ocho acres de sus padres [4] en Clearfield, Pensilvania . [30] [nota 8] En ese momento, su abuela, Cora Barr (1887-1969) se convirtió en su principal cuidadora. Su abuelo, Thomas Barr (1886-1967), era propietario y trabajaba en la granja. Incluyendo a Sara, sus abuelos tenían a tres de sus once hijos viviendo con ellos cuando ella regresó a casa. [43] El menor de ellos era trece años mayor que Berthot y en ese entorno rural no tenía compañeros de su edad. La finca era autosuficiente pero austera; había electricidad pero no había plomería interior. [16] Antes de su matrimonio, Cora tenía una relación con un novio que era artista. [3] Alentó el interés inicial de Berthot por el dibujo. [3]
Pasó por el sistema de escuelas públicas donde vivía y luego asistió a una escuela de arte comercial en Pittsburgh. [3] A la edad de 20 años en 1959, se mudó a la ciudad de Nueva York, [30] se inscribió en una escuela para aprender a exhibir ventanas y consiguió un trabajo en esa ocupación en una tienda en el Bronx. [3] Poco tiempo después, se casó con su primera esposa, la poeta, Ginny MacKenzie, cuyo trabajo, enseñar en el Instituto Pratt, le permitió tomar clases de arte nocturnas allí. [5] A principios de la década de 1980, él y MacKenzie se divorciaron [6] y se mudó brevemente a Maine. [5] Algún tiempo después se casó con Kristin Flynn y algunos años más tarde ellos también se divorciaron. [4]
En 2006, 11 años después de mudarse a la casa rural y el estudio en Accord, Nueva York, [1] Berthot se lesionó gravemente la muñeca derecha cuando se cayó de una escalera mientras podaba un árbol y unos seis años después le diagnosticaron un virus virulento. forma de leucemia de la que no se recuperó. [18] Murió el 30 de diciembre de 2014 [33].
Otros nombres usados
Nombrado John Alex Berthot al nacer, usó a Jake Berthot como su nombre profesional toda su vida. Su apellido se pronuncia BEAR-TOE. [4]
Notas
- ^ En cuanto al diseño de la pintura, dijo: "Me preocupaba llegar a la mitad del lienzo. Ese parecía ser el mayor problema en la pintura en ese momento, incluida mi pintura. Empecé a pensar en ello y decidí intentar poner algún tipo de forma en el medio, para hacer las mismas cosas que había estado haciendo pero revertirlo. En lugar de tener las barras en el exterior, crearía una situación interna; en lugar de tener el vacío en el medio, lo movería a los lados ". [9]
- ↑ En 1998 un crítico explicó esta transición: "Jake Berthot, durante mucho tiempo un maestro de la abstracción, se mudó al campo y comenzó a pintar bosques ... En cierto sentido, Berthot comienza, como siempre, con la abstracción. esqueleto de cuadrículas y rayas sobre su lienzo, una construcción de líneas que se construye en algo casi tridimensional, como un plano del universo ... El gusto de Berthot por la abstracción no lo ha abandonado. Sus campos de pintura cambian y se mueven, lleno de preguntas e implicaciones. Los árboles casi luchan contra los colores a su alrededor, afirmando sus nobles presencias en grandes nieblas de pintura. Surgiendo de sus fondos en forma de cuadrícula, pregonan sus formas orgánicas, pero no niegan su parentesco con lo abstracto ". [17]
- ↑ En 2006, Berthot, que era diestro, se cayó de una escalera mientras podaba un árbol y se lesionó gravemente la muñeca derecha. Mientras estaba reparando, no pudo pintar como de costumbre y más tarde dijo que la pérdida de destreza era un obstáculo útil que debía tratar de superar. [18]
- ↑ Como se indica a continuación, Berthot legó las pinturas de su estudio a la Colección Phillips, que, después de su muerte, montó una gran exposición retrospectiva de las obras de su colección con las que había legado.
- ^ Un crítico notó "cambios de sentimiento" en su trabajo en el momento de su separación de su primera esposa, su mudanza a Maine y el robo de algunas de sus pinturas, diciendo que estos eventos podrían explicar parcialmente la "actitud contenciosa" de este trabaja. [9]
- ↑ Berthot parece haberlo entendido él mismo. En una entrevista de 2006 dijo que su trabajo cambió después de 1987 para que posteriormente tuviera "más que ver con la simultaneidad de sentir y ver que lleva al pensamiento, que el pensamiento que lleva al sentimiento". [6]
- ^ La Galería OK Harris, también conocida como Obras de Arte OK Harris, fue una de las primeras galerías ubicadas en el área llamada SoHo al sur de Houston Street en Manhattan. Operado por Ivan Karp entre 1969 y 2014, tenía como objetivo "exhibir el espectro más amplio del arte más aventurero que se ofrece". [20] Dirigida por una hermana de Milton Resnick, la Galería Feiner estaba ubicada en 42 5th Avenue en Nueva York. [21]
- ↑ Berthot dijo más tarde que entendió que la separación se produjo porque su padre era abusivo [16] y porque había abandonado a su madre ya sí mismo. [4]
Referencias
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