El jazz es un género musical que se originó en las comunidades afroamericanas de Nueva Orleans , Luisiana , Estados Unidos , a finales del siglo XIX y principios del XX, con sus raíces en el blues y el ragtime . [1] [2] [3] Desde la era del jazz de la década de 1920 , ha sido reconocido como una forma importante de expresión musical en la música tradicional y popular , unida por los lazos comunes de ascendencia musical afroamericana y europea americana . [4] El jazz se caracteriza por el swing.y notas azules , acordes complejos , voces de llamada y respuesta , polirritmos e improvisación . El jazz tiene sus raíces en la expresión cultural y musical de África occidental y en las tradiciones musicales afroamericanas . [5] [6]
Jazz | |
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Orígenes estilísticos | |
Orígenes culturales | Finales del siglo XIX, Nueva Orleans , EE. UU. |
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A medida que el jazz se extendió por el mundo, se inspiró en las culturas musicales nacionales, regionales y locales, lo que dio lugar a diferentes estilos. El jazz de Nueva Orleans comenzó a principios de la década de 1910, combinando marchas de bandas de música anteriores, cuadrillas francesas , biguine , ragtime y blues con improvisación polifónica colectiva . En la década de 1930, las grandes bandas de swing orientadas al baile con muchos arreglos , el jazz de Kansas City , un estilo de improvisación de blues y hard-swing y el jazz gitano (un estilo que enfatizaba los valses musette ) eran los estilos prominentes. Bebop surgió en la década de 1940, cambiando el jazz de la música popular bailable a una "música de músico" más desafiante que se tocaba a tempos más rápidos y usaba más improvisación basada en acordes. El cool jazz se desarrolló a finales de la década de 1940 e introdujo sonidos más tranquilos y suaves y líneas melódicas largas y lineales.
A mediados de la década de 1950 surgió el hard bop , que introdujo influencias del rhythm and blues , el gospel y el blues, especialmente en el saxofón y el piano. El jazz modal se desarrolló a fines de la década de 1950, utilizando el modo , o escala musical, como base de la estructura musical y la improvisación, al igual que el jazz libre , que exploraba tocar sin métrica regular, ritmo y estructuras formales. La fusión de jazz y rock apareció a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970, combinando la improvisación del jazz con ritmos de música rock , instrumentos eléctricos y sonido escénico altamente amplificado. A principios de la década de 1980, una forma comercial de fusión de jazz llamada smooth jazz se convirtió en un éxito, lo que generó una gran difusión radial. Otros estilos y géneros abundan en la década de 2000, como el jazz latino y afrocubano .
Etimología y definición
El origen de la palabra jazz ha dado lugar a una investigación considerable y su historia está bien documentada. Se cree que está relacionado con el jasm , un término de jerga que se remonta a 1860 y que significa "energía". [7] El registro escrito más antiguo de la palabra se encuentra en un artículo de 1912 en Los Angeles Times en el que un lanzador de béisbol de ligas menores describió un lanzamiento al que llamó "pelota de jazz" "porque se tambalea y simplemente no puedes hacer nada. con eso". [7]
El uso de la palabra en un contexto musical se documentó ya en 1915 en el Chicago Daily Tribune. [8] Su primer uso documentado en un contexto musical en Nueva Orleans fue en un artículo de Times-Picayune del 14 de noviembre de 1916 sobre "bandas de jas". [9] En una entrevista con National Public Radio , el músico Eubie Blake ofreció sus recuerdos de las connotaciones del argot del término, diciendo: "Cuando Broadway lo tomó, lo llamaron 'JAZ-Z'. No se llamaba así. Se deletreaba 'JAS-S'. Eso estaba sucio, y si supieras lo que es, no lo dirías frente a las mujeres ". [10] La American Dialect Society la nombró la palabra del siglo XX . [11]
El jazz es difícil de definir porque abarca una amplia gama de música que abarca un período de más de 100 años, desde el ragtime hasta la fusión con infusión de rock . Se ha intentado definir el jazz desde la perspectiva de otras tradiciones musicales, como la historia de la música europea o la música africana. Pero el crítico Joachim-Ernst Berendt sostiene que sus términos de referencia y su definición deberían ser más amplios, [12] definiendo al jazz como una "forma de música artística que se originó en los Estados Unidos a través de la confrontación del negro con la música europea" [13]. y argumentando que se diferencia de la música europea en que el jazz tiene una "relación especial con el tiempo definido como 'swing ' ". El jazz implica "una espontaneidad y vitalidad de la producción musical en la que juega un papel la improvisación" y contiene una "sonoridad y forma de fraseo que reflejan la individualidad del músico de jazz que realiza". [12] En opinión de Robert Christgau , "la mayoría de nosotros diría que inventar significado mientras se suelta es la esencia y la promesa del jazz". [14]
Travis Jackson ha propuesto una definición más amplia que abarca diferentes épocas del jazz: "es música que incluye cualidades como el swing, la improvisación, la interacción grupal, el desarrollo de una 'voz individual' y la apertura a diferentes posibilidades musicales". [15] Krin Gibbard argumentó que "el jazz es una construcción" que designa "una serie de músicas con bastante en común para ser entendidas como parte de una tradición coherente". [16] En contraste con los comentaristas que han defendido la exclusión de los tipos de jazz, los músicos a veces se muestran reacios a definir la música que tocan. Duke Ellington , una de las figuras más famosas del jazz, dijo: "Todo es música". [17]
Elementos y problemas
Improvisación
Aunque el jazz se considera difícil de definir, en parte porque contiene muchos subgéneros, la improvisación es uno de sus elementos definitorios. La centralidad de la improvisación se atribuye a la influencia de formas musicales anteriores como el blues , una forma de música folclórica que surgió en parte de las canciones de trabajo y los gritos de campo de los esclavos afroamericanos en las plantaciones. Estas canciones de trabajo se estructuraban comúnmente en torno a un patrón repetitivo de llamada y respuesta , pero el blues temprano también era improvisado. La interpretación de la música clásica se evalúa más por su fidelidad a la partitura musical , con menos atención a la interpretación, la ornamentación y el acompañamiento. El objetivo del intérprete clásico es tocar la composición tal como fue escrita. Por el contrario, el jazz se caracteriza a menudo por el producto de la interacción y la colaboración, otorgando menos valor a la contribución del compositor, si la hay, y más al intérprete. [18] El intérprete de jazz interpreta una melodía de forma individual, sin tocar nunca la misma composición dos veces. Dependiendo del estado de ánimo, la experiencia y la interacción del intérprete con los miembros de la banda o los miembros de la audiencia, el intérprete puede cambiar melodías, armonías y compases. [19]
A principios de Dixieland , también conocido como jazz de Nueva Orleans, los artistas se turnaban para tocar melodías e improvisar contramelodías . En la era del swing de las décadas de 1920 a 1940, las big bands se basaban más en arreglos escritos o aprendidos de oído y memorizados. Los solistas improvisaron dentro de estos arreglos. En la era del bebop de los años 40, las big bands dieron paso a grupos reducidos y arreglos mínimos en los que la melodía se enunciaba brevemente al principio y la mayor parte de la pieza era improvisada. El jazz modal abandonó las progresiones de acordes para permitir a los músicos improvisar aún más. En muchas formas de jazz, un solista es apoyado por una sección rítmica de uno o más instrumentos de acordes (piano, guitarra), contrabajo y batería. La sección rítmica toca acordes y ritmos que perfilan la estructura de la composición y complementan al solista. [20] En el jazz de vanguardia y el free jazz , la separación de solista y banda se reduce, y existe una licencia, o incluso un requisito, para el abandono de acordes, escalas y métricas.
Tradicionalismo
Desde la aparición del bebop, se han criticado las formas de jazz que tienen una orientación comercial o están influenciadas por la música popular. Según Bruce Johnson, siempre ha existido una "tensión entre el jazz como música comercial y una forma de arte". [15] Los entusiastas del jazz tradicional han descartado el bebop, el free jazz y el jazz fusión como formas de degradación y traición. Una visión alternativa es que el jazz puede absorber y transformar diversos estilos musicales. [21] Al evitar la creación de normas, el jazz permite que surjan estilos de vanguardia. [15]
Jazz y carrera
Para algunos afroamericanos, el jazz ha llamado la atención sobre las contribuciones afroamericanas a la cultura y la historia. Para otros, el jazz es un recordatorio de "una sociedad opresiva y racista y restricciones a sus visiones artísticas". [22] Amiri Baraka sostiene que hay un género de "jazz blanco" que expresa la blancura . [23] Músicos de jazz blancos aparecieron en el medio oeste y en otras áreas de los Estados Unidos. Papa Jack Laine , que dirigía la banda Reliance en Nueva Orleans en la década de 1910, fue llamado "el padre del jazz blanco". [24] La Original Dixieland Jazz Band , cuyos miembros eran blancos, fue el primer grupo de jazz en grabar, y Bix Beiderbecke fue uno de los solistas de jazz más destacados de la década de 1920. [25] El estilo de Chicago fue desarrollado por músicos blancos como Eddie Condon , Bud Freeman , Jimmy McPartland y Dave Tough . Otros de Chicago, como Benny Goodman y Gene Krupa, se convirtieron en miembros destacados del swing durante la década de 1930. [26] Muchas bandas incluían músicos blancos y negros. Estos músicos ayudaron a cambiar las actitudes hacia la raza en los EE . UU. [27]
Roles de las mujeres
Las intérpretes y compositoras de jazz han contribuido al jazz a lo largo de su historia. Aunque Betty Carter , Ella Fitzgerald , Adelaide Hall , Billie Holiday , Abbey Lincoln , Anita O'Day , Dinah Washington y Ethel Waters fueron reconocidas por su talento vocal, menos familiares fueron los líderes de orquesta, compositores e instrumentistas como la pianista Lil Hardin Armstrong . la trompetista Valaida Snow y las compositoras Irene Higginbotham y Dorothy Fields . Las mujeres comenzaron a tocar instrumentos en el jazz a principios de la década de 1920, obteniendo un reconocimiento particular en el piano. [28]
Cuando los músicos de jazz masculinos fueron reclutados durante la Segunda Guerra Mundial, muchas bandas de mujeres los reemplazaron. [28] The International Sweethearts of Rhythm , que fue fundada en 1937, fue una banda popular que se convirtió en la primera banda integrada totalmente femenina en los EE. UU. Y la primera en viajar con la USO , recorriendo Europa en 1945. Las mujeres eran miembros de la grandes bandas de Woody Herman y Gerald Wilson . A partir de la década de 1950, muchas mujeres instrumentistas de jazz fueron prominentes, algunas de las cuales mantuvieron largas carreras. Algunos de los improvisadores, compositores y directores de orquesta más característicos del jazz han sido mujeres. [29] La trombonista Melba Liston es reconocida como la primera trompetista en trabajar en bandas importantes y en tener un impacto real en el jazz, no solo como músico sino también como compositor y arreglista respetado, particularmente a través de sus colaboraciones con Randy Weston de desde finales de la década de 1950 hasta la de 1990. [30] [31]
Orígenes e historia temprana
El jazz se originó a finales del siglo XIX y principios del XX como interpretaciones de la música clásica estadounidense y europea entrelazadas con canciones populares africanas y esclavas y las influencias de la cultura de África occidental. [32] Su composición y estilo han cambiado muchas veces a lo largo de los años con la interpretación e improvisación personal de cada intérprete, lo que también es uno de los mayores atractivos del género. [33]
Mezcla de sensibilidades musicales africanas y europeas
En el siglo XVIII, los esclavos del área de Nueva Orleans se reunieron socialmente en un mercado especial, en un área que más tarde se conocería como Congo Square, famosa por sus bailes africanos. [34]
En 1866, la trata de esclavos en el Atlántico había traído a casi 400.000 africanos a América del Norte. [35] Los esclavos procedían en gran parte de África occidental y la gran cuenca del río Congo y trajeron consigo fuertes tradiciones musicales. [36] Las tradiciones africanas utilizan principalmente una melodía de una sola línea y un patrón de llamada y respuesta , y los ritmos tienen una estructura contramétrica y reflejan los patrones de habla africanos. [37]
Un relato de 1885 dice que estaban haciendo música extraña (criolla) con una variedad igualmente extraña de "instrumentos": tablas de lavar, tinas, jarras, cajas golpeadas con palos o huesos y un tambor hecho al estirar la piel sobre un barril de harina. [3] [38]
Espléndidos festivales con bailes africanos al son de tambores se organizaban los domingos en Place Congo, o Congo Square , en Nueva Orleans hasta 1843. [39] Hay relatos históricos de otras reuniones de música y danza en otras partes del sur de Estados Unidos. Robert Palmer dijo sobre la música esclava de percusión:
Por lo general, esta música se asociaba con festivales anuales, cuando se recogía la cosecha del año y se reservaban varios días para la celebración. Todavía en 1861, un viajero en Carolina del Norte vio bailarines vestidos con trajes que incluían tocados con cuernos y colas de vaca y escuchó música proporcionada por una "caja de gumbo" cubierta de piel de oveja, aparentemente un tambor de marco; triángulos y mandíbulas proporcionaban la percusión auxiliar. Hay bastantes [relatos] de los estados del sureste y de Luisiana que datan del período 1820-1850. Algunos de los primeros pobladores del Delta [del Mississippi] vinieron de las cercanías de Nueva Orleans, donde nunca se desalentó activamente la percusión durante mucho tiempo y se utilizaron tambores caseros para acompañar el baile público hasta el estallido de la Guerra Civil. [40]
Otra influencia vino del estilo armónico de los himnos de la iglesia, que los esclavos negros habían aprendido e incorporado a su propia música como espirituales . [41] Los orígenes del blues no están documentados, aunque pueden verse como la contraparte secular de los espirituales. Sin embargo, como señala Gerhard Kubik , mientras que los espirituales son homofónicos , el blues rural y el jazz temprano "se basaron en gran medida en conceptos de heterofonía ". [42]
A principios del siglo XIX, un número cada vez mayor de músicos negros aprendieron a tocar instrumentos europeos, en particular el violín, que utilizaban para parodiar la música de baile europea en sus propios bailes sencillos . A su vez, los intérpretes de espectáculos de juglares europeos-estadounidenses en blackface popularizaron la música internacionalmente, combinando la síncopa con el acompañamiento armónico europeo. A mediados de la década de 1800, el compositor blanco de Nueva Orleans Louis Moreau Gottschalk adaptó ritmos y melodías esclavos de Cuba y otras islas del Caribe a la música de salón de piano. Nueva Orleans fue el nexo principal entre las culturas afrocaribeña y afroamericana.
Retención rítmica africana
Los Códigos Negros prohibieron los tambores por esclavos, lo que significó que las tradiciones africanas de tambores no se conservaron en América del Norte, a diferencia de Cuba, Haití y otras partes del Caribe. Los patrones rítmicos de origen africano se mantuvieron en los Estados Unidos en gran parte a través de "ritmos corporales" como pisadas fuertes , aplausos y palmaditas en el baile juba . [43]
En opinión del historiador del jazz Ernest Borneman , lo que precedió al jazz de Nueva Orleans antes de 1890 fue "música afrolatina", similar a la que se tocaba en el Caribe en ese momento. [44] Un patrón de tres tiempos conocido en la música cubana como tresillo es una figura rítmica fundamental que se escucha en muchas músicas esclavas del Caribe, así como en las danzas folclóricas afrocaribeñas realizadas en Nueva Orleans Congo Square y las composiciones de Gottschalk (por ejemplo "Recuerdos de La Habana" (1859)). Tresillo (que se muestra a continuación) es la célula rítmica de doble pulso más básica y predominante en las tradiciones musicales del África subsahariana y la música de la diáspora africana . [45] [46]
Tresillo se escucha de manera prominente en la música de segunda línea de Nueva Orleans y en otras formas de música popular de esa ciudad desde principios del siglo XX hasta el presente. [47] "En general, los patrones rítmicos africanos más simples sobrevivieron en el jazz ... porque podrían adaptarse más fácilmente a las concepciones rítmicas europeas", observó el historiador del jazz Gunther Schuller . "Algunos sobrevivieron, otros fueron descartados a medida que avanzaba la europeización". [48]
En el período posterior a la Guerra Civil (después de 1865), los afroamericanos pudieron obtener bombos militares, tambores y pífanos excedentes, y surgió una música afroamericana original de tambor y pífano, con tresillo y figuras rítmicas sincopadas relacionadas. [49] Esta era una tradición de tambores que era distinta de sus contrapartes caribeñas, expresando una sensibilidad afroamericana única. "Los tambores de caja y bajo tocaban ritmos cruzados sincopados ", observó el escritor Robert Palmer, especulando que "esta tradición debe haberse remontado a la segunda mitad del siglo XIX y no podría haberse desarrollado en primer lugar si no existiera no había sido una reserva de sofisticación polirrítmica en la cultura que nutre ". [43]
Influencia afrocubana
La música afroamericana comenzó a incorporar motivos rítmicos afrocubanos en el siglo XIX cuando la habanera ( contradanza cubana ) ganó popularidad internacional. [50] Músicos de La Habana y Nueva Orleans tomarían el ferry dos veces al día entre ambas ciudades para actuar, y la habanera se arraigó rápidamente en la fértil ciudad musical de Crescent City. John Storm Roberts afirma que el género musical habanera "llegó a Estados Unidos veinte años antes de que se publicara el primer trapo". [51] Durante más de un cuarto de siglo en el que se formaron y desarrollaron el cakewalk , el ragtime y el proto-jazz, la habanera fue una parte constante de la música popular afroamericana. [51]
Las habaneras estaban ampliamente disponibles como partituras y fueron la primera música escrita que se basaba rítmicamente en un motivo africano (1803). [52] Desde la perspectiva de la música afroamericana, el "ritmo de la habanera" (también conocido como "congo"), [52] "tango-congo", [53] o tango . [54] se puede considerar como una combinación de tresillo y el ritmo de fondo . [55] La habanera fue el primero de muchos géneros musicales cubanos que gozaron de períodos de popularidad en los Estados Unidos y reforzaron e inspiraron el uso de ritmos basados en tresillo en la música afroamericana.
La pieza para piano de Louis Moreau Gottschalk, oriundo de Nueva Orleans, "Ojos Criollos (Danse Cubaine)" (1860) fue influenciada por los estudios del compositor en Cuba: el ritmo de la habanera se escucha claramente en la mano izquierda. [45] : 125 En la obra sinfónica de Gottschalk "Una noche en los trópicos" (1859), el cinquillo variante del tresillo aparece ampliamente. [56] La figura fue utilizada más tarde por Scott Joplin y otros compositores de ragtime.
Comparando la música de Nueva Orleans con la música de Cuba, Wynton Marsalis observa que tresillo es el "clavé" de Nueva Orleans, una palabra en español que significa "código" o "clave", como en la clave de un rompecabezas o misterio. [57] Aunque el patrón es sólo la mitad de una clave , Marsalis señala que la figura unicelular es el patrón guía de la música de Nueva Orleans. Jelly Roll Morton llamó a la figura rítmica el tinte español y la consideró un ingrediente esencial del jazz. [58]
Rag-time
La abolición de la esclavitud en 1865 generó nuevas oportunidades para la educación de los afroamericanos liberados. Aunque la segregación estricta limitó las oportunidades de empleo para la mayoría de los negros, muchos pudieron encontrar trabajo en el entretenimiento. Los músicos negros pudieron proporcionar entretenimiento en bailes, espectáculos de juglares y en vodevil , tiempo durante el cual se formaron muchas bandas de música. Los pianistas negros tocaron en bares, clubes y burdeles, a medida que se desarrolló el ragtime . [59] [60]
Ragtime apareció como partitura, popularizada por músicos afroamericanos como el animador Ernest Hogan , cuyas canciones de éxito aparecieron en 1895. Dos años más tarde, Vess Ossman grabó un popurrí de estas canciones como un solo de banjo conocido como "Rag Time Medley". [61] [62] También en 1897, el compositor blanco William Krell publicó su " Mississippi Rag " como la primera pieza de ragtime instrumental para piano escrita, y Tom Turpin publicó su "Harlem Rag", el primer trapo publicado por un afroamericano.
El pianista de formación clásica Scott Joplin produjo su " Original Rags " en 1898 y, en 1899, tuvo un éxito internacional con " Maple Leaf Rag ", una marcha de ragtime de varias variedades con cuatro partes que presentan temas recurrentes y una línea de bajo con copiosos acordes de séptima. . Su estructura fue la base de muchos otros trapos, y las síncopas en la mano derecha, especialmente en la transición entre la primera y la segunda cepa, fueron novedosas en ese momento. [63] A continuación se muestran los últimos cuatro compases de "Maple Leaf Rag" de Scott Joplin (1899).
Patrones rítmicos de base africana como el tresillo y sus variantes, el ritmo de la habanera y el cinquillo , se escuchan en las composiciones ragtime de Joplin y Turpin. Generalmente se considera que "Solace" de Joplin (1909) pertenece al género de la habanera: [64] [65] ambas manos del pianista tocan de manera sincopada, abandonando por completo cualquier sentido de ritmo de marcha . Ned Sublette postula que el ritmo de tresillo / habanera "encontró su camino en el ragtime y el cakewalk", [66] mientras que Roberts sugiere que "la influencia de la habanera puede haber sido parte de lo que liberó la música negra del bajo europeo del ragtime". [67]
Blues
Génesis africana
Blues es el nombre que se le da tanto a una forma musical como a un género musical, [68] que se originó en las comunidades afroamericanas de principalmente el sur profundo de los Estados Unidos a finales del siglo XIX a partir de sus espirituales , canciones de trabajo , gritos de campo. , gritos y cánticos y baladas narrativas sencillas rimadas . [69]
El uso africano de escalas pentatónicas contribuyó al desarrollo de notas azules en blues y jazz. [70] Como explica Kubik:
Muchos de los blues rurales del sur profundo son estilísticamente una extensión y fusión de básicamente dos amplias tradiciones de estilo de canciones acompañadas en el cinturón del centro oeste de Sudán:
- Un estilo de canción fuertemente árabe / islámico, como se encuentra, por ejemplo, entre los hausa . Se caracteriza por melisma, entonación ondulada, inestabilidades de tono dentro de un marco pentatónico y una voz declamatoria.
- Un antiguo estrato del centro-oeste de Sudán de composición de canciones pentatónicas, a menudo asociado con ritmos de trabajo simples en un compás regular, pero con notables acentos fuera de ritmo (1999: 94). [71]
WC Handy: blues publicado temprano
WC Handy se interesó por el folk blues del sur profundo mientras viajaba por el delta del Mississippi. En esta forma de folk blues, el cantante improvisaba libremente dentro de un rango melódico limitado, sonando como un grito de campo, y el acompañamiento de guitarra se golpeaba en lugar de rasguear, como un pequeño tambor que respondía con acentos sincopados, funcionando como otra "voz". [72] Handy y los miembros de su banda eran músicos afroamericanos formados formalmente que no habían crecido con el blues, sin embargo, pudo adaptar el blues a un formato de instrumento de banda más grande y organizarlos en una forma de música popular.
Handy escribió sobre su adopción del blues:
El negro sureño primitivo, mientras cantaba, estaba seguro de presionar el tercer y séptimo tono de la escala, arrastrando las palabras entre mayor y menor. Ya fuera en el campo algodonero del Delta o en el Dique hasta St. Louis, siempre era lo mismo. Hasta entonces, sin embargo, nunca había escuchado este insulto usado por un negro más sofisticado, o por ningún hombre blanco. Traté de transmitir este efecto ... introduciendo tercios y séptimos planos (ahora llamados notas azules) en mi canción, aunque su tono predominante era mayor ..., y también llevé este dispositivo a mi melodía. [73]
La publicación de su partitura " Memphis Blues " en 1912 introdujo el blues de 12 compases en el mundo (aunque Gunther Schuller sostiene que no es realmente un blues, sino "más como un juego de niños" [74] ). Esta composición, así como su posterior " St. Louis Blues " y otras, incluían el ritmo de la habanera, [75] y se convertirían en estándares del jazz . La carrera musical de Handy comenzó en la era anterior al jazz y contribuyó a la codificación del jazz mediante la publicación de algunas de las primeras partituras de jazz.
Nueva Orleans
La música de Nueva Orleans tuvo un profundo efecto en la creación del jazz temprano. En Nueva Orleans, los esclavos podían practicar elementos de su cultura como el vudú y tocar la batería. [76] Muchos de los primeros músicos de jazz tocaron en los bares y burdeles del barrio rojo alrededor de Basin Street llamado Storyville . [77] Además de las bandas de baile, había bandas de música que tocaban en los lujosos funerales (más tarde llamados funerales de jazz ). Los instrumentos utilizados por las bandas de música y danza se convirtieron en instrumentos de jazz: metales, tambores y lengüetas afinados en la escala europea de 12 tonos. Las pequeñas bandas contenían una combinación de músicos autodidactas y con educación formal, muchos de la tradición de la procesión fúnebre. Estas bandas viajaron en comunidades negras en el sur profundo. A partir de 1914, músicos criollos y afroamericanos tocaron en espectáculos de vodevil que llevaron el jazz a las ciudades del norte y el oeste de los EE . UU. [78]
En Nueva Orleans, un líder de banda blanco llamado Papa Jack Laine integró a negros y blancos en su banda de música. Se le conocía como "el padre del jazz blanco" debido a la gran cantidad de músicos de primer nivel que empleaba, como George Brunies , Sharkey Bonano y futuros miembros de la Original Dixieland Jass Band . A principios de la década de 1900, el jazz se interpretaba principalmente en comunidades afroamericanas y mulatas debido a las leyes de segregación. Storyville llevó el jazz a un público más amplio a través de los turistas que visitaban la ciudad portuaria de Nueva Orleans. [79] Se contrató a muchos músicos de jazz de comunidades afroamericanas para actuar en bares y burdeles. Estos incluyeron a Buddy Bolden y Jelly Roll Morton, además de los de otras comunidades, como Lorenzo Tio y Alcide Nunez . Louis Armstrong comenzó su carrera en Storyville [80] y encontró el éxito en Chicago. Storyville fue clausurado por el gobierno de Estados Unidos en 1917. [81]
Síncopa
El cornetista Buddy Bolden tocó en Nueva Orleans desde 1895 hasta 1906. No existen grabaciones de él. A su banda se le atribuye la creación de los cuatro grandes: el primer patrón de bombo sincopado que se desvía de la marcha estándar en el ritmo. [82] Como muestra el siguiente ejemplo, la segunda mitad del patrón de los cuatro grandes es el ritmo de la habanera.
El pianista afro-criollo Jelly Roll Morton comenzó su carrera en Storyville. A partir de 1904, realizó giras con espectáculos de vodevil a ciudades del sur, Chicago y Nueva York. En 1905, compuso " Jelly Roll Blues ", que se convirtió en el primer arreglo de jazz impreso cuando se publicó en 1915. Introdujo a más músicos al estilo de Nueva Orleans. [83]
Morton consideraba el tresillo / habanera, al que llamó tinte español , un ingrediente esencial del jazz. [84] "Ahora, en una de mis primeras melodías," New Orleans Blues ", puedes notar el matiz español. De hecho, si no logras poner matices de español en tus melodías, nunca podrás conseguir el condimento adecuado, lo llamo, para el jazz ". [58]
A continuación se muestra un extracto de "New Orleans Blues". En el extracto, la mano izquierda toca el ritmo del tresillo, mientras que la mano derecha toca variaciones del cinquillo.
Morton fue un innovador crucial en la evolución de la forma de jazz temprana conocida como ragtime al piano de jazz , y podía interpretar piezas en cualquier estilo; en 1938, Morton realizó una serie de grabaciones para la Biblioteca del Congreso en las que demostró la diferencia entre los dos estilos. Los solos de Morton, sin embargo, todavía estaban cerca del ragtime, y no eran meras improvisaciones sobre cambios de acordes como en el jazz posterior, sino que su uso del blues era de igual importancia.
Swing a principios del siglo XX
Morton aflojó el rígido sentimiento rítmico del ragtime, disminuyendo sus adornos y empleando un sentimiento swing . [85] El swing es la técnica rítmica africana más importante y duradera utilizada en el jazz. Una definición de swing frecuentemente citada por Louis Armstrong es: "si no lo siente, nunca lo sabrá". [86] El New Harvard Dictionary of Music afirma que el swing es: "Un impulso rítmico intangible en el jazz ... El swing desafía el análisis; las afirmaciones de su presencia pueden inspirar argumentos". No obstante, el diccionario proporciona la descripción útil de las subdivisiones triples del tiempo en contraste con las subdivisiones dobles: [87] swing superpone seis subdivisiones del tiempo sobre una estructura de pulso básica o cuatro subdivisiones. Este aspecto del swing es mucho más frecuente en la música afroamericana que en la música afrocaribeña. Un aspecto del swing, que se escucha en las músicas de Diáspora más rítmicamente complejas, coloca los golpes entre las "cuadrículas" de triple y doble pulso. [88]
Las bandas de música de Nueva Orleans son una influencia duradera, contribuyendo a los trompetistas al mundo del jazz profesional con el sonido distintivo de la ciudad mientras ayudan a los niños negros a escapar de la pobreza. El líder de la Camelia Brass Band de Nueva Orleans , D'Jalma Ganier, enseñó a Louis Armstrong a tocar la trompeta; Armstrong luego popularizaría el estilo de tocar la trompeta de Nueva Orleans y luego lo expandiría. Al igual que Jelly Roll Morton, a Armstrong también se le atribuye el abandono de la rigidez del ragtime en favor de las notas balanceadas. Armstrong, quizás más que cualquier otro músico, codificó la técnica rítmica del swing en el jazz y amplió el vocabulario de los solistas de jazz. [89]
La Original Dixieland Jass Band hizo las primeras grabaciones de la música a principios de 1917, y su " Livery Stable Blues " se convirtió en el primer disco de jazz lanzado. [90] [91] [92] [93] [94] [95] [96] Ese año, muchas otras bandas hicieron grabaciones con "jazz" en el título o el nombre de la banda, pero la mayoría eran discos de ragtime o novedad en lugar de jazz. . En febrero de 1918 durante la Primera Guerra Mundial, la banda de infantería "Hellfighters" de James Reese Europe llevó el ragtime a Europa, [97] [98] luego, a su regreso, grabó los estándares de Dixieland, incluido " Darktown Strutters 'Ball ". [99]
Otras regiones
En el noreste de Estados Unidos, un estilo "caliente" de tocar ragtime había desarrollado, en particular James Reese Europe sinfónica 's Clef Club de orquesta en la ciudad de Nueva York, que jugó un concierto benéfico en el Carnegie Hall en 1912. [99] [100] La El estilo de trapo de Baltimore de Eubie Blake influyó en el desarrollo de James P. Johnson de tocar el piano con zancadas , en el que la mano derecha toca la melodía, mientras que la mano izquierda proporciona el ritmo y la línea de bajo. [101]
En Ohio y en otras partes del medio oeste, la mayor influencia fue el ragtime, hasta aproximadamente 1919. Alrededor de 1912, cuando aparecieron el banjo de cuatro cuerdas y el saxofón, los músicos comenzaron a improvisar la línea melódica, pero la armonía y el ritmo permanecieron sin cambios. Un relato contemporáneo afirma que el blues solo se podía escuchar en el jazz en los cabarets de tripas, que generalmente eran despreciados por la clase media negra. [102]
La era del jazz
De 1920 a 1933, la Prohibición en los Estados Unidos prohibió la venta de bebidas alcohólicas, lo que resultó en bares clandestinos ilícitos que se convirtieron en lugares animados de la "Era del Jazz", que albergaban música popular, canciones de baile, canciones novedosas y melodías de espectáculos. El jazz comenzó a adquirir una reputación de inmoral, y muchos miembros de las generaciones anteriores lo vieron como una amenaza para los antiguos valores culturales al promover los valores decadentes de los locos años 20. Henry van Dyke, de la Universidad de Princeton, escribió: "... no es música en absoluto. Es simplemente una irritación de los nervios del oído, una burla sensual de las cuerdas de la pasión física". [103] El New York Times informó que los aldeanos de Siberia usaban el jazz para ahuyentar a los osos, pero los aldeanos habían usado ollas y sartenes; otra historia afirmaba que el jazz provocó el infarto fatal de un director célebre. [103]
En 1919, Kid Ory 's Original Creole Jazz Band de músicos de Nueva Orleans comenzó a tocar en San Francisco y Los Ángeles, donde en 1922 se convirtieron en la primera banda de jazz negra de origen de Nueva Orleans en realizar grabaciones. [104] [105] Durante el mismo año, Bessie Smith hizo sus primeras grabaciones. [106] Chicago estaba desarrollando " Hot Jazz " y King Oliver se unió a Bill Johnson . Bix Beiderbecke formó The Wolverines en 1924.
A pesar de su origen negro sureño, existía un mercado más amplio para la música de baile jazz interpretada por orquestas blancas. En 1918, Paul Whiteman y su orquesta se convirtieron en un éxito en San Francisco. Firmó un contrato con Victor y se convirtió en el principal líder de la banda de la década de 1920, dando al hot jazz un componente blanco, contratando músicos blancos como Bix Beiderbecke , Jimmy Dorsey , Tommy Dorsey , Frankie Trumbauer y Joe Venuti . En 1924, Whiteman encargó Rhapsody in Blue de George Gershwin , que fue estrenada por su orquesta. El jazz comenzó a ser reconocido como una forma musical notable. Olin Downes , revisando el concierto en The New York Times , escribió: "Esta composición muestra un talento extraordinario, ya que muestra a un joven compositor con objetivos que van mucho más allá de los de su clase, luchando con una forma de la que está lejos de ser maestro. ... A pesar de todo esto, se ha expresado de una forma significativa y, en general, muy original ... Su primer tema ... no es una simple melodía de baile ... es una idea, o varias ideas, correlacionadas y combinadas en ritmos variables y contrastantes que intrigan inmediatamente al oyente ". [107]
Después de que la banda de Whiteman recorriera Europa con éxito, las grandes orquestas de jazz en los pits de los teatros se hicieron populares con otros blancos, incluidos Fred Waring , Jean Goldkette y Nathaniel Shilkret . Según Mario Dunkel, el éxito de Whiteman se basó en una "retórica de domesticación" según la cual había elevado y hecho valioso (léase "blanco") un tipo de música previamente incipiente (léase "negro"). [108]
El éxito de Whiteman hizo que los negros siguieran su ejemplo, incluidos Earl Hines (que abrió en The Grand Terrace Cafe en Chicago en 1928), Duke Ellington (que abrió en el Cotton Club en Harlem en 1927), Lionel Hampton , Fletcher Henderson , Claude Hopkins y Don Redman , con Henderson y Redman desarrollando la fórmula de "hablar entre ellos" para la música swing "caliente". [109]
En 1924, Louis Armstrong se unió a la banda de baile Fletcher Henderson durante un año, como solista destacado. El estilo original de Nueva Orleans era polifónico, con variación de tema e improvisación colectiva simultánea. Armstrong era un maestro del estilo de su ciudad natal, pero cuando se unió a la banda de Henderson, ya era un pionero en una nueva fase del jazz, con su énfasis en los arreglos y solistas. Los solos de Armstrong fueron mucho más allá del concepto de improvisación temática y se improvisaron en acordes, en lugar de melodías. Según Schuller, en comparación, los solos de los compañeros de banda de Armstrong (incluido un joven Coleman Hawkins ) sonaban "rígidos, aburridos", con "ritmos espasmódicos y una calidad tonal gris no distinguida". [110] El siguiente ejemplo muestra un breve extracto de la melodía directa de "Mandy, Make Up Your Mind" de George W. Meyer y Arthur Johnston (arriba), en comparación con las improvisaciones en solitario de Armstrong (abajo) (grabadas en 1924). [111] Los solos de Armstrong fueron un factor significativo para hacer del jazz un verdadero idioma del siglo XX. Después de dejar el grupo de Henderson, Armstrong formó su banda Hot Five , donde popularizó el canto scat . [112]
Swing en las décadas de 1920 y 1930
La década de 1930 perteneció a las populares big bands de swing , en las que algunos virtuosos solistas se hicieron tan famosos como los líderes de las bandas. Las figuras clave en el desarrollo de la "gran" banda de jazz incluyeron a los directores y arreglistas Count Basie , Cab Calloway , Jimmy y Tommy Dorsey , Duke Ellington , Benny Goodman , Fletcher Henderson , Earl Hines , Harry James , Jimmie Lunceford , Glenn Miller y Artie Shaw . Aunque era un sonido colectivo, el swing también ofrecía a los músicos individuales la oportunidad de "solos" e improvisar solos melódicos y temáticos que a veces podían ser música compleja y "importante".
Con el tiempo, las restricciones sociales con respecto a la segregación racial comenzaron a relajarse en Estados Unidos: los líderes de bandas blancos comenzaron a reclutar músicos negros y los líderes de bandas negros a los blancos. A mediados de la década de 1930, Benny Goodman contrató al pianista Teddy Wilson , al vibrafonista Lionel Hampton y al guitarrista Charlie Christian para unirse a pequeños grupos. En la década de 1930, Kansas City Jazz, ejemplificado por el saxofonista tenor Lester Young, marcó la transición de las grandes bandas a la influencia del bebop de la década de 1940. Un estilo de principios de la década de 1940 conocido como " jump the blues" o jump blues utilizaba pequeños combos, música uptempo y progresiones de acordes de blues, inspirados en el boogie-woogie de la década de 1930.
La influencia de Duke Ellington
Mientras que el swing alcanzaba la cima de su popularidad, Duke Ellington pasó a finales de los años veinte y treinta desarrollando un lenguaje musical innovador para su orquesta. Abandonando las convenciones del swing, experimentó con sonidos orquestales, armonía y forma musical con composiciones complejas que aún se traducían bien para el público popular; algunas de sus canciones se convirtieron en éxitos y su propia popularidad se extendió desde los Estados Unidos hasta Europa. [113]
Ellington llamó a su música American Music , en lugar de jazz , y le gustaba describir a quienes lo impresionaban como "más allá de la categoría". [114] Entre ellos había muchos músicos de su orquesta, algunos de los cuales están considerados entre los mejores del jazz por derecho propio, pero fue Ellington quien los fusionó en una de las orquestas de jazz más populares de la historia del jazz. A menudo componía para el estilo y las habilidades de estas personas, como "Jeep's Blues" para Johnny Hodges , "Concerto for Cootie" para Cootie Williams (que luego se convirtió en " Do Nothing Till You Hear from Me " con la letra de Bob Russell ). y "The Mooche" para Tricky Sam Nanton y Bubber Miley . También grabó composiciones escritas por sus músicos, como " Caravan " y " Perdido " de Juan Tizol , que llevaron el "Spanish Tinge" al jazz de big band. Varios miembros de la orquesta permanecieron con él durante varias décadas. La banda alcanzó un pico creativo a principios de la década de 1940, cuando Ellington y un pequeño grupo cuidadosamente seleccionado de sus compositores y arreglistas escribieron para una orquesta de voces distintivas que mostraban una tremenda creatividad. [115]
Inicios del jazz europeo
Como solo se lanzó un número limitado de discos de jazz estadounidense en Europa, el jazz europeo tiene muchas de sus raíces en artistas estadounidenses como James Reese Europe, Paul Whiteman y Lonnie Johnson , que visitaron Europa durante y después de la Primera Guerra Mundial. actuaciones en directo que inspiraron el interés del público europeo por el jazz, así como el interés por todas las cosas americanas (y por tanto exóticas) que acompañaron los problemas económicos y políticos de Europa durante este tiempo. [116] Los inicios de un estilo de jazz europeo distinto comenzaron a surgir en este período de entreguerras.
El jazz británico comenzó con una gira de la Original Dixieland Jazz Band en 1919 . En 1926, Fred Elizalde y sus estudiantes de Cambridge comenzaron a transmitir en la BBC. A partir de entonces, el jazz se convirtió en un elemento importante en muchas de las principales orquestas de danza, y los instrumentistas de jazz se volvieron numerosos. [117]
Este estilo entró en pleno apogeo en Francia con la Quintette du Hot Club de France , que comenzó en 1934. Gran parte de este jazz francés fue una combinación de jazz afroamericano y los estilos sinfónicos en los que los músicos franceses estaban bien entrenados; en esto, es fácil ver la inspiración tomada de Paul Whiteman ya que su estilo también fue una fusión de los dos. [118] El guitarrista belga Django Reinhardt popularizó el jazz gitano , una mezcla de swing estadounidense de los años 30, " musette " de salón de baile francés y folk de Europa del Este con una sensación lánguida y seductora; los instrumentos principales fueron la guitarra de cuerdas de acero, el violín y el contrabajo. Los solos pasan de un jugador a otro mientras la guitarra y el bajo forman la sección rítmica. Algunos investigadores creen que Eddie Lang y Joe Venuti fueron pioneros en la asociación guitarra-violín característica del género, [119] que llegó a Francia después de que se escucharan en vivo o en Okeh Records a fines de la década de 1920. [120]
Jazz de posguerra
El estallido de la Segunda Guerra Mundial marcó un punto de inflexión para el jazz. El jazz de la era del swing de la década anterior había desafiado a otras músicas populares por ser representativas de la cultura de la nación, con big bands que alcanzaron la cima del éxito del estilo a principios de la década de 1940; Los actos de swing y las grandes bandas viajaron con el ejército estadounidense al extranjero a Europa, donde también se hizo popular. [121] En Estados Unidos, sin embargo, la guerra presentó dificultades para el formato de big band: la conscripción acortó el número de músicos disponibles; la necesidad militar de goma laca (comúnmente utilizada para prensar discos de gramófono ) limitó la producción de discos; la escasez de caucho (también debido al esfuerzo bélico) desanimó a las bandas de viajar por carretera; y una demanda del sindicato de músicos de una prohibición de grabación comercial limitó la distribución de música entre 1942 y 1944. [122]
Muchas de las grandes bandas que se vieron privadas de músicos experimentados debido al esfuerzo bélico comenzaron a reclutar a músicos jóvenes que estaban por debajo de la edad para el servicio militar obligatorio, como fue el caso de la entrada del saxofonista Stan Getz en una banda cuando era adolescente. [123] Esto coincidió con un resurgimiento a nivel nacional en el estilo Dixieland de jazz pre-swing; artistas como el clarinetista George Lewis , el cornetista Bill Davison y el trombonista Turk Murphy fueron aclamados por críticos de jazz conservadores como más auténticos que las grandes bandas. [122] En otros lugares, con las limitaciones en la grabación, pequeños grupos de músicos jóvenes desarrollaron un estilo de jazz de improvisación más uptempo, [121] colaborando y experimentando con nuevas ideas para el desarrollo melódico, el lenguaje rítmico y la sustitución armónica , durante el tiempo informal, tardío - sesiones de improvisación nocturnas organizadas en pequeños clubes y apartamentos. Las figuras clave en este desarrollo se basaron principalmente en Nueva York e incluyeron a los pianistas Thelonious Monk y Bud Powell , los bateristas Max Roach y Kenny Clarke , el saxofonista Charlie Parker y el trompetista Dizzy Gillespie . [122] Este desarrollo musical se conoció como bebop . [121]
El bebop y los desarrollos posteriores del jazz de la posguerra presentaban un conjunto más amplio de notas , tocadas en patrones más complejos y en tempos más rápidos que el jazz anterior. [123] Según Clive James , el bebop fue "el desarrollo musical de la posguerra que trató de asegurar que el jazz ya no fuera el sonido espontáneo de la alegría ... Los estudiosos de las relaciones raciales en Estados Unidos están generalmente de acuerdo en que los exponentes de la posguerra El jazz de guerra estaba decidido, con razón, a presentarse como artistas desafiantes en lugar de artistas domesticados ". [124] El final de la guerra marcó "un resurgimiento del espíritu de experimentación y pluralismo musical bajo el cual había sido concebido", junto con "el comienzo de un declive en la popularidad de la música jazz en Estados Unidos", según el académico estadounidense Michael H. Burchett. [121]
Con el auge del bebop y el final de la era del swing después de la guerra, el jazz perdió su prestigio como música pop . Los vocalistas de las famosas big bands pasaron a comercializarse y actuar como cantantes pop solistas; estos incluyeron a Frank Sinatra , Peggy Lee , Dick Haymes y Doris Day . [123] Los músicos mayores que todavía tocaban su jazz de antes de la guerra, como Armstrong y Ellington, fueron gradualmente vistos en la corriente principal como pasados de moda. Otros intérpretes más jóvenes, como el cantante Big Joe Turner y el saxofonista Louis Jordan , que se sintieron desanimados por la creciente complejidad del bebop, persiguieron esfuerzos más lucrativos en el rhythm and blues, el jump blues y, finalmente, el rock and roll . [121] Algunos, incluido Gillespie, compusieron piezas intrincadas pero bailables para músicos de bebop en un esfuerzo por hacerlas más accesibles, pero el bebop permaneció en gran parte al margen del ámbito del público estadounidense. "La nueva dirección del jazz de posguerra atrajo una gran cantidad de elogios de la crítica, pero su popularidad disminuyó constantemente a medida que desarrolló una reputación como un género académico que era en gran parte inaccesible para el público general", dijo Burchett. "La búsqueda para hacer que el jazz sea más relevante para el público popular, manteniendo su integridad artística, es un tema constante y prevalente en la historia del jazz de posguerra". [121] Durante su período de swing, el jazz había sido una escena musical sin complicaciones; Según Paul Trynka , esto cambió en los años de la posguerra:
De repente, el jazz ya no era sencillo. Hubo bebop y sus variantes, hubo el último suspiro del swing, hubo extraños nuevos brebajes como el jazz progresivo de Stan Kenton , y hubo un fenómeno completamente nuevo llamado revivalismo: el redescubrimiento del jazz del pasado, ya sea en discos antiguos. o interpretado en vivo por jugadores de edad avanzada que salieron de su retiro. De ahora en adelante no servía de nada decir que te gustaba el jazz, tenías que especificar qué tipo de jazz. Y así ha sido desde entonces, solo que más. Hoy en día, la palabra "jazz" carece prácticamente de sentido sin una definición más amplia. [123]
Be-bop
A principios de la década de 1940, los artistas de estilo bebop comenzaron a cambiar el jazz de la música popular bailable hacia una "música de músico" más desafiante. Los músicos de bebop más influyentes fueron el saxofonista Charlie Parker, los pianistas Bud Powell y Thelonious Monk , los trompetistas Dizzy Gillespie y Clifford Brown y el baterista Max Roach . Al divorciarse de la música de baile, el bebop se estableció más como una forma de arte, disminuyendo así su potencial atractivo popular y comercial.
El compositor Gunther Schuller escribió: "En 1943 escuché a la gran banda de Earl Hines que tenía a Bird y a todos esos otros grandes músicos. Estaban tocando todos los acordes de quinta bemol y todas las armonías y sustituciones modernas y Dizzy Gillespie corre en la sección de trompetas. trabajo. Dos años después leí que eso era 'bop' y el comienzo del jazz moderno ... pero la banda nunca hizo grabaciones ". [125]
Dizzy Gillespie escribió: "La gente habla de que la banda de Hines es 'la incubadora del bop' y los principales exponentes de esa música terminaron en la banda de Hines. Pero la gente también tiene la impresión errónea de que la música era nueva. No lo era. la música evolucionó a partir de lo que había antes. Era la misma música básica. La diferencia estaba en cómo se llegaba de aquí para allá ... naturalmente, cada época tiene su propia mierda ". [126]
Dado que el bebop estaba destinado a ser escuchado, no bailado, podría utilizar tempos más rápidos. La percusión cambió a un estilo más elusivo y explosivo, en el que el platillo ride se usaba para mantener el ritmo, mientras que la caja y el bombo se usaban para acentuar. Esto dio lugar a una música muy sincopada con una complejidad rítmica lineal. [127]
Los músicos de bebop emplearon varios dispositivos armónicos que antes no eran típicos del jazz, participando en una forma más abstracta de improvisación basada en acordes. Las escalas de bebop son escalas tradicionales con una nota de paso cromática añadida; [128] bebop también usa acordes de "paso", acordes sustitutos y acordes alterados . Se introdujeron nuevas formas de cromatismo y disonancia en el jazz, y el intervalo del tritono disonante (o "quinta bemol") se convirtió en el "intervalo más importante del bebop" [129]. Las progresiones de acordes para las melodías bebop a menudo se tomaban directamente de melodías populares de la era del swing. y reutilizado con una melodía nueva y más compleja y / o armonizado con progresiones de acordes más complejas para formar nuevas composiciones, una práctica que ya estaba bien establecida en el jazz anterior, pero que llegó a ser fundamental para el estilo bebop. Bebop hizo uso de varias progresiones de acordes relativamente comunes, como blues (en la base, I-IV-V, pero a menudo infundido con movimiento ii-V) y "cambios de ritmo" (I-VI-ii-V), los acordes para el estándar pop de la década de 1930 " I Got Rhythm ". El bop tardío también se movió hacia formas extendidas que representaban una desviación del pop y las melodías del espectáculo.
El desarrollo armónico en el bebop a menudo se remonta a un momento experimentado por Charlie Parker mientras interpretaba "Cherokee" en la Uptown House de Clark Monroe , Nueva York, a principios de 1942. "Me estaba aburriendo con los cambios estereotipados que se estaban utilizando. ... y seguía pensando que seguramente había algo más. A veces podía escucharlo. No podía tocarlo ... Estaba trabajando en 'Cherokee' y, mientras lo hacía, descubrí que al usar los intervalos más altos de un acorde como una línea de melodía y acompañándolos con cambios apropiadamente relacionados, pude tocar lo que había estado escuchando. Cobró vida ". [130] Gerhard Kubik postula que el desarrollo armónico en el bebop surgió del blues y de las sensibilidades tonales relacionadas con África en lugar de la música clásica occidental del siglo XX. "Las inclinaciones auditivas fueron el legado africano en la vida [de Parker], reconfirmado por la experiencia del sistema tonal del blues, un mundo sonoro en desacuerdo con las categorías de acordes diatónicos occidentales. Los músicos de Bebop eliminaron la armonía funcional de estilo occidental en su música mientras conservaban la fuerte tonalidad central del blues como base para dibujar sobre varias matrices africanas ". [130]
Samuel Floyd afirma que el blues fue tanto la base como la fuerza propulsora del bebop, lo que provocó una nueva concepción armónica utilizando estructuras de acordes extendidas que condujeron a una variedad armónica y melódica sin precedentes, una complejidad rítmica lineal desarrollada y aún más sincopada y una angularidad melódica en que la nota azul del quinto grado se estableció como un importante dispositivo melódico-armónico; y el restablecimiento del blues como principio organizativo y funcional principal. [127] Kubik escribió:
Mientras que para un observador externo, las innovaciones armónicas en el bebop parecerían inspiradas por experiencias en la música occidental "seria", desde Claude Debussy hasta Arnold Schoenberg , tal esquema no puede sustentarse en la evidencia de un enfoque cognitivo. Claude Debussy tuvo cierta influencia en el jazz, por ejemplo, en la interpretación del piano de Bix Beiderbecke. Y también es cierto que Duke Ellington adoptó y reinterpretó algunos dispositivos armónicos en la música contemporánea europea. El jazz de la costa oeste incurriría en deudas como varias formas de jazz cool, pero el bebop apenas tiene deudas en el sentido de préstamos directos. Por el contrario, ideológicamente, el bebop fue una fuerte declaración de rechazo a cualquier tipo de eclecticismo, impulsado por el deseo de activar algo profundamente enterrado en uno mismo. Bebop luego revivió las ideas armónicas tonales transmitidas a través del blues y reconstruyó y expandió otras en un enfoque armónico básicamente no occidental. El significado último de todo esto es que los experimentos con el jazz durante la década de 1940 devolvieron a la música afroamericana varios principios y técnicas estructurales arraigados en las tradiciones africanas. [131]
Estas divergencias de la corriente principal del jazz de la época encontraron una respuesta dividida, a veces hostil, entre los fanáticos y los músicos, especialmente los músicos de swing que se erizaron con los nuevos sonidos armónicos. Para los críticos hostiles, el bebop parecía estar lleno de "frases aceleradas y nerviosas". [132] Pero a pesar de la fricción, en la década de 1950 el bebop se había convertido en una parte aceptada del vocabulario del jazz.
Jazz afrocubano (cu-bop)
Machito y Mario Bauza
El consenso general entre músicos y musicólogos es que la primera pieza original de jazz basada abiertamente en clave fue "Tanga" (1943), compuesta por Mario Bauza , de origen cubano, y grabada por Machito y sus afrocubanos en la ciudad de Nueva York. "Tanga" comenzó como una descarga espontánea (jam session cubana), con solos de jazz superpuestos encima. [133]
Este fue el nacimiento del jazz afrocubano . El uso de la clave trajo la línea de tiempo africana , o patrón clave , al jazz. La música organizada en torno a patrones clave transmite una estructura bicelular (binaria), que es un nivel complejo de ritmo cruzado africano . [134] En el contexto del jazz, sin embargo, la armonía es el principal referente, no el ritmo. La progresión armónica puede comenzar en cualquier lado de la clave, y el armónico "uno" siempre se entiende como "uno". Si la progresión comienza en los "tres lados" de la clave, se dice que está en clave 3–2 (se muestra a continuación). Si la progresión comienza en los "dos lados", es en clave 2–3 . [135]
Dizzy Gillespie y Chano Pozo
Mario Bauzá presentó al innovador del bebop Dizzy Gillespie al baterista y compositor de conga cubano Chano Pozo . La breve colaboración de Gillespie y Pozo produjo algunos de los estándares de jazz afrocubano más perdurables. " Manteca " (1947) es el primer estándar de jazz basado rítmicamente en clave. Según Gillespie, Pozo compuso los guajeos contrapuntísticos ( ostinatos afrocubanos ) en capas de la sección A y la introducción, mientras que Gillespie escribió el puente. Gillespie relató: "Si lo hubiera dejado ir como [Chano] quería, habría sido estrictamente afrocubano todo el camino. No habría habido un puente. Pensé que estaba escribiendo un puente de ocho compases, pero ... tuve que seguir adelante y terminé escribiendo un puente de dieciséis barras ". [136] El puente le dio a "Manteca" una estructura armónica típica del jazz, diferenciando la pieza del "Tanga" modal de Bauza de unos años antes.
La colaboración de Gillespie con Pozo trajo ritmos africanos específicos al bebop. Al tiempo que empujaba los límites de la improvisación armónica, el cu-bop también se inspiraba en el ritmo africano. Los arreglos de jazz con una sección de Latin A y una sección de swing B, con todos los coros tocados durante los solos, se convirtieron en una práctica común con muchas melodías latinas del repertorio estándar del jazz. Este enfoque se puede escuchar en las grabaciones anteriores a 1980 de "Manteca", " A Night in Tunisia ", "Tin Tin Deo" y " On Green Dolphin Street ".
Ritmo cruzado africano
El percusionista cubano Mongo Santamaria grabó por primera vez su composición " Afro Blue " en 1959. [137] "Afro Blue" fue el primer estándar de jazz construido sobre un típico ritmo cruzado africano de tres contra dos (3: 2) , o hemiola . [138] La pieza comienza con el bajo tocando repetidamente 6 tiempos cruzados por cada compás de12
8o 6 tiempos cruzados por 4 tiempos principales: 6: 4 (dos celdas de 3: 2).
El siguiente ejemplo muestra la línea de bajo original ostinato "Afro Blue". Las cabezas de nota cruzadas indican los tiempos principales (no las notas graves).
Cuando John Coltrane cubrió "Afro Blue" en 1963, invirtió la jerarquía métrica, interpretando la melodía como una3
4 vals de jazz con ritmos cruzados superpuestos (2: 3). Originalmente un blues pentatónico B ♭ , Coltrane expandió la estructura armónica de "Afro Blue".
Quizás el combo de jazz afrocubano más respetado de finales de la década de 1950 fue la banda vibrafonista Cal Tjader . Tjader tuvo a Mongo Santamaria , Armando Peraza y Willie Bobo en sus primeras fechas de grabación.
Renacimiento de Dixieland
A fines de la década de 1940, hubo un renacimiento de Dixieland , que se remonta al estilo contrapuntístico de Nueva Orleans. Esto fue impulsado en gran parte por las reediciones de los clásicos del jazz por parte de las bandas de Oliver, Morton y Armstrong de la década de 1930. Había dos tipos de músicos involucrados en el resurgimiento: el primer grupo estaba formado por aquellos que habían comenzado sus carreras tocando en el estilo tradicional y volvían a él (o continuaban con lo que habían estado tocando todo el tiempo), como Bob Crosby. Bobcats, Max Kaminsky , Eddie Condon y Wild Bill Davison . [139] La mayoría de estos músicos eran originalmente del Medio Oeste, aunque había un pequeño número de músicos de Nueva Orleans involucrados. El segundo grupo de revivalistas estaba formado por músicos más jóvenes, como los de la banda Lu Watters , Conrad Janis y Ward Kimball y su Firehouse Five Plus Two Jazz Band. A fines de la década de 1940, la banda Allstars de Louis Armstrong se convirtió en un conjunto líder. Durante las décadas de 1950 y 1960, Dixieland fue uno de los estilos de jazz más populares comercialmente en los EE. UU., Europa y Japón, aunque los críticos le prestaron poca atención. [139]
Bop duro
El hard bop es una extensión de la música bebop (o "bop") que incorpora influencias del blues, el rhythm and blues y el gospel, especialmente en el saxofón y el piano. El hard bop se desarrolló a mediados de la década de 1950, fusionándose en 1953 y 1954; se desarrolló en parte en respuesta a la moda del cool jazz a principios de la década de 1950 y fue paralelo al auge del rhythm and blues. La interpretación de Miles Davis de "Walkin '" en 1954 en el primer Festival de Jazz de Newport anunció el estilo al mundo del jazz. [140] El quinteto Art Blakey and the Jazz Messengers, dirigido por Blakey y con el pianista Horace Silver y el trompetista Clifford Brown , fueron líderes en el movimiento hard bop con Davis.
Jazz modal
El jazz modal es un desarrollo que comenzó a finales de la década de 1950 y que toma el modo , o escala musical, como base de la estructura musical y la improvisación. Anteriormente, un solo estaba destinado a encajar en una progresión de acordes determinada , pero con el jazz modal, el solista crea una melodía usando uno (o un pequeño número de) modos. Por lo tanto, el énfasis se desplaza de la armonía a la melodía: [141] "Históricamente, esto provocó un cambio sísmico entre los músicos de jazz, lejos de pensar verticalmente (el acorde), y hacia un enfoque más horizontal (la escala)", [142] explicó el pianista Mark Levine .
La teoría modal proviene de un trabajo de George Russell . Miles Davis introdujo el concepto en el gran mundo del jazz con Kind of Blue (1959), una exploración de las posibilidades del jazz modal que se convertiría en el álbum de jazz más vendido de todos los tiempos. En contraste con el trabajo anterior de Davis con hard bop y su compleja progresión e improvisación de acordes, Kind of Blue se compuso como una serie de bocetos modales en los que los músicos recibieron escalas que definían los parámetros de su improvisación y estilo. [143]
"No escribí la música para Kind of Blue , pero traje bocetos de lo que se suponía que todos debían tocar porque quería mucha espontaneidad", [144] recordó Davis. La pista "So What" tiene sólo dos acordes: D-7 y E ♭ -7. [145]
Otros innovadores en este estilo incluyen a Jackie McLean , [146] y dos de los músicos que también habían tocado en Kind of Blue : John Coltrane y Bill Evans.
Jazz libre
El free jazz, y la forma relacionada del jazz de vanguardia , se abrió paso en un espacio abierto de "tonalidad libre" en el que el metro, el ritmo y la simetría formal desaparecieron, y una variedad de músicas del mundo de la India, África y Arabia fueron fundido en un estilo de juego intenso, incluso religiosamente extático u orgiástico. [147] Aunque ligeramente inspirado por el bebop, las melodías de free jazz dieron a los músicos mucha más libertad; la armonía y el tempo sueltos se consideraron controvertidos cuando se desarrolló por primera vez este enfoque. El bajista Charles Mingus también se asocia frecuentemente con la vanguardia en el jazz, aunque sus composiciones se basan en una miríada de estilos y géneros.
Los primeros grandes cambios se produjeron en la década de 1950 con los primeros trabajos de Ornette Coleman (cuyo álbum de 1960 Free Jazz: A Collective Improvisation acuñó el término) y Cecil Taylor . En la década de 1960, los exponentes incluyeron a Albert Ayler , Gato Barbieri , Carla Bley , Don Cherry , Larry Coryell , John Coltrane , Bill Dixon , Jimmy Giuffre , Steve Lacy , Michael Mantler , Sun Ra , Roswell Rudd , Pharoah Sanders y John Tchicai . Al desarrollar su estilo tardío, Coltrane estuvo especialmente influenciado por la disonancia del trío de Ayler con el bajista Gary Peacock y el baterista Sunny Murray , una sección rítmica perfeccionada con Cecil Taylor como líder. En noviembre de 1961, Coltrane tocó en el Village Vanguard, que resultó en el clásico Chasin 'the' Trane , que la revista Down Beat calificó de "anti-jazz". En su gira de 1961 por Francia, fue abucheado, pero perseveró, firmando con el nuevo Impulse! Records en 1960 y convirtiéndola en "la casa que construyó Trane", mientras defendía a muchos músicos de free jazz más jóvenes, en particular Archie Shepp , que a menudo tocaba con el trompetista Bill Dixon , quien organizó la " Revolución de Octubre en Jazz " de 4 días en Manhattan en 1964, primer festival de free jazz.
Una serie de grabaciones con el Classic Quartet en la primera mitad de 1965 muestran que la interpretación de Coltrane se vuelve cada vez más abstracta, con una mayor incorporación de dispositivos como multifónicos , utilización de armónicos y reproducción en el registro altissimo , así como un retorno mutado a las hojas de Coltrane de sonido . En el estudio, casi abandonó su soprano para concentrarse en el saxofón tenor. Además, el cuarteto respondió al líder tocando con mayor libertad. La evolución del grupo se puede rastrear a través de las grabaciones The John Coltrane Quartet Plays , Living Space and Transition (ambos junio de 1965), New Thing at Newport (julio de 1965), Sun Ship (agosto de 1965) y First Meditations (septiembre de 1965).
En junio de 1965, Coltrane y otros 10 músicos grabaron Ascension , una pieza de 40 minutos de duración sin interrupciones que incluía solos aventureros de jóvenes músicos de vanguardia, así como de Coltrane, y fue controvertida principalmente por las secciones de improvisación colectiva que separaban los solos. Dave Liebman lo llamó más tarde "la antorcha que encendió el tema del free jazz". Después de grabar con el cuarteto durante los meses siguientes, Coltrane invitó a Pharoah Sanders a unirse a la banda en septiembre de 1965. Mientras que Coltrane usaba el exceso con frecuencia como un signo de exclamación emocional, Sanders optaría por exagerar todo su solo, lo que resultó en una constante gritando y chillando en el rango altissimo del instrumento.
Free jazz en Europa
El free jazz se tocaba en Europa en parte porque músicos como Ayler, Taylor, Steve Lacy y Eric Dolphy pasaban largos períodos de tiempo allí, y músicos europeos como Michael Mantler y John Tchicai viajaron a los EE. UU. Para experimentar la música estadounidense de primera mano. El jazz contemporáneo europeo fue formado por Peter Brötzmann , John Surman , Krzysztof Komeda , Zbigniew Namysłowski , Tomasz Stanko , Lars Gullin , Joe Harriott , Albert Mangelsdorff , Kenny Wheeler , Graham Collier , Michael Garrick y Mike Westbrook . Estaban ansiosos por desarrollar enfoques musicales que reflejaran su herencia.
Desde la década de 1960, se han desarrollado centros creativos del jazz en Europa, como la escena del jazz creativo en Amsterdam. Siguiendo el trabajo del baterista Han Bennink y la pianista Misha Mengelberg , los músicos comenzaron a explorar improvisando colectivamente hasta que se encuentra una forma (melodía, ritmo, una canción famosa) El crítico de jazz Kevin Whitehead documentó la escena del free jazz en Amsterdam y algunos de sus principales exponentes como la orquesta ICP (Instant Composers Pool) en su libro New Dutch Swing . Desde la década de 1990, Keith Jarrett ha defendido el free jazz de las críticas. El escritor británico Stuart Nicholson ha argumentado que el jazz contemporáneo europeo tiene una identidad diferente del jazz estadounidense y sigue una trayectoria diferente. [148]
Jazz latino
El jazz latino es jazz que emplea ritmos latinoamericanos y generalmente se entiende que tiene un significado más específico que simplemente jazz de América Latina. Un término más preciso podría ser jazz afrolatino , ya que el subgénero del jazz normalmente emplea ritmos que tienen un análogo directo en África o exhiben una influencia rítmica africana más allá de lo que normalmente se escucha en otro jazz. Las dos categorías principales del jazz latino son el jazz afrocubano y el jazz brasileño.
En las décadas de 1960 y 1970, muchos músicos de jazz tenían solo un conocimiento básico de la música cubana y brasileña, y las composiciones de jazz que usaban elementos cubanos o brasileños a menudo se denominaban "melodías latinas", sin distinción entre un son montuno cubano y un brasileño. bossa nova . Incluso en 2000, en Estilos de jazz: Historia y análisis de Mark Gridley , una línea de bajo de bossa nova se conoce como una "figura de bajo latino". [149] No era raro durante las décadas de 1960 y 1970 escuchar una conga tocando un tumbao cubano mientras la batería y el bajo tocaban un patrón de bossa nova brasileño. Muchos estándares de jazz como "Manteca", "On Green Dolphin Street" y "Song for My Father" tienen una sección A "latina" y una sección B balanceada. Por lo general, la banda solo tocaba un tono "latino" par en la sección A de la cabeza y se balanceaba a lo largo de todos los solos. Los especialistas en jazz latino como Cal Tjader tendían a ser la excepción. Por ejemplo, en una grabación en vivo de 1959 de Tjader de "A Night in Tunisia", el pianista Vince Guaraldi hizo un solo en todo el formulario sobre un auténtico mambo . [150]
Renacimiento del jazz afrocubano
Durante la mayor parte de su historia, el jazz afrocubano había sido cuestión de superponer frases de jazz sobre ritmos cubanos. Pero a fines de la década de 1970, había surgido una nueva generación de músicos de la ciudad de Nueva York que dominaban tanto la música de baile de salsa como el jazz, lo que llevó a un nuevo nivel de integración del jazz y los ritmos cubanos. Esta era de creatividad y vitalidad está mejor representada por los hermanos González Jerry (congas y trompeta) y Andy (bajo). [151] Durante 1974-1976, fueron miembros de uno de los grupos de salsa más experimentales de Eddie Palmieri : la salsa era el medio, pero Palmieri estaba ampliando la forma de nuevas maneras. Incorporó cuartos paralelos, con vampiros tipo McCoy Tyner. Las innovaciones de Palmieri, los hermanos González y otros llevaron a un renacimiento del jazz afrocubano en la ciudad de Nueva York.
Esto ocurrió en paralelo con los acontecimientos en Cuba [152] La primera banda cubana de esta nueva ola fue Irakere . Su "Chékere-son" (1976) introdujo un estilo de líneas de trompeta con sabor a bebop "cubanizado" que se apartaban de las líneas más angulares basadas en el guajeo que eran típicas de la música popular cubana y el jazz latino hasta ese momento. Se basó en la composición de Charlie Parker "Billie's Bounce", mezclada de una manera que fusionaba líneas de clave y bebop. [153] A pesar de la ambivalencia de algunos miembros de la banda hacia la fusión folklórica / jazz afrocubana de Irakere, sus experimentos cambiaron para siempre el jazz cubano: sus innovaciones aún se escuchan en el alto nivel de complejidad armónica y rítmica del jazz cubano y del jazz. y una forma contemporánea compleja de música de baile popular conocida como timba .
Jazz afrobrasileño
El jazz brasileño, como la bossa nova , se deriva de la samba , con influencias del jazz y otros estilos de música clásica y popular del siglo XX. Bossa es generalmente de ritmo moderado, con melodías cantadas en portugués o inglés, mientras que el jazz-samba relacionado es una adaptación del street samba al jazz.
El estilo bossa nova fue promovido por los brasileños João Gilberto y Antônio Carlos Jobim y se hizo popular con la grabación de " Chega de Saudade " de Elizete Cardoso en el LP Canção do Amor Demais . Los estrenos iniciales de Gilberto y la película Black Orpheus de 1959 alcanzaron una gran popularidad en América Latina ; esto se extendió a América del Norte a través de la visita de músicos de jazz estadounidenses. Las grabaciones resultantes de Charlie Byrd y Stan Getz cimentaron la popularidad de la bossa nova y dieron lugar a un auge mundial, con Getz / Gilberto de 1963 , numerosas grabaciones de famosos intérpretes de jazz como Ella Fitzgerald y Frank Sinatra , y el eventual afianzamiento del estilo de la bossa nova como una influencia duradera en la música del mundo.
Percusionistas brasileños como Airto Moreira y Naná Vasconcelos también influyeron en el jazz a nivel internacional al introducir instrumentos y ritmos folclóricos afrobrasileños en una amplia variedad de estilos de jazz, atrayendo así a una mayor audiencia. [154] [155] [156]
De inspiración africana
Ritmo
El primer estándar de jazz compuesto por un no latino que utiliza un lenguaje africano abierto.12
8El ritmo cruzado fue " Footprints " de Wayne Shorter (1967). [157] En la versión grabada en Miles Smiles por Miles Davis , el bajo cambia a un4
4 Cifra de tresillo a las 2:20. "Footprints" no es, sin embargo, una melodía de jazz latino : Ron Carter (bajo) y Tony Williams (batería) acceden directamente a las estructuras rítmicas africanas a través de las sensibilidades rítmicas del swing . A lo largo de la pieza, los cuatro tiempos, sonados o no, se mantienen como referente temporal. El siguiente ejemplo muestra el12
8 y 4
4formas de la línea de bajo. Las cabezas de nota cortadas indican los tiempos principales (no las notas graves), donde uno normalmente golpea con el pie para "mantener el tiempo".
Escalas pentatónicas
El uso de escalas pentatónicas fue otra tendencia asociada con África. El uso de escalas pentatónicas en África probablemente se remonta a miles de años. [158]
McCoy Tyner perfeccionó el uso de la escala pentatónica en sus solos, [159] y también usó quintas y cuartas paralelas, que son armonías comunes en África Occidental. [160]
La escala pentatónica menor se usa a menudo en la improvisación de blues y, al igual que una escala de blues, se puede tocar una escala pentatónica menor sobre todos los acordes de un blues. Joe Henderson tocó el siguiente lamido pentatónico sobre cambios de blues en "African Queen" de Horace Silver (1965). [161]
El pianista, teórico y educador de jazz Mark Levine se refiere a la escala generada al comenzar en el quinto paso de una escala pentatónica como la escala V pentatónica . [162]
Levine señala que la escala pentatónica V funciona para los tres acordes de la progresión de jazz estándar II-VI. [163] Esta es una progresión muy común, utilizada en piezas como "Tune Up" de Miles Davis. El siguiente ejemplo muestra la escala pentatónica V sobre una progresión II-VI. [164]
En consecuencia, " Giant Steps " de John Coltrane (1960), con sus 26 acordes por 16 compases, se puede tocar utilizando sólo tres escalas pentatónicas. Coltrane estudió el Tesauro de escalas y patrones melódicos de Nicolas Slonimsky , que contiene material que es prácticamente idéntico a partes de "Pasos gigantes". [165] La complejidad armónica de "Giant Steps" está al nivel de la música artística más avanzada del siglo XX. Superponer la escala pentatónica sobre "Giant Steps" no es simplemente una cuestión de simplificación armónica, sino también una especie de "africanización" de la pieza, que proporciona un enfoque alternativo para los solos. Mark Levine observa que cuando se mezclan con "tocar los cambios" más convencionales, las escalas pentatónicas proporcionan "estructura y una sensación de mayor espacio". [166]
Jazz sagrado y litúrgico
Como se señaló anteriormente, el jazz ha incorporado desde sus inicios aspectos de la música sacra afroamericana, incluidos los espirituales y los himnos. Los músicos de jazz secular a menudo interpretaban canciones espirituales e himnos como parte de su repertorio o composiciones aisladas como "Come Sunday", parte de "Black and Beige Suite" de Duke Ellington . Más tarde, muchos otros artistas de jazz tomaron prestado de la música gospel negra . Sin embargo, fue solo después de la Segunda Guerra Mundial que algunos músicos de jazz comenzaron a componer e interpretar obras extendidas destinadas a entornos religiosos y / o como expresión religiosa. Desde la década de 1950, muchos compositores y músicos de jazz destacados han interpretado y grabado música sacra y litúrgica. [167] La "Abisinio Mass" de Wynton Marsalis (Blueengine Records, 2016) es un ejemplo reciente.
Se ha escrito relativamente poco sobre el jazz sagrado y litúrgico. En una tesis doctoral de 2013, Angelo Versace examinó el desarrollo del jazz sagrado en la década de 1950 utilizando disciplinas de la musicología y la historia. Señaló que las tradiciones de la música gospel negra y el jazz se combinaron en la década de 1950 para producir un nuevo género, el "jazz sagrado". [168] Versace sostuvo que la intención religiosa separa el jazz sagrado del secular. Los más destacados en la iniciación del movimiento del jazz sagrado fueron la pianista y compositora Mary Lou Williams , conocida por sus masas de jazz en la década de 1950 y Duke Ellington . Antes de su muerte en 1974 en respuesta a los contactos de Grace Cathedral en San Francisco, Duke Ellington escribió tres Sacred Concerts: 1965 - A Concert of Sacred Music; 1968 - Segundo Concierto Sagrado; 1973 - Tercer Concierto Sagrado.
La forma más destacada de jazz sagrado y litúrgico es la misa de jazz. Aunque con mayor frecuencia se realiza en un concierto en lugar de en un entorno de adoración en la iglesia, esta forma tiene muchos ejemplos. Un ejemplo eminente de compositores de la masa de jazz fue Mary Lou Williams . Williams se convirtió al catolicismo en 1957 y procedió a componer tres misas en el idioma del jazz. [169] Uno fue compuesto en 1968 para honrar al recientemente asesinado Martin Luther King Jr. y el tercero fue encargado por una comisión pontificia. Se realizó una vez en 1975 en la Catedral de San Patricio en la ciudad de Nueva York. Sin embargo, la iglesia católica no ha adoptado el jazz como apropiado para la adoración. En 1966 Joe Masters grabó "Jazz Mass" para Columbia Records. Un conjunto de jazz fue acompañado por solistas y un coro usando el texto en inglés de la Misa Católica Romana. [170] Otros ejemplos incluyen "Jazz Mass in Concert" de Lalo Schiffrin (Aleph Records, 1998, UPC 0651702632725) y "Jazz Mass" de Vince. Guaraldi (Fantasy Records, 1965). En Inglaterra, el compositor clásico Will Todd grabó su "Jazz Missa Brevis" con un conjunto de jazz, solistas y St Martin's Voices en un lanzamiento de Signum Records de 2018, "Passion Music / Jazz Missa Brevis" también lanzado como "Mass in Blue" y El organista de jazz James Taylor compuso "The Rochester Mass" (Cherry Red Records, 2015). [171] En 2013, Versace presentó al bajista Ike Sturm y a la compositora de Nueva York Deanna Witkowski como ejemplos contemporáneos del jazz sagrado y litúrgico. [168]
Fusión de jazz
A finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, la forma híbrida de fusión de jazz y rock se desarrolló combinando la improvisación de jazz con ritmos de rock, instrumentos eléctricos y el sonido escénico altamente amplificado de músicos de rock como Jimi Hendrix y Frank Zappa . La fusión de jazz a menudo usa compases mixtos, compases impares, síncopas, acordes complejos y armonías.
Según AllMusic :
... hasta alrededor de 1967, los mundos del jazz y el rock estaban casi completamente separados. [Sin embargo, ...] a medida que el rock se volvió más creativo y su musicalidad mejoró, y como algunos en el mundo del jazz se aburrieron del hard bop y no querían tocar música estrictamente de vanguardia , los dos modismos diferentes comenzaron a intercambiar ideas y ocasionalmente combinan fuerzas. [172]
Las nuevas direcciones de Miles Davis
En 1969, Davis adoptó por completo el enfoque de instrumentos eléctricos para el jazz con In a Silent Way , que puede considerarse su primer álbum de fusión. Compuesto por dos suites de lado largo editadas en gran medida por el productor Teo Macero , este álbum silencioso y estático sería igualmente influyente para el desarrollo de la música ambiental .
Como recuerda Davis:
La música que realmente estaba escuchando en 1968 era James Brown , el gran guitarrista Jimi Hendrix , y un nuevo grupo que acababa de sacar un disco de éxito, " Dance to the Music ", Sly and the Family Stone ... Quería hacerlo más parecido al rock. Cuando grabamos In a Silent Way , simplemente tiré todas las hojas de acordes y les dije a todos que tocaran con eso. [173]
Dos colaboradores de In a Silent Way también se unieron al organista Larry Young para crear uno de los primeros álbumes de fusión aclamados: Emergency! (1969) de The Tony Williams Lifetime .
Jazz psicodélico
Reporte del clima
El álbum debut electrónico y psicodélico de Weather Report , homónimo, causó sensación en el mundo del jazz a su llegada en 1971, gracias al pedigrí de los miembros del grupo (incluido el percusionista Airto Moreira ) y su enfoque poco ortodoxo de la música. El álbum presentaba un sonido más suave que el que sería el caso en años posteriores (predominantemente usando bajo acústico con Shorter tocando exclusivamente el saxofón soprano y sin sintetizadores involucrados), pero aún se considera un clásico de la fusión temprana. Se basó en los experimentos de vanguardia que Joe Zawinul y Shorter habían iniciado con Miles Davis en Bitches Brew , incluida la evitación de la composición de la cabeza y el coro en favor del ritmo y el movimiento continuos, pero llevó la música más allá. Para enfatizar el rechazo del grupo a la metodología estándar, el álbum se abrió con la inescrutable pieza atmosférica de vanguardia "Milky Way", que presentaba el saxofón extremadamente silenciado de Shorter que inducía vibraciones en las cuerdas del piano de Zawinul mientras este último pedaleaba el instrumento. Down Beat describió el álbum como "música más allá de la categoría" y lo otorgó como Álbum del año en las encuestas de la revista ese año.
Los lanzamientos posteriores de Weather Report fueron trabajos creativos de funk-jazz. [174]
Jazz-rock
Aunque algunos puristas del jazz protestaron contra la mezcla de jazz y rock, muchos innovadores del jazz pasaron de la escena del hard bop contemporáneo a la fusión. Además de los instrumentos eléctricos del rock (como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, el piano eléctrico y los teclados sintetizadores), la fusión también utilizó la potente amplificación, los pedales "fuzz" , los pedales wah-wah y otros efectos que se utilizaban en la década de 1970. bandas de rock. Artistas notables de fusión de jazz incluyeron a Miles Davis, Eddie Harris , teclistas Joe Zawinul , Chick Corea y Herbie Hancock, vibrafonista Gary Burton , baterista Tony Williams (baterista) , violinista Jean-Luc Ponty , guitarristas Larry Coryell , Al Di Meola , John McLaughlin , Ryo Kawasaki y Frank Zappa , el saxofonista Wayne Shorter y los bajistas Jaco Pastorius y Stanley Clarke . La fusión de jazz también fue popular en Japón, donde la banda Casiopea lanzó más de treinta álbumes de fusión.
Según el escritor de jazz Stuart Nicholson, "justo cuando el free jazz apareció a punto de crear un lenguaje musical completamente nuevo en la década de 1960 ... el jazz-rock sugirió brevemente la promesa de hacer lo mismo" con álbumes como Emergencia de Williams . (1970) y Davis ' Agharta (1975), que Nicholson dijo "sugirió el potencial de evolucionar hacia algo que eventualmente podría definirse a sí mismo como un género totalmente independiente, aparte del sonido y las convenciones de todo lo que había existido antes". Este desarrollo fue sofocado por el comercialismo, dijo Nicholson, ya que el género "mutó en una especie peculiar de música pop con inflexión de jazz que finalmente se instaló en la radio FM" a fines de la década de 1970. [175]
Jazz-funk
A mediados de la década de 1970, se había desarrollado el sonido conocido como jazz-funk, caracterizado por un fuerte back beat ( groove ), sonidos electrificados [176] y, a menudo, la presencia de sintetizadores electrónicos analógicos . El jazz-funk también se inspira en la música tradicional africana, los ritmos afrocubanos y el reggae jamaicano , en particular el líder de la banda de Kingston, Sonny Bradshaw . Otra característica es el cambio de énfasis de la improvisación a la composición: los arreglos, la melodía y la escritura en general se volvieron importantes. La integración de la música funk , soul y R&B en el jazz dio como resultado la creación de un género cuyo espectro es amplio y va desde una fuerte improvisación de jazz hasta soul, funk o disco con arreglos de jazz, riffs de jazz y solos de jazz y, a veces, voces de soul. [177]
Los primeros ejemplos son la banda Headhunters de Herbie Hancock y el álbum On the Corner de Miles Davis , que, en 1972, inició la incursión de Davis en el jazz-funk y fue, según él, un intento de reconectarse con el público joven negro que había abandonado en gran medida el jazz por rock y funk. Si bien hay una influencia de rock y funk perceptible en los timbres de los instrumentos empleados, otras texturas tonales y rítmicas, como la tambora y las tablas indias y las congas y bongos cubanos, crean un paisaje sonoro de múltiples capas. El álbum fue la culminación de una especie de enfoque de la música concreta que Davis y el productor Teo Macero habían comenzado a explorar a fines de la década de 1960.
Tradicionalismo en la década de 1980
La década de 1980 vio algo así como una reacción contra la fusión y el free jazz que había dominado la década de 1970. El trompetista Wynton Marsalis surgió a principios de la década y se esforzó por crear música dentro de lo que él creía que era la tradición, rechazando tanto la fusión como el free jazz y creando extensiones de las formas pequeñas y grandes en las que inicialmente fueron pioneros artistas como Louis Armstrong y Duke Ellington , como así como el hard bop de la década de 1950. Es discutible si el éxito crítico y comercial de Marsalis fue una causa o un síntoma de la reacción contra Fusion y Free Jazz y el resurgimiento del interés en el tipo de jazz pionero en la década de 1960 (particularmente jazz modal y post-bop ); Sin embargo, hubo muchas otras manifestaciones de un resurgimiento del tradicionalismo, incluso si la fusión y el free jazz no fueron abandonados de ninguna manera y continuaron desarrollándose y evolucionando.
Por ejemplo, varios músicos que habían sido prominentes en el género de fusión durante la década de 1970 comenzaron a grabar jazz acústico una vez más, incluidos Chick Corea y Herbie Hancock . Otros músicos que habían experimentado con instrumentos electrónicos en la década anterior los habían abandonado en los años ochenta; por ejemplo, Bill Evans , Joe Henderson y Stan Getz . Incluso la música de Miles Davis de los ochenta , aunque ciertamente sigue siendo una fusión, adoptó un enfoque mucho más accesible y reconociblemente orientado al jazz que su trabajo abstracto de mediados de los setenta, como un regreso a un enfoque de tema y solos.
El surgimiento de jóvenes talentos del jazz que comienzan a actuar en grupos de músicos más viejos y establecidos afectó aún más el resurgimiento del tradicionalismo en la comunidad del jazz. En la década de 1970, los grupos de Betty Carter y Art Blakey y los Jazz Messengers mantuvieron sus enfoques conservadores del jazz en medio de la fusión y el jazz-rock, y además de tener dificultades para reservar sus actos, lucharon por encontrar generaciones más jóvenes de personal para tocar auténticamente. estilos tradicionales como hard bop y bebop . Sin embargo, a fines de la década de 1970, comenzó a producirse un resurgimiento de los músicos de jazz más jóvenes en la banda de Blakey. Este movimiento incluyó a músicos como Valery Ponomarev y Bobby Watson , Dennis Irwin y James Williams . En la década de 1980, además de Wynton y Branford Marsalis , la aparición de pianistas en los Jazz Messengers como Donald Brown , Mulgrew Miller , y más tarde Benny Green, bajistas como Charles Fambrough , Lonnie Plaxico (y más tarde, Peter Washington y Essiet Essiet) , músicos de jazz como Bill Pierce , Donald Harrison y más tarde Javon Jackson y Terence Blanchard emergieron como talentosos músicos de jazz, todos los cuales hicieron contribuciones significativas en las décadas de 1990 y 2000.
Los contemporáneos de los jóvenes Jazz Messengers, incluidos Roy Hargrove , Marcus Roberts , Wallace Roney y Mark Whitfield , también fueron influenciados por el énfasis de Wynton Marsalis hacia la tradición del jazz. Estas estrellas emergentes más jóvenes rechazaron los enfoques de vanguardia y en su lugar defendieron el sonido de jazz acústico de Charlie Parker, Thelonious Monk y las primeras grabaciones del primer quinteto de Miles Davis . Este grupo de "Young Lions" buscaba reafirmar el jazz como una alta tradición artística comparable a la disciplina de la música clásica. [178]
Además, la rotación de Betty Carter de jóvenes músicos en su grupo presagió a muchos de los principales músicos de jazz tradicional de Nueva York más adelante en sus carreras. Entre estos músicos se encontraban los ex alumnos de Jazz Messenger Benny Green , Branford Marsalis y Ralph Peterson Jr. , así como Kenny Washington , Lewis Nash , Curtis Lundy , Cyrus Chestnut , Mark Shim , Craig Handy , Greg Hutchinson y Marc Cary , Taurus Mateen y Geri Allen. .
El conjunto de OTB incluyó una rotación de jóvenes músicos de jazz como Kenny Garrett , Steve Wilson , Kenny Davis , Renee Rosnes , Ralph Peterson Jr. , Billy Drummond y Robert Hurst . [179]
Una reacción similar [ vaga ] tuvo lugar contra el free jazz. Según Ted Gioia :
los mismos líderes de la vanguardia comenzaron a señalar un retroceso de los principios básicos del free jazz. Anthony Braxton comenzó a registrar estándares sobre cambios de acordes familiares. Cecil Taylor tocó a dúos en concierto con Mary Lou Williams , y la dejó establecer armonías estructuradas y vocabulario familiar de jazz bajo su ataque de teclado abrasador. Y la próxima generación de jugadores progresivos sería aún más complaciente, moviéndose dentro y fuera de los cambios sin pensarlo dos veces. Es posible que músicos como David Murray o Don Pullen sintieran la llamada del jazz de forma libre, pero nunca olvidaron todas las otras formas en que se podía tocar música afroamericana para divertirse y obtener ganancias. [180]
El pianista Keith Jarrett —cuyas bandas de la década de 1970 habían tocado solo composiciones originales con destacados elementos de free jazz— estableció su llamado 'Trío de estándares' en 1983, que, aunque también ocasionalmente explora la improvisación colectiva, ha tocado y grabado principalmente estándares de jazz. De manera similar, Chick Corea comenzó a explorar los estándares del jazz en la década de 1980, después de haberlos descuidado durante la década de 1970.
En 1987, la Cámara de Representantes y el Senado de los Estados Unidos aprobaron un proyecto de ley propuesto por el Representante Demócrata John Conyers Jr. para definir el jazz como una forma única de música estadounidense, declarando que "por la presente se designa al jazz como un tesoro nacional estadounidense raro y valioso al que deberíamos dedicar nuestra atención, apoyo y recursos para asegurarnos de que sea preservado, entendido y promulgado ". Fue aprobada en la Cámara el 23 de septiembre de 1987 y en el Senado el 4 de noviembre de 1987 [181].
Jazz suave
A principios de la década de 1980, una forma comercial de fusión de jazz llamada "fusión pop" o "jazz suave" se convirtió en un éxito, consiguiendo una difusión de radio significativa en las franjas horarias de la " tormenta silenciosa " en las estaciones de radio de los mercados urbanos de los EE. UU. Esto ayudó a establecer o reforzar las carreras de vocalistas como Al Jarreau , Anita Baker , Chaka Khan y Sade , así como saxofonistas como Grover Washington Jr. , Kenny G , Kirk Whalum , Boney James y David Sanborn . En general, el jazz suave es downtempo (las pistas más reproducidas son de 90 a 105 pulsaciones por minuto ) y tiene un instrumento que toca la melodía principal (el saxofón, especialmente soprano y tenor, y la guitarra eléctrica legato son populares).
En su artículo de Newsweek "The Problem With Jazz Criticism", [182] Stanley Crouch considera que la interpretación de la fusión de Miles Davis fue un punto de inflexión que condujo al smooth jazz. El crítico Aaron J. West ha contrarrestado las percepciones a menudo negativas del jazz suave, afirmando:
Desafío la marginación y la malignidad prevalecientes del jazz suave en la narrativa estándar del jazz. Además, cuestiono la suposición de que el jazz suave es un resultado evolutivo desafortunado e inoportuno de la era del jazz fusión. En cambio, sostengo que el jazz suave es un estilo musical de larga duración que merece análisis multidisciplinarios de sus orígenes, diálogos críticos, práctica de interpretación y recepción. [183]
Acid jazz, nu jazz y jazz rap
El acid jazz se desarrolló en el Reino Unido en las décadas de 1980 y 1990, influenciado por el jazz-funk y la música electrónica de baile . El acid jazz a menudo contiene varios tipos de composición electrónica (a veces, incluido el muestreo o el corte y el scratching de DJ en vivo ), pero es muy probable que lo toquen en vivo músicos, que a menudo muestran la interpretación del jazz como parte de su interpretación. Richard S. Ginell de AllMusic considera a Roy Ayers "uno de los profetas del acid jazz". [184]
El nu jazz está influenciado por la armonía y las melodías del jazz, y no suele haber aspectos de improvisación. Puede ser de naturaleza muy experimental y puede variar ampliamente en sonido y concepto. Abarca desde la combinación de instrumentación en vivo con los ritmos del jazz house (como lo ejemplifican St Germain , Jazzanova y Fila Brazillia ) hasta más jazz improvisado basado en bandas con elementos electrónicos (por ejemplo, The Cinematic Orchestra , Kobol y el noruego "). Future Jazz "estilo pionero por Bugge Wesseltoft , Jaga Jazzist y Nils Petter Molvær ).
El jazz rap se desarrolló a finales de los 80 y principios de los 90 e incorpora influencias del jazz en el hip hop . En 1988, Gang Starr lanzó el sencillo debut "Words I Manifest", que incluía "Night in Tunisia" de 1962 de Dizzy Gillespie, y Stetsasonic lanzó "Talkin 'All That Jazz", que incluía a Lonnie Liston Smith . El LP debut de Gang Starr No More Mr. Nice Guy (1989) y su tema de 1990 "Jazz Thing" incluyeron muestras de Charlie Parker y Ramsey Lewis . Los grupos que componían Native Tongues Posse tendían a lanzamientos de jazz: estos incluyen el debut de Jungle Brothers Straight Out the Jungle (1988), y A Tribe Called Quest 's People's Instinctive Travels and the Paths of Rhythm (1990) y The Low End Theory (1991). El dúo de rap Pete Rock & CL Smooth incorporó influencias del jazz en su debut en 1992, Mecca and the Soul Brother . La serie Jazzmatazz de Rapper Guru comenzó en 1993 con músicos de jazz durante las grabaciones de estudio.
Aunque el jazz rap había logrado poco éxito en la corriente principal, el último álbum de Miles Davis, Doo-Bop (lanzado póstumamente en 1992) se basó en ritmos de hip hop y colaboraciones con el productor Easy Mo Bee . El ex compañero de banda de Davis, Herbie Hancock, también absorbió influencias del hip-hop a mediados de la década de 1990, lanzando el álbum Dis Is Da Drum en 1994.
Punk jazz y jazzcore
La relajación de la ortodoxia que coincidió con el post-punk en Londres y Nueva York llevó a una nueva apreciación del jazz. En Londres, el Grupo Pop comenzó a mezclar free jazz y dub reggae en su estilo de punk rock. [185] En Nueva York, No Wave se inspiró directamente tanto en el free jazz como en el punk. Los ejemplos de este estilo incluyen almuerzo de Lydia 's la reina de Tailandia , [186] gris, la obra de James Chance y las contorsiones (que mezcló alma con el free jazz y el punk ) [186] y los lagartos de salón [186] (el primer grupo llamarse a sí mismos " punk jazz ").
John Zorn tomó nota del énfasis en la velocidad y la disonancia que se estaba volviendo predominante en el punk rock, y lo incorporó al free jazz con el lanzamiento del álbum Spy vs.Spy en 1986, una colección de canciones de Ornette Coleman hechas en el estilo thrashcore contemporáneo. . [187] En el mismo año, Sonny Sharrock , Peter Brötzmann , Bill Laswell y Ronald Shannon Jackson grabaron el primer álbum bajo el nombre de Last Exit , una mezcla igualmente agresiva de thrash y free jazz. [188] Estos desarrollos son los orígenes del jazzcore , la fusión del free jazz con el hardcore punk .
Base M
El movimiento M-Base comenzó en la década de 1980, cuando un colectivo informal de jóvenes músicos afroamericanos en Nueva York, que incluía a Steve Coleman , Greg Osby y Gary Thomas, desarrolló un sonido complejo pero estridente [189] .
En la década de 1990, la mayoría de los participantes de M-Base recurrieron a la música más convencional, pero Coleman, el participante más activo, continuó desarrollando su música de acuerdo con el concepto de M-Base. [190]
La audiencia de Coleman disminuyó, pero su música y conceptos influyeron en muchos músicos, según el pianista Vijay Iver y el crítico Ben Ratlifff de The New York Times . [191] [192]
M-Base cambió de un movimiento de un colectivo suelto de músicos jóvenes a una especie de "escuela" informal de Coleman, [193] con un concepto mucho más avanzado pero ya originalmente implícito. [194] La música de Steve Coleman y el concepto de M-Base ganaron reconocimiento como "el siguiente paso lógico" después de Charlie Parker, John Coltrane y Ornette Coleman. [195]
Década de 1990 hasta el presente
Desde la década de 1990, el jazz se ha caracterizado por un pluralismo en el que no domina ningún estilo, sino que son populares una amplia gama de estilos y géneros. Los artistas individuales a menudo tocan en una variedad de estilos, a veces en la misma interpretación. El pianista Brad Mehldau y The Bad Plus han explorado la música rock contemporánea en el contexto del trío de piano acústico tradicional de jazz, grabando versiones de jazz instrumental de canciones de músicos de rock. The Bad Plus también ha incorporado elementos de free jazz en su música. Algunos intérpretes, como los saxofonistas Greg Osby y Charles Gayle , han mantenido una firme postura de vanguardia o free jazz , mientras que otros, como James Carter , han incorporado elementos del free jazz en un marco más tradicional.
Harry Connick Jr.comenzó su carrera tocando el piano stride y el dixieland jazz de su hogar, Nueva Orleans, comenzando con su primera grabación cuando tenía 10 años. [196] Algunas de sus primeras lecciones fueron en casa del pianista Ellis Marsalis . [197] Connick tuvo éxito en las listas de éxitos después de grabar la banda sonora de la película When Harry Met Sally , que vendió más de dos millones de copias. [196] El éxito de crossover también lo han logrado Diana Krall , Norah Jones , Cassandra Wilson , Kurt Elling y Jamie Cullum .
Desde la década de 1990 han surgido varios intérpretes que suelen actuar en entornos bastante sencillos , incluidos los pianistas Jason Moran y Vijay Iyer , el guitarrista Kurt Rosenwinkel , el vibrafonista Stefon Harris , los trompetistas Roy Hargrove y Terence Blanchard , los saxofonistas Chris Potter y Joshua Redman , clarinetista Ken Peplowski y el bajista Christian McBride .
Aunque la fusión de jazz y rock alcanzó la cima de su popularidad en la década de 1970, el uso de instrumentos electrónicos y elementos musicales derivados del rock en el jazz continuó en las décadas de 1990 y 2000. Los músicos que utilizan este enfoque incluyen a Pat Metheny , John Abercrombie , John Scofield y el grupo sueco est. Desde principios de la década de 1990, la música electrónica tuvo importantes mejoras técnicas que popularizaron y crearon nuevas posibilidades para el género. Los elementos del jazz como la improvisación, las complejidades rítmicas y las texturas armónicas se introdujeron en el género y, en consecuencia, tuvieron un gran impacto en los nuevos oyentes y, de alguna manera, mantuvieron la versatilidad del jazz para relacionarse con una generación más nueva que no necesariamente se relacionaba con lo que los tradicionalistas llaman real. jazz (bebop, cool y modal jazz). [198] Artistas como Squarepusher , Aphex Twin , Flying Lotus y subgéneros como IDM , Drum n 'Bass, Jungle y Techno terminaron incorporando muchos de estos elementos. [199] Squarepusher es citado como una gran influencia para los intérpretes de jazz, el baterista Mark Guiliana y el pianista Brad Mehldau , mostrando que las correlaciones entre el jazz y la música electrónica son una calle de dos vías. [200]
En 2001, el documental Jazz de Ken Burns se estrenó en PBS , con Wynton Marsalis y otros expertos que revisaron toda la historia del jazz estadounidense hasta ese momento. Sin embargo, recibió algunas críticas por no reflejar las muchas tradiciones y estilos distintivos no estadounidenses en el jazz que se habían desarrollado, y su representación limitada de los desarrollos estadounidenses en el último cuarto del siglo XX.
A mediados de la década de 2010 se vio una influencia creciente del R&B, el hip-hop y la música pop en el jazz. En 2015, Kendrick Lamar lanzó su tercer álbum de estudio, To Pimp a Butterfly . El álbum contó en gran medida con destacados artistas de jazz contemporáneo como Thundercat [201] y jazz rap redefinido con un enfoque más amplio en la improvisación y solos en vivo en lugar de simplemente samplear. Ese mismo año, el saxofonista Kamasi Washington lanzó su debut de casi tres horas, The Epic . Sus ritmos inspirados en el hip-hop y sus interludios vocales de R&B no solo fueron aclamados por la crítica por ser innovadores para mantener la relevancia del jazz, [202] sino que también provocaron un pequeño resurgimiento del jazz en Internet.
Otra tendencia del jazz de 2010 asistida por Internet fue la de la extrema armonización , inspirada tanto por músicos virtuosos conocidos por su velocidad y ritmo como Art Tatum , como por músicos conocidos por sus ambiciosos voicings y acordes como Bill Evans. El supergrupo Snarky Puppy adoptó esta tendencia, permitiendo a intérpretes como Cory Henry [203] dar forma a los ritmos y armonías de los solos de jazz moderno. El fenómeno de YouTube Jacob Collier también ganó reconocimiento por su habilidad para tocar una cantidad increíblemente grande de instrumentos y su habilidad para usar microtonos , polirritmos avanzados y mezclar un espectro de géneros en su proceso de producción en gran parte casero. [204] [205]
Jazz y musica clasica
La compositora de música clásica ganadora del Premio Pulitzer Ellen Taaffe Zwilich ha sido influenciada por el jazz. [206]
Ver también
- Jazz (Henri Matisse)
- Piano de jazz
- Realeza del jazz
- Archivo de jazz victoriano
- Día Internacional del Jazz
- Bibliografía de jazz
- Cronología de la educación del jazz
- Lista de festivales de jazz
- Lista de géneros de jazz
- Lista de músicos de jazz
- Lista de estándares de jazz
- Lista de lugares de jazz
- Lista de lugares de jazz en los Estados Unidos
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Es difícil exagerar la influencia de [Coleman]. Ha afectado a más de una generación, tanto como a cualquiera desde John Coltrane ... No es solo que puedes conectar los puntos tocando siete u 11 tiempos. Lo que se encuentra detrás de su influencia es esta perspectiva global sobre la música y la vida. Tiene un punto de vista de lo que hace y por qué lo hace.
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Referencias
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enlaces externos
- Jazz en el Museo Smithsonian
- Sitio web del Salón de la Fama del Jazz de Alabama
- RedHotJazz.com
- Jazz en el Lincoln Center
- Sitio web del American Jazz Museum